Turnstile suena a muchas bandas y suena a sí misma. Es espejo de múltiples actos adelantados a su tiempo que revitalizaron el New York Hardcore entre finales de los ochentas y comienzos de los noventas. Y también, el resultado de una resignificación de sus propios referentes.Por Álvaro Castellanos | @alvaro_caste En principio, la banda liderada por Brendan Yates, surgida en 2010, fue recogiendo los cabos sueltos de Fugazi, Helmet o Shelter: propuestas Hardcore que, en su momento, tuvieron el arrojo de asomar la cabeza por fuera de los límites que el género imponía. Con los años, Turnstile siguió estirando los alcances de su creatividad, y hoy, sin oportunismos, también camina sobre una célebre alfombra roja desenrollada sólo para quienes llegan al mainstream de la música, luego de alcanzar una repercusión mundial inesperada que, para 2022, termina trayéndolos a América Latina y metiéndolos en la alineación del festival Estéreo Picnic.Spoken words rítmicos, compases lentos, momentos de espesura, sonidos electrónicos, vibras funky, virtuosismo post-hardcore, toques indie pegajosos, estallidos punk rock y una construcción de imágenes poéticas en sus letras son insumos que Turnstile ha ido tejiendo e integrando a su música. Una confluencia de intenciones que derivaron en su monumental disco Glow On (Roadrunner Records) de 2021, el cual los trepó insospechadamente en la cima de los charts especializados de rock en EE.UU. y Reino Unido. Sin embargo, durante la década pasada Turnstile se mantuvo sigilosa y arropada por su microclima natural: el nicho del Hardcore. Una escena subterránea y hermética, donde aun así sobresalían entre la voraz catarata de bandas que caen sobre las aguas del género, gracias a un sonido más o menos anárquico para los cánones de este estilo musical. Turnstile comenzó como un acto satélite de otra banda, Trapped Under Ice, también de Baltimore. Pressure to SucceedAllí, Brendan Yates tocaba la batería mientras trazaba intertextos musicales con su influencia contemporánea más temprana, Crown of Thornz, liderada por una figura de la escena: Danny Diablo. Del primer EP de Turnstile, Pressure to Succeed (Reaper Records) de 2011, se desprenden canciones potentes como Death Grip. Hardcore puro y duro, pero con ciertos arreglos, ecos y pausas. Pequeñas pistas de una versatilidad que gradualmente irían asomando con mayor insistencia. En su disco de estudio debut, Nonstop Feeling (Reaper Records) de 2015, Turnstile mantuvo el interés estilístico de bandas del New York Hardcore, con una emoción contenida que impactaba en su música y su estética. En canciones como Gravity entran en sus horizontes musicales matices funk y urbanos, con ecos de George Clinton o Public Enemy. Y de nuevo, jalan de un lazo que los ata a otra banda de culto: Token Entry, de Queens. En el videoclip de la canción Drop, Turnstile pone en evidencia una intención meticulosamente anacrónica a nivel de imagen, que los hace ver como un acto ochentero, impregnados de un aesthetic confuso, pero que vendría a fortalecerlos ahora mismo, cuando el espíritu alternativo de las cintas de VHS y la nostalgia de los primeros Lollapaloozas vuelven a ponerse de moda en el eterno camino cíclico de las tendencias pop. Otro referente interiorizado por Turnstile, fundamental en el desarrollo de su personalidad musical, es Angel Du$t, nuevamente de Baltimore, una especie de superband que expuso el lado más melódico que ofrece el género, herencia de otros actos influyentes para el nicho. Una propuesta pegajosa y rápida que se arrima al indie y al pop punk. Lean también | Porque nadie lo pidió, todos los discos de NOFX rankeados del peor al mejorTime and SpaceEstos rasgos se van insinuando en el segundo álbum de estudio de Turnstile: Time and Space (Roadrunner Records) de 2018. Allí, ya entrados en gastos con la toma de riesgos musicales, se jugaron con seguir desautomatizando su sonido mediante una confluencia entre el Hardcore más experimental y el rock alternativo de los noventas. Las fibras que se desprenden de su música tienen cierto gusto a 311, Red Hot Chili Peppers, Incubus, Jane’s Addiction o Rage Against the Machine. Actos de nostalgia de los que no somos ajenos los treintañeros más grandes, pero innovadores para las audiencias más jóvenes. Sencillos como Moon o Generator dan cuenta de esta metamorfosis. Time and Space puso a Turnstile en el límite. La banda se embarcó en un camino sin retorno que, así como pudo dejarla herida de muerte, terminó impulsándola positivamente y derivando en la confección de un álbum brillante, que encendió los reflectores sobre su andar y les representó una recepción halagadora por parte de decenas de medios especializados en Norteamérica, como Alternative Press, Rolling Stone, GQ, Loudwire, Billboard o Consequence of Sound. Bandas legendarias como Black Train Jack y Snapcase sirvieron de polo a tierra a nivel de influencias para que Turnstile mantuviera su espíritu Hardcore, pese a sus apuestas arriesgadas en la creación. Time and Space fue un disco fundamental que pavimentó el camino hacia el ya icónico Glow on, que vería la luz en 2021.Salvo algunos sectarios que los han mirado por encima del hombro como si fueran bichos raros, Turnstile no perdió el amor de su fanbase. La admiración de viejas y nuevas audiencias se puso más arriba que nunca. La banda, al mismo tiempo, fue como si hubiera dejado de sentirse en la obligación de rendir cuentas por sus decisiones creativas y, con ese convencimiento, lanzó el Glow On el 27 de agosto de 2021. Un disco de quince cañonazos, quince himnos redondos donde no se guardan nada. Producido por Mike Elizondo (Eminem, Fiona Apple, Mastodon y Twenty One Pilots, entre otros), en Glow On han sobresalido un puñado de hits que acumulan a la fecha hasta diez millones de reproducciones en Spotify: una utopía para cualquier banda de Hardcore en el planeta.«Too bright to live! Too bright to die! I wanna celebrate!», dice uno de los versos más potentes de Holiday, que habla de libertad y de navegar sin rumbos fijos. Mystery sugiere una ansiedad de cuentas regresivas. «There's a clock in my head. Is it wrong? Is it right? I know you're scared of running out of time». En tanto, Blackout habla de declives y reivindicaciones. «Blackout in the middle of the light. And now I'm back down with a feeling and I collide. You know it won't be long until the end. Let the spotlight shine on me again». En general, las letras del Glow On trazan metáforas con interpretaciones ambiguas que invitan más a disfrutarlas que a entenderlas. «Glow On no es un álbum crossover hardcore que busque trascender el género, sino uno que busca elevarlo a su más alta visibilidad», dice el crítico Ian Cohen para la plataforma Pitchfork. Sobre si la banda sigue parada en su nicho inicial o ya está en algo rotundamente distinto no parece haber consensos. Al respecto, Anthony Fantano, del canal de YouTube The Needle drop, les adjudica el rótulo de Dream-Punk, destacando su originalidad y matriculándolos en un género propio. «La banda logró con este disco consolidar una ruptura propia en sus riffs, enormes líricas callejeras, baterías emotivas, todos pilares del Hardcore, pero también ganchos más dulces, guiños sutiles al rock alternativo, que reverberan una producción de peso y que presenta un sonido más almidonado, acorde a la portada del disco color rosa con nubes, sin que deje de sonar como un buen disco de Hardcore», comenta. Diseccionar a Turnstile, abrir la banda y mirarla por dentro para entenderla, se ha convertido en una obsesión común por parte de los medios musicales en EE.UU. Todos tienen algo que decir sobre la música y la personalidad conjunta de de Brendan (voz y teclados), Franz Lyons (bajo), Daniel Fang (batería y percusión), Brady Eber (guitarra líder y voz secundaria) y Pat McCrory (guitarra rítmica). En general, hay un acuerdo sobre el mérito de pasar por encima de los linderos de un género estricto y atreverse a sacudirlo con la impertinencia que la mayoría de bandas de esta corriente no pueden o no están interesadas en asumir.«El Hardcore es un poco temeroso. Es un género rígido y áspero al explorar sus límites. Y la música de Turnstile es pulida y accesible. Esto, sumado a su estética, les hace atraer audiencias de bandas duras como Suicide Boys o City Morgan, y también audiencias indie. Y esa es una gran parte del por qué están siendo tan exitosos», dice Finn Mckenty, del canal de YouTube The Punk Rock MBA. «¿Hacia dónde irán a partir de ahora? Hay gente que me dice que son ‘the next big thing’, que seguirán alcanzando un éxito mainstream y yo personalmente no creo que vayan en esa dirección», concluye, como dando a entender que la fama de Turnstile fue más fortuita que perseguida y que su éxito debe ser visto en justas proporciones, sumado al hecho de que tampoco es que hayan inventado algo en términos musicales, a pesar del mérito de retomar distintos híbridos de bandas del pasado que se atrevieron a reescribir algunas reglas del nicho. Llegado 2022, la revolución de Turnstile se hace más visible con cada semana que pasa. Mientras su música plantea una hipnótica patada en la cabeza, su puesta en imagen se volvió toda una influencia en materia audiovisual. En este sentido, gran impacto ha tenido un concierto en vivo que dieron en su ciudad natal. El video es de agosto de 2021, pero parece una paradoja cuántica: una grabación vieja con canciones nuevas, un found-footage de Betamax que fácilmente podría ser de 1991, con imágenes premeditadamente borrosas y fans heterogéneos, de gorros pesqueros, pantalones beige de bota recta y tenis para jugar baloncesto, que se encaraman en la tarima y se tiran de cabeza sobre la multitud. Con la comunión entre la banda y los fans que sólo un concierto de Hardcore tiene, esta presentación en Baltimore expresa perfecto la apuesta estética y visual de Turnstile, muy acorde con la moda (pasada de moda) que predomina en estos días. Turnstile en Tiny Desk Por su lado, la reciente presentación de Turnstile para la National Public Radio (NPR) de EE.UU. en sus sesiones de Tiny Desk muestra a sus integrantes entre coloridos peluches de fondo, con un sonido sensible, onírico y orgánico. Un show íntimo que transmite una mágica praxis artística y que explica de buena forma el esplendor que ha alcanzado la hija más famosa y diversa del Hardcore en la historia del género. ***Turnstile en el Estéreo PicnicLean también | Este es el cartel del Festival Estéreo Picnic 2022Hablando de diversidad, Turnstile se presentará en Colombia el domingo 27 de marzo a las 8:45pm en el cierre del décimo festival Estéreo Picnic, subidos en el escenario «Páramo Presenta», misma tarima donde una noche atrás habrán tocado Edson Velandia y El Binomio de Oro de América.
Suicidal Tendencies es una de las bandas más destacadas del hardcore punk. La banda afirmó que le bloquearon su cuenta de Instagram durante tres semanas debido a su nombre.Tras recuperar el acceso a su cuenta, en un post publicado el pasado 6 de octubre, sus integrantes escribieron: “Como muchos de ustedes ya notaron, nuestra cuenta de Instagram estuvo inactiva durante las últimas 3 semanas. Larga historia, esto no tiene nada que ver con "nosotros", sino con nuestro nombre. Esta no es la primera vez que nos marcan, pero esperamos que sea la última. Hablaremos de eso más adelante, pero ahora queremos enfocarnos en lo positivo y darles lo mejor a todos ustedes y darles las gracias por estar siempre con nosotros ".Dentro de sus políticas, Instagram prohíbe los contenidos sobre suicidios y autolesiones. "Nunca permitimos que nadie promueva ni aliente el suicido o la autoagresión en Instagram. Además, el año pasado, actualizamos nuestras políticas para eliminar todo el contenido gráfico sobre estas problemáticas. También ampliamos las políticas para prohibir representaciones ficticias (como dibujos, memes u otras imágenes) que mostraran materiales o métodos asociados al suicidio o la autoagresión", dice la plataforma en un comunicado. Desde los ochenta Suicidal Tendencies viene forjando una buena cantidad de fieles adeptos a los sonidos extremos. Después de combinar una fuerte dosis de letras filosas, la agresividad del thrash, la potencia y energía del hardcore-punk, y aliarse con el mundo skater se convirtieron en los abanderados del crossover thrash.Ahora, a un poco más de tres décadas de haber lanzado su primer álbum, (Suicidal Tendencies, 1983), no les queda grande el rotulo de legendarios. Encabezados por el cantante californiano, Mike Muir, Suicidal ha mandado la parada en un estilo que va mucho más allá de la fuerza de sus canciones. La conexión de la banda con el mundo skater y su estética cercana a la onda gánster californiana son una marca registrada en el mundo del metal.
Si hay algo claro de Rock al Parque es que el primer día es el más exitoso. Aunque ninguna ley lo estipula, todo el mundo sabe que ese sábado está dedicado al metal y a los sonidos más pesados. Históricamente, el festival les ha dado a los fanáticos de estos estilos “en la vena del gusto”, con grandes actos como Apocalyptica, Cannibal Corpse o Anthrax. El 2019 no fue la excepción y los fans se emocionaron con nombres como Tarja, Dying Fetus, Deicide y Grave (que finalmente no se presentó). ¿Por qué Bogotá es tan metalera? Cerca de 85.000 personas llegaron al Parque Simón Bolívar en el día metalero de Rock al Parque y confirmaron una vez más que en Bogotá los sonidos pesados tienen una fanaticada fiel y sólida. Aquí algunas palabras que definen muy bien el metal en Colombia. Pasión “El metalero es apasionado”, nos dijo uno de los integrantes de Internal Suffering, banda de Death Metal pereirana que ha ido con su música hasta a China. Eso lo comprobamos el primer día de Rock al Parque, que reúne a un público incondicional que poguea y cabecea con cada canción. Persistencia Bandas nacionales como Internal Suffering, Tenebrarum, Under Threat o Grito llevan varias décadas trabajando por un género fuera de los circuitos comerciales. Estas bandas, entre otras, vieron los frutos de su esfuerzo y dedicación con los miles de asistentes a sus shows en Rock al parque, que tuvieron la oportunidad de ver shows con artistas de trayectoria. Masculinidad La diferencia entre proyectos de hombres y proyectos con al menos una integrante femenina fue abismal. Es momento de conocer más propuestas hechas por mujeres. Eso sí, hay que decirlo, las bandas con mujeres como Buitres, Lucifera, Info, Tenebrarum, y Tarja, por supuesto, se lucieron y mostraron la importancia de la mujer en el metal. Política Los sonidos extremos de Rock al parque tomaron posición. Los mexicanos de Vaquero Negro dieron su apoyo a los skaters de Bogotá en una referencia clara a la Policía. High Rate Extintion también tuvo un mensaje contra el capitalismo. Igualmente, Angra, aunque de forma algo más poética, también trata temas como la destrucción del medio ambiente y el colonialismo. Solidaridad El llamado de varias bandas fue el de apoyar la escena local. "¡Acompañen! Vayan a los conciertos, así vayan a bailar reggaetón, paguen la boleta”, dijo Razón de ser durante su show. Ellos saben que eso ha sido clave para lograr una escena fiel y fuerte y, por supuesto, el público ha copiado su invitación. Respeto Las bandas de metal reconocen el camino que labraron quienes llegaron antes que ellas. Por eso fueron mencionadas y homenajeadas agrupaciones como La Pestilencia o A.N.I.M.A.L que marcaron pauta en los sonidos extremos de Latinoamérica. Variedad Aunque hay quienes dicen que todo suena igual en el primer día de Rock al Parque, nada más alejado de la realidad: el festival incluyó exponentes representativos del hardcore como Grito o El sagrado, del Death Metal como Deicide o Internal Suffering, del rock industrial como Info, del metal sinfónico, como Tarja y del metal progresivo, como Angra. Y sí, todas suenan muy diferente. Unión Angra invitó a varios músicos colombianos para Carry On y Tenebrarum llamó a Elvis, de Estados Alterados. Los metaleros en Rock al parque demostraron que la unión hace la fuerza y es fundamental para consolidar la escena. Resistencia Ya sea al capitalismo, al conformismo, a la música comercial o a lo que se esper que debe ser el rock, las bandas del día 1 de Rock al parque fueron un ejemplo de resistencia. High Rate Extintion habló de resistir al cáncer, Razón de ser mencionó la opción de resistir para crear una escena, Power Insane mostró canciones de su disco Resistir es vencer y Grito homenajeó a los padres que resisten a las adversidades. Resistencia y metal siempre han ido e irán de la mano.
¡Le tenemos plan a los rockeros de Bogotá! Los argentinos de A.N.I.M.A.L serán la cabeza de cartel del Festival E.Q Rock para celebrar los 20 años del lanzamiento de su cuarto álbum de estudio Poder Latino. Grabado y editado en 1998 en los estudios Indigo Ranch de Malibú, Estados Unidos, y producido por Max Cavalera, líder de Soulfly y ex miembro de Sepultura. A.N.I.M.A.L presentará un show lleno de energía donde harán un recorrido por su primera época. Los bogotanos KOYI K UTHO también estarán en el cartel. Esta banda nace como tributo al piloto de la serie animada Mazinger Z, dedicada a explorar el metal industrial en sus distintas manifestaciones, pero concentrándose en el cyber core. Todo esto respaldado por un soporte visual en cada una de sus presentaciones a través del maquillaje corporal, teatralidad y efectos visuales. KOYI K UTHO presentará un show increíble en el marco del lanzamiento de su nuevo disco, nuevo video y próximo tour. CADÁVERES PODRIDOS nació como un proyecto solitario y experimental en el 2013 y se conformó como banda a principios del 2017 en la ciudad de Bogotá. Practican un rock muy marcado con una base enérgica envuelto en una atmósfera post punk. Letras que hablan sobre la sensación de vivir bajo un ambiente hegemónico y controlado, la desesperanza y la humillación de someterse a las imposiciones de un régimen totalitario. El evento contará también con la participación especial de la banda de Hardcore venezolana FRENTE DE IRA. Quienes se reunirán para la ocasión en Colombia después de que sus integrantes se han movido a otros países por la problemática en Venezuela. Será un show especial lleno de energía después de un silencio obligado.
Desde los terrenos del hardcore bogotano surgió en los noventa uno de los pilares de la nueva música colombiana: Ultrágeno. Liderada por Amós Piñeros, la banda introdujo metáforas y verdades sobre una sociedad violenta y en caos. Dos décadas después, el mensaje revolucionario sigue más vivo que nunca. ¿Por qué? Por: Doktor Chiflamicas // @DJChiflamicas @FolkaRumba* Dos décadas después de la Bogotá amedrentada por las bombas que explotaban una o dos veces cada día, esa ciudad de los años noventa en que las calles olían a susto y afán de grito, que sirvió de escenario desafortunado para la creación de muchas de las bandas que hoy son leyenda y curiosamente vuelven al ruedo casi al mismo tiempo, la Razafuria – ese término que cobijó a todos los creyentes en el poder de una banda – se despertó del letargo de las urgencias contemporáneas y volvió a enajenarse con el espíritu rabioso de Ultrágeno. “Era una época convulsa”, dice Amós Piñeros –vocalista y violinista de la banda– sobre la Bogotá de su adolescencia. Nos encontramos sobre la carrera Séptima en la puerta de La Ñ, el estudio de grabación y producción musical en el que trabaja con su pareja y varios amigos, entre ellos Rodrigo Mancera de Morfonia, banda que por estos días también resurgió de esa década de rock análogo en la que el muro de Facebook eran los carteles que pegaban en los postes con engrudo. De pronto Amós quería reír y lo hicieron correr, como dice en su canción Divino Niño, llegó en su moto y me recibió en su centro de operaciones para hablar y, un poco, viajar en el tiempo haciendo un paralelo entre las dos ciudades –la de los noventa y la de ahora–. Después de entrar al edificio cruzamos un pasillo igual al de cualquier hotel abandonado de película de serie B; pasamos por un jardín que yo había conocido árido hace un año y ya tenía vida digna; entramos a su estudio, saludamos al Divino Niño que estaba lavando la loza y nos sentamos en la sala para comenzar la entrevista. Agenda. Cigarrillo. Celular. Porro. Grabar. La cámara que estaba enfocando el crepitar del cigarrillo se aleja y retrocede 28 años al 30 de mayo de 1989. La imagen no tiene filtro vintage porque no, pero vemos a Amós Piñeros de 13 años esperando el bus del colegio sobre el costado oriental de la 56 con Séptima. Mientras él y sus compañeros de clase trataban de calentarse las manos por el frío capitalino, al costado occidental y a las 7:15 de la mañana el grupo de “Los Extraditables” –miembros del Cartel de Medellín comandados por Pablo Escobar– detonaron 100 kilos de dinamita en un carro bomba destinado a matar al entonces director del DAS, el general Miguel Maza Márquez. Este atentado cobró la vida de siete personas y dejó varios heridos, entre ellos Amós, quien cuenta cómo la violencia de aquellos días se mezcló con la inocencia de su edad y generaron una consciencia mordaz de la desgracia irreparable que estaba viviendo el país. El Divino Niño se seca las manos con su vestido rosa, Piñeros aclara la garganta y retoma el relato de cómo la vida nocturna de Chapinero comenzó a ser su arena de combate. Entre los 14 y 15 años empezó a salir sin parche y se convirtió en un voyeurista de la escena, un observador alucinado con la vestimenta y la actitud de la gente, pintas heredadas del underground inglés con pantalones remangados, las “grullas” y peinados indomables. En los bares de este barrio tradicional se encontró también con nueva música que, según él, lo sacó del metal y le abrió el mundo del industrial, algo que lo marcó con bandas como Ministry, Front Line Assembly, Front 242, Nine Inch Nails en sus inicios y Pig Face, que no era industrial del todo pero tenía una gran actitud post apocalíptica. Con ese despertar musical atravesado por la violencia latente de su entorno, Piñeros comenzó a crear narraciones que posteriormente estarían plasmadas en las letras de Ultrágeno. Pero antes de llegar allí tenía que pasar de ser un mero observador a participar activamente de la escena. Esto lo logró con Catedral, una banda experimento de grunge bogotano que fundó con Tomás Rueda (hoy cocinero), Miguel Navas (que ahora mezcla papayera con electrónica) y Andrés Crump (baterista), compañeros del Gimnasio Moderno con los que grabó un único disco homónimo en 1994 con la producción de José Gandour. Su canción Redes rojas se hizo famosa gracias a que fue utilizada como cortinilla del ya extinto programa 4 Canales de la 99.1 fm, dedicado al rock nacional. A pesar del éxito inmediato de Catedral –con su primer concierto como teloneros de Aterciopelados en el bar Transilvania lleno de rockeros ávidos de pernicia– y de haber comenzado a interactuar con personajes relevantes en varios aspectos de la vida cultural colombiana, Piñeros afirma que debido a la inocencia del momento fue acumulando sensaciones de impotencia y frustraciones que evolucionaron en la urgencia de crear algo tan contundente como lo que haría con Andrés Barragán (guitarra), Juan Camilo Osorio (batería) y Santiago Paredes (bajo) en Ultrágeno. Por esta razón, Amós decidió terminar de un tajo la banda, incluso teniendo un contrato con una disquera para grabar tres discos más y se recluyó en el limbo para preparar, sin tenerlo muy claro, lo que vendría a continuación. El Divino Niño está de acuerdo con que Catedral fue una suerte de módulo de experimentación en el que Amós Piñeros comenzó a hacer conexiones entre las historias urbanas de una Bogotá gélida y convulsa con las letras que aportaría a la banda a la que lo invitaron a cantar, pero se hizo el marica un buen tiempo mientras se decidía por lo que quería hacer. Con su particular voz ronca, cuenta que cuando por fin escuchó lo que estaban haciendo era lo que estaba buscando: un sonido nuevo, rápido e inusitado que sonaba como una máquina, pero era orgánico y tocado en vivo. A Amós Piñeros hay que verlo más allá de la rudeza y confianza en sí mismo propias de un rockero y escucharle la ternura detrás de su voz rasgada; entender que es un tipo espiritual que ha tenido su buena cuota de meditación; que con los años ha sobrepasado la premura inmediata del artista y se ha concentrado en divertirse con la música con la misma obsesión de un niño que juega solo por el juego mismo. Y es que fue esa misma capacidad inocente e introspectiva de conexión con ese otro plano patafísico que nos rodea y muy de vez en cuando nos explica el mundo, lo que lo llevó a comprender su necesidad de definir y comprometerse con la urgencia de crear la bestia potente que se convertiría en material impreso en la memoria rebelde de varias generaciones bogotanas. En el diccionario metafísico ancestral que solo se consigue en estado de vigilia y se puede leer con claridad pocas veces en la vida, el término Ultrágeno aparece reseñado de la siguiente manera: “Ultrágeno, m. Del español libre ‘ultraje-’ y ‘-no’. Elemento químico gaseoso de coloración verde que al ser liberado se propaga en cuestión de canciones en la conciencia de la Razafuria*. Simbología: representa la esperanza”. * Razafuria, f. Población de procedencia inexplicable, colectivo intangible muy diverso que somos nosotros, quienes nos relacionamos; los que tenemos inquietudes y los que no. Es una entidad con la posibilidad de matar o crear vida, construir o destruir en cualquier momento. Bajo los efectos de este gas difícil de contener, Piñeros escribió las siete letras que grabaron para el primer demo de la banda y cuenta –con la mirada de quien recuerda algo innegable– que gracias a la falta de duda entró en un estado de enajenación, casi demencia o hipnosis. Esa sensación, fuman los expertos, es un vacío libre de incertidumbre reconocible por quienes saben que tienen algo bueno entre manos; es una verdad ineludible porque desde adentro surge la certeza de estar en el camino correcto y solo hay que dejar fluir su impulso creador y este tejerá sin problema los nodos que conectan las figuras del entorno en beneficio de la obra. Ese letargo es un abandono, un desprendimiento confiado que es justamente lo que Amós Piñeros continúa buscando desde entonces en sus proyectos artísticos, ese algo más grande que él que lo convierta en instrumento. Así nació Ultrágeno, una furia poética con lírica ritual ligada al hardcore; una banda cargada de metáforas y verdades entre líneas para ser discernidas solo por quienes estén muy atentos a la poesía y al mensaje revolucionario tras lo evidente. Es una mezcla de letras rítmicas con melodías tribales –a veces gitanas– que cuentan la historia rabiosa y mestiza de una Bogotá abandonada en los Andes. Una gran muestra de esto es su canción La inconvenientemente (Ultrágeno, 1997), que reúne la nostalgia feliz de un violín gitano con una percusión vertiginosa y riffs pesados y convulsos. No, ultraje no, pilas. Esta banda tuvo una vida activa relativamente corta pero bastante fructífera, en pocos meses pasaron de amenizarle la velada a las lechonas de los bazares a llenar bares de Razafuria en el centro de la capital. Tocaron en Lizard King, de Jorge Escandón, ahora dueño de Bazurto Social Club en Cartagena; en un sitio llamado San Paul, en lugares pequeños de la 82 y otros cuantos chuzos de la carrera Séptima. Aunque nunca hicieron giras internacionales, consiguieron establecer una fuerte escena en el circuito local. Peinándose la cresta canosa hacia atrás, Piñeros dice que les hizo falta olerse los peos en una gira larga en Europa, pero alcanzaron a tocar para cien mil personas en varios conciertos importantes que quedaron en la historia del rock bogotano. En este momento el Divino Niño nos pone atención, deja a un lado su Tinder y toma la cámara para llevarnos a la Media Torta en 1997 –año en que Rock al Parque pasó a ser un proyecto del programa Cultura Ciudadana de la Alcaldía Mayor de Bogotá–, busca entre doce mil mechudos y encuentra a un personaje de rastas pero no rasta, un viejo zorro de la producción de conciertos que ha cabeceado y trabajado en todas las ediciones del festival Rock al Parque, Hugo Ospina, de Roadie Colombia. De ese día destaca las presentaciones de A.N.I.M.A.L. –banda con la que Ultrágeno produjo el segundo disco–, Control Machete, Kraken y Estilo Bajo, quienes rockearon frente a un público “muy bacaneao”, afirma el señor del Salón de la Desquicia. Después de ese día Ospina se convirtió en el stage manager de la banda. Piñeros recuerda con mucho cariño un concierto en la Universidad Nacional y el riot y la destrucción parcial del Tower Records del Centro Comercial Andino en 1999. Antes de volver al presente, vamos un segundo al barrio El Vergel, en el que durante un toque Amós se lanzó a surfear sobre la audiencia, alguien le quitó la billetera, pero luego se la devolvió. Está registrado en video. Aquí vendría bien un ron. En una época sin Internet, la vivencia cotidiana presionada por la violencia, los posibles secuestros y en general la polarización del país, llevó a varias bandas a tener la necesidad de convertirse en juglares rebeldes y narrar su historia sin importar el género musical. Piñeros menciona a La Derecha y 1280 Almas como ejemplo de las agrupaciones que tocaron temas sensibles y se convirtieron en banda sonora de esos tiempos. Aquí recalca la diferencia entre lo análogo y lo digital para decir que a ellos les tocaba salir a las calles con volantes para hacerse escuchar. Para él, los grupos de finales de los años noventa fueron los abanderados del último coletazo de la era análoga. Con el comienzo de siglo llegó el fin de la era Ultrágeno. Eran muy jóvenes, estaban terminando sus carreras y Amós Piñeros estaba agobiado de Bogotá, se sentía encarcelado en la ciudad. Parece injusto para la Razafuria. Fue una decisión tomada por la encrucijada en la que convergieron cuatro vidas con múltiples futuros posibles: Santiago Paredes está radicado en Dinamarca; Juan Camilo Osorio es arquitecto en Nueva York y Andrés Barragán tiene una editorial en Bogotá. Piñeros se fue a vivir a Barcelona, regresó en 2002 para la grabación del disco Código fuente con el sello MTM. Estaban en el punto perfecto para crecer, pero era evidente que iba a ser imposible continuar. Amós Piñeros siempre ha reflexionado sobre la actitud frente a la vida y como músico, una postura que supo perfeccionar con sus múltiples trabajos en Barcelona: “Estaba aprendiendo a ser nadie”. Cargó bultos de arena, repartió toallas y manteles, vendió falafel, fue repartidor de volantes, obrero de construcción, encantador de guitarras y psicólogo de hormigas, lo que hiciera falta para pagar los recibos y, como en Europa se puede vivir dignamente y tomar vino e ir a la playa con un sueldo bajo, tuvo tiempo para jugar. En esa época sin expectativas dramáticas de alcanzar el éxito o crear una escena, alejándose de las urgencias del músico amateur que abandona el arte por la necesidad de triunfar, Piñeros recibió un estudio de producción de un amigo de Berlín y se dedicó años enteros a experimentar. En esos días nació Uno Sound con Pol Moreno; La Fe; Tote, banda de metal; La Rola, rock clásico que duró una temporada y Amós y Los Santos, creado en Bogotá y trasladado a Barcelona. El abandono de deseos ulteriores en estos proyectos hizo que Piñeros entendiera el desentendimiento necesario para crear. Pero la historia de Ultrágeno tuvo, por ahora, dos entradas más que le devolvieron a la Razafuria la emoción ruda de los noventa. En 2007, celebrando los 10 años del primer disco y a manera de reunión de las bandas que participaron en las primeras versiones del festival, fueron convocados para tocar en Rock al Parque. De esa fecha quedaron en el limbo varias ideas que fueron concretadas diez años más tarde. Dos décadas después, en la Bogotá dividida por trinos en Twitter, esa ciudad de 2017 en que las calles siguen oliendo a susto y afán de grito, que sirve de escenario desafortunado para la creación de muchas bandas y el despertar de otras que hoy son leyenda, la Razafuria se estremeció con el lanzamiento de un nuevo sencillo de Ultrágeno: “Lo que tengo” y su regreso triunfal con dos fechas llenas a reventar en el Auditorio Lumiére. Además, se produjo la grabación de un disco en vivo y un documental de la banda. Fin de la entrevista. Amós es un tipo delgado y fuerte, ya canoso, enérgico y con ojos de niño. Me cuenta que lo que venga es un regalo, tiene muchas ideas pero no las va a forzar. Mientras guardo el celular con la entrevista y miro los apuntes en la agenda, con mucha inocencia le pregunto cuál cree que sea el legado de Ultrágeno. Duda, pero no tanto. Mira de frente y piensa en lo que define como la conexión, cree que su banda es una excusa para que la gente sienta emociones y acciones con las que se identifica: “La enajenación es nuestra herencia, la entrega y desprenderse de pensar por qué y para qué y solo hacer las cosas, ese es el espíritu de lo que quiero que hereden las nuevas bandas: hagan lo que los motive y los llene, entréguense que la gente agradece mucho eso y entra en sinergia. Se trata de reinterpretar y hacer de la vida un rito”. … *Esta es la versión completa de la crónica que el Doktor Chiflamicas publicó en Cover Up Magazine el año pasado.
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.
Entre todas las tendencias de redes sociales, por estos días hay una que llama la atención: "Mira entre las letras de tu teclado". La idea es dar algún mensaje dentro de las letras en el rango descrito. Uno d elos ejemplos más frecuentes es el de "mira entre la h y la l en tu teclado" para decir "jk" o "just kidding" (solo bromenado en inglés). De momento, los usuarios señalan letras para las iniciales de nombres de personajes memorables, celebridades o figuras públicas, sin embargo, no ha sido del todo claro para muchos. ¿De dónde viene la tendencia de Mira entre las letras de tu teclado?De acuerdo al sitio Know Your Meme, que rastrea los orígenes de memes y tendencias en Internet, un usuario de la plataforma 4 chan posteó el 11 de mayo del 2021 una imagen con la figura de Yui Hirasawa, protagonista del anime K-On!.Esta imagen solo venía acompañada con un texto que decía “Mira entre la t y la o en tu teclado”. Con eso, se forma Yui, el nombre de un personaje.Sin niguna razón aparente, el post volvió a X (Twitter), en referencia a personajes de My Hero Academia: Izuku (Midoriya) y Uraraka (Ochaco). Entre el 17 y el 19 de abril se ven las primeras publicaciones al respecto.El trend también está Reddit, Twitter y otras plataformas y en distintos idiomas. Sobre K-On!K-On! es una serie de manga que comenzó a serializarse en la revista seinen Manga Time Kirara desde mayo de 2007. Una adaptación a serie de anime de 12 episodios se emitió originalmente entre abril y junio de 2009.La serie narra la historia de 4 jóvenes de colegio que buscan hacer su propia banda. El apellido de Yui está basado en el guitarrista de la banda japonesa de techno-pop P-Model, Susumu Hirasawa.
Para los y las que les gusta leer un libro y después verse la adaptación en película o serie, les tenemos el parche. En Netflix muchas de las producciones más populares han sido inspiradas en libros. Producciones que han llegado a ser número uno, como Secuestro del vuelo 601, nacieron de investigaciones o novelas de grandes autores. De hecho, las adaptaciones de Netflix están impulsando las listas de libros más vendidos y, a mi forma de ver, le han dado vida a historias icónicas como lo veremos este 2024 con Cien años de soledad, la novela más reconocida del autor colombiano Gabriel García Marquez. Así como es cierto que muchas adaptaciones no le son fiel a los libros y decepcionan a sus fanáticos, también es un hecho que Netflix ha logrado reconocimientos muy grandes con estas producciones. Por ejemplo, en los Oscar 2024, La sociedad de la nieve, película basada en el libro que cuenta la historia de los sobrevivientes de los Andes, fue nominada a Mejor Película Extranjera. Amantes de los libros, les digo que se pueden llevar gratas sorpresas con esta ola de adaptaciones que está llegando a la plataforma de Netflix. Acá les dejamos seis opciones que sí o sí tienen que leer y ver. SECUESTRO DEL VUELO 601Esta miniserie colombiana de Netflix ha dado mucho de qué hablar. La historia, protagonizada por Monica Lopera, Angela Cano, Valentín Villafañe y Christian Tappan, está inspirada en el secuestro del avión HK–1274 de la Sociedad Aeronáutica de Medellín en mayo de 1973. En cada episodio se deja claro que, aunque la serie está basada en hechos y personajes reales, por efectos de la dramatizaciones, algunos personajes, incidentes, lugares y diálogos son ficticios. Lo que pocos saben es que la serie se inspiró y basó específicamente en Los Condenados del Aire, el libro del periodista italiano Massimo Di Ricco. En este trabajo, Di Ricco reconstruye el fenómeno de aeropiratas que actuaron en Latinoamérica. La historia del secuestro del vuelo 601 no fue única y tampoco está aislada. Como explica el periodista en su libro, entre 1967 y 1973 hubo alrededor de 90 secuestros de aviones en Latinoamérica y cerca de 30 de ellos ocurrieron en Colombia.LA SOCIEDAD DE LA NIEVEA principios del 2024, la película de Netflix La sociedad de la nieve dejó sin palabras a más de uno. Esta es una excelente producción en la que, durante dos horas y veinticuatro minutos, se retrata la experiencia de los 16 sobrevivientes del equipo de rugby que se extravió en los Andes después de un accidente de avión. Los sucesos reales son crudos y desoladores y la película, sin irse por el lado del morbo usando descripciones demasiado gráficas, es fiel al infierno que tuvieron que pasar los sobrevivientes. Esto, además de lograrse gracias a la producción en sí, fue también gracias a Pablo Vierci (escritor, periodista y guionista uruguayo) el autor del libro homónimo publicado en el 2008. Para serle fiel a los hechos, Vierci viajó con un grupo de sobrevivientes a la montaña y escuchó como cada uno recordaba los setenta y dos días que estuvieron a la deriva en la cordillera. La sociedad de la nieve se empezó a escribir desde 1973 y se publicó muchos años después. Un libro que recoge muy bien, no solo los hechos y las batallas que tuvieron que afrontar los uruguayos, sino los sentimientos de cada uno en el limbo. La película fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Oscar 2024. LA LUZ QUE NO PUEDES VEREsta historia está ambientada en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La luz que no puedes ver narra en paralelo dos experiencias. Por un lado, la de una joven francesa ciega que, junto a su padre, huyeron de París cuando los Nazis invadieron la ciudad. Por el otro, la vida de un joven alemán reclutado por el ejército para rastrear emisiones de radio ilegales y así derrocar a la Resistencia Francesa. La producción se basó en novela homónima, escrita por Anthony Doerr, ganadora de un Premio Pulitzer en el 2015. Un libro muy alabado por los jurados del premio ya que, en sus palabras, "“es una novela imaginativa e intrincada sobre los horrores de la Segunda Guerra Mundial, escrita en capítulos breves y elegantes que exploran la naturaleza humana y el poder contradictorio de la tecnología". La adaptación para Netflix de este libro estuvo en manos de Shawn Levy, director, productor y guionista canadiense detrás de producciones como Stranger Things. ORANGE IS THE NEW BLACK Muy pocos saben que serie que revolucionó al público, entre el 2013 y el 2019, con la historia de Piper Chapman, una joven que debe pagar tiempo en prisión por los delitos de su ex novia, Alex Vause, está inspirada en un libro. La trama, que sigue la vida de todas las reclusas en la prisión de Litchfield, Nueva York, explora la violencia, el arrepentimiento, el amor y la importancia de las relaciones. Aunque Chapman y Vause son las protagonistas de la serie, cada capítulo cuenta la historia de una de las reclusas evidenciando como, muchas veces, una vida dura e injusta lleva a malas decisiones. El libro que inspiró la serie es Orange Is the New Black: Crónica de mi año en una prisión federal de mujeres, una crónica en donde Piper Kerman cuenta su propia experiencia con el narcotráfico, el lavado de dinero y, como consecuencia, su condena en una prisión federal de mujeres. Una crónica fiel de la reclusión: los retos que se deben enfrentar a diario y la transformación que conlleva estar privada de la libertad. LA MUJER EN LA VENTANAAnna Fox es una psicóloga infantil que sufre de agorafobia (un trastorno de ansiedad) por una experiencia traumática. Ese pánico la hace vivir sola, en su apartamento en Nueva York, desde donde le toma fotos a sus vecinos y espía sus vidas. Todo cambia cuando escucha un grito que viene desde la casa de los Russell. Anna presencia un aterrador acto de violencia que la hará preguntarse si lo que vio realmente sucedió. Si son amantes de los libros, este seguro lo vieron en los estantes principales de las librerías. La mujer de la ventana fue la primera novela de A.J. Finn que no tardó mucho en convertirse en un best seller. Se publicó en más de cuarenta idiomas y se adaptó a la pantalla con la actuación de Amy Adams, Julianne Moore y Gary Oldman. THE SINNEREsta es una de las mejores series que he visto en Netflix y es muy poco conocida. Cada temporada es un caso de misterio bien bizarro que el detective Harry Ambrose debe resolver. Cada historia es un cuestionamiento que, aunque se exagera por función a la dramatización, nos lleva a pensar en los humanos, las sociedades, las culturas y, sobre todo, los extremos a los que hemos llegado. Petra Hammesfahr escribió la novela homónima de thriller psicológico, que se convirtió en un bestseller internacional, en la que se basó la serie. En una tarde de verano, Cora Bender mata a puñaladas a un completo desconocido en la playa. ¿Por qué lo hizo? Aunque la joven se declara culpable, el policía Harry Ambrose sabe que hay algo detrás de este crimen sin motivo aparente. Por eso, se niega a cerrar la investigación hasta entender por qué Cora mató a alguien enfrente a su familia. Una historia que termina revelando la psique de Cora y su traumático pasado. ***Les recomendamos: Las 30 mejores series para ver en Netflix en 2024
La creadora de contenido mexicana Wendy Guevara compartió escenario con Madonna durante el show en México de la reina del pop.Guevara fue la invitada principal en la pasarela de Madonna donde interpretó su emblemática Vogue, uno de los hits más importantes de Madonna. ¿Quién es Wendy Guevara?Wendy Guevara es la ganadora de La casa de los famosos México. Es la primera mujer trans en ganar este reality, y de hecho, cualquier reality mexicano en televisión abierta.Desde los primeros episodios, Wendy cautivó al público con su carisma y espontaneidad. Fue una de las participantes favoritas a lo largo del programa, que otorga un premio de cuatro millones de pesos mexicanos, cerca de 235.000 dólaresSu triunfo ha sido celebrado como un hito para la representación trans mexicana y latinoamericana.Wendy Guevara es una creadora de contenido mexicana. Se dio a conocer por un video que llegó a las redes sociales en 2017, cuando ella y su amiga Paola Suárez piden ayuda tras ser “abandonadas” en un cerro en León, Guanajuato. De ahí surgió un audio que decía “estamos perdidas, perdidas, perdidas”, y se hizo viral.Más tarde, se unió a ellas Kimberly Irene, y juntas formaron un grupo conocido como “Las Perdidas”.También se hizo conocida por un meme que ganó fuerza en 2022. La foto nació por un video que ella misma publicó en su canal de YouTube, donde está hablando a la cámara mientras su amiga toma un baño. Su gesto de desagrado se conviritó en uno de los memes más populares de 2022.Nació en agosto de 1993, y desde chiquita, una de las novelas que más le gustaban era Amigas y Rivales, fue el personaje que interpretaba Angélica Vale, el cual se llamaba Wendy Nayeli.“Yo crecí con todos esos programas, con las novelas de Amigas y rivales y todo eso. Es bien linda la Michelle Vieth. Yo me sentía Michelle Vieth en la novela, yo decía que yo era ella, y yo estaba chiquilla”, comenzó. “Pero me pusieron ‘Wendy Nayeli’ por el personaje de Angélica Vale que hacía de sirvienta. Yo le barría a una amiga su estética, y se me quedó Wendy Nayeli, por la culpa de Angélica Vale, te lo juro. Todos me decían ‘Wendy’”.En un episodio de La casa de los famosos, Wendy también narró que fue víctima de abuso sexual cuando era menor de edad."Cuando me violaron sí fue distinto, fue un muchacho ya mayor de edad wey (...) Cuando me llevó la policía fue lo peor, yo temblaba del miedo". También contó que fue revictimizada durante la revisión médica.¿Por qué Vogue fue tan importante para el pop? Esta canción llevó al “mainstream” el vogueing, un estilo de baile que se originó en los salones de baile (“ball rooms”) en Nueva York que nacieron desde los 60. En estos espacios alternativos, afros y latinos podían expresar libremente su orientación sexual o identidad de género, sin temor a ser discriminados o estigmatizados.El vogueing consiste en imitar los movimientos de las modelos posando como en la revista Vogue. Junto al documental Paris is Burning, Vogue de Madonna visibilizaron una de las manifestaciones culturales más representativas del movimiento LGBTI, que aquel momento luchaba por un anhelado y necesario reconocimiento en la sociedad.Además de Vogue, sus declaraciones a favor de la lucha contra el SIDA, cuando nadie más lo estaba haciendo, hicieron de Madonna un icono gay, y así se mantiene hoy. Pero Madonna no se limitó a copiar los pasos del vogueing ni mucho menos a apropíarselo. Para las coreografías de la gira, la reina del pop recurrió a Luis Camacho y José Gutierrez (conocidos como José y Luis Xtravaganza), 2 figuras prominentes de la escena “ball room”.
Con motivo de los 25 años del estreno de Star Wars: Episodio I -La Amenaza Fantasma, la película regresará a las salas de cine, según lo confirmó Cine Colombia en su cuenta de Instagram. De momento se sabe que la película estará disponible a partir del 2 de mayo, aunque no se conoce en qué salas. La película se estrenó originalmente en cines colombianos en junio de 1999. Star Wars: Episodio I -La Amenaza Fantasma es la cuarta película de la serie de películas de Star Wars, la primera película de la trilogía precuela y el primer capítulo cronológico de la Saga Skywalker. Ambientada 32 años antes de la trilogía original (13 años antes de la formación del Imperio Galáctico), durante la era de la República Galáctica, la trama sigue al Maestro Jedi Qui-Gon Jinn y su aprendiz Obi-Wan Kenobi mientras intentan proteger a la Reina Padmé Amidala de Naboo con la esperanza de asegurar un final pacífico a una disputa comercial interplanetaria. Junto con Anakin Skywalker, un joven esclavo con poderes naturales inusualmente fuertes de la Fuerza, simultáneamente se enfrentan al misterioso regreso de los Sith.El legado de Star Wars: Episodio I -La Amenaza FantasmaEpisodio 1 fue un éxito de taquilla. Con un presupuesto de 115 millones de dólares recaudó más de 1000 millones en todo el mundo y fue la más exitosa en su año de estreno. Sin embargo, muchos de los más fieles fans no quedaron del todo satisfechos. En su momento, la película fue elogiada por sus efectos especiales, pero, como recuerda Luke Holland en The Guardian, los meses posteriores al estreno de la película, la opinión cambió. Pero, como agrega Holland, "La amenaza fantasma, sin embargo, no está nada mal. Liam Neeson y Ewan McGregor son excelentes. Cuenta una historia satisfactoria y cerrada. Su acción se maneja con rapidez y estilo. Y, desde la muerte de Qui-Gon hasta que la madre de Anakin lo abandonó, ocasionalmente incluso logra tocar la fibra sensible del viejo corazón. A pesar de los Gungans, es una película de Star Wars muy sólida".