Lin-Manuel Miranda es considerado por muchos como uno de los genios de la industria del entretenimiento de este siglo: el compositor, arreglista, coreógrafo, actor, director, productor y dramaturgo ha brillado en cada aspecto de su carrera. Para escuchar | 'Colombia, Mi Encanto', la canción de Carlos Vives y Lin-Manuel Miranda para DisneyNacido en el barrio ultra latino Washington Heights del Bronx, Nueva York, ha sido merecedor de más de 40 reconocimientos por su excelencia artística: algunos premios obtenidos son un Pullitzer, 3 Tony, 3 Grammys, 2 Emmys, 2 Olivier, un Genius Gran y la estrella en el Paseo de la fama de Hollywood.Se ha destacado en las tablas, en la pantalla chica, en la pantalla grande y como artista de grabación. Estos son los 9 proyecos que han contado con su participación.In The HeightsLa historia de un dominicano americano que sueña con vivir en las playas del Caribe ha tenido la participación de Lin-Manuel Miranda en varios momentos: como su protagonista en Broadway, escritor de las canciones originales de la versión teatral, protagonista de multiples funciones por todo Estados Unidos, productor ejecutivo de la película de 2021.Tick Tick BomAl igual que en In The Heights, Lin-Manuel ha participado en Tick Tick Bom en varios momentos: En 2014 fue el protagonista del famoso musical teatral basado en la historia de Jonathan Larson. Siete años después la película fue llevada al cine de la mano de Netflix y en ella Lin fue el director y productor ejecutivo. Esta película marcó su debut como cineasta.EncantoEn 2021 se estrenó la película de Disney que tiene lugar en un pueblo mágico de Colombia: allí Lin-Manuel fue contratado para componer la letra de todas las canciones y ser el director musical de todos los números. Los temas principales de la película fueron Colombia, Mi Encanto, Dos Orugüitas, Surface Pressure y We Don't Talk About Bruno.HamiltonEs el proyecto más premiado de Miranda hasta la fecha: allí fue el creador de la música, las canciones y la historia que se muestra en las tablas, pero que fue inspirada por el libro Alexander Hamilton. Fue el ganador de un Pullitzer y por la obra recibió un sinfin de reconocimientos gubernamentales.MoanaEn la película animada de Disney Lin fue contratado para hacer las canciones originales. Una de ellas, How Far I'll Go interpretada por Auliʻi Cravalho , fue nominada al Premios Óscar en la categoría Mejor Canción Original.Mary PoppinsLa cinta, también de Disney, contrató a Lin para ser parte del elenco principal en el papel de Jack donde co-protagonizó con Emily Blunt. Gracias a este personaje recibió una nominación a Mejor Actor de Comedia o Musical en los premios Globo de Oro.Bring It OnEn la obra Lin escribió la música de la mano de Tom Kitt y por ese trabajo recibió varios reconocimientos. Star WarsCon una relación avanzada con Disney, participó en Star Wars: The Force Awakens escribiendo una canción para la escena de la cantina del personaje de Maz Kanata. Años después hizo un cameo en Star Wars: The Rise Of Skywalker y escribió una canción para el planeta desierto Pasaana.Fosse/VerdonEn la miniserie de FX, Lin participó como actor en un rol pequeño y también creó la música de algunas escenas. También fue nominado a varios premios por ser productor ejecutivo del proyecto.¡El lado S del cine y la televisión!
Chavela Vargas es un ícono de la música y la cultura popular latinoamericana, la cantante no solo dejó un repertorio de canciones que han sido incluidas en banda sonoras de películas o interpretadas por artistas que han hecho versiones memorables, sino que su historia de lucha y de identidad ha servido para inspirar obras musicales, documentales y novelas. El musical Chavela por siempre Vargas inaugura la apertura del Movistar Arena al público.Chavela por siempre Vargas es un musical que celebra la vida de la cantante a través del teatro, la música y el arte. Un musical diseñado para el reencuentro de obras presenciales con todos los protocolos de bioseguridad. A partir del 25 de marzo, más de 30 artistas en escena con Carmenza Gómez, Adriana Bottina, Ana Sofía González, pondrán en escena los momentos más representativos de la mujer que fue y la cantante que se hizo inmortal. Estarán acompañadas por Julián Román, quien interpretará a José Alfredo Jiménez —el ‘Rey de la canción’ — su compañero de parranda en épocas de juventud, y Diego León Hoyos como su entrañable amigo en el final de su vida, Pedro Almodóvar.El musical trae de regreso a los escenarios a Manuel José Álvarez, uno de los directores de teatro más reconocidos de nuestro país, después de su exitosa gestión de 6 años al frente del Teatro Colón de Bogotá. “Este musical es un homenaje a la vida de Chavela que fue dura, de soledad, de alcohol, de superación y éxitos; a las canciones con las cuales nos criamos y que están en nuestro ADN. Ésta es una bella oportunidad para reencontrarnos con la música, el teatro y la danza a través de su historia”, afirmó Manuel José.Esta obra con música en vivo, que incluye la participación de un dueto de guitarra y acompañamiento de percusión con gran trayectoria, así como la presencia del Mariachi Contemporáneo y un ballet de 10 bailarines en escena, estará envuelto en una escenografía delicadamente diseñada que contempla elementos icónicos de México como lo son las pirámides y el árbol de la vida, así como una pantalla en la que se proyectarán imágenes inéditas en video.Sinopsis ‘Chavela por siempre Vargas’A sus 72 años y después de 15 de estar perdida de los escenarios, Chavela Vargas fue invitada a presentarse ante el público del Teatro Lope de Vega, en Sevilla, España. Este fue el primer concierto en el que los asistentes pagaron una boleta para verla y el momento en el que su carrera musical toma vuelo hasta el final de sus días. Pedro Almodóvar se encargó de hacer de esta noche una velada mucho más especial con sus elocuentes palabras en la presentación de la artista.Esta obra irá transportando a los espectadores a la infancia, la juventud y la vida adulta de una Chavela que, además de ser la gran cantante que hoy recordamos, fue una mujer que vivió sin quedarse con nada. De grandes afectos entre los que se destaca la relación entrañable que tuvo con su gran amigo José Alfredo Jiménez.El Movistar Arena de Bogotá han creado los más rigurosos protocolos de bioseguridad para que puedas disfrutar a Chavela por siempre Vargas con:1. Venta de boletería regulada por un algoritmo que hace que el sistema de venta automáticamente bloquee 2 metros a la redonda sin posibilidad de compra en un rango menor.2. Sistema de agendamiento de ingresos por turnos para minimizar filas y agilizar los ingresos.3. Puntos de desinfección de manos y calzado en cada zona del Arena.4. Cámaras termográficas que miden la temperatura en cada ingreso.5. Servicio de venta de alimentos y bebidas a la silla.6. Todo el personal que trabaja en el Movistar Arena de Bogotá contará con los elementos de protección exigidos por ley para la seguridad propia y de los asistentes.7. Aforo reducido con silletería numerada para garantizar el distanciamiento social.8. Sistema de ventilación bioclimática.
Un grupo de artistas circenses se ven obligados a huir de su circo perseguidos por el Dueño de Todas las Cosas. Y emprenden una aventura por mar y en su travesía recorren distintos lugares del planeta conociendo diferentes personajes, dejando a cada paso una huella imborrable con su música y forma de ver el mundo. Esta historia estará en temporada desde el 12 de mayo hasta el 1 de septiembre. Fotos: katherine Fresneda // @ktfresneda Burning Caravan en su circo, interpreta Benvenuti a Tutti dando inicio a su espectáculo. Durante el número de Matrioska la intrépida clavadista en valde de agua, irrumpe en escena El Dueño de Todas las Cosas, reclamando la posesión del circo. La banda se niega a entregar su circo y se monta en su barco Neptuno, perseguidos por el Barco Acorazado del Dueño de Todas las Cosas, comenzando una persecución por el mar. Llegan a las costas de la Selva Africana y deben escapar de los animales Salvajes. Siguen por el Atlántico con rumbo Norte y llegan a la Costa de Francia, donde conocen a Sam y Gullivier los cocineros, conocen la campiña francesa y al horrible Monstruo más tierno de la región. Llega el Dueño de Todas las Cosas a Francia, la persecución se reanuda. Navegan hacia el sur por el Atlántico hasta atravesar el Portal mágico de Ciudad Faro y llegan a la costa de Chile dónde conocen a Pablo Neruda. Vuelven al mar perseguidos por el Dueño de todas las cosas. Se enfrentan a diversos piratas en el mar caribe, hasta que Neptuno es destrozado por el Acorazado del dueño de todas las cosas. Ellos Naufragan y llegan a Colombia donde son entrevistados en un programa de televisión. El Dueño de Todas las Cosas aparece nuevamente, pero esta vez ha perdido todos sus bienes en la travesía, dando paso a un final inesperado. Las frases célebres de los personajes Matrioska - Diana Osorio “El monstruo, en agradecimiento por haberlo liberado, nos mostró su tesoro: su misterioso Jardín secreto”. Sam- Javier Ojeda “Atravesamos el portal de Ciudad Faro y las ballenas azules nos acompañan durante todo el recorrido por los antiguos mares australes”. Don Pablo- Francisco Marti “Ahora soy un oráculo. Ayudo a los exiliados a pasar de una dimensión a otra, con un sorbo de este caldito”. Mario Romero “Martinez también nos enseñó los ritmos de la costa caribe, como la cumbia. ¿Quieren escuchar?” Pablo Muñoz “Si no tienen memoria van a vivir con miedo huyendo de sus verdugos, escapando por siempre de un dueño o de otro”. Gullivier- Olivier Lestriez “Nuestra desventura de ser prófugos y tener que escapar por el mar, se transformó en una aventura de vida”. Micaela Morello - Director de actores - Entrevistadora “Naufragaron! ¡Que emocionante! ¿Qué se siente naufragar? ¿Tragaron mucha agua? ¿Qué sabor tiene el mar Caribe?”
Es un verdadero enigma revelar que sienten los hombres cuando están entusados, algunos solo se dedican a la fiesta, otros buscan ayuda en amigos y otros tal vez, le dedican más tiempo a la música. Por eso estos cinco amigos, cantantes y actores decidieron reunirse para contar por medio de canciones, cómo superar momentos difíciles que suceden cuando se termina una relación. Hombres a la plancha ha sido el pretexto perfecto para que a través de canciones Alejandro González, Juan Manuel Mendoza, Karoll Márquez, Juan Manuel Medina y Carlos Montaño, revelen que pasa en las relaciones de pareja, vistas desde la perspectiva masculina. Con música de Luis Miguel, Franco de Vita, Chayanne, Miguel Bosé y muchos ídolos de la plancha que ponen sobre el tapete quién sufre más, si las mujeres o los hombres en una ruptura.
Un programa musical que explora la diversidad colombiana desde sus distintos ritmos y propone una conexión con sonoridades más contemporáneas. Bajo la producción musical de Iván Benavides, quien ha trabajado durante muchos años en el encuentro de las músicas populares y folclóricas colombianas con los sonidos de la música electrónica. En los diez capítulos participarán músicos tradicionales y populares de gran trayectoria, como Cimarrón, Charles King, Absalón Sinisterra, Paola Jara, Chabuco, Maite Hontelé, Elkin Robinson y los Gaiteros de San Jacinto, preparando nuevas versiones de sus temas con artistas como el Freaky Colectivo, Diego Gómez, Manuel Gamboa y Diego Maldonado. Los encargados de contar sobre el resultado de este encuentro musical de los artistas son los presentadores Lina Mosquera y Jiggy Drama, artista sanandresano reconocido por su trabajo en ritmos como la champeta y la música antillana. Ellos son los anfitriones en este diálogo sobre el proceso creativo que se genera en un estudio de grabación musical y la entrevista con los artistas en el set. En cada capítulo, tanto el músico tradicional como el productor de música electrónica invitado cuentan pormenores y anécdotas de su carrera musical, y hay tres interpretaciones en vivo de canciones del artista invitado, para cerrar en el último segmento con el estreno de la canción elegida para tener una nueva versión, resultado de la fusión de los dos artistas. Iván Benavides fue el encargado de realizar la curaduría para reunir al selecto grupo de artistas cuya obra da cuenta de la diversidad y de la riqueza musical de las diferentes regiones del país, de propiciar el encuentro con los representantes de estilos musicales contemporáneos como la electrónica, el dub y el global beat y de compartir el resultado con el público. La serie inicia el jueves 1º de febrero por Señal Colombia, a las 7:30 p.m. de lunes a viernes.
Blessd se une a una de las leyendas más grandes del futbol mundial, Ronaldinho Gaucho, para jugar un partido de futbol. La cita será el 16 de mayo en el marco del Si Sabe Fest Deluxe en el Coliseo Cubierto Iván De Bedout de Medellín. La entrada es gratuita, hasta completar el aforo. El paisa presenta su nuevo trabajo musical “BLESSDELUXURY” a través del fútbol, una de sus más grandes pasiones. Ya hubo una primera fecha entre los 2 en Miami, así que Blessd espera una victoria en su tierra. “Estamos listos para romper de nuevo, pero ahora en nuestra ciudad, vamos a hacer la revancha y todas las entradas serán gratuitas exclusivamente para los fanáticos del Bendito y del buen futbol Si Sabe … Prometo esta vez ganarle a Ronaldinho y a los cracks que lo acompañan”, dice Blessd. El juego será una exhibición en compañía de una nómina de lujo que contará con dos grandes figuras en la dirección técnica de ambos equipos. Dirigiendo al equipo de Blessd estará una de las glorias del futbol, el portero de la selección Colombia René Higuita y dirigiendo al equipo de Ronaldinho estará Francisco Maturana, uno de los directores técnicos más recordados quienes dejarán toda su experiencia en la cancha en un espectáculo especial para todos los asistentes. Para quienes no puedan entrar, la transmisión estará a cargo de Westcol, unos de los streamers más conocidos del mundo y el #1 de ColombiaAmbos capitanes Blessd y Ronaldinho lo dejarán todo en la cancha. ¿Quién es Blessd?Stiven Mesa Londoño, conocido artísticamente como Blessd, es un cantante y compositor colombiano nacido en Medellín el 27 de enero del año 2000. Desde pequeño, Blessd estuvo rodeado de música gracias a la influencia de su tío rapero, quien lo introdujo al mundo del freestyle y las batallas de rap.Su pasión por la música lo llevó a comenzar su carrera como aficionado a los 15 años, participando en competencias y presentaciones locales. A los 17 años, compaginaba su pasión por la música con el trabajo familiar, vendiendo frutas y verduras en la Central Mayorista de Antioquia.
El Tribunal de apelaciones de Nueva York anuló la condena de Harvey Weinstein por delitos sexuales el jueves 25 de abril del 2024. La juez Jenny Rivera, la voz mayoritaria del tribunal, aseguró que la decisión fue tomada porque en el juicio se cometieron errores fundamentales. El veredicto, con cuatro votos a favor y tres en contra, llevó a que se ordenara un nuevo juicio demostrando que en el juicio del 2020, en el que se le dictaminó una condena de 23 años de cárcel, se permitió injustamente que mujeres que no eran parte de los cargos iniciales testificaran contra Weinstein.El abogado del exproductor de Hollywood, Barry Kamins, dijo en una entrevista que Harvey Weinstein se presentará frente a un juez en Manhattan para solicitar la libertad bajo fianza mientras se establece la fecha del nuevo juicio. "Nos complace que el tribunal haya acordado que al Sr. Weinstein se le negó su derecho fundamental a un juicio justo", comunicó Kamis. La juez Rivera resaltó que, el hecho de haber incluido injustamente los testimonios de mujeres que no hacían parte del caso, hacían que se reforzara la posición en contra al exproductor de 72 años por conductas anteriores y no solo por las que estaba siendo imputado. Incluso, podía haberle impedido a testificar en su favor. Por su lado, Barry Kamis y Arthur Aidala, otro abogado de Weinstein, consideran que en el proceso judicial del 2020, el juez "abandonó repetidamente su deber de salvaguardar las garantías constitucionales y los derechos procesales de Weinstein". Por esto, lo dejó "impotente para defenderse de un fiscal incontrolado".La condena por delitos sexuales de Harvey Weinstein en CaliforniaSin embargo, esta no es la única demanda que enfrenta Harvey Weinstein. Actualmente, también está condenado en California a 16 años en prisión por violar a Evgeniya Chernyshova en un hotel de Beverly Hills en el 2013. Por esto, el exproductor deberá seguir en prisión. El caso está ahora en manos del fiscal del distrito de Manhattan, Alvin Bragg, quien aseguró a través de un portavoz que: “Haremos todo lo que esté en nuestra mano para volver a juzgar este caso, y seguiremos firmes en nuestro compromiso con las supervivientes de agresiones sexuales”.¿Un retroceso para el movimiento #MeToo?Ashley Judd, la actriz estadounidense de cine y una de las voces más destacadas detrás de la demanda, consideró esta anulación como una "traición institucional". Asimismo, el abogado de Evgeniya Chernyshova, la mujer detrás de la demanda en California, afirmó que "está obviamente decepcionada" y "se siente mal por las víctimas que soportaron ese juicio y las posteriores apelaciones, sólo para ver cómo se revocaban las condenas".Los abogados también se han manifestado a favor y preocupados por sus defendidas. Por un lado, Lindsay Goldbrum, quien ha representado a seis víctimas, dijo que: "Lamentablemente, la sentencia de hoy arroja una oscura sombra sobre su valentía y, sin duda, disuadirá a futuras víctimas de agresiones sexuales de denunciar". Por el otro lado, Douglas Wigdor, abogado de ocho víctimas, subrayó una de las consecuencias más impactantes y crueles de la anulación. “La decisión de hoy supone un gran paso atrás en la exigencia de responsabilidades por actos de violencia sexual. Anular el veredicto es trágico porque obligará a las víctimas a soportar otro juicio más”. Scott Berkowitz, el fundador y presidente de la organización contra la violencia RAINN, también se manifestó y comunicó que: "Anular la condena de Harvey Weinstein es una decisión horrible que no protege el debido proceso: pone en peligro la justicia para las supervivientes de sus crímenes".
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Caraja dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me réuno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo.
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).