En Boavita, Boyacá vive la Señorita María, un personaje con la fortaleza y rebeldía para asumir su condición de mujer, a pesar de haber nacido en cuerpo de hombre y recibir las burlas y el rechazo de una comunidad que hasta ahora nunca la había comprendido e incluso la había acusado de estar poseída. Hasta allá se fue el director colombiano Rubén Mendoza, el mismo de La Sociedad del Semáforo y Tierra en la Lengua para contarnos una historia de la que muchos saldremos conmovidos. Hablamos con ellos aprovechando el lanzamiento del documental en el Festival de Cine de Cartagena, para conocer el espíritu y el trabajo detrás de una historia que le tomó seis años narrarla, tiempo en el que Mendoza logró construir una relación tan estrecha con María Luisa, para poder revelar desde los detalles más bonitos de su existencia, hasta el tormento que ha significado el ser aceptada por los que la rodean. Cómo nació el proyecto y cómo pudo construirse “Yo sabía de ella por habladurías, porque yo visitaba a mi abuela en ese pueblo y pasé mucho tiempo de mi niñez, a veces temporadas muy largas. Conservé mis viajes hasta a mi adolescencia y un día que iba con una amiga de la época, la vi por primera vez. La señorita María seguramente no se acuerda, iba con una vaca y la saludé. Le pregunté que para dónde era Soatá, pero en realidad era una pregunta tonta, porque era evidente. De todas formas ella me indicó y le agradecí. Eso fue en 2007. Posteriormente en 2011, luego de volver de una beca de escritura en París, desesperado por hacer algo, todavía sin un guión claro, porque allá no logré escribirlo, me acordé de la señorita María y fui a la casa donde mi papá creció con sus 24 hermanos, pero con cámara en mano”, cuenta el realizador colombiano. Que además agrega: “La hice buscar por unos amigos, porque la Señorita María vive a dos horas del pueblo a pie, aunque a ella le rinde. Nos reunimos en la casa de mi abuela, que para ese entonces ya se había muerto, le hice la propuesta y aceptó. De esas conversaciones salieron las imágenes del principio de la película. Rodamos seis días y luego empezó a hacer pataletas y se me escondió. Y bueno, yo la entendía, porque estaba muy prevenida, ya que en el pueblo era víctima de muchas burlas y rechazo. Finalmente se perdió como año y medio. Lo bueno fue que con lo que alcanzamos a rodar busqué a Amanda Sarmiento, mi productora, y empezamos a participar en festivales hasta que ganamos el premio grande del Fondo de desarrollo. En ese momento tenía la plata, pero ella no aparecía, incluso un día nos hizo viajar con todo el equipo y nunca la encontramos. Luego nos confesó que nos espiaba desde la montaña. Con el tiempo nuestros lazos se estrecharían y creamos una relación de confianza. Empezamos a grabar por periodos de tres semanas, nos íbamos, volvíamos. Gracias a ello comenzamos a profundizar en temas y ella aceptó liberarse un poco de todo ese peso hablando con nosotros. Ahora podemos decir que nuestra amistad hace rato que trascendió lo cinematográfico”.
Con éxito rotundo de Caracol Televisión y Señal Colombia, se entregaron en Cartagena los premios India Catalina a lo mejor de a televisión y nuevos formatos digitales. Shock estuvo nominado en la categoría de Mejor serie de animación, con su producción ‘El Profesor Super O’. Las producciones La Niña y La Esclava Blanca se destacan como las más ganadoras, incluyendo entre las triunfadoras a la actriz a Ana María Estupiñán. Estos son los ganadores de las 41 categorías de los 33º Premios India Catalina de la Industria Audiovisual Colombiana: Mejor Telenovela o serie La Niña— Caracol Televisión y CMO Producciones Mejor Director de Telenovela o Serie Rodrigo Triana, Camilo Vega - La Niña - Caracol Televisión y CMO Producciones Mejor Libreto de Telenovela o Serie Juana Uribe, María Clara Torres, Ricardo Aponte, Leonor Sardi - La Niña - Caracol Televisión y CMO Producciones Mejor Actriz Protagónica de Telenovela o Serie Ana María Estupiñan – La Niña - Caracol Televisión y CMO Producciones Mejor Actor Protagónico de Telenovela o Serie Sebastián Eslava - La Niña - Caracol Televisión y CMO Producciones Mejor Actriz de Reparto de Telenovela o Serie Marcela Benjumea - La Niña - Caracol Televisión y CMO Producciones Mejor Actor de Reparto de Telenovela o Serie Variel Sánchez - La Niña - Caracol Televisión y CMO Producciones Mejor Actriz Antagónica de Telenovela o Serie Alejandra Borrero — Azúcar RCN Televisión Mejor Actor Antagónico de Telenovela o Serie Diego Vásquez - Caracol Televisión y CMO Producciones Actriz o Actor Revelación del año de Telenovela o Serie Victoria Ortíz - La Niña - Caracol Televisión y CMO Producciones Mejor Banda Sonora de Telenovela o Serie Alejandro Ramírez Rojas - La Esclava Blanca – Caracol Televisión Mejor Arte de Telenovela o Serie Guarnizo, Lizarralde - La Esclava Blanca – Caracol Televisión Mejor Fotografía de Telenovela o Serie Alfredo Ruiz y Andrés Gutiérrez - - La Esclava Blanca – Caracol Televisión. Mejor Edición de Telenovela o Serie Diego Narciso - La Esclava Blanca – Caracol Televisión. Mejor Noticiero Nacional Noticias CM& - CM& Televisión – Canal UNO Mejor Noticiero Regional o Local City Noticias - City TV Mejor Presentador(a) de Noticias Mabel Lara - Noticias Caracol - Caracol Televisión Mejor Presentador(a) de Deportes Georgina Ruíz Sandoval Mi giro x señal Señal Colombia – RTVC Mejor producción periodística y/o opinión para televisión Los Informantes – Caracol Televisión Mejor Producción Deportiva Mi giro x señal Señal Colombia – RTVC Mejor Documental para televisión Mutis – Señal Colombia - RTVC Mejor Programa de Entretenimiento Asquerosamente Rico 2 - Señal Colombia – RTVC Mejor Presentador de Programa de Entretenimiento Juan Diego Vanegas Asquerosamente Rico 2 Señal Colombia – RTVC Mejor Programa Infantil Mis juegos Señal Colombia – RTVC Mejor Programa Juvenil Expedición cóndor de los andes 3 Señal Colombia – RTVC Mejor Programa Reality y/o Concurso Expedición cóndor de los andes 3 Señal Colombia – RTVC Mejor Programa de Humor Sábado Felices – Caracol Televisión Mejor Producción Audiovisual de Animación Las niñas de la guerra 2 - Señal Colombia – RTVC Mejor Director de Música Camilo Sanabria - Así Somos Señal Colombia – RTVC Mejor Director de Arte Luisa Uribe - Josefina Súper Mega Chef - Señal Colombia – RTVC Mejor fotógrafo Juan Carlos Cajiao y Carlos Hernández Así Somos Señal Colombia – RTVC Mejor Editor Marlon Cortés, Oscar Ortiz, Andrés Arias García - Danza Colombia en escena Señal Colombia – RTVC Mejor Talento Infantil de la Industria Audiovisual Nacional Melissa Cáceres - La Niña - Caracol Televisión y CMO Producciones Mejor Nuevo Creador Bajo el Mismo Cielo - Canal Regional Telepacífico Mejor Producción de Canal Comunitario Sequía en el Catatumbo Canal Comunitario Tv San Jorge Asucap San Jorge Mejor Producción de Interés Público Tejiendo la Paz - Señal Colombia - RTVC Mejor Producción de Inclusión Social Así Somos Señal Colombia – RTVC Mejor Producción On Line #HolaSoyDanny - Daniel Samper Mejor Talento On Line Guillermo Prieto (Pirry) Mejor Producción de Televisión Favorita del Público. La Ley del Corazón - RCN Televisión Mejor talento de televisión favorito del público Sebastián Martínez - Bloque de Búsqueda - RCN Televisión
Este miércoles 1 de marzo comienza el Festival de Cine de Cartagena 2017 con la proyección de la película, El Silencio de los Fusiles, de Natalia Orozco. Al día siguiente y hasta el lunes 6 de marzo se realizarán sus diferentes competencias en los géneros de ficción, documental, cine colombiano, gemas, nuevos creadores, cine en construcción y cortometrajes. Este año el Ficci ha traido para la elección de los ganadores de cada sección a un importante jurado entre los que se encuentran Christoph Terhechte, del Berlinale Forum; Fabienne Moris, Coordinadora de programación del Festival Internacional de Cine de Marsella; y Trevor Groth, Director de programacón del Festival de Cine de Sundance, entre otros. Casi un centenar de películas buscando seguir su desarrollo festivaleando con una gran victoria a cuestas, antes de enfrentarse al gran público.
El FICCI 57 tendrá dos retrospectivas de cineastas que filmaron las palabras, el brasileño Eduardo Coutinho y el francés Éric Rohmer. Por: Laboratorios Blackvelvet El Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI) rinde homenaje a dos grandes figuras del cine mundial, con dos programas que también son un tributo a la memoria. Ocho de las producciones más reconocidas de Coutinho, un documentalista definitivo, y la serie de seis películas conocidas como "Los cuentos morales de Éric Rohmer", del icónico director francés, conforman estos dos programas. Eduardo de Oliveira Coutinho trabajó como director, actor, guionista, productor y periodista en importantes medios como TV Globo y el Jornal do Brasil. En su trabajo le dio la palabra al pueblo sin victimizarlo, por el contrario, lograba entrar con franqueza y empatía en las realidades de las personas, a través de entrevistas frente a cámara, que se convierten en testimonios del lado más humano y sensible de esas vidas. Coutinho contaba con una mágica capacidad de generar confianza en los demás, permitiendo que aquel que quería ser escuchado encontrara el espacio y a la persona ideal para hacerlo. En una acción tan simple como una conversación entre dos personas, radica la belleza y profunda originalidad de su obra. Gracias a la alianza con la Universidad del Magdalena, el apoyo de la Embajada de Brasil y de la productora brasileña VideoFilmes, la curaduría y coordinación de Patricia Ruiz Acero y la colaboración de Luis Fernando Bottía y María Campaña Ramia, el FICCI 57 presentará ocho de los documentales más reconocidos de este director, y celebra su vida y obra después de tres años de su fallecimiento. La muestra incluye a Cabra marcado para morrer (1984), Edifício Master (2002), Peões (2004), O Fim e o Princípio (2006), Jogo de Cena (2007), As Canções (2011), Moscou (2009) y Últimas Conversas (2015) trabajo póstumo que fue concluido por su productor y amigo João Moreira Salles, quien estará en Cartagena acompañando la retrospectiva. También se presentará el documental Eduardo Coutinho, 7 de outubro, en el que el director Carlos Nader puso al documentalista en la misma situación en la que este ubicó a sus personajes: en un diálogo franco y revelador. Como parte de las actividades del Año Colombia Francia 2017, que cuentan con el apoyo del Institut Français, Unifrance y la embajada de Francia, se presentará la serie fundacional del cine de Éric Rohmer, conocida como "Los seis cuentos morales". Estas películas, esenciales para entender no solo la obra de Rohmer sino todo el cine moderno, se distinguen por un extenso uso del lenguaje como principal puente entre los personajes y el mundo, un estilo que en su apariencia naturalista filtra las referencias pictóricas y literarias, y un cuidadoso examen de la moral y las idiosincrasias burguesas, puestas en crisis por el deseo. La Francia de 1960, conmocionada por las tensiones de la Guerra Fría, la lucha por la liberación en Argelia, y movimientos sociales como el de los estudiantes, la revolución sexual y el feminismo, es el escenario en el que se plantea cada una de las historias de esta serie, en la que Rohmer hizo el ejercicio de analizar la historia en tiempo real y críticamente, mientras un nuevo e incierto orden simbólico se instauraba en el aire. La retrospectiva está compuesta por los largometrajes Ma Nuit chez Maud (Mi noche con Maud), Le Genou de Claire (La rodilla de Clara), L’Amour l’Après-midi (El amor después del mediodía) y La Collectionneuse (La coleccionista), junto a los cortometrajes La Boulangère de Monceau (La panadera de Monceau) y La Carrière de Suzanne (La carrera de Suzanne). Eric Rohmer (1920-2010) es recordado por ser el más conservador a nivel político y el más cercano estéticamente al clasicismo norteamericano del grupo de directores de la Nouvelle vague. Con una prolífica carrera, "Los seis cuentos morales" le llevaron al realizador diez años para su conclusión, convirtiéndolo en una de las figuras esenciales del cine europeo de la segunda mitad del siglo XX.
Cassel, reconocido internacionalmente como uno de los actores europeos más talentosos y prolíficos, estará en Cartagena, donde se exhibirán cinco de sus películas y participará en el Salón FICCI. Su visita hace parte de las actividades del Año Colombia Francia 2017. Por: Laboratorios Black Velvet // Foto: AFP Caracterizado por papeles de gran complejidad expresiva y psicológica, así como por sus rasgos y penetrante mirada, Cassel supo desde los quince años que quería ser actor y a los 17 huyó del internado al que su padre, el también actor Jean-Pierre Cassel, lo había mandado para integrarse a una escuela de circo y tomar lecciones de danza. Su trabajo y dedicación lo llevarían a debutar en la serie de televisión La belle Anglaise en 1988, y posteriormente en la gran pantalla con Las cigüeñas hacen lo que se les da la gana (1989) de Didier Kaminka. Hizo parte de la comedia romántica Métisse (1993) de Mathieu Kassovitz, y de la mano de este director, en 1995, vendría su salto a la fama internacional con la película El Odio (La Haine), en la que encarnó a un joven de clase media después de un día de disturbios en París. Por esta producción recibió dos nominaciones en los Premios César, en las categorías de Mejor Actor y Actor Promesa, mientras que Kassovitz recibió el Premio a Mejor Director en el Festival de Cannes de ese año. Los cineastas con los que Cassel ha trabajado lo eligen para encarnar personajes extravagantes, malvados y temperamentales. Se caracteriza por su pasión y su instinto a la hora de interpretar personajes que, en muchos casos, están marcados por sus relaciones con las mujeres. Quizá por eso ha llegado a decir que para él "todos los buenos actores, son actrices". El Ficci 57 recorrerá la carrera de Vincent Cassel a partir de cinco de sus producciones. La ya mencionada El Odio; Sur mes Lèvres (Read my Lips, 2001) de Jacques Audiard, que le valió otra nominación en los César; Notre jour viendra (Our Day Will Come, 2010) de Romain Gavras, donde interpreta a un psiquiatra que ayuda a su paciente a dejar el odio y encontrar su sexualidad; Il racconto dei racconti (Tale of Tales, 2015) de Mateo Garrone, ganadora de 18 premios internacionales y nominada a la Palma de Oro de Cannes; y como cierre del tributo Solo el fin del mundo (Juste la fin du monde, 2016) de Xavier Dolan, que se llevó el Gran Premio del Jurado y el Premio del Jurado Ecuménico en Cannes. La visita de este reconocido actor se convierte en otra buena razón para hacer parte del festival de cine más importante de Colombia, que en su edición 57 se quedará en la piel de los asistentes. La cita es del 1 al 6 de marzo.
Con énfasis especial en las mujeres que hacen cine, una selección de películas que van desde lo clásico hasta lo revolucionario, un reconocimiento de cómo vivimos a través del cuerpo, el año de Francia en Colombia y una apuesta por el cine asiático, la edición 57 del Festival de Cine de Cartagena presentó en Cine Colombia del Andino, parte importante de lo que sucederá este año. Luego del anuncio de la presencia de películas como Elle, Aquarius y I Am Not Your Negro (ver las gemas), como parte de la selección internacional, se confirmaron los títulos que competirán en las diferentes categorías del evento más importante del cine en nuestro país. En la competencia oficial de cine colombiano aparecen nombres como Oscar Ruiz Navia (El vuelco del cangrejo), con su producción Epifanía; Rubén Mendoza (Tierra en a lengua) con Señorita María: la falda de la montaña; y Juan Andrés Arango (La Playa D.C.) con X 500. En Ficción buscarán el India Catalina ocho producciones y en Documental el mismo número de películas. Los cortometrajes y nuevos creadores también tendrán su espacio y momento de gloria. Dentro de las retrospectivas habrá proyecciones del director brasileño Eduardo Coutinho; en los programas especiales se destacan el de Cine Negro francés, el de Guerra y paz, y finalmente el de Cine Caribe, narrativas de la ruina y lo sumergido. Como ya había confirmado el Ficci, este año habrá un tributo para el tailandés Apichatpong Weerasethakul. A este se le suma el tributo a la directora Andrea Arnold, reconocida por películas como Fish Tank y American Honey . Todavía están por confirmarse algunas películas participantes y sobre todo, los invitados especiales. Algunas de las categorías en competencia: Competencia oficial de ficción -Adiós entusiasmo, de Vladimir Durán -Arábia, de Joao Dumans y Affonso Uchoa -Ayiti Mon Amour, de Guetty Felín -El Auge del Humano, de Eduardo Williams -El Cristo Ciego, de Christopher Murray -La Soledad, de Jorge Thielen -Mimosas, de Oliver Laxe -Viejo Calavera, de Kiro Russo Competencia oficial de documental -Ama San, de Claudia Verejao -Amazona, de Clare Weiskopf y Nicolás Van Hemelryck -El sitio de los sitios, de Natalia Cabral y Oriol Estrada -Ejercicios de memoria, de Paz Encina -La libertad del diablo, de Everardo González -Los niños, de Maité Alberdi -Ressurecting Hassan, de Carlo Guillermo Proto -Señorita María: la falda de la montaña, de Rubén Mendoza Competencia oficial cine colombiano -Adiós entusiasmo, de Vladimir Durán -Amazona, de Clare Weiskopf y Nicolás Van Hemelryck -Epifanía, de Oscar Ruiz Navia -Señorita María: la falda de la montaña, de Rubén Mendoza -X 500, de Juan Andrés Arango -Yo, Lucas de Lucas Maldonado
Hasta Susan Sarandon se dejó de contagiar de la terapia a punta de champeta en la fiesta del FICCI.Bazurto All Stars es una de esas bandas que llama al baile instantáneo cuando se sube en una tarima y la fiesta “Un sueño amazónico” que homenajeó al Abrazo de la Serpiente organizada por Caracol en el marco del FICCI, no fue la excepción. A punta de champeta prendieron la fiesta que reunió actores, directores, guionistas y personas alrededor de la industria. Hasta Susan Sarandon se dejó de contagiar de la terapia a punta de champeta y así se vivió la fiesta.
La película abrió la edición 56 del Festival de Cine de Cartagena y llegará a salas colombianas este año. Hablamos con sus protagonistas y les contamos si vale la pena verla. Por: Luis Fernando Mayolo @mayolito Hay temas que incomodan, causan rechazo e incluso críticas y burlas cuando se cuentan una y otra vez en el cine, pero que curiosamente no lo hacen cuando lo vemos todos los días en el semáforo más cercano. Por eso cuando se presenta en la premier inaugural del Festival de Cine de Cartagena una película como Los Nadie, que narra la historia de un grupo de pelaos que se ganan la vida haciendo circo en las esquinas, la reacción de algunos fue asociar la propuesta con películas como Rodrigo D o incluso La vendedora de rosas, con cierto tono de rechazo, por una supuesta estigmatización del cine paisa hacia lo marginal, como si el rebusque fuera ficción o en el peor de los casos una peste para el resto de la sociedad. A pesar de esto, la ópera prima de Juan Sebastián Mesa comenzó bien su recorrido por salas colombianas, porque tuvo la oportunidad de visibilizar su historia en un espacio con buen cubrimiento mediático, la gente de la industria cinematográfica e incluso la presencia del presidente Santos, que sigue montado con toda en la película de la paz. Una historia que no busca victimizar a sus protagonistas, ni ponerlos en situaciones de violencia gratuitas en pro de la taquilla, sino plantear una película mucho más propositiva. “Los muchachos querían mostrar que podían ser muy felices a su manera en una historia llena de fraternidad, renovando un discurso que ya estaba un poco oxidado”, dice el director, a propósito de las comparaciones con la cinta Rodrigo D y en general con las propuestas de Victor Gaviria. Por eso en Los Nadie no hay balaceras, peleas o conflictos violentos. Por el contrario los dilemas son familiares, fraternos, amorosos y existenciales. “No quisimos mostrar esas dinámicas represivas y violentas porque están implícitas, incluso lo vimos en el rodaje, donde nos tocaba pedirle permiso a los ‘dueños del barrio’ para grabar las escenas. No nos interesaba ver a los personajes humillados, muertos en un charco de sangre, su muerte fue mucho más simbólica, interior, desde el fracaso o congelamiento de los sueños”, afirma Juan Sebastián. Temas como el de las fronteras invisibles, la necesidad de comunicación a través del grafiti, la búsqueda de identidad juvenil a través de los tatuajes o el querer comenzar de nuevo una y otra vez mochileando por el mundo, tienen cabida en la película. Tal vez ahí surge uno de sus peros, porque queda la sensación al final que por contar tantas historias e intentar capturar un fragmento de la vida de estos personajes callejeros, no desarrolla las mismas y muchas cosas quedan planteadas pero nunca sabremos cómo evolucionaron o terminaron. Pero eso un juicio como espectador que se puede entender cuando el director dice: “fue un proceso de exploración en donde descubrí todo un gran universo que quería contar y nos quedamos cortos”. También se puede mirar como consecuencia propia de su espíritu. La película nació como corto y se hizo con ese mismo presupuesto, potenciada por estímulos del Fondo Cinematográfico Nacional. Por eso el parche de Los Nadie comenta que fue en la edición en donde estuvo el trabajo agotante. Otro detalle interesante es que la cinta fue rodada en blanco y negro, porque a sus realizadores les interesaba la monocromía estética para que todo se viera monótono. “Todas las etapas las rodamos en blanco y negro. De hecho la película en color se ve horrible porque está pensada en escala de grises. Cuando la ves a color no combina nada”, dice el director. ‘Los Nadie’ es el primer largometraje de la productora Monociclo Cine, colectivo conformado por egresados de Comunicación Audiovisual y Multimedial de la Universidad de Antioquia, que se dieron a conocer con el cortometraje Kalashnikov (2013), el cual hizo parte del Short Film Corner del Festival de Cannes 2013. Al final queda retumbando en la memoria el punk de la banda sonora, que ellos lo apropian como parte de la identidad paisa, porque narra con contundencia lo que se vive en las calles de Medellín y lo que han tenido que afrontar generación tras generación. Una película para todos aquellos que consideran que nunca será suficiente dejar de abordar temas que nuestra sociedad todavía necesita exorcizar. Por eso terminaré este artículo con esta frase de Esteban, uno de sus protagonistas: “No somos actores, lo que ven es el reflejo de nuestras vidas”.
Luis Ospina, uno de los pioneros del movimiento conocido como Caliwood, el legendario grupo de artistas que renovó el cine colombiano en la década del 70, será homenajeado con la proyección de una selección de sus películas junto con las de varios directores que lo han influenciado en su vida personal y su carrera cinematográfica. Su nueva película, Todo comenzó por el fin, tendrá su estreno nacional en el festival.Vía: Ficci Maestro de maestros, con una inteligencia visionaria que ha marcado a varias generaciones. La obra de Luis Ospina cuenta con más de treinta títulos como director, la mayoría dentro del género documental. Películas que con humor, escepticismo y desenfado han cuestionado y creado mitos, mezclado lo culto y lo popular y que le han dado relevancia a momentos, obras y personajes de la cultura colombiana. Su trabajo recorre épocas y formatos, desde el Super-8mm hasta el video digital, sin perder esa consistencia y esa cualidad que lo convierten en "un observador de la vida". Ha tenido muestras y retrospectivas en salas y museos de Nueva York, Caracas, Santiago, Buenos Aires, Toulouse, Barcelona y Madrid, y recibido múltiples distinciones, entre ellas el Premio Toda Una Vida Dedicada al Cine concedido por el Ministerio de Cultura. En sus más de 40 años de carrera, además de director, ha sido guionista, montajista, sonidista, camarógrafo, crítico y actor.Ospina pertenece al "Grupo de Cali", un grupo de amigos que en medio de los caóticos años setenta y ochenta, logró hacer del cine una celebración permanente y desafiante, produciendo un conjunto de películas que son parte fundamental de la historia del cine colombiano. Junto a él estaban personajes como Carlos Mayolo y Andrés Caicedo, cinéfilos por religión a los que se les deben la revista Ojo al Cine, que se publicó entre 1974 y 1977, y el Cine Club de Cali.Por esa entrega y dedicación al séptimo arte, y en reconocimiento a una labor que ha aportado lucidez y originalidad al difícil camino que el cine colombiano ha atravesado para llegar al buen momento que vive en la actualidad, Luis Ospina será el primer director colombiano que recibirá un tributo en la historia de las 56 ediciones del FICCI. Para ello se exhibirán Un tigre de papel (2007), largometraje ganador del Premio Signis del Rencontres Cinémas d'Amérique Latine de Toulouse, que entre la verdad y la mentira recorre la historia de un país; La desazón suprema: retrato incesante de Fernando Vallejo (2003), que recorre la obra y dibuja la personalidad de este polémico escritor y le valió el Premio Radio France International en el mismo evento; y Nuestra película (1993), una obra en colaboración con el artista Lorenzo Jaramillo antes de su muerte.También se presentará el largometraje de ficción Pura sangre (1982), con el que Ospina recibió una Mención del Jurado de la Crítica en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, en 1983. El homenaje incluye la proyección de los cortometrajes Capítulo 66 (1994); Acto de fe (1970);Autorretrato (dormido) (1971); Asunción (1975); la serie documental Adiós a Cali (1990); y la obra de videoarte Video (B)art(h)es (2003), inspirada en el texto de Roland Barthes, Fragmentos de un discurso amoroso.Adicionalmente, se proyectarán películas que han sido determinantes en la vida y obra de Luis Ospina, las cuales fueron seleccionadas por él mismo, divididas en un programa de largometrajes y otro de cortometrajes. Los largometrajes son: Los ojos sin rostro (1960) de Georges Franju, obra que fue inspiración fundamental para Pura sangre; Retorno al pasado (1947) de Jacques Tourneur, el mejor filme de cine negro según el director colombiano; General Idi Amin Dada: A Self-Portraitde Barbet Schroeder, "el documental más cómico que he visto" y, En construcción (2000) de José Luis Guerín, obra de vital importancia para el trabajo reciente de Ospina y otros documentalistas como él.En el programa de cortometrajes se proyectarán Las Hurdes (1933) de Luis Buñuel, corto que introdujo a Ospina al "documental de la crueldad", como él mismo lo denomina; y los cortometrajes de material encontrado del director estadounidense Bruce Conner: A Movie (1958), Cosmic Ray(1962), Report (1967) y Marilyn Times Five (1973), los cuales fueron elegidos por Ospina porque los vio durante sus estudios en UCLA y para él marcaron el descubrimiento de esta manera de hacer cine documental.
Hace un poco más de tres años, Angélica Blandón, Alejandro Aguilar y Manuel Sarmiento se unieron para conformar el elenco de la ópera prima del director caleño Alexander Giraldo “180 segundos”. Este trío actoral se juntó de nuevo para volver a ponerse a las órdenes de Giraldo en “Tiempo perdido”, una película suave, intimista y contemplativa, con aliento y guiños a “Amores Perros” de Alejandro González, y que cuenta siete historias paralelas de personas luchando por su destino en medio de la ciudad. Sin fecha de estreno definida, Giraldo mostró por primera vez su película en el Festival de Cine de Cartagena, e incluso volverá a Cali para hacerle algunos ajustes de acuerdo a comentarios y consejos que recibió en las proyecciones. Mientras “Tiempo perdido” llega a la cartelera nacional, nos echamos un quickie con Angélica Blandón, Alejandro Aguilar y Manuel Sarmiento sobre puro y físico cine.- Angélica BlandónSu top 5 de lo que vio en el FICCI:El tributo a Kim Ki Duk y su película “3 Iron” de Corea del Sur, “Ixcanul” de Guatemala, “El silencio del río” de Colombia, “Body” de Polonia y “NN” de Colombia, Perú y Francia.¿Cuál fue la última película que lo marcó?“Birdman“¿Cuál es la película que siempre recomienda?Cualquiera de Wong Kar-Wai, sobre todo “In the mood for love”.¿Con qué película se quedó dormido y le da pena aceptar?Con “Transformers” pero no me da pena aceptarlo. ¿Qué papel de la historia del cine colombiano le hubiera gustado interpretar?Aún quiero interpretar a Ursula Iguaran de Cien años de soledad. ¿Qué papel de la historia del cine extranjero le hubiera gustado interpretar?Una musa de las historias de Wong Kar-Wai Su "hueso"preferido.“Cómo perder un hombre en diez días”.La película que se ha repetido más veces.“Buscando a Nemo”.Su película colombiana preferida.De las viejitas, “Cóndores no entierran todos los días” y “La estrategia del caracol”. Más actual, “Los viajes del viento” de Ciro Guerra. - Alejandro AguilarSu top 5 de lo que vio en el FICCI:“Ixcanul” de Guatemala, y las colombianas “NN”, “El silencio del río”, “Gente de bien” y “Tiempo Perdido”.¿Cuál fue la última película que lo marcó?“Amor” de Michael Haneke.¿Cuál es la película que siempre recomienda?“Cinema Paraíso“¿Con qué película se quedó dormido y le da pena aceptar?“Interstellar”¿Qué papel de la historia del cine colombiano le hubiera gustado interpretar?Ricardo El Miserable, en la película “Que viva la música” de Carlos Moreno. Ya no estoy en la edad.¿Qué papel de la historia del cine extranjero le hubiera gustado interpretar?Travis Bickle en “Taxi Driver”.Su "hueso"preferido.“Kickboxer” de Jean Claude Van Dame. La película que se ha repetido más veces.“Los 400 golpes” de Francois Truffaut Su película colombiana preferida.“La estrategia del caracol” y “La gente de la Universal”. - Manuel Sarmiento¿Cuál fue la última película que lo marcó?“Harold and Maude” y “Moebius”. “Whiplash” me llevó a la época en que estudiaba teatro y me marcó de una manera especial¿Cuál es la película que siempre recomienda?Más que una película, un director, autor y genio como Kim Ki Duk¿Con qué película se quedó dormido y le da pena aceptarlo?“El último sello” de Ingmar Bergman, pero después me la vi y es buenísima.¿Qué papel de la historia del cine colombiano le hubiera gustado interpretar?No lo he visto: Luis Carlos Galán Sarmiento o Jaime Garzón. Y me encantó el papel de abogado de Frank Ramírez en “La estrategia del caracol”.¿Qué papel de la historia del cine extranjero le hubiera gustado interpretar?Marco Antonio en Julio César de Shakespeare o Hamlet.Su "hueso" preferido.“Loco por Mary”.La película que se ha repetido más veces.“El padrino” 1 y 2Su película colombiana preferida.“Tiempo perdido” y “Sumas y restas”.
No hay duda de que Baby Reindeer o Bebé Reno es una de las mejores miniseries de Netflix en los últimos años. Richard Gadd, un comediante escocés, creó, escribió y protagonizó la serie basándose en dos experiencias de abuso y acoso que vivió en sus veinte. Es una historia emocionalmente desgarradora e importante porque retrata fielmente lo que muchas personas pueden sentir cuando atraviesan este tipo de situaciones. No he leído ni una sola crítica negativa de la serie (más que un comentario en TikTok que dice que está "sobrevalorada") y por el contrario, sé que tiene un 7,9 y un 98% en IMDb y en Rotten Tomatoes, respectivamente. ¿Por qué Baby Reindeer es un caso particular? Baby Reindeer es un caso particular porque, a pesar de que se estrenó a principios de abril, sigue siendo noticia y tendencia. Esto debido a que las personas en internet se dedicaron a buscar las identidades reales de las personajes que salen en la serie, como Martha, Darrien e incluso Teri. Asimismo, un medio de comunicación llegó a entrevistar a la real acosadora de Richard Gadd en televisión. Posiblemente, las ganas de descubrir quiénes son realmente estos personajes tienen mucho que ver con el morbo que causó la serie. Sin embargo, las cosas se estaban poniendo intensas y Richard Gadd tuvo que intervenir pidiendo que dejaran de suponer quiénes eran esas personas. Acá les cuento lo que ha causado este "fenómeno". ¿Quién es Darrien en la vida real? Poco tiempo después de que se estrenó la serie, TikTok se llenó con videos en los que explicaban por qué Sean Foley, escritor, director y comediante británico, era el verdadero Darren. Argumentaban que tanto el actor, Tom Goodman-Hill, y el comediante Sean Foley se parecían mucho y los hechos en la serie cuadraban en sus suposiciones. Debido a las acusaciones, Sean Foley no tardó en manifestarse en su cuenta personal de X (antes Twitter). "La policía ha sido informada y están investigando todos los post difamatorios, abusivos y amenazantes hacia mí", escribió. Por su lado, Richard Gadd publicó una historia en su Instagram defendiendo a Foley. A pesar de esto, muchas personas siguen pensando que Sean Foley es el verdadero Darren. “Estoy convencido de que fue Sean Foley, hay muchos rumores desagradables sobre él en escena”. ¿Quién es Martha en la vida real?Posiblemente antes de que la misma Fiona Harvey se manifestara sobre la serie, TikTok y X ya estaban anunciando que ella era Martha en la vida real. Incluso, el Daily Mail escribió y publicó la identidad de este personaje. Además de publicar sus fotos, encontraron su cuenta personal de Facebook en donde empezó a comentar la serie. En efecto, la mujer sí tiene muchas similitudes con el personaje de la serie: no solo por su aspecto, sino la forma en la que escribe. Así como en la serie, Fiona Harvey es una abogada de 58 años. Harvey aseguró que sí conocía a Richard Gadd y sí habían compartido un poco de tiempo juntos pero que "su historia es una burda intromisión en mi intimidad. No le he visto en 12 años". Además, aseguró que lo iba a denunciar por difamación. “Llamaré a la Policía si alguna vez te acercas a mí. Te voy a demandar a vos, a ese diario y a la tonta que escribió el artículo con vos. Espero que eso te quede claro, incluso para un imbécil como vos. Exigiré que el diario te despida. No me gustas ni nunca me gustaste”.Después de sus declaraciones, Fiona Harvey fue entrevistada por Piers Morgan, el editor, periodista y presentador de televisión británico. Durante el programa, Harvey aseguró que lo que Gadd contaba en la serie de Netflix era una mentira. ¿Quién era Teri en la vida real?Según las búsquedas de las personas en Internet y sus suposiciones, Teri, quien interpreta a la novia trans de Donny, es en realidad Anna de Simone. Esto debido a su parecido físico y porque ambas comparten la misma profesión, psicología. Quienes aseguran que esta es la verdadera identidad de Teri incluso compararon contextos y ubicaciones de la vida del personaje con Anna de Simone para demostrar que sí es cierto. ***Si les gustó la serie, les recomendamos ver: Baby Reindeer: análisis psicológico del 4cos0 en la serie con María Elisa Dávila #35mm | Shock
Después de que Yorgos Lanthimos lograra un fenómeno con Poor Things, una película aclamada por los críticos y muy premiada en los Oscar 2024, llega su nueva producción Kinds of Kidness. El largometraje tuvo la premier mundial en el Festival de Cannes. Emma Stone y Willem Dafoe, protagonistas de Poor Things, también hacen parte del elenco de esta nueva película del director griego. Asimismo, actores como Joe Alwyn (La favorita), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Hunter Schafer (Euphoria) y Jesse Plemons (Amor y Muerte), entre otros, componen esta historia contemporánea. Yorgos Lanthimos trabajó con el guionista Tony McNamara en Poor Things y La favorita, pero para Kind of Kidness dirigió el guión de Efthimis Filippou, conocido por escribir Lobster y El sacrificio de un ciervo sagrado. Teaser oficial de 'Kinds of Kidness'¿De qué trata 'Kinds of Kidness'?Aunque no se ha publicado el trailer oficial de la película, Yorgos Lanthimos afirmó que: “Es una película contemporánea, ambientada en Estados Unidos: tres historias diferentes, con cuatro o cinco actores que interpretan un papel en cada historia, por lo que todos interpretan tres papeles diferentes. En realidad, fue casi como hacer tres películas”.Después de su estreno en el Festival de Cannes, se ha calificado como una historia de "canibalismo, cultos sexuales y libertinaje". Además, la desnudez es una parte clave de la trama. Las primeras críticas de 'Kinds of Kidness'A pesar de que en el Festival de Cannes la película tuvo una ovación de cuatro minutos, varios medios ya han publicado críticas en las que se demuestran su decepción frente al largometraje. El periodista especializado en cine, Javier Zurro, escribió una reseña en elDiario.es donde afirma que Kinds of Kindness es un elogio a la crueldad. "No lo es [una comedia graciosa] porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad". Por otro lado, Nicholas Barber escribe en la BBC: "Por más oscura que siempre haya sido la comedia de Lanthimos, hay momentos en que la crueldad se vuelve casi insoportable". Además, afirma: "Ciertamente, aquellos de nosotros que argumentamos que el sexo y la desnudez en Poor Things eran importantes para la historia de liberación y confianza en sí misma de Bella puede resultarnos más difícil defender Kinds of Kindness". Sin embargo, y dejando de lado estas críticas negativas, las primeras votaciones en Rotten Tomatoes le han dado a la película una puntuación del 95%. Tendremos que esperar a que la película se estrene, el 21 de julio del 2024, para tomar una decisión sobre lo que pensamos sobre Kinds of Kindness, la nueva película del director griego. ***Si les gustó Poor Things, les recomendamos leer: Poor Things: el fastidio que nos genera la libertad - Análisis y significado de la película
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.