Murió Iris Apfel, icono de la moda, a sus 102 años. La noticia fue confirmada en su página oficial de Instagram. La mujer fue un referente clave de moda en la última década y su estilo extravagante y colorido la hizo sumamente reconocida en las redes sociales. Iris Apfel nació en 1921 en Astoria, Queens, hija única de un matrimonio judío de origen ruso: Samuel y Sadye Barrel, vidriero-decorador y propietario de una boutique de moda. De su padre heredó el amor por el diseño de interiores, de su madre aprendió la importancia de lo accesorios. Aunque Apfel se convirtió en un gigante de la moda en sus últimos años, empezó como diseñadora de interiores y experta textil. Después de casarse con su esposo Carl Apfel en 1947, los dos fundaron Old World Weavers, una empresa textil que llamó a personas como Greta Garbo, Estée Lauder y Marjorie Merriweather Post sus clientes en la década de 1950, según The New York Times.La pareja estuvo junta durante más de sesenta años hasta la muerte de Apfel en 2015 y durante años acumularon objetos, prendas de vestir y arte de todas partes del mundo. Incluso una exposición con algunas de las piezas más destacadas de la colección de los Apfel se inauguró en el Museo Metropolitano. En varias ocasiones ella misma se llamó una "estrella geriátrica", un icono de la moda de fama mundial, una invitada habitual en primera fila de desfiles de moda y fotografías de street style, con más de un millón de seguidores en Instagram.¿Por qué fue tan famosa Iris Apfel en la moda?En 2014 protagonizo el documental Iris, dirigido por Albert Maysles, y trabajó como profesora invitada en la Universidad de Texas. Ella le dijo a Vogue en 2015 que la universidad le pidió que la ayudara a "reforzar" su programa de moda, lo cual ella hizo con entusiasmo, mostrando a los estudiantes que la moda no siempre es glamorosa.Iris "ha sido conocida por romper todas las reglas, destruyendo estereotipos y tabúes sobre la edad, demostrando que para convertirse en "it girl" no es necesario tener veintitantos años, pero, sobre todo, que envejecer no significa necesariamente mortificarse y vestir prendas aburridas", de acuerdo con nssg. En la última década de su vida, Apfel fue sincera sobre el envejecimiento y por qué continúa trabajando más allá del punto en que muchas personas optan por reducir el ritmo. Ella le dijo a Today en 2022: "Oh, me encanta trabajar. Es divertido porque lo disfruto... Creo que jubilarse a cualquier edad es un destino peor que la muerte. El hecho de que aparezca un número no significa que tengas que parar". "
La moda urbana está en su peak. Basta con scrollear en Instagram y TikTok para ver contenidos de pintas con pantalones cargo, accesorios brillantes, sudaderas, jeans bota ancha y lentes de sol sin marco. Pero este estilo no es nada nuevo. Misa Hylton y April Walker lo inventaron en los noventa. Estas dos mujeres son las artífices del streetwear. Ambas son estilistas y en su tiempo rompieron esquemas en la moda vistiendo a raperas, raperos y bandas con prendas que definirían la estética del hip-hop años más tarde. ¿Quiénes son? ¿Qué caracteriza su estilo? ¿Por qué se consideran las pioneras? A continuación, les contamos. Lean también ¿Por qué el hip hop cumple 50 años en 2023?Misa HyltonMisa Hylton una de las pioneras de la estética “ghetto fabulous”, así lo dice The Cut. Su propuesta de estilismo sentó las bases de la moda en el hip-hop y fue la mente detrás de la imagen de las figuras más famosas del rap en la década de los 90.Entre los looks que componen su carrera como estilista están el mono lavanda de una sola manga de Lil' Kim en los MTV Video Music Awards de 1999, el body adornado con pieles en los Source Hip-Hop Awards de ese mismo año, el bustier y abrigo de Beyoncé en el videoclip 'Apeshit' y más colaboraciones con artistas como Jodeci, Foxy Brown y Faith Evans. El sello de Hylton se caracteriza por la exageración. Sus estilismos se distinguen por utilizar prendas básicas de streetwear con pieles, mucho blin blin y colores brillantes. Elementos que con el tiempo se convirtieron en sinónimo de la cultura hip-hop. Su primer trabajo de styling fue con la banda Jodeci en el video musical de la canción "Gotta Love". En esa época, los cantantes de R&B vestían sobre todo trajes y zapatos de caña alta, y ella propuso botas de combate, jeans anchos y sudaderas con capucha. La idea se salía del margen, así que tuvo que convencer a Andre Harrell, ejecutivo musical de Uptown Records, para que aceptara. Harrel al final acabó cediendo. El nuevo concepto fue un éxito y su segundo trabajo fue con Mary J. Blige, con quien todavía sigue creando looks. Además de Blige, Misa sigue trabajando con artistas del rap estadounidense y además, creó su propia academia: Misa Hylton Fashion Academy. April Walker Nacida en Brooklyn, April Walker fue otra de las pioneras de la moda urbana. Creadora de Walker Wear, fue una de las primeras en incursionar en la moda urbana masculina y conseguir que artistas como Tupac, Notorious BIG e incluso Beavis y Butt-Head usaran sus prendas. A los 21 años, abrió su primera tienda llamada Fashion In Effect . Desde ese momento ya diseñaba ropa para MC Lyte, Shaggy, Audio Two y Shinehead. También puso en marcha una división de estilismo, responsable de looks que han aparecido en vídeos y fotos de Wu-Tang Clan, RUN-DMC, Queen Latifah, Aaliyah, Naughty By Nature y muchos más.Más de Wu-Tang Clan Wu-Tang Clan: "Si haces arte por dinero, entonces vas a poder venderte a un precio bajo"Combinando moda y funcionalidad, estos diseños ayudaron a catapultar a Walker como una disruptora o como ella misma se llama 'Necessary Rebel'. Walker Wear ayudó a crear lo que conocemos hoy como streetwear, facturó millones y abrió las puertas de la distribución de esta categoría, así lo cuenta el Universal Hip Hop Museum. April - así como Misa- ha aparecido en documentales como Ladies First en Netflix y el programa The Remix HipHop X Fashion, en la misma plataforma. Su trabajo también se ha expandido al arte. Walker ha participado en exposiciones internacionales en el Kunsthal Museum, el Central Museum y la SOHO House de Berlín y Dubai, entre otros. En 2020, curó la exposición Women In Streetwear en la Port Authority Bus Terminal, y colabora en el curso en línea Streetwear Essentials ofrecido por la escuela de diseño Parsons en alianza con Complex. ¿Conocían su historia? Sigan a Shock para más contenido de música, cine y cultura pop.
El Festival Estéreo Picnic es más que la unión de muchos conciertos y artistas musicales en vivo: es una celebración al arte en todas sus manifestaciones. La moda, indiscutiblemente, es una forma de expresión en la que se exterioriza la personalidad y en todo el terreno en el que se realizó el evento quedó claro la necesidad de salirse de la monotonía para ser llamativo.Contenido recomendado | Poder LGBTIQ+ y fuerza drag en el Festival Estéreo Picnic 2022Creatividad en maquillaje, diseños, disfraces, mezcla de colores y un derroche fashionista por parte de un alto porcentaje del público hicieron parte de esta edición. En tarima también se contó con la cuota de estilo por parte de los artistas y sus equipos de trabajo. Aplausos para todos ellos por su dedicación al momento de elegir los atuendos para el festival, por madrugar a maquillarse y tener toda la actitud para posarle a los lentes de Shock.Fotografías de Natalia Pedraza, Daniel Álvarez y Nathalia Angarita para ShockEl Festival Estéreo Picnic 2022 regresó por todo lo alto con shows para todos los gustos: tres días en los que pasamos por todas las emociones, la tristeza, la alegría, la nostalgia y la euforia. Estos 15 actos fueron seleccionados por el equipo de Shock que estuvo presente desde el primer acto del viernes hasta el último del domingo.Lea completo: Los 15 mejores shows del Festival Estéreo Picnic 2022En video | Las pintas más llamativas del Festival Estéreo Picnic 2022 con Dawer X Damper - ShockPara ver | JasonAcas hace reflexiones trascendentales en el Festival Estéreo Picnic 2022 - Shock¡La música y la cultura pop nos unen!
Que tire la primera piedra el que vaya por el campo del Festival Estéreo Picnic sin voltear a mirar los habitantes de un mundo distinto con más actitud y estilo que enamoran a primera vista. Salimos con los lentes bien puestos para recrear el ojo entre tanta guapura que llega a darlo todo en los tres días del regreso del festival.Recorrimos cada rincón del Briceño 18 para buscar a los más buena onda del festival, que regalaron en cada momento una sonrisa y una actitud llena de la mejor vibra. Estos son los más estileros que no necesitan de un filtro de Instagram para verse divinas, divinos y divines.Contenido recomendado | Los 15 mejores shows del Festival Estéreo Picnic 2022En video | Las pintas más llamativas del Festival Estéreo Picnic 2022 con Dawer X Damper - Shock¡La música nos une!
Dawer X Damper tienen una Maestría en flow y estilo, por eso recorrieron el Festival Estéreo Picnic 2022 buscando las pintas más llamativas del lugar. El dúo caleño seleccionó a varios asistentes para preguntarles sobre la preparación que tuvieron entorno al regreso del festival. En la jornada hubo mucho color, maquillaje llamativo y, sobre todo, demasiada actitud.Desde máscaras, disfraces de gatos, sudaderas y hasta licras, el público festivalero demostró que a la hora de asistir a un evento como este la originalidad y comodidad en las pintas marcan la parada.¿Y usted que pinta se llevaría al Festival Estéreo Picnic?En video | Dawer X Damper: guía para gozarse el Festival Estéreo Picnic 2022 - Shock x Amazon Music Colombia¡La música nos une!
Dalmata estrena nueva música y llega con sus éxitos al Castillo Marroquín en un evento que reúne moda, música y Dj.El cantante puertorriqueño estrenó el sencillo Un último aliento, junto a la cantante Vela. La canción fue escrita por Dalmata y producida por Fernando Mangual y Eliot El Mago D Oz reconocido por su trabjao con artistas como Don Omar, Daddy Yankee, Carlos Vives, J Álvarez, Arcángel, Rakin y Ken Y, Zion y Lenox, Plan B, J Balvin entre otros.“Es un tema que fue grabada hace 8 años, es muy importante para mí. Quise volver a fusionar el reggaetón con otro género, esto siempre me ha resultado divertido y es algo que disfruto. La letra de la canción la hice con el corazón pensando lo frágil que puede llegar a ser la relación de pareja si no se le pone suficiente atención” afirma Dalmata.Antes de este sencillo Dalmata estrenó otras canciones Belleza Latina remix feat Ñejo, Incontrolable y Viajero Feat Elysanij.Dalmata regresa a Colombia para un show el 11 de diciembre, estrenando este nuevo tema musical y cantando todos sus éxitos, durante un evento anual llamado Pasarela, una fiesta de música y moda, con una programación que incluye performances artísticos, con modelos reconocidas del país de Sol&Mar, y modelos Webcam de WCG Models.Dalmata, con lo mejor de su repertorio musical, Deejays en vivo, performance de moda, pasarela a cargo de la diseñadora de vestidos de baño y modelo, Kathe Aroca, junto a 25 reconocidas modelos en Tarima, es la mezcla de ingredientes que tendrá el show del artista en la gran PASARELA SOL&MAR Y WCG MODELS, este 11 de Diciembre en la carpa castillo Marroquin.La encargada de presentar su colección de vestidos de baño es la diseñadora Kathe Aroca, dueña de la marca Sol&Mar, acompañada de 25 modelos en tarima, que desfilarán una colección especial de vestidos de baño y lencería. Más info al WA 3212345297
El Festival Distrito Quántica reunirá en Bogotá, 60 emprendedores con propuestas de arte, diseño, gastronomía y música durante tres fines de semana en Quinta Camacho, del 3 al 19 de diciembre.En Distrito Quántica se encontrarán proyectos que vienen desde 23 territorios distintos del país, en los que se ha pasado de sembrar coca a cacao, donde las manos que desarrollan los productos son de excombatientes, víctimas del conflicto armado, viudas de la fuerza pública y de personas de diferentes comunidades que ahora son beneficiadas gracias a estos proyectos.Manos que hoy en día convierten el plástico en prendas de vestir. Marcas que evitan usar químicos y colorantes, que usan menos agua y energía en su producción, que cuidan sus emisiones de CO2. Marcas 100% colombianas.Quinta Camacho se convierte en el punto de encuentro del Festival. El recorrido comienza viendo a los expositores en Aurora Espacios Conscientes. Los restaurantes del barrio también se sumarán a esta iniciativa con descuentos a sus asistentes, así se vivirá una experiencia local que celebra la sostenibilidad.Durante estos días el público podrá dsfrutar de conciertos de artisas como Victoria Sur, Latin Latas, Lucio Feuillet, Gala Galeano (del Frente Cumbiero), Atlántico House Caribe, y muchos más.Será la oportunidad para comprar productos de moda sostenible, joyería artesanal, juguetes y juegos para niños, cosmética natural, repostería, bebidas de todo tipo y mucho más. Es una oportunidad perfecta para conocer a nuevos talentos que están comprometidos con ayudar a cuidar el planeta y que generar impacto social.La programación incluye una agenda cultural con 30 artistas y un circuito gastronómico con 17 restaurantes aliados que ofrecen descuentos y promociones exclusivas para el público asistente. De acuerdo con el Decreto 1408 de 2021, los asistentes deberán presentar el carné de vacunación o certificado digital de Mi Vacuna, a partir de los 12 años en adelante.
Virgil Abloh, el revolucionario de la moda murió a los 41 años el domingo 28 de noviembre a causa de un cáncer que padecía hace años.Su muerte ha sido confirmada a través de una publicación en Intagram del grupo francés LVMH. “Todos estamos conmocionados tras esta terrible noticia. Virgil no solo fue un diseñador genio, un visionario, también fue un hombre con un alma hermosa y una gran sabiduría. La familia LVMH se une a mí en este momento de gran dolor, y todos estamos pensando en sus seres queridos tras el fallecimiento de su marido, padre, hermano, amigo”, Bernard Arnault, CEO de LVMH.Su talento lo llevó a crear su pimera marca en el 2012, Pyrex Vision. Al año siguiente fundo su maraca más exitosa, la firma Off-White. “No es una marca. Es un proyecto artístico que se expresa a través de prendas. La ropa es solo un medio para crear un nuevo lenguaje”, afirmaba siempre que le preguntaban por ella.Fue finalista de los premios LVMH, así ganó un lugar como director creativo de la línea masculina en el 2018 de Louis Vuitton. Tres años que sumaron una cantidad de alianzas y logros con a grandes marcas colaboró para Nike y Jimmy Choo.Virgil Abloh creció rodeado de la cultura urbana, skate y hip-hop en los 80. Estudió en una escuela católica y en la Universidad de Wisconsin. Mientras cursaba un máster de Arquitectura en el Illinois Institute of Technology conoció a Kanye West, su futuro socio. Su primera experiencia en la industria de la moda fue en Fendi.Diseñó muebles para Ikea, y expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, una retrospectiva antes de celebrar sus 40 años, entre las que estaban las Nikes que hizo para Off-White en 2017, con su característica tirita de plástico en los cordones y el felpudo que diseñó para Ikea.Músicos, actores y personalidades de la industria de la moda lamentaron la perdida de este genio del arte contemporáneo."Mi corazón está roto, Virgil, fuiste un genio creativo amable, generoso y reflexivo. Tu trabajo como ser humano y tu trabajo como ser espiritual vivirá para siempre. Enviando amor y luz a tu esposa, hijos, familia y cada uno. Estás con el maestro ahora, brilla" Pharrell Williams. "Virgil cambió por completo la forma en que veía el estilo y la moda de la calle, la forma en que veía las cosas me inspiró profundamente. Nunca podré expresar completamente lo agradecida que estoy de haberlo conocido y trabajado con él, desde caminar en sus pasarelas hasta que él diseñara mi vestido de novia y todos los demás momentos increíbles en el medio, sentí que siempre me apoyaba. . Era alguien que siempre traía vida, carisma, amor y diversión a cualquier situación y a cada habitación en la que entraba. Una mente creativa única en una generación que es tan rara y nunca olvidaré su impacto. Te amamos Virgil". Hailey BieberVirgil Abloh. 1980-2021. Descansa en el poder, rey. Dejaste una marca indeleble en este mundo.
En 2020 la mediática MET GALA tuvo que aplazarse por motivos pandémicos, pero para 2021 el evento ha regresado y el requisito para todos los invitados es estar completamente vacunados, aquel que no lo haya hecho no podrá ingresar. Les contamos más detalles de lo que ocurre en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York.Contenido relacionado | MET Gala: ¿Por qué los famosos se visten tan extravagante?La MET Gala tiene el propósito de recaudar fondos para el Instituto del Vestido del Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York (cada asistente paga cerca de 30.000 dólares y es frecuente que las grandes casas de moda compren mesas con varias personas para sus invitados). Cada año hay un tema y en 2021 es "In America: A Lexicon of Fashion", en honor al 75 aniversario del Instituto.A diferencia de las alfombras rojas tradicionales en Hollywood, ésta es una en la que más que pensar en qué les luce, los famosos deben pensar en cómo pueden ser el mejor complemento para el traje del diseñador. Mientras otras galas sirven para celebrar sus logros, aquí la moda es protagonista. Igualmente, los diseñadores pueden dar rienda suelta a su creatividad a un nivel que no permiten otros eventos.En este video Anna Wintour, editora de Vogue y co-organizadora del evento, hace un repaso por las personalidades que más han hecho honor a la moda en el evento. En el clip recuerda trajes de Rihanna, Beyoncé, Bianca Jagger, Cher, Sarah Jessica Parker, Oprah, entre otros.MET GALA 2021, ALFOMBRA ROJA EN VIVO La transmisión en vivo de la gala del Met comenzará a las 5:30 p.m del 13 de septiembre, y terminará cuando la alfombra roja cierre alrededor de las 9 p.m. La transmisión en vivo contará con dos invitados especiales: el actor Keke Palmer, y la actriz, escritora y directora Ilana Glazer. Juntos, brindarán un acceso sin precedentes a la famosa alfombra roja de la Met Gala, entrevistando a invitados de alto perfil a medida que llegan con gran estilo.El evento en vivo se transmitirá en el canal de Youtube de Vogue y en su cuenta de Twitter.MET GALA 2021, LOS FAMOSOS ASISTENTESGracias a la rapidez de internet vamos a conocer en tiempo real los trajes de los famosos y las creaciones más llamativas de los diseñadores. A partir de las 5:30PM encontrará todas las imágenes en este artículo de Shock.Rihanna y A$AP RockyJennifer HudsonLil Nas XKeke Palmer y Emma ChamberlainNia DennisAnna Wintour Billie EilishTimothée ChalametMJ Rodríguez Kim PetrasJ BalvinMalumaLordeFrank OceanMegan FoxJennifer LópezEmily BluntLupita Nyong'oRosalíaKristen StewartWhoopi GoldbergEstamos actualizando esta nota en tiempo real. Presionen F5 o reinicien el navegador para tener la información actualizada. Si no funciona, con seguridad, la culpa es de Google. Mantengan la calma y reintenten.Video recomendado | Sofi Tukker: una guía de estilo por Bogotá, Colombia - Shock¡El lado S de la moda!
El Tribunal de apelaciones de Nueva York anuló la condena de Harvey Weinstein por delitos sexuales el jueves 25 de abril del 2024. La juez Jenny Rivera, la voz mayoritaria del tribunal, aseguró que la decisión fue tomada porque en el juicio se cometieron errores fundamentales. El veredicto, con cuatro votos a favor y tres en contra, llevó a que se ordenara un nuevo juicio demostrando que en el juicio del 2020, en el que se le dictaminó una condena de 23 años de cárcel, se permitió injustamente que mujeres que no eran parte de los cargos iniciales testificaran contra Weinstein.El abogado del exproductor de Hollywood, Barry Kamins, dijo en una entrevista que Harvey Weinstein se presentará frente a un juez en Manhattan para solicitar la libertad bajo fianza mientras se establece la fecha del nuevo juicio. "Nos complace que el tribunal haya acordado que al Sr. Weinstein se le negó su derecho fundamental a un juicio justo", comunicó Kamis. La juez Rivera resaltó que, el hecho de haber incluido injustamente los testimonios de mujeres que no hacían parte del caso, hacían que se reforzara la posición en contra al exproductor de 72 años por conductas anteriores y no solo por las que estaba siendo imputado. Incluso, podía haberle impedido a testificar en su favor. Por su lado, Barry Kamis y Arthur Aidala, otro abogado de Weinstein, consideran que en el proceso judicial del 2020, el juez "abandonó repetidamente su deber de salvaguardar las garantías constitucionales y los derechos procesales de Weinstein". Por esto, lo dejó "impotente para defenderse de un fiscal incontrolado".La condena por delitos sexuales de Harvey Weinstein en CaliforniaSin embargo, esta no es la única demanda que enfrenta Harvey Weinstein. Actualmente, también está condenado en California a 16 años en prisión por violar a Evgeniya Chernyshova en un hotel de Beverly Hills en el 2013. Por esto, el exproductor deberá seguir en prisión. El caso está ahora en manos del fiscal del distrito de Manhattan, Alvin Bragg, quien aseguró a través de un portavoz que: “Haremos todo lo que esté en nuestra mano para volver a juzgar este caso, y seguiremos firmes en nuestro compromiso con las supervivientes de agresiones sexuales”.¿Un retroceso para el movimiento #MeToo?Ashley Judd, la actriz estadounidense de cine y una de las voces más destacadas detrás de la demanda, consideró esta anulación como una "traición institucional". Asimismo, el abogado de Evgeniya Chernyshova, la mujer detrás de la demanda en California, afirmó que "está obviamente decepcionada" y "se siente mal por las víctimas que soportaron ese juicio y las posteriores apelaciones, sólo para ver cómo se revocaban las condenas".Los abogados también se han manifestado a favor y preocupados por sus defendidas. Por un lado, Lindsay Goldbrum, quien ha representado a seis víctimas, dijo que: "Lamentablemente, la sentencia de hoy arroja una oscura sombra sobre su valentía y, sin duda, disuadirá a futuras víctimas de agresiones sexuales de denunciar". Por el otro lado, Douglas Wigdor, abogado de ocho víctimas, subrayó una de las consecuencias más impactantes y crueles de la anulación. “La decisión de hoy supone un gran paso atrás en la exigencia de responsabilidades por actos de violencia sexual. Anular el veredicto es trágico porque obligará a las víctimas a soportar otro juicio más”. Scott Berkowitz, el fundador y presidente de la organización contra la violencia RAINN, también se manifestó y comunicó que: "Anular la condena de Harvey Weinstein es una decisión horrible que no protege el debido proceso: pone en peligro la justicia para las supervivientes de sus crímenes".
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Caraja dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me réuno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo.
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.