La ciencia ficción no es para todos, por eso es curioso que, cuando se estrenó la primera temporada de Love, Death & Robots el 15 de marzo de 2019, esta tuviese la acogida y popularidad que tuvo. 18 capítulos que navegaron en temáticas futuristas atravesadas por subtemas como la tecnología, la supervivencia, la muerte, el amor y la distopía.Por Nick Martínez // @NickXtaticAún más curioso es ver una segunda temporada estrenada el 14 de mayo de 2021 en Netflix con tan poco despliegue promocional, siendo esta una colección de historias más reducidas, pero con más peso argumental que la primera, rayando incluso en el debate de decir “¿cuál temporada es mejor?”.También les puede interesar: Philip K. Dick: una ciencia ficción que se pregunta por lo que nos hace humanosDurante ocho capítulos, la segunda temporada de Love, Death & Robots nos sigue impactando a niveles increíbles y de una forma más personal. Por supuesto sigue manteniendo su característica temática aventurándose por los diversos estilos narrativos, argumentales y visuales que definen a la serie.A diferencia de la primera temporada, esta arranca con un capítulo un poco más humorístico, hasta que de la nada quedamos envueltos en temas un poco más oscuros, dramáticos y reflexivos, cada uno dejándonos ideas en la cabeza (unos más que otros, por supuesto) por un buen rato.Como era de esperarse cada episodio en Love, Death & Robots tiene su propia marca, incluso nos deja con ganas de saber más de ese universo y sus personajes si lo vemos a nivel de historia. Su estilo visual por supuesto es clave, de entrada, ya sabemos que vamos a ver algo completamente diferente y da gusto esa sensación. Sin necesidad de caer en el debate de cuál temporada es mejor, Love, Death & Robots 2 sin duda nos deja con una satisfacción mayor que la anterior. Además, en 2022 tendremos una tercera (con la sorpresa de la continuación de uno de los capítulos del primer volumen: Los tres robots). Cada una funciona a su modo y nos hace reflexionar de múltiples formas.Capítulos de Love, Death & Robots, volumen dosAquí una breve reseña por los ocho capítulos de la segunda temporada de Love, Death & Robots.Servicio al cliente automatizadoCapítulo 1, Volumen 2Duración 13 minutosDirigido por Meat Dept (Kevin Dan Ver Meiren, David Nicolas & Laurent Nicolas)¿Han pensado en tener robots que les ayuden en casa? Momento de pensarlo dos veces. Aquí vemos una gran comunidad futurista de personas jubiladas las cuales cuentan con Vacuubot’ robots que las ayudan en el día a día. La protagonista es Jeanette, quien encuentra fallas con su Vacuubot, el cual entra en modo demonio intentando acabar con todos lo que habita en la casa, estilo La Purga. Ella y su perro deben hacer frente a este problema… heridos, ¿cómo? Poniéndose en contacto con el servicio de atención al cliente automatizado. ¿El resultado? Veánlo por ustedes mismos.HieloCapítulo 2, Volumen 2Duración 13 minutosDirigido por Robert ValleyVivir en otra ciudad o país siempre es un reto personas, pero ¿cómo es el de vivir en otro planeta cubierto de hielo con una sociedad genéticamente modificada? Esta es la historia de dos hermanos, Sedgewick & Fletcher, quienes por encajar en esta nueva vida se ven envueltos en una situación bastante intensa, Sedgewick, quien no está “modificado” es al que más le cuesta. Al final, después de superar un reto, se ganan el respeto de los locales.Respuesta evolutivaCapítulo 3, Volumen 2Duración 18 minutosDirigido por Jennifer Yuh Nelson¿Alguna vez han hablado con sus amigos acerca de la sobrepoblación y la necesidad de regular de forma obligatoria la concepción? Pues este capítulo muestra cómo sería estar inmersos en esa realidad distópica y cómo, la fuerza pública, asesina a niños para mantener el “orden” hasta que esto juega en contra. Briggs, el detective que se ve inmerso en esta situación, empieza a ver como su moralidad va por encima de sus obligaciones hasta que termina protegiendo a una madre y su hija de ser asesinadas.Un albino en el desiertoCapítulo 4, Volumen 2Duración 18 minutosDirigido por Leon Berelle, Dominique Boidin, Remi Kozyra & Maxime LuereYa bastante agobiante es estar en medio del desierto, pero ¿cómo es estarlo en un planeta completamente árido? Aquí conocemos a Snow, un hombre albino que es perseguido por cazarrecompensas debido a su fisiología hormonal única la cual le permite regenerarse, lo cual lo convierte en un “inmortal”. Hay un plotwist interesante, que, para evitar spoilers, mejor véanlo por ustedes mismos. Las ventajas y desventajas de la “inmortalidad”.La hierba altaCapítulo 5, Volumen 2Duración 11 minutosDirigido por Simon OttoSi un tren se avería en medio de un campo lleno de hierba alta, ¿qué hacen? Lo inteligente sería esperar y seguir las instrucciones. Pero ¿qué sería de una historia sin un poco de emoción? Aquí conocemos a Laird, uno de los pasajeros del tren, el cual empieza a ver señales extrañas en el campo de hierba luego de que sale del mismo. Mientras lucha por su vida, ve criaturas extrañas para al final ser salvado por el ferroviario el cual le revela datos perturbadores sobre ese lugar.La visitaCapítulo 6, Volumen 2Duración 7 minutosDirigido por Elliot DearLas historias de Navidad no siempre son amor y compañía, también pueden ser oscuras, extrañas y grotescas. Los hermanos Leah & Billy saben perfectamente esto, pero por suerte, son los niños buenos en esta situación.RefugioCapítulo 7, Volumen 2Duración 14 minutosDirigido por Alex BeatyTerence, interpretado por nada más y nada menos que Michael B. Jordan, un piloto espacial, aterriza en un planeta aparentemente deshabitado debido a una guerra contra una raza hostil desconocida tiempo atrás. En su recorrido encuentra un refugio llamado Life Hutch, el cual, a medida que es reactivado, el robot de mantenimiento también despierta de su prolongado sueño, pero empieza a reaccionar de manera muy agresiva. ¡Pero ojo! Hay una historia aún más oscura de por medio en toda esta situación.El gigante ahogadoCapítulo 8, Volumen 2Duración 14 minutosDirigido por Tim MillerQuizá el mejor capítulo del Volumen 2 de Love, Death & Robots. El cadáver desnudo de un gigante hombre aparece en la orilla del mar. La curiosidad lleva a las personas a estudiarlo y conocerlo, hasta que Steven, empieza a analizar la situación desde una manera más filosófica expresándose a través de la descomposición y la profanación.
No es raro ya decir que en el 2020 entramos en una dimensión paralela en la que cada nuevo evento es más preocupante y sorprendente que el anterior. Crisis mundial, estallido de luchas contra el racismo, la Casa Blanca apagando sus luces. Con todo esto ocurriendo en el planeta no habrá imagen más poética que la de la compañía de Elon Musk, Tesla, enviando a los primeros millonarios al espacio. Una imagen que, por cierto, ya nos han anunciado en el cine. Y no se ve nada bien. Por Juan Camilo Ospina Los ricos explorando el espacio han sido un insumo común en el cine. Han permitido, de hecho, explorar las implicaciones de la desigualdad en el mundo. A pesar de que el viaje al espacio ha sido un sueño de la humanidad, la ciencia ficción, más realista que nuestros sueños, nos muestra las consecuencias que puede tener explorar la galaxia. A través de películas y series como Elysium, Gundam Wing, Wall-e, e incluso Blade Runner, es posible discutir las posibles consecuencias que se podrían desprenderse en la vida real de los viajes al espacio. Desde sus inicios la carrera por el espacio ha estado permeada por una profunda lucha ideológica. Durante la guerra fría Estados Unidos y la URSS se disputaban por quién tenía un mejor sistema económico y, por ende, qué país era mejor que otro. Por muchos nos bombardearon con propaganda espacial. Es decir, materiales de divulgación con el fin de que tengamos una visión positiva del viaje al espacio. Y tal ahora, desde el 2020, nos parezca lejano, pero en su momento ¡los astronautas se volvieron héroes! Lo anterior se debe, por un lado, a que se necesitaba el apoyo del público para poder destinar increíbles cantidades de dinero para ese proyecto. Por otro, para justificar la superioridad tecnológica frente a otros países. Los departamentos de comunicaciones de los bloques soviético y estadounidense trabajaron tan duro como los equipos de investigación científica para anunciar al resto del mundo el progreso que cada parte había estado haciendo en la carrera espacial. De lado y lado, esas imágenes estaban profundamente permeadas por ideas nacionalistas y de conquista, siendo el punto culmen poner una bandera en la luna. Actualmente hay una nueva ola de personas que quieren explorar el espacio, ya no por estados nacionales, sino por el sector privado. Como si se tratara de Kaiba Corp de Yu Gi Oh, hoy en día tenemos a las grandes compañías que proveen la mayoría servicios y recursos de grandes poblaciones, intentando acceder al espacio. Por ejemplo, Elon Musk, dueño de SpaceX, tiene un proyecto para colonizar Marte; Jeff Bezos, fundador de Blue Origin, busca establecer una base industrial en el espacio; Richard Branson, dueño de Virgin Galactic, busca establecer el turismo espacial a través de pequeños lanzadores orbitales de bajo costo y tránsito suborbital intercontinental. Todos ellos comparten la promesa de ampliar las 573 personas que han podido viajar al espacio. No obstante, lo que podemos ver es que se ha vuelto un lujo al que solo unos cuantos podrán acceder. Ese espíritu de conquista ha sido preocupante, hasta el punto que fue necesario realizar el tratado del espacio exterior en 1967 que establece que el espacio es del beneficio de toda la humanidad. Sin embargo, a veces se nos olvida que la conquista de América también estuvo amparada para la mejora de las condiciones de la humanidad. Así, existe un gran vacío legal de si privados pueden ser dueños de porciones del espacio y quienes son los encargados de regular leyes. Es importante preguntarse si la conquista del espacio va a ser un proceso utópico donde toda la humanidad va a ser feliz, o si por el contrario tenemos razones para preocuparnos. (Según el cine, deberíamos preocuparnos). En Wall-E, por ejemplo, fue la hiperproducción y la destrucción del medio ambiente la que llevó a los seres humanos a migrar al espacio. En la película, los seres humanos no muestran ningún interés por cambiar su estilo de vida ultraconsumista. En una de las escenas incluso se muestra que los desechos no solo se quedaron en la tierra, sino que se encuentran en el espacio. Como se puede ver en la página Stuffin.Space, desde 1957, se han lanzado 8.378 satélites. El caso es muy similar al estilo de Snowpiercer, donde, ante la inhabitabilidad del mundo, los ricos construyen máquinas para protegerse solo a ellos, dejando desamparados al resto de los seres humanos. Otras películas como Elysium nos muestran cómo la exploración del espacio puede afianzar las distancias sociales. Aunque el sentido de esas dos películas es metafórico, es decir, que a través de la figura del tren y del espacio buscan entender las actuales situaciones sociales, lo cierto es que se pueden tomar literalmente. ¿Por qué la exploración del espacio debería significar un mejoramiento en las condiciones de la humanidad? Elysium muestra cómo la desigualdad hace que unas vidas valgan más que otras y, por lo tanto, se cuidan unas mientras que a otras se destruyen. Del mismo modo, establece una crítica en las diferencias de acceso a la salud y al bienestar. Así como actualmente contamos con el capital y la fuerza industrial para acabar el hambre mundial, en Elysium se muestra cómo el acceso a la tecnología y a los recursos no es suficiente para tratar adecuadamente a trabajadores y a personas en difíciles condiciones de salud. Por otro lado, ¿qué nos hace pensar que le exploración espacial va a resultar pacífica? Basta con ver los conflictos por recursos de la Tierra para tener certeza de que la exploración espacial se convertirá, al modo de las películas de ciencia ficción, en una lucha intergaláctica. Así como actualmente ciertos países llevan la “democracia” a países ricos en petróleo, la serie Gundam Wing nos muestra como la Alianza Unida de la Esfera Terrestre oprime a las colonias espaciales por sus recursos, lo que desemboca en guerras de mayor escala. Dejando de lado las tensiones entre diferentes estados, ¿hay alguna esperanza en la gestión de la seguridad para los habitantes? Blade Runner nos muestra que a nivel intergaláctico el autoritarismo puede llegar a nuevos niveles. En la película existen corporaciones tan grandes que tienen muchísimo poder sobre las personas. A pesar de que en la primera parte del siglo XX la preocupación de los artistas estaba centrado en los grandes estados, en la segunda mitad muchas producciones empezaron a preocuparse del posible papel que pueden tener las grandes empresas privadas. Si hoy empresas como Google, Facebook y YouTube tienen una gran injerencia en nuestras vidas, ¿podríamos llegar al caso de Wall- E en el que una sola empresa controle completamente el curso de nuestras vidas? A pesar de que se han construido muchas utopías frente al espacio, el cine y las series nos han mostrado las posibles consecuencias negativas que la exploración interestelar puede tener. Incluso en la literatura el futuro espacial tampoco se ve muy alentador, Un mundo feliz de Aldoux Huxley, las obras de Isaac Asimov e incluso el steampunk y el ciberpunk, nos muestran ambientes decadentes en los que la opresión de la tecnología los ejércitos o los gobiernos se manifiestan como un miedo latente. Todas estas producciones, la carrera por el espacio en la guerra fría y los magnates que hoy quieren explorar el espacio nos muestran que hoy, además, ningún individuo puede alcanzar tales metas. Cada vez se perpetúa más la distancia entre los recursos y capacidades de grandes empresas y las posibilidades de un individuo. Ante tal futuro no queda más que ver cómo los ricos con la capacidad de mover muchos materiales y orquestar habilidades humanas pueden darse el lujo de viajar al espacio. Para ver | Al estilo 'Coco': Disney hará película animada sobre Colombia #ElLadoSDelCine
Durante sus casi tres décadas de carrera literaria Philip K. Dick publicó 36 novelas y 121 relatos breves de ciencia ficción, obra que si bien no fue lo suficientemente reconocida mientras el autor estuvo en vida, es hoy uno de los referentes modernos en el género. Es también uno de los autores más adaptados al formato audiovisual, siendo la inspiración de películas como Blade Runner, Minority Report y series como The man in the high castle y Electric Dreams. Por: Vanessa Velásquez Mayorga // @vanessavm__ El futuro es ahora. Siempre lo ha sido. Imaginar futuros posibles, o imposibles, es una práctica común. Tanto que al ser estos trasladados a las artes se enmarcan dentro del género de la ciencia ficción: contenidos pensados con base en las posibles consecuencias de los adelantos científicos y tecnológicos.La imaginación de grandes autores, directores y artistas ha tomado elementos de nuestro presente para transformarlos, trascendiendo así la barrera del tiempo para crear mundos imposibles que van más allá de nuestras posibilidades. Philip K. Dick nació en 1928 aunque su cabeza bien pertenecía al siglo XXI. Durante años se dedicó a escribir relatos cortos muy avanzados para su época. O tal vez no, tal vez el éxito de las historias de Dick está en que son atemporales porque más de tratar sobre avances tecnológicos y realidades distópicas, los temas que Dick quería desarrollar en sus historias están atados al concepto de identidad, a la incertidumbre de la realidad que nos rodea y a la esencia humana durante un momento en que los desarrollos tecnológicos pareciera que estuvieran alejándonos o moldeando lo que significa ser humano. Rodrigo Bastidas, PhD en literatura y editor general en Ediciones Vestigio, editorial colombiana especializada en ciencia ficción, tiene una especial fascinación y afición por la obra de Philip K. Dick. ¿Por qué mantiene vigencia su obra? Bastidas cuenta que Dick formó parte de un grupo de escritores llamada new wave o nueva ola, en los 60, que rompió con los paradigmas de la ciencia ficción que se hacía en esa época. “Anteriormente, toda la ciencia ficción trataba de naves espaciales, viajes galácticos o encuentros con extraterrestres. Cuando aparece la nueva ola el espacio incógnito no era la galaxia, sino que el lugar de la incógnita era el mismo ser humano, la mente y el cuerpo”. A esta nueva ola de la ciencia ficción pertenecieron otros autores como Úrsula K. LeGuin y JG Ballard, autores que pensaron al ser humano como un extraterrestre al que se debe descifrar. Bastidas enfatiza que Philip K. Dick en su obra “se preguntaba sobre lo que podemos percibir a través de nuestros sentidos, sobre qué es real y lo qué es algo que ha sido configurado, ya sea por el lenguaje, la cultura, o la sociedad”. Otro gran tema en la obra de Dick son los estados alterados de conciencia a los que se llega a través de una creencia o religión (y prácticas como la oración, la meditación o los cantos, por ejemplo) y las sustancias psicotrópicas. Para Bastidas, estos dos grandes temas (la configuración de la realidad y los estados alterados de conciencia) son elementos que se han mantenido vigentes durante décadas haciendo, a su vez, que las narrativas de Philip K. Dick también lo sean. “A la larga es lo que siempre nos hemos estado preguntando a través de la filosofía”, dice. “¿Qué tanto nos conocemos a nosotros mismos como seres humanos? ¿Qué tanto de lo que miramos hacia afuera es real y qué tanto es una invención cultural?” 5 pesadillas de la ciencia ficción que ya están a la vuelta de la esquina Todas estas preguntas se desarrollan a lo largo de los más de cientos de escritos de Dick, muchos de los cules han sido adaptados a formatos audiovisuales. Tal vez el más popular, y el que de hecho aumentó la popularidad del autor fuera de los nichos de la ciencia ficción fue Blade Runner, película estrenada en 1982. Dick no vivió para ver el éxito de su película ni ser testigo de cómo su nombre pasaba a ser asociado con la creación de la ciencia ficción como un género importante en el cine. Bastidas argumenta que “las preguntas que se hace Philip K. Dick son preguntas que nos seguimos haciendo y que forman parte de una estructura muy contemporánea de la creación de narrativas. Cuando uno escribe, la pregunta que se está haciendo todo el tiempo es ‘¿qué tanto mis palabras están expresando lo que siento?, ¿qué tanto puedo confiar en mi memoria como una recreación fiel de los hechos? Hay películas que no le dan los créditos correspondientes a Dick, como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, que está adaptada del cuento We can forget it for you wholesome, o El show de Truman, adaptación de la novela Tiempo desarticulado”, agrega. Son estas preguntas sobre la memoria, la identidad y las posibilidades de la realidad las que hacen que la obra de Dick sea tan adaptable a los formatos audiovisuales que han ganado muchísima popularidad a lo largo de las décadas. Ya mencioné a Blade Runner, que está basada en la novela Sueñan los androides con ovejas eléctricas, publicada en 1968 y recientemente reeditada por Planeta en Latinoamérica. Es tal vez la adaptación de su obra más famosa, más no es la única. Antes de publicar Sueñan los androides, en 1962, Dick publicó la novela El hombre en el castillo, por la que se llevó un Premio Hugo, galardón que se le daba a las mejores novelas cortas. Esta obra pertenece a una rama de la ciencia ficción conocida como ucronía, una reconstrucción histórica construida lógicamente que se basa en hechos posibles pero que no ha sucedido realmente. El hombre en el castillo nos presenta un mundo en el que Alemania y el Eje ganaron la segunda guerra mundial. A pesar de situarnos en una historia paralela a la que conocemos, los temas que esta novela desarrolla son los límites entre la realidad que se conoce, entre la historia que nos cuentan y cómo estas narrativas moldean nuestra vida. Esta novela fue adaptada en 2015 por Amazon. The man in the high castle se estrenó en 2015, tiene 4 temporadas y se ha ganado 2 premios Emmy. En 2017 se estrenó la serie Philip K. Dick’s Electric Dreams, compuesta por 10 episodios basados en sus relatos cortos. La serie incluyó actores reconocidos como Bryan Cranston, Richard Madden, Juno Temple, Anna Paquin, Janelle Monae, Terrence Howard, Steve Buscemi, Vera Farmiga y más. Algunos de los relatos adaptados, que se pueden encontrar en las distintas antologías publicadas, son Piezas de exhibición (1954), Autofac (1995), Humano es (1955), Presentación de venta (1954) y El planeta imposible (1953), entre otros. Philip K. Dick’s Electric Dreams es una especie de Black Mirror, pero con una diferencia fundamental y que la hace resaltar: el foco de las narraciones se mantiene en las emociones de los personajes, de sus deseos, de sus búsquedas individuales por entender sus realidades y sobrevivir a ellas. En Minority Report, adaptada al cine en 2002 por Steven Spielberg y a la televisión en 2015 y presentado por Fox, Dick nos presenta una realidad en la que en la Policía existen personajes capaces de ver el futuro y que así pueden mantener el orden arrestando a los criminales incluso antes de que estos cometan los crímenes. Ambas producciones están basadas en el relato El reporte de la minoría, cuyo tema central es la posibilidad de cambiar el futuro si lo conocemos con anticipación. ¿Podemos en realidad cambiar ese futuro o estamos predestinados a vivirlo? Richard Linklater adaptó la novela Una mirada a la oscuridad y la convirtió en la película A scanner darkly en el 2006. Esta historia involucra otro tema recurrente en la obra de Dick que no se ha mencionado hasta ahora en este artículo y es la influencia de sustancias psicoactivas, estados alterados de consciencia y cómo estas modifican la realidad. De nuevo, nos encontramos con personajes que se debaten entre lo real y lo imaginario. Rodrigo Bastidas cuenta que esta novela fue escrita después de que el autor saliera de un centro donde es internado por consumo de drogas y que está dedicada a sus compañeros en el centro de rehabilitación. La única adaptación de una obra de no ficción es Confesiones de un barjo, basada en la novela Confesiones de un artista de mierda, en la que aunque no está ubicada en el futuro, ni tiene elementos de la ciencia ficción como humanoides, clones, inteligencias artificiales, superpoderes ni conciencias alteradas, mantiene el hilo conductor de su obra: la identidad y el cuestionamiento a la realidad. Se encuentra completa en Youtube. Los títulos adaptados son más de veinte. Películas como Los agentes del destino, protagonizada por Matt Damon, Next, con Nicolas Cage y Julianne Moore, Paycheck con las actuaciones de Ben Affleck y Uma Thurman están basadas en el trabajo de Dick. Y muchas obras de ciencia ficción toman elementos prestados de su trabajo, así no le den los correspondientes créditos. La obra de Philip K. Dick rompió barreras y cambió el paradigma de las narrativas de la ciencia ficción. Es posible imaginarse futuros distópicos, tecnologías avanzadas que trascienden nuestras posibilidades, líneas de tiempo que alteren nuestros presentes. Lo que tal vez no sea posible es contar estas historias sin mirar hacia adentro y sin hacernos preguntas sobre nosotros mismos. En el presente, o en el futuro, somos humanos y queremos entender quienes somos. Queremos saber, ojalá con certeza, de qué está hecho nuestro mundo y ser los dueños de nuestras realidades.
En esta época de remakes y secuelas malas (ej: Point Break, Independence Day: Resurgence, The Mummy), Blade Runner es una de esas pocas que respeta el legado de la película original y lo continúa sin ser una copia barata. Por: Juliana Abaúnza // @JulianaAbaunza Así como en la original, cada cuadro de Blade Runner 2049 es una maravilla visual. Denis Villeneuve, el mismo director de Arrival y Prisoners, junto con un equipo de gente talentosa, logra meternos en la atmósfera hipnótica de un futuro meticulosamente creado. Tres décadas después de los eventos de Blade Runner (1982), el clásico thriller de ciencia ficción dirigido por Ridley Scott, nuestro protagonista es K (Ryan Gosling), otro de los blade runners de la policía de Los Angeles, agentes encargados de encontrar y matar a los replicantes que se están escondiendo. El problema con los androides viejos, como podrán recordar quienes vieron la primera película, es que desarrollaron sentimientos y así era más difícil esclavizarlos. K es también un replicante, pero es un modelo nuevo que, en teoría, no tiene esos problemitas que tenían los anteriores. Pero en su última misión (intentaré no hacer spoilers) K descubre una vaina que lo hace cuestionar su existencia y que lo pone en contacto con Deckard (Harrison Ford), el primer blade runner que conocimos. Aunque Ryan Gosling y Harrison Ford hacen un buen trabajo (en especial Gosling, que ya le cogió el tiro a hacer papeles de hombres que no hablan mucho pero que lo dicen todo con sus ojos), las estrellas de esta película no son ellos ni tampoco es Denis Villeneuve. Los grandes ganadores son Dennis Gassner y Roger Deakins, encargados del diseño de producción y de la cinematografía. El mundo que estos dos señores construyeron es de lo mejor que he visto en una pantalla gigante desde Mad Max Fury Road. Con seguridad, Roger Deakins recibirá su decimocuarta nominación al Oscar de Cinematografía. Este señor fue el encargado la fotografía de películas como Fargo, No Country for Old Men, The Shawshank Redemption, The Assassination of Jesse James y Skyfall, entre muchas otras. En Blade Runner 2049, Deakins no decepciona y prueba una vez más que es uno de los mejores cinematógrafos del mundo. Cada cuadro de la película es impresionante. Fui a verla en IMAX y cada escena me hacía pensar: “quiero poner esto de fondo de pantalla de mi computador”. Solo por ver la forma en la que Deakins usa la luz (y la ausencia de luz) vale la pena ver 2049. Cuando la vean, tengan en cuenta que Villeneuve, Deakins y Gassner usaron pocos efectos hechos en computador. En palabras del director: “puedo contar con mis dedos el número de veces que pusimos una pantalla verde en el set. Casi toda la película se hizo con las cámaras. Roger Deakins y yo trabajamos muy duro para que fuera de esta forma”. ¿Quiere un ejemplo? Para esta escena, por ejemplo, construyeron el puente, llenaron el set de lluvia y neblina falsas, y después proyectaron la imagen de la actriz en esa pantalla gigante. Que se hayan tomado el trabajo de hacer esto (algo que supongo que sería muy fácil hacer en computador), marca la diferencia porque el impacto de la luz y el impacto de ver a Joi gigante frente a él, se nota en la cara del actor. Así como 2049 es fiel al legado visual de la película original, temáticamente también lo es. Las reflexiones filosóficas de la Blade Runner original (que estuvo basada en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick) son las mismas de 2049. ¿Nuestros recuerdos son nuestra identidad? ¿Cómo cambia mi identidad si está comprobado que la memoria no es confiable? ¿Cómo puedo estar seguro de que soy humano si todo lo que me rodea son recordatorios de que lo real y lo falso se pueden confundir fácilmente? Blade Runner 2049 vuelve a hacer esas preguntas clásicas de la ciencia ficción con el mismo ritmo paciente (algunas personas dirán “lento y aburridor”) de la Blade Runner de Scott. Si usted se acuerda de la Blade Runner original, sabrá que es una película lenta, que no tiene afán por resolver el misterio central de la trama y que no quiere ser un blockbuster lleno de acción. La misma descripción sirve para 2049, una película que deja que cada momento se dilate y que uno pueda embobarse con las imágenes. El problema es que aunque 2 horas y 43 minutos de la cinematografía de Roger Deakins suena maravilloso, llegó un punto en el que me pregunté: “¿será que algún día volveré a mi hogar?”. 2049 es tan interesante visualmente y tan frustrantemente lenta a ratos como la original. Blade Runner nunca fue una historia de aventura y acción, entonces, si usted va a ver la secuela esperando acción y bala constante, saldrá decepcionado. Esta no es una película que describiría como “divertida”. Pero en esta época de remakes y secuelas malas (ej: Point Break, Independence Day: Resurgence, The Mummy), “Blade Runner” es una de esas pocas que respeta el legado de la película original y lo continúa sin ser una copia barata.
Puede decirse que Blade Runner es uno de los filmes de ficción más importantes de la historia. Hasta nuestros días sigue siendo un referente visual que se ha incrustado en la cultura pop y no planea quitarse de ahí; menos hoy cuando se estrena en las salas la esperada secuela titulado como Blade Runner 2049 y el mundo entero habla de ella. Denis Villeneuve, el director de la nueva Runner, tiene mucha presión sobre sus hombros y es hacerle honores a la película de Ridley Scott. Muchos ya la ponen incluso en las nominaciones de los Oscar, pero antes de adelantarnos a los hechos, les entregamos datos que hay que saber antes de meterse a cine.
El 6 de octubre de 2017 se estrena la nueva entrega del clásico de ciencia ficción Blade Runner: ‘Blade Runner 2049’. La cinta será protagonizada por el reciente protagonista de la tan mentada La La Land, Ryan Gosling, quien hará el papel del oficial K. Él, junto a Harrison Ford, continúa su misión en el futuro y Warner Bros Pictures puso a rodar en Youtube un segundo tráiler con nuevos avances del filme. Se nos avecina una película cargada de desolación futurista, peleas y explosiones. En el segundo tráiler, presentado durante el estreno de Good Morning America, también aparecen Jared Leto, Dave Bautista y la protagonista de House of Cards Robin Wright.
Un filme clásico de la historia del cine revivirá 30 años después de los acontecimientos de la primera película. En el nuevo Blade Runner 2049, el oficial K de la Policía de Los Ángeles (interpretado por Ryan Gosling) descubre un secreto enterrado hace mucho tiempo. Uno que tiene el potencial para sumir lo que queda de la sociedad en el caos. El descubrimiento de K lo conduce a una búsqueda para encontrar a Rick Deckard (Harrison Ford), un ex Blade Runner que lleva 30 años desaparecido. La cinta revive de la mano del productor ejecutivo Ridley Scott y el director Denis Villeneuve. Además, Blade Runner 2049 está protagonizada por Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana De Armas, MacKenzie Davis, Sylvia Hoeks, Lennie James, Carla Juri, Robin Wright, Dave Bautista y Jared Leto. El estreno está programado, aproximadamente, para el mes de octubre y tiene la tarea de ser fiel a la obra de culto que fue Blade Runner.
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.
Murió un personaje de Los Simpson que existe desde hace casi 35 años. En el episodio titulado Cremains Of The Day, los espectadores vieron la muerte de Larry, cliente habitual de la taberna de Moe, donde cayó muerto. En el episodio, Homero, Moe, Lenny y Carl asisten a su funeral, donde se dan cuenta de que sabían poco sobre él dada la cantidad de años que se conocían, lo que hizo que Homero preguntara si podrían ser "personas terribles".La madre de Larry hizo un homenaje en el funeral, en el que mencionó a los clientes habituales del bar, diciendo: “Mi Lawrence siempre hablaba de sus mejores amigos, los chicos de la taberna de Moe”, antes de animarlos a acercarse y decir algunas palabras sobre él.Luego, los cuatro tienen la tarea de llevar las cenizas de Larry a su "lugar especial", Serenity Falls, después de que la madre de Larry les regalara una fotografía grupal de todos ellos juntos.¿Quién era Larry Barfly en Los Simpson?Si bien es un personaje tranquilo y no es clave para los puntos principales de la trama de la serie, Larry (Lawrence) había estado apareciendo en el bar de Moe desde los primeros episodios de la serie en 1989, lo que hizo que su muerte fuera significativa para algunos fanáticos de Los Simpson.Larry pareció en alrededor de 35 episodios de la serie, aunque no se conocía mucho sobre su vida o personalidad. ¿Qué personajes de Los Simpson han muerto? A lo largo de cerca de 750 episodios en Los Simpson son muchos los personajes que han muerto. Sin embargo, ha habido algunas más emotivas que otras, una de las primeras fue la de Encías sangrantes Murphy, mentor de Lisa en la música. El capítulo de la temporada 22 le enseñó a Lisa sobre la muerte de una manera conmovedora, sin llegar a ser excesivamente sensiblera. Otra de las más recordadas fue la de Maude Flanders, esposa de Ned Flanders. Ocurrió porque Maggie Roswell pidió un aumento para cubrir sus gastos de viaje ya que vivía en Denver y grababa líneas para la serie en Los Ángeles. Roswell renunció luego de que su aumento no fuera aprobado y Maude murió en un accidente. Aunque Roswell fue llamada 2 años después, el perssnaje de Maude siguió muerta. Mona Simpson, la madre de Homero, también falleció. Cada vez que Mona aparecía en episodios anteriores, Homero acababa abandonado por ella. Su muerte finalmente le dio la oportunidad de aceptar a su madre tal como era y seguir adelante.Edna Krabappel, la profesora de Bart, falleció recientemente, debido a la muerte de Marcia Wallace, actriz que le daba su voz en la vida real. Los creadores del programa optaron por matar permanentemente al personaje en lugar de llamar a alguien más. El episodio 3 de la temporada 25, "Cuatro arrepentimientos y un funeral", estuvo dedicado a la memoria de Wallace.
Se dio a conocer Friendly Father (amable padre) es una enérgica pieza de propaganda estatal de estilo pop que alaba al líder dictatorial de Corea del Norte, Kim Jong Un. El vídeo musical que lo acompaña, lanzado al público norcoreano por sus medios controlados por el estado, presenta a docenas de residentes aparentemente extasiados de todas las edades cantando frases pegadizas como: "Que esta noche nunca termine, querida y hermosa noche de Pyongyang. ¡La gente cree en él y lo sigue con un solo corazón. ¡Presumamos de Kim Jong Un, un padre amigo!".La canción también se interpretó en vivo en un lujoso evento, cuyos fragmentos fueron transmitidos por la televisión estatal de Corea del Norte, para marcar la inauguración de un nuevo complejo de apartamentos que se dice contiene 10.000 viviendas en la capital, Pyongyang.Las nuevas viviendas en el distrito de Hwasong forman parte del desarrollo de Rimhung Street, que comenzó en 2022 con la construcción de 10.000 viviendas.Los proyectos forman parte de la promesa que hizo Kim a principios de 2021 de emplear al ejército para construir 50.000 nuevos apartamentos en la capital en un plazo de cinco años.¿Un cambio en la propaganda de Corea del Norte?El vídeo, en el que aparecen soldados vitoreando, niños radiantes, cantantes pop entusiasmados y una banda de música extasiada, fue filmado y editado profesionalmente. Si bien la música pop para exaltar al gobierno ha sido exitosa en Corea del Sur, esto no había sucedido en el Norte. ¿A qué se debe el cambio en su comunicación?Los analistas dicen que es parte de un esfuerzo para recrear y revitalizar el culto al liderazgo en torno a Kim, cuya familia ha gobernado Corea del Norte desde la fundación del país en 1948.La dinastía de la familia Kim ha tratado de fortalecer su control del poder construyendo cultos a la personalidad a su alrededor, de acuerdo con Reuters. El lanzamiento de Friendly Father llega en un momento en que los medios estatales de Corea del Norte cambiaron recientemente el nombre que utilizan para un día festivo, lo que generó especulaciones de que la medida es parte de los esfuerzos para solidificar la posición de Kim.En lugar de llamar "Día del Sol" al feriado público anual que celebra el nacimiento del fundador del país, Kim Il Sung, los medios estatales han comenzado a referirse principalmente a él como el "feriado de abril", más neutral.Tales cambios podrían ser parte de un esfuerzo de Kim por valerse por sí mismo sin depender de sus predecesores, dijo un funcionario del Ministerio de Unificación de Corea del Sur.
El rapero argentino WOS comenzó su carrera en las lonas del freestyle argentino y años después se convirtió en un artista de talla mundial. En 2024 vuelve a Bogotá a presentar 'DESCARTABLE', su más reciente trabajo discográfico, en el Chamorro City Hall de Bogotá.Valentín Oliva ya había visitado el país antes, la más reciente fue en la segunda edición del Festival Cordillera en 2023 y antes de eso había tenido un show en solitario en el Royal Center e hizo parte del cartel del Festival Estéreo Picnic 2022. Pueden conseguir sus boletas en la página de eticket o dando click acá.¿De qué va 'DESCARTABLE'? Este disco fusiona el rock alternativo, el folclore y el pop sintético de los 80s, sin dejar de lado los géneros que ya lo caracterizan como el rap, el rocanrol clásico más propio de la música argentina y el rock latinoamericano de los 90. El sello discográfico del álbum es Doguito Records, un proyecto que WOS tiene junto a Peter Ehrlich, su manager y fue producido por Facundo Yalve, más conocido como EVLAY, quien ya había trabajado con WOS y por ese trabajo discográfico ganó el premio Gardel a Productor del Año.Como adelanto del álbum, WOS ya había publicado varias canciones, entre las que está ARRÁNCAMELO, tema que se convirtió en un himno de la Selección Nacional del Fútbol de Argentina en el Mundial del 2022.El artista presentó el disco, por primera vez en vivo, en el estadio Racing Club de Argentina frente a más de 40 mil personas.De 16 canciones que nos presenta el rapero en el álbum, cuatro son colaboraciones: Gustavo Santaolalla, Natalia Lafourcade, Dillom y el Indio Solari. Si quieren saber más sobre 'DESCARTABLE' les dejamos acá todo sobre el nuevo álbum del argentino.¿Quién es WOS?Nacido en Buenos Aires y con tan sólo 26 años ha tomado elementos del rap y ha logrado crear algo nuevo. WOS comenzó en 2013 su carrera de freestyler en El Quinto Escalón, una competencia que se hace en el Parque Rivadavia en Buenos Aires, de la cual fue ganador varias veces.Es 2018 se convirtió en el campeón de la FMS Argentina y de la competencia internacional de freestyle más reconocida: Red Bull Batalla de los Gallos, luego de que le ganara al rapero mexicano Aczino en una de las finales más recordadas.En 2019 decidió enfocarse en su carrera musical y nos presentó 'Caravana', su primer álbum de estudio que lo llevó a una nominación en los Latin Grammy como mejor nuevo artista y lo convirtió en ganador de tres Premios Gardel en la misma categoría, gracias a su sencillo Canguro: una canción protesta que lo pondría a sonar en varios países en donde se estaban gestando fuertes movilizaciones sociales y que alcanzó las cien millones de reproducciones.Las tardes en el Parque Ruvadavia y las noches en las batallas de RedBull lo llevaron a ser el artista más nominado a los Premios Carlos Gardel 2022. Con 8 nominaciones WOS superó a otras figuras del hiphop argentino como Tiago PZK, Dillom, entre otros.**Les dejamos una entrevista con Wos en la que habla sobre música y política.
Páramo nos dice: ¿Qué puede caber en una toda una noche? Amigxs que son como hermanos, música hecha con el corazón, reencuentros esperados por años, pero sobre todo, el regreso de una banda de la casa a la ciudad que los vio nacer. Diamante Eléctrico estará una vez más en la capital, su ciudad, el próximo 31 de agosto desde el Chamorro City Hall, presentando: Una Noche en Bogotá. En esta ocasión, Juan Galeano y Daniel Álvarez, presentarán su trabajo discográfico más reciente 'LVRBOY', un EP de cuatro canciones con una dedicatoria para la capital en 'Algo Bueno Tenía Que Tener (Bogotá)'.La única información que Diamante quiere que sepan es que será una noche legendaria, pues se trata de su regreso. Por eso, tanto sus fans más antiguos como los nuevos, van a poder disfrutar de este concierto que recogerá los sonidos viejos (de más de 15 años de carrera) y los más recientes.La historia de Diamante EléctricoDiamante Eléctrico nace en Bogotá en 2012. La banda estaba conformada por Juan Galeano (voz principal y bajo), Daniel Álvarez (guitarra) y Andrés Kenguan (guitarra y sintetizadores). Los tres músicos, con experiencias previas en el ámbito musical, se unieron en uno de los proyectos de Galeano y dan forma a lo que sería Diamante Eléctrico.Su debut homónimo, lanzado en 2013, los posiciona en la escena independiente colombiana. El sencillo 'Nos Rompemos Igual' alcanza el número uno en las listas locales.En 2015 llega su segundo álbum, 'B', el cual recibe el galardón a Mejor Álbum Rock en los Premios Grammy Latinos. Su tercer disco, 'La Gran Oscilación', de 2016, marca un nuevo hito al reclutar al reconocido ingeniero de sonido Josh Smith, quien ha trabajado con artistas como Jack White y Beck.En 2018 publicaron 'Buitres', un álbum con el que exploran nuevos sonidos. Al año siguiente, lanzan 'Buitres & Co.', una reinterpretación del disco anterior con colaboraciones de artistas como Monsieur Perret, Andrea Echeverri, Lido Pimienta, entre otros.Su más reciente trabajo de largo aliento, 'Mira Lo Que Me Hiciste Hacer' (2021), les otorga su cuarto Grammy Latino a Mejor Álbum Rock Latino o Alternativo. Recuerden que si quieren ir 'Una Noche En Bogotá' de Diamante Eléctrico pueden comprar sus boletas e la página de eticket. El 31 de agosto en el Chamorro City Hall.