Millonarios y Atlético Nacional son dos de los clubes de fútbol con más historia en Colombia. Ambos han sido ganadores de múltiples títulos y ahora se disputarán una nueva victoria para sumar estrellas a su camiseta. Contenido recomendado | Siete himnos rockeros inmortalizados en la cancha de fútbolEl partido final de la Liga Profesional de Fútbol colombiano para el periodo 2023-1 se realizará el sábado 24 de junio en el Estadio El Campin de Bogotá en horas de la noche. Aunque Millonarios es de Bogotá y Nacional es de Medellín, el encuentro tiene la atención de todo el país porque los dos clubs tienen hinchas en todo el territorio.En los estadios hay varios cantos creados por las barras, pero en internet, plataformas digitales y hasta radio hay canciones muy famosas inspiradas en la tradición de los dos equipos de fútbol. Estas son cinco canciones míticas de El Azul y Blanco Millonarios Fútbol Club S. A, fundado en 1946.Millonarios será campeón - Billos Caracas BoysMe enamore - Comandos AzulesLa herencia que me dejó papá - Escuela musical embajadoraYo te quiero mi Millos - Escuela musical embajadoraLluvia azul - Escuela musical embajadoraEstas son cinco canciones míticas del Club Atlético Municipal de Medellín fundado en 1947El pregón verde - Super Orquesta Los NúñezTe quiero como a mi vieja - Los del SurVamos mi verde - Cantores de ChipucoHomenaje al Atlético Nacional - Uriel HenaoLa fiesta es verdolaga - Los del SurEl Portavoz - Alcolirykoz En 2022 el Club Atlético Nacional se consagró campeón del Torneo Apertura 2022 con el técnico Hernán Darío Herrera al derrotar al Deportes Tolima en el estadio Murillo Toro de Ibagué.En video | Actores de ‘Maradona: Sueño Bendito’ recuerdan al ícono argentino de fútbol - ShockMillonarios vs. Atlético Nacional: ¿cómo ver el partido, cuándo y a qué hora será la final de vuelta de la Liga I-2023?Sábado 24 de junioA partir de las 7:00 de la noche.Se jugará en el Estadio Nemesio Camacho El Campín.Transmisión por TV: Cerrada en el canal Win Sports.¡La música nos une!
Pelé, cuyo nombre de nacimiento es Edson Arantes do Nascimento, es uno de los hombres más famosos de todos los tiempos. Se consagró en el fútbol como goleador de múltiples torneos y fue ganador de tres copas mundiales de la FIFA en los años 1958, 1962 y 1970. El nacido en Três Corações, Minas Gerais, Brasil, debutó en el fútbol profesional a los 16 años y se retiró a los 36 años en 1977.Contenido recomendado | Diego Maradona: 10 canciones dedicadas al astro argentinoCANCIONES Y DISCOS DE PELÉArantes do Nascimento obtuvo todos los reconocimientos en el fútbol, pero siempre tuvo sensibilidad para la música. En la década de los años 60 fue co-escritor e intérprete de canciones con la famosa artista de la música popular brasilera Elis Regina. Entre los años 70 y el nuevo milenio, Pelé se enfocó en su carrera como futbolista y empresario. Vale la pena recordar que también tuvo funciones políticas como Ministro de extraordinario de deportes.GINGA DE PELÉEntre 2004 y 2006 se grabó en varias locaciones de Europa el álbum Ginga en el que Pelé es intérprete, compositor y productor ejecutivo. El álbum dura 52 minutos, consta de 13 canciones y colaboraciones musicales con Rappin' Hood y Gilberto Gil. Este disco incluye las canciones del siglo pasado con la colaboración de Elis Regina.En 2009 Pelé comentó en varias entrevistas que quería hacer un álbum de colaboraciones internacionales donde participaran amigos suyos como Bono de U2, Elton John, Mick Jagger, Rod Stewart o Paul Simon.ESPERANÇA, LA ÚLTIMA CANCIÓN DE PELÉDe la mano de los compositores Sérvulo Augusto, Ruriá Duprat y bajo la co-producción musical de Nouredine Elhaoussine, Pelé estrenó en 2016 una canción en el marco de los Juegos Olímpicos de Brasil.En video | Mejores canciones de los Mundiales de Fútbol de la FIFA?: Selección de los músicos - Shock¡La música nos une!
Del domingo 20 de noviembre al 18 de diciembre de 2022, se realizará La Copa Mundial de Fútbol de la FIFA Qatar 2022, el evento deportivo más importante del año, pero que ha sido blanco de críticas por las múltiples restricciones a sus turistas y la presunta violación de derechos humanos a trabajadores, mujeres y comunidad LGBTIQ+.No hay duda que Qatar va a ser la búsqueda principal en Google en 2022 y, para bien o para mal, el Mundial ya no tiene marcha atrás y se realizará en ese país árabe, luego de que en 2010 la FIFA los eligiera para ser la sede del evento deportivo. Muchos rumores se tejieron alrededor de los artistas pop que estarían en la Ceremonia de Inauguración que, por lo general, cuenta con músicos latinos de reconocimiento global. Hasta ahora solo se ha confirmado la participación de Jung Kook de BTS para la apertura.Decenas de músicos estarán en Qatar ofreciendo conciertos en festivales que se planearon en el marco de la Copa Mundial de Fútbol de la FIFA.J BALVIN EN QATAR 2022El jueves 24 de noviembre el cantante paisa será el acto principal del Qatar Living Festival que se realizará en el club de golf de Doha. MALUMA EN QATAR 2022El 19 de noviembre Maluma se presentará en la inauguración del FIFA Fan Festival en Al Bidda Park. El paisa este año es el intérprete de 'Tukoh, Takah', la canción oficial de ese evento que también es patrocinado por la Federación Internacional de Fútbol. Miryam Fares también participará en el concierto.Ryan Castro en Qatar 2022El reggaetonero de Pedregal, Antioquia, también es uno de los actos colombianos confirmados del QetaiFAN Beach Fest. Su concierto está programado para el 30 de noviembre.Chocquibtown en Qatar 2022Durante la promoción de su más reciente sencillo Los Del Vacile, la agrupación chocoana confirmó que se presentarán el 9 de diciembre en el QetaiFAN Beach Fest que se realizará en una de las playa de Qatar. Confirmados QetaiFAN Beach Fest en Qatar 2022Entre el 19 de noviembre y el 18 de diciembre habrá conciertos de Justin Quiles, Rodge, Angela Leiva, Dimelo Flow, Mariah Angeliq, CeeLo Green, Alex Sensation, Oxlade, French Montana, entre otros.FIFA FAN FEST QATAR 2022Diplo se presentará el 22 de noviembre, Kizz Daniel el 23 de noviembre, Norah Fatehi el 29 de noviembre, Julian Marley el 8 de diciembre, Calvin Harris el 10 de diciembre, Hassan Shakosh el 12 de diciembre.
Para entender los cruces de camino entre el rock y el fútbol, debemos transportarnos a dos países: Inglaterra y Argentina. Esta es una historia breve de cómo himnos de la cultura popular de esos países terminaron entonados en diferentes estadios del mundo.Por William Martínez Para contar esta historia debemos situarnos en la Inglaterra punki de los años setenta. Por esos días jóvenes de clase obrera y de clase media se organizaban para alentar a su equipo de fútbol y desataron violentos enfrentamientos con los seguidores de equipos rivales. Iban a un bar para vivir la previa con sus amigos, escuchaban rock, tenían broncas con hinchas de otro club y descargaban su adrenalina en la cancha. Así era la dinámica. Pronto pasaron del insulto a los golpes y de los golpes a contar muertos, al punto de que esos jóvenes, los hooligans, fueron bautizados como “la enfermedad inglesa”.Esa manera desbocada de vivir el fútbol, pero también la manera de organizar las barras y de alentar al club favorito, tuvo eco en América Latina. Primero en los países del Cono Sur, luego en los andinos y después en México. Así nacieron las llamadas barras bravas, una red de afecto para miles de jóvenes proletarios y una forma de manifestación social contra el autoritarismo que afloró en las dictaduras de Argentina, Chile y Uruguay.En Argentina, epicentro futbolero de la región, los viejos temas de la música popular, la cumbia villera y el rock nacional llegaron a los estadios para convertirse en himnos de batalla. La música sirvió para que los partidos tomasen atmósfera de carnaval, pero también para que los problemas sociales de los barrios marginales se escucharan en la cancha. Muchas bandas argentinas le compusieron canciones a ese deporte que es fiebre colectiva en su país y muchas barras tomaron clásicos musicales de su generación para transformarlos en cánticos que luego se expandieron por el resto de América Latina.En los años noventa, el fútbol gaucho se regó como pólvora en la región gracias a los canales de cable. En Colombia, crecimos sintonizando Fox Sports y TyC Sports, donde seguimos las huellas del River Plate liderado por Hernán Crespo y el Boca Juniors orquestado por Carlos Bianchi que alzaron la anhelada Copa Libertadores. Sobre este puente, las barras colombianas crearon nuevas versiones de los cánticos más tradicionales escuchados en los estadios argentinos.La lista que compartimos a continuación rememora esos grandes himnos musicales que los hinchas latinoamericanos e ingleses inmortalizaron en la cancha.1. Y dale alegría a mi corazón, Fito PáezDos canciones del trovador del rock argentino se han vuelto famosos himnos futboleros: Y dale alegría a mi corazón (1990) y Mariposa tecknicolor (1994). Ambos temas aún hoy se corean al unísono en canchas argentinas y latinoamericanas. Incluso el propio Fito cantó la versión futbolera de este tema para promocionar la histórica final de la Copa Libertadores 2018 disputada entre River y Boca en Madrid.2. Cómo me voy a olvidar, Los Auténticos Decadentes Formados en 1986, esta icónica agrupación de ska fusión es probablemente la banda argentina con más adaptaciones a canciones de cancha. Al menos una decena de temas (‘Vení Raquel’ (1989), ‘Loco’ (1989), El murguero’ (1995), por mencionar algunas) no solo se volvieron hits radiales y de bares, sino que son esenciales para las parciales futboleras latinoamericanas. Aquí va Cómo te voy a olvidar (1997), interpretada por los aficionados de Boca.3. Siguiendo la luna, Los Fabulosos Cadillacs Esta agrupación, baluarte del rock y el ska latinoamericanos, también ha aportado una cantidad considerable de temas al cancionero futbolero. Uno de los cánticos más famosos, cuyo arranque agita los ánimos de cualquier tribuna, es Siguiendo la luna (1992). Aquí la interpretación que hizo la parcial de las Chivas de Guadalajara:4. No me arrepiento de este amor, Attaque 77 En plena cresta de ola futbolera argentina que se extendió por América Latina, cuando corría 1998, la agrupación de punk rock Attaque 77 lanzó su cover de No me arrepiento de este amor, tema original de la cantautora de cumbia Gilda. Dicha versión fue apropiada por diferentes hinchadas colombianas, incluyendo la de Millonarios.5. Ya no sos igual, 2 minutos No hay concierto de esta banda argentina de punk rock en la que no se exhiban camisetas de clubes latinoamericanos. De hecho, por lo menos en Colombia, los organizadores de los últimos conciertos han decidio prohibir el ingreso de camisetas de fútbol para evitar riñas que, dos décadas atrás, solían presentarse. Los nacidos en Valentín Alsina narran en sus letras la vida del barrio obrero. Cerveza, desmadre, working class y, por supuesto, vivencias futboleras. La incursión del fútbol en su mundo lírico empezó en 1994, con un álbum que ha marcado a tres generaciones de punks latinos.6. England belongs to me, Cock SparrerNo podíamos terminar este listado sin ir al origen, a la Inglaterra punk de los años setenta. Bandas como Sex Pistols y The Clash surgieron de las escuelas de Bellas Artes, al oeste de Londres, en cambio los Cock Sparrer venían del este. No eran lo suficientemente cool para la prensa británica: eran hooligans que venían de la vida de pub y estadio. No obstante, esta agrupación marcó la historia del punk británico, y lo hizo sin producir demasiado: apenas seis larga duración en más de 40 años de carrera. Su origen obrero, sus letras sobre la cotidianidad de las clases populares y sus temas pegadizos con potencial de himnos lo convirtieron en un referente de la escena Oi! y de las parciales futboleras. A continuación, uno de sus himnos patrioteros.7. If the kids are united, Sham 69En los bares ingleses donde se vive la previa antes de entrar a la cancha suelen sonar temas de Sham 69, protagonistas de la primera oleada del punk británico en los años setenta. Para vivir la fiesta no faltan nunca Cockney kids are innocent (1978), Millwall boys (2010) y su himno, If the kids are united (1979). Esta agrupación fue pionera en cruzar los caminos del punk rock y el fútbol.
Qatar 2022 le dio fin a la tradición de tener una canción como himno oficial de la Copa Mundial de la FIFA. Esa es la razón principal por la que este año no ha habido tanto ruido alrededor de la música hecha para el torneo de fútbol más importante del mundo. El himno musical del Mundial siempre había sido un símbolo universal del torneo y una de las formas más eficaces de promocionar el evento en aquellos que no son tan apasionados por el fútbol, pero sí por las culturas y la música. La FIFA decidió que este año no se tendría un himno oficial, pero sí se continuará con la tradición de tener una banda sonora con canciones oficiales y creadas exclusivamente para Qatar 2022.CANCIONES OFICIALES DE QATAR 2022La primera que se publicó fue Hayya Hayya, Better Together en abril de 2022. Un tema de la cantante estadounidense de origen afromexicano Trinidad Cardona en la que participan también el músico nigeriano Davido y AISHA.Más adelante, en agosto de 2022, se dio a conocer el sencillo Arhbo que cuenta con la participación vocal del rapero congolés-francés Gandhi Bilel Djuna, conocido como Gims, en colaboración con el puertoriqueño Ozuna. El reggaetonero contó en una entrevista que iba a cantar en la clausura del mundial en diciembre.En octubre se dio a conocer la tercera canción que tiene como productor al marrroquí Red One y en la que participan Nora Fatehi, Manal, Rahma Riad y Balquees. El tema se llama Light The Sky.En noviembre se confirmó que Jung Kook, integrante de BTS, estrenará una canción para la banda sonora de la Copa Mundial de la FIFA 2022 y que la va a interpretar en vivo durante la ceremonia de inauguración.HIMNOS OFICIALES DE LAS COPAS DE FÚTBOL DE LA FIFADesde 1990 y hasta 2018 se tenía como tradición una única canción como himno del torneo. Recordemos los temas y su año.Italia 1990: To be number one - Giorgio Moroder, Edoardo Bennato y Gianna Nannini.Estados Unidos 1994: Gloryland de Daryl Hall y Sounds of BlacknessCorea del Sur y Japón 2002: Boom - AnastaciaAlemania 2006: The time of out lives Il Divo, Toni BraxtonSudáfrica 2010: Waka Waka (This time for África) - Shakira con FreshlygroundBrasil 2014: We are one (Ole Ola) - Pitbull, Jennifer López, Claudia LeitteRusia 2018: Live it up - Nicky Jam, Will Smith y Era Istrefi¡La música nos une!
Ya están rondando las novedades de FIFA 22, el clásico videojuego de EA SPORTS. Sin duda, uno de los más anticipados del mercado gamer. Desde hace años su banda sonora, la que escuchamos mientras seleccionamos equipos y configuramos el juego, genera casi la misma expectativa que la de las actualizaciones y las nuevas jugadas. Acá les contamos detalles de los proyectos musicales elegidos para el soundtrack oficial.Para escuchar | El futbolista Juanfer Quintero se sube al remix del clásico ‘El Guille’ del combo caleño Element BlackLa banda sonora de FIFA no tiene intención de mostrar a los artistas #1 del momento. Por el contrario, hace una selección hábil de sonidos de diferentes lugares del mundo que logran emocionar de la misma forma en que lo hace un gol.En un comunicado EA SPORTS, los creadores del FIFA 22 aseguran que “si la música es un sentimiento, entonces la FIFA es nuestra única celebración verdaderamente compartida a nivel mundial. En el mejor de los casos, puede cambiar la vida”.Las 52 pistas nuevas de este año, un festival que abarca todos los géneros de ritmos atrevidos y edificantes, presenta superestrellas internacionales como Swedish House Mafia (Suecia), Polo & Pan (Francia), Glass Animals (Reino Unido), Little Simz (Reino Unido), Girl in Red. (Noruega), Jungle (Reino Unido) y el cantante y compositor británico Sam Fender.VOLTA FOOTBALL (en PlayStation 5, Xbox Series X | S, PlayStation 4, Xbox One, PC y Stadia) también tendrá su propia selección musical. EA reveló que “los sonidos se encuentran bajo el zumbido de las luces de las calles en vecindarios desde Lagos y São Paulo hasta Los Ángeles y Roma”.Para generar una atmósfera en la que los jugadores puedan sentir la euforia, la banda sonora de VF está repleta de 70 canciones que ofrecen una mezcla por excelencia en hip-hop global, grime, electrónica y más, incluido un nuevo disco de los productores parisinos DJ Snake & Malaa, el rapero británico Headie One con Afroswing, el dúo Young T & Bugsey, el bullicioso dúo de hip-hop de Atlanta EARTHGANG y el cantante y compositor británico John Newman con un remix de su éxito número 1 Love Me Again, incluído en FIFA 14.El juego también incluye nuevos y exclusivos kits de FUT diseñados por Swedish House Mafia, AJ Tracey, CHIKA y DJ Snake. Vean también nuestra charla con Josh Lloyd de Jungle¡La música nos une!
Luego de muchos rumores se oficializó al colombiano James Rodríguez como nuevo jugador del equipo de futbol Everton de Inglaterra. A partir del 7 de septiembre, el futbolista de la Selección Colombia vestirá la camiseta azul del equipo de Liverpool con el número 19. Por medio de un comunicado de prensa el Real Madrid, antiguo grupo de James, agradeció al deportista por su tiempo y aporte al club español. Recomendado: James Rodríguez y la importancia de Ancelotti en su traspaso: “Ha trabajado mucho para conseguirlo" El Everton Football Club es un equipo con sede en Liverpool y más de 142 años de historia. Los colores del club tradicionalmente son azul y amarillo; colores que vestirá James en las próximas temporadas. Este fue el mensaje de James Rodríguez para los fans del equipo inglés: "Estoy muy feliz, con muchas ganas de empezar, lleno de ilusión y compromiso con los fans del Everton”. La historia del club ha hecho que tenga una hinchada leal y activa. De hecho, muchos famosos del mundo han mostrado su admiración por el equipo. Constantemente visitan el estadio Goodison Park y visten las camisetas del club. Estos son algunos de ellos. Matt Damon - Actor Durante una entrevista el actor de Hollywood dijo que, aunque es fan del trabajo en el campo del Chelsea, siempre ha considerado la idea de ser un fan del Everton. Después de la entrevista se ha relacionado con el equipo en repetidas oportunidades. Paul Mc Cartney – Cantante El Beatle es uno de los hinchas más conocidos del equipo. En este video de WIRED explica el origen de su amor por el Everton, pero dice que también le tiene mucho cariño al Everton. Sylvester Stallone – Actor El italo-estadounidense ha mostrado su apoyo por el equipo de fútbol inglés en diferentes ocasiones. En este video se muestra un mensaje que el actor envío a la hinchada del club. Judi Dench – Actriz La ganadora de Premios Óscar y Globo de oro nació en York, Inglaterra, pero su apoyo en temas de fútbol son dirigidos al Everton. La actriz ocasionalmente visita el Estadio. Liz McClarnon – Cantante, compositora Justin Bieber – Cantante Cuando el canadiense juega fútbol por lo general viste la casaca del Everton y cuando va de gira al Reino Unido se le ve constantemente enviándole amor al club inglés. Pete Best – ex Beatle, músico El veterano baterista fue educado en Liverpool Collegiate School y desde entonces apoya al club Everton. Para ver | Racismo en Colombia, industria musical y los ecos del Black Lives Matter www.shock.co
Año tras año se arman todo tipo de debates alrededor de quién es el mejor futbolista del año, de la década, del siglo o de la historia. Esta es una discusión de nunca acabar y, aunque a veces se puede tornar un poco problemática, todos son testigos de que el argentino Lionel Messi siempre hace parte de los personajes considerados leyenda en ese deporte. ‘La pulga’, como se le llama frecuentemente, nació en 1987, empezó a jugar fútbol a los cuatro años y para 1994 comenzó a entrenar en las ligas menores del club rosarino Newell's Old Boys. Su debut profesional fue en octubre de 2004 con el FC Barcelona, el club con el que ha ganado decenas de trofeos y anotados cientos de goles. Para leer: El oportunismo de los músicos a la hora de los campeonatos de fútbol Messi ha sido merecedor de muchos reconocimientos individuales por sus habilidades futbolísticas: Balón de oro, Bota de oro, Premio Laureus, entre otros. Además, es ganador de Champions League con el FC Barcelona, medalla de oro en los Olímpicos de 2008 y subcampeón del mundial de la FIFA Brasil 2014 como figura principal de la Asociación del fútbol argentino. La influencia de Messi trasciende las canchas y los estadios de fútbol. Es indiscutiblemente una figura de la cultura popular y su nombre o apellido son familiares para personas de todos los países del mundo. Sus contratos deportivos son millonarios, pero es una figura de mercadeo que genera montañas de dinero a las empresas que representa. El deportista también tiene estatuas en algunas ciudades de Argentina y es inspiración de artistas que usan su imagen como inspiración en obras. Su nivel de fama ha llegado al universo del entretenimiento: constantemente es nombrado en telenovelas argentinas, seriados europeos, películas de Hollywood y hasta obras cirqueras. En 2019 se estrenó la obra MESSI10 del Cirque Du Soleil producida por PopArtMusic, Rakuten y Sony Music. Una obra en la que se le rinde homenaje al deportista y en el que los artistas hacen su show con la música favorita del argentino. Su obra con el Crique Du Soleil es su primer gran encuentro con la industria de la música, pero constantemente es referenciado en canciones o participa en videos musicales de famosas estrellas de la música. Repasemos un poco las intervenciones que el nombre Messi ha tenido en la música. CANCIONES QUE REFERENCIAN A LIO MESSI El astro ha logrado impactar con su talento a miles de compositores de canciones. Constantemente es referenciado en muchos géneros musicales y a veces lo nombran en canciones que no necesariamente tienen que ver con fútbol, sino que lo usan para hablar de liderazgo y grandeza. Rap, trap y reggaetón son los géneros donde su nombre tiene más presencia. De hecho, Messi ha sido asistente especial a conciertos de Ozuna y No Te Va A Gustar en Barcelona, la ciudad donde vive con su esposa Antonella. Estos son algunos tracks donde lo mencionan Campaign – Ty Dolla $ign Future I stopped fuckin' ratchet hoes, they be too messy Kickin' bitches out like Barcelona, shoutout Messi Báilame – Nacho, Bad Bunny, Yandel Te compré unos Victoria, dime si los modelas Otro gol de Messi, tú eres mi Antonella Curse Curse – James I turn up the TV, Copa Del Rey Messi shoots and scores A hundred thousand came Vean acá las noticias deportivas del día en Gol Caracol: ciclismo, béisbol, tenis y mucho más. Kalash Criminel – Shottas Se lever le tin-ma pour aller taffer, c'est pas pour les flemmards J'veux le salaire à Messi, la soeur à Neymar El Messi As - Coti En un barrio del viejo rosario Nacía Lionel El Messi As del fútbol Lionel Tu no vive así – Arcangel, Bad Bunny, Dj Luian, Mambo Kingz No he metido un gol y tengo a Cristianos orándole a Messi Medussa – Jhay Cortez, Anuel AA, J Balvin Me siento como Messi (Como Messi) Pero él 'tá con Adida' y yo con Nike, ah (Nike) Neo Pistea – Messi Lionel Messi, de capitán con la cinta y una Stacy R.I.P Cristiano, el barrio sólo quiere a Messi, eh, uh 69 - Ozuna Tu puta me ama como todas las putas aman a Messi en Argentina Paulo Londra – Nena Maldición Se te seca la boca y con mi lengua te la remojo Quiero ser Messi y tú mi Antonella VIDEOS MUSICALES DONDE APARECE MESSI La participación de Messi en videos musicales puede ser contadas con los dedos de una mano. Seguramente un centenar de artistas ha solicitado su presencia en video clips, pero son pocos los privilegiados. Estos son unos ejemplos Waka Waka – Shakira, Freshlyground Fútbol y Rumba - Anuel AA, Enrique Iglesias Antes que el mundo se acabe – Residente La La La (Brasil 2014) – Shakira, Carlinhos Brown El argentino también logra que muchos freestylers lo usen en sus improvisaciones. Acá hay una recopilación de varias batallas donde Messi es protagonista. Recomendado | Andrés Parra: el caso de FIFA Gate y la raíz de la corrupción #LaMúsicaNosUne
El 29 de abril de 2020, en pleno parón de las ligas de fútbol en el mundo por culpa del coronavirus, la gigante del streaming Netflix estrenó en Latinoamérica la serie documental hecha por Barça Studios: Matchday. En ocho capítulos de 45 minutos narrados con finura por un John Malkovich que pareciese describir un entorno más salvaje de lo que realmente muestra, Matchday sigue a la plantilla del FC Barcelona durante la temporada 2018/2019. Naturalmente, no hay posibilidad de spoiler: fue una temporada sosa en la que, como por inercia y sin épica, el equipo ganó La Liga y cayó en semifinales de Champions contra un Liverpool que, como bien dijo su entrenador, Jürgen Klopp, era puro heavy metal. Y que contra el Barça, en el partido de vuelta, se encontró con un equipo que jugaba a ritmo de chill out o, si acaso, del reggae roots que contó Messi en el documental como uno de sus géneros favoritos. La vida fuera del campo de los futbolistas de élite, hoy, requiere de una disciplina potencialmente aburrida y difícil para buscarle efectos dramáticos. Pero hay que decir que, a pesar de ser un producto institucional hipercuidadoso con la imagen del club y los jugadores, Matchday, como narración, logra transmitir la pasión de cada encuentro clave de la temporada, incluso, tratándose de una tan atropellada. Para empezar, el llamado a protagonizar la serie como lo hace en la cancha, Messi, ni habla mucho ni participa en varios de los partidos claves. Su carisma parece inversamente proporcional a sus habilidades sobre el terreno de juego. Los que parecieran salir redimidos como protagonistas fueron Luis Suarez y Gerard Piqué. El primero, porque salvó al equipo con goles claves. El segundo, porque está metido también en un papel de showman; tanto, que hasta aparece en uno de los programas de humor más vistos de España. Las rutinas de los futbolistas, con ese filtro de comodidad otorgado por ser uno de los clubes top del mundo, hacen que valga la pena ver Matchday. Coutinho escuchando funk carioca antes de llegar al partido para animarse, Ter Stegen buscando casa, las conversaciones con el hijo YouTuber de Arturo Vidal, los asados de Luis Suárez, el manejo de la utilería, la diplomacia entre clubes y la forma en que el equipo de comunicaciones prepara a Rakitic antes de una rueda de prensa no solo son detalles inéditos del interior de un club, son también un recordatorio de lo lejos que estamos en Latinoamérica de la idea del club deportivo. Las mejores 30 series para ver en Netflix Sin duda, un documental hecho en un club de Colombia, incluiría dramas más salvajes. Jugadores agarrados con los dirigentes para que les paguen, entrenadores que se intercambian insultos con periodistas y los equipos femeninos o de otros deportes en las sombras, o en el aire, porque en la mayoría de casos ni existen. En los clubes gigantes como el Barcelona la pasión es más cómoda. El drama es no ganar todo una y otra vez. Tanto así, que el entrenador Ernesto Valverde, aunque ganó uno que otro título, por no ser un buen protagonista, ya no aparecerá en la siguiente temporada; tanto así que el capítulo de la tormenta, cuando perdieron en Champions y en Copa del Rey, se les notó la comodidad a los jugadores. El final de Matchday, al parecer, tendrá que prolongarse por más temporadas hasta que el último capítulo sea un final feliz en el que el club vuelva a ganar en Europa. No obstante, corre en el ambiente la mala experiencia de la Juventus, que invirtió en el equipo y estrenó serie (también disponible en Netlix), y tampoco ha podido ganar.
Por estos días están en todos lados las jugadoras de la Selección de Fútbol de Estados Unidos tras su cuarta victoria consecutiva en el Mundial Femenino. Una de ellas es Alex Morgan, quien recientemente recibió el galardón de Deportista del Año en los Premios ESPY. Recientemente le preguntaron cuál era su canción favorita para inspirarse antes de los partidos y respondió : "Una de mis favoritas para bajar del bus e ir al estadio es Mother's Daughter, de Miley Cyrus". "No necesito música loca, solo algo para cantar. Mientras algunos elegían cosas como Fight Night (Migos), yo solo estaba oyendo a Miley", agregó Morgan. En su cuenta de Twitter, Miley agradeció a la deportista. "Gracias por hacer que Mother Daughter sea tu canción para inspirarte. Espero que esta canción motive a miles de mujeres en el mundo a tomar de vuelta lo que les pertenece: libertad. Amor para ti. Felicitaciones". Eminem es uno de los artistas más populares en las playlists de hacer ejercicio, pero tal vez Miley no sea una mala opción. ¿Qué opinan?
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.
Entre todas las tendencias de redes sociales, por estos días hay una que llama la atención: "Mira entre las letras de tu teclado". La idea es dar algún mensaje dentro de las letras en el rango descrito. Uno d elos ejemplos más frecuentes es el de "mira entre la h y la l en tu teclado" para decir "jk" o "just kidding" (solo bromenado en inglés). De momento, los usuarios señalan letras para las iniciales de nombres de personajes memorables, celebridades o figuras públicas, sin embargo, no ha sido del todo claro para muchos. ¿De dónde viene la tendencia de Mira entre las letras de tu teclado?De acuerdo al sitio Know Your Meme, que rastrea los orígenes de memes y tendencias en Internet, un usuario de la plataforma 4 chan posteó el 11 de mayo del 2021 una imagen con la figura de Yui Hirasawa, protagonista del anime K-On!.Esta imagen solo venía acompañada con un texto que decía “Mira entre la t y la o en tu teclado”. Con eso, se forma Yui, el nombre de un personaje.Sin niguna razón aparente, el post volvió a X (Twitter), en referencia a personajes de My Hero Academia: Izuku (Midoriya) y Uraraka (Ochaco). Entre el 17 y el 19 de abril se ven las primeras publicaciones al respecto.El trend también está Reddit, Twitter y otras plataformas y en distintos idiomas. Sobre K-On!K-On! es una serie de manga que comenzó a serializarse en la revista seinen Manga Time Kirara desde mayo de 2007. Una adaptación a serie de anime de 12 episodios se emitió originalmente entre abril y junio de 2009.La serie narra la historia de 4 jóvenes de colegio que buscan hacer su propia banda. El apellido de Yui está basado en el guitarrista de la banda japonesa de techno-pop P-Model, Susumu Hirasawa.
Para los y las que les gusta leer un libro y después verse la adaptación en película o serie, les tenemos el parche. En Netflix muchas de las producciones más populares han sido inspiradas en libros. Producciones que han llegado a ser número uno, como Secuestro del vuelo 601, nacieron de investigaciones o novelas de grandes autores. De hecho, las adaptaciones de Netflix están impulsando las listas de libros más vendidos y, a mi forma de ver, le han dado vida a historias icónicas como lo veremos este 2024 con Cien años de soledad, la novela más reconocida del autor colombiano Gabriel García Marquez. Así como es cierto que muchas adaptaciones no le son fiel a los libros y decepcionan a sus fanáticos, también es un hecho que Netflix ha logrado reconocimientos muy grandes con estas producciones. Por ejemplo, en los Oscar 2024, La sociedad de la nieve, película basada en el libro que cuenta la historia de los sobrevivientes de los Andes, fue nominada a Mejor Película Extranjera. Amantes de los libros, les digo que se pueden llevar gratas sorpresas con esta ola de adaptaciones que está llegando a la plataforma de Netflix. Acá les dejamos seis opciones que sí o sí tienen que leer y ver. SECUESTRO DEL VUELO 601Esta miniserie colombiana de Netflix ha dado mucho de qué hablar. La historia, protagonizada por Monica Lopera, Angela Cano, Valentín Villafañe y Christian Tappan, está inspirada en el secuestro del avión HK–1274 de la Sociedad Aeronáutica de Medellín en mayo de 1973. En cada episodio se deja claro que, aunque la serie está basada en hechos y personajes reales, por efectos de la dramatizaciones, algunos personajes, incidentes, lugares y diálogos son ficticios. Lo que pocos saben es que la serie se inspiró y basó específicamente en Los Condenados del Aire, el libro del periodista italiano Massimo Di Ricco. En este trabajo, Di Ricco reconstruye el fenómeno de aeropiratas que actuaron en Latinoamérica. La historia del secuestro del vuelo 601 no fue única y tampoco está aislada. Como explica el periodista en su libro, entre 1967 y 1973 hubo alrededor de 90 secuestros de aviones en Latinoamérica y cerca de 30 de ellos ocurrieron en Colombia.LA SOCIEDAD DE LA NIEVEA principios del 2024, la película de Netflix La sociedad de la nieve dejó sin palabras a más de uno. Esta es una excelente producción en la que, durante dos horas y veinticuatro minutos, se retrata la experiencia de los 16 sobrevivientes del equipo de rugby que se extravió en los Andes después de un accidente de avión. Los sucesos reales son crudos y desoladores y la película, sin irse por el lado del morbo usando descripciones demasiado gráficas, es fiel al infierno que tuvieron que pasar los sobrevivientes. Esto, además de lograrse gracias a la producción en sí, fue también gracias a Pablo Vierci (escritor, periodista y guionista uruguayo) el autor del libro homónimo publicado en el 2008. Para serle fiel a los hechos, Vierci viajó con un grupo de sobrevivientes a la montaña y escuchó como cada uno recordaba los setenta y dos días que estuvieron a la deriva en la cordillera. La sociedad de la nieve se empezó a escribir desde 1973 y se publicó muchos años después. Un libro que recoge muy bien, no solo los hechos y las batallas que tuvieron que afrontar los uruguayos, sino los sentimientos de cada uno en el limbo. La película fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Oscar 2024. LA LUZ QUE NO PUEDES VEREsta historia está ambientada en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La luz que no puedes ver narra en paralelo dos experiencias. Por un lado, la de una joven francesa ciega que, junto a su padre, huyeron de París cuando los Nazis invadieron la ciudad. Por el otro, la vida de un joven alemán reclutado por el ejército para rastrear emisiones de radio ilegales y así derrocar a la Resistencia Francesa. La producción se basó en novela homónima, escrita por Anthony Doerr, ganadora de un Premio Pulitzer en el 2015. Un libro muy alabado por los jurados del premio ya que, en sus palabras, "“es una novela imaginativa e intrincada sobre los horrores de la Segunda Guerra Mundial, escrita en capítulos breves y elegantes que exploran la naturaleza humana y el poder contradictorio de la tecnología". La adaptación para Netflix de este libro estuvo en manos de Shawn Levy, director, productor y guionista canadiense detrás de producciones como Stranger Things. ORANGE IS THE NEW BLACK Muy pocos saben que serie que revolucionó al público, entre el 2013 y el 2019, con la historia de Piper Chapman, una joven que debe pagar tiempo en prisión por los delitos de su ex novia, Alex Vause, está inspirada en un libro. La trama, que sigue la vida de todas las reclusas en la prisión de Litchfield, Nueva York, explora la violencia, el arrepentimiento, el amor y la importancia de las relaciones. Aunque Chapman y Vause son las protagonistas de la serie, cada capítulo cuenta la historia de una de las reclusas evidenciando como, muchas veces, una vida dura e injusta lleva a malas decisiones. El libro que inspiró la serie es Orange Is the New Black: Crónica de mi año en una prisión federal de mujeres, una crónica en donde Piper Kerman cuenta su propia experiencia con el narcotráfico, el lavado de dinero y, como consecuencia, su condena en una prisión federal de mujeres. Una crónica fiel de la reclusión: los retos que se deben enfrentar a diario y la transformación que conlleva estar privada de la libertad. LA MUJER EN LA VENTANAAnna Fox es una psicóloga infantil que sufre de agorafobia (un trastorno de ansiedad) por una experiencia traumática. Ese pánico la hace vivir sola, en su apartamento en Nueva York, desde donde le toma fotos a sus vecinos y espía sus vidas. Todo cambia cuando escucha un grito que viene desde la casa de los Russell. Anna presencia un aterrador acto de violencia que la hará preguntarse si lo que vio realmente sucedió. Si son amantes de los libros, este seguro lo vieron en los estantes principales de las librerías. La mujer de la ventana fue la primera novela de A.J. Finn que no tardó mucho en convertirse en un best seller. Se publicó en más de cuarenta idiomas y se adaptó a la pantalla con la actuación de Amy Adams, Julianne Moore y Gary Oldman. THE SINNEREsta es una de las mejores series que he visto en Netflix y es muy poco conocida. Cada temporada es un caso de misterio bien bizarro que el detective Harry Ambrose debe resolver. Cada historia es un cuestionamiento que, aunque se exagera por función a la dramatización, nos lleva a pensar en los humanos, las sociedades, las culturas y, sobre todo, los extremos a los que hemos llegado. Petra Hammesfahr escribió la novela homónima de thriller psicológico, que se convirtió en un bestseller internacional, en la que se basó la serie. En una tarde de verano, Cora Bender mata a puñaladas a un completo desconocido en la playa. ¿Por qué lo hizo? Aunque la joven se declara culpable, el policía Harry Ambrose sabe que hay algo detrás de este crimen sin motivo aparente. Por eso, se niega a cerrar la investigación hasta entender por qué Cora mató a alguien enfrente a su familia. Una historia que termina revelando la psique de Cora y su traumático pasado. ***Les recomendamos: Las 30 mejores series para ver en Netflix en 2024