El cine está cambiando rápidamente y no nos referimos únicamente a las historias. Este año no solo Netflix volvió a ser protagonista con producciones originales de alto nivel (dos de ellas aparecen en este listado), sino que YouTube ya se metió a la pelea con su primera producción en español. Con la fuerza que están agarrando estas plataformas y sus series, queda una apocalíptica pregunta: ¿cuánto tiempo de vida le queda al cine tal y como lo conocemos? Por otra parte hay que volver a celebrar la labor de los festivales que trajeron joyas de todas partes del mundo. Sin embargo, este listado dio preferencia a las que se estrenaron en salas comerciales para que pudiéramos hablar de títulos que todo el mundo pudo ver. Por eso mismo, algunas películas muy importantes como la francesa BPM o la paraguaya Las herederas no entraron en esta lista, así como varias de las protagonistas de los Óscar 2018 que ya estuvieron reseñados en nuestro top del 2017. Dentro de los 279 estrenos que hubo en el 2018 celebramos estas 30 que van desde lo hipercomercial hasta lo más independiente, pasando por el mal llamado cine de autor hasta lo que tronó en streaming. Así como el año pasado celebramos la presencia en el listado de películas dirigidas por mujeres (que en este 2018 retoman su importancia), este año nos alegramos por la presencia de varias películas latinoamericanas; una mirada que necesitamos para refrescar el mensaje enviado desde Hollywood y que nos cuenta cómo nuestros vecinos están sobreviviendo a estos tiempos tan difíciles. Por: Juan Pablo Castiblanco Ricaurte // @KidCasti 30. WIFI RALPH (RALPH BREAKS THE INTERNET) Directores: Phil Johnston, Rich Moore En una nueva entrega de películas-infantiles-que-no-son-para-niños llega la segunda parte de la divertida Ralph el demoledor (2012), con una historia más astuta, más siglo 21 y, como ha venido siendo costumbre en este tipo de animaciones, más sarcástica sobre la cultura pop. La necesidad de los personajes de resolver el problema de la trama en el ciberespacio da pie a una brillante conceptualización del reino de internet y todas las situaciones que hoy ya hemos normalizado pero que, vistas desde afuera, no dejan de ser escalofriantemente inhumanas. 29. BOHEMIAN RHAPSODY Director: Bryan Singer, Dexter Fletcher Aunque la historia está contada a las patadas, aunque cae en clichés horrorosos como que el amor redime, aunque es una visión muy pandita de la obra de una de las bandas más avanzadas de la historia del rock, aunque si le quitaran las maravillosas canciones de Queen solo quedaría un esqueleto endeble, Bohemian Rhapsody entra raspando a este listado por una única razón: lo bien que logra que uno salga del teatro queriendo oír más Queen. Los 134 minutos que dura la película son indudablemente emotivos, así sea a través de artificios, y entonces se debe ver más como un hilo de videoclips bien protagonizados que como una película memorable. Seguramente en un año no nos acordaremos de ella. 28. EL LEGADO DEL DIABLO (HEREDITARY) Director: Ari Aster El género de terror se ha vuelto en los últimos años la mina de oro de la taquilla cinematográfica y por eso cada año trae más y más estrenos de este estilo. Por eso se ha vuelto difícil ver historias innovadoras, asustarse de verdad y encontrarle variantes a los lugares comunes de posesiones satánicas, bestias alienígenas asesinas o brujas desquiciadas sin control. Pero por eso mismo es placentero encontrar variaciones en la vieja fórmula a través de elementos mínimos. El legado del diablo es una colección de personajes perturbados e inestables que en cualquier momento pueden arder en llamas. Si no fuera por su final que no le hace honor al asfixiante comienzo de la trama, habría podido tener un lugar mucho más alto en este listado. 27. READY PLAYER ONE Director: Steven Spielberg Aunque extrañamente pasó desapercibida en Colombia, este porno para gamers es otro de esos grandes y espectaculares derroches de efectos especiales que hacen pensar que será muy difícil que la experiencia de ir a ver una película en un teatro desaparezca. Dirigida por Steven Spielberg y basada en el bestseller de ciencia ficción de Ernest Cline del 2011, Ready Player One va por los mismos caminos de Tron: Legacy al mostrar una batalla en el ciberespacio entre los idealistas-progresistas-altruistas y los malignos acumuladores de poder, capitalistas y corporativos. Ya se imaginarán el desenlace pero obviamente lo importante no es eso sino la deliciosa experiencia visual que Spielberg construyó. 26. MATAR A JESÚS Directora: Laura Mora Luego de un silencioso debut dirigiendo un proyecto por encargo (Antes del fuego, 2015), la colombiana Laura Mora presentó con toda su primera película dirigida y escrita por ella (junto a Alonso Torres). El resultado fue un largometraje que arrasó en los Premios Nacionales de Cine Macondo 2018, y que también se llevó el Premio del Público en el Festival de Cine de Cartagena, gracias a su reflexión sobre cómo la violencia en Colombia es una espiral descendente que nos va a agarrando a todos sin excepción. 25. ROSTROS Y LUGARES (VISAGES VILLAGES) Directores: Agnès Varda, JR La franco-belga Agnès Varda es una de las figuras de culto en el cine mundial porque fue miembro clave del movimiento Nouvelle Vague o Nueva Ola de los años 60, en el que tanto ella como cineastas como Jean Luc Godard o François Truffaut revolcaron las reglas que había hasta el momento y se lanzaron por una estética más experimental, así como fueron más militantes políticamente con sus películas. En este documental se juntó con el artista y fotógrafo JR, célebre por su proyecto de imprimir fotografías en grandes formatos y pegarlas en fachadas, para hacer un recorrido aleatorio por pueblos franceses. El pretexto de retratar a ciudadanos comunes y corrientes para llenar los muros con sus rostros, se convirtió en la posibilidad de encontrar cientos de pequeñas y conmovedoras historias y hacer un hermoso dibujo de la condición humana. 24. UN LUGAR EN SILENCIO (A QUIET PLACE) Director: John Krasinski Otro título que refrescó el abundante chorro de cine de terror este año fue esta película dirigida por el también actor John Krasinski que, si bien no tiene una historia memorable, sí dejó escenas inolvidables y tensas. En un mundo postapocalíptico, una familia encuentra la manera de sobrevivir en silencio a una raza de bestias salvajes que devoran a todo aquel que delate su posición por hacer ruido. Con este sencillo pero contundente elemento se armó una película que paraliza de comienzo a fin. 23. LA VIDA DE CALABACÍN (MY LIFE AS A ZUCCHINI) Director: Claude Barras El hacer una lista que incluye lo que se vio en Colombia en salas comerciales durante el 2018 permite meter esta película que, si bien fue hecha en el 2016 y estuvo nominada a los Óscar 2017 como Mejor película animada (injustamente perdió ante Zootopia), solo hasta este año tuvo su estreno en nuestro país. Y aunque fácilmente la pudimos haber dejado por fuera, era injusto no hacerle un homenaje a esta preciosa y triste animación francesa que cuenta la historia de unos niños en un orfanato. Basada en la novela de Gilles Paris, el guion fue coescrito por Céline Sciamma, directora de otra joya recomendada para entender la niñez, Tomboy (2011). 22. EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA (FIRST MAN) Director: Damien Chazelle Luego de impresionar al mundo con Whiplash (2014) y de dividir gustos con La La Land (2016), todos estábamos pendientes de ver con qué iba a salir el joven director Damien Chazelle. Esta vez le bajó a lo musical (aunque mantuvo a Justin Hurwitz, compositor de la banda sonora de todas sus películas) y se metió con uno de los “géneros” que más ha pegado en los últimos años, la exploración espacial, pero no para armar una descrestante historia ficticia sino para contar la vida del astronauta Neil Armstrong. Aunque fácilmente la película se pudo haber ido por el tono patriotero gringo, Chazelle hizo un retrato sincero y sin adornos de un tipo frío e imperturbable que logró una de las hazañas más grandes de la humanidad. Ah, y también dejó una hermosa e inolvidable secuencia del alunizaje. 21. ANIQUILACIÓN (ANNIHILATION) Director: Alex Garland Si uno ha visto los trabajos de Alex Garland antes de llegar a Aniquilación ya puede prever por dónde irá esta película: fue el escritor de títulos de Danny Boyle como Exterminio (2002) o Sunshine (2007), y fue el director de la oscura visión de la inteligencia artificial Ex Machina (2014). Por eso este lanzamiento original de Netflix es un buen ejemplo de ese terror donde toda una expedición de militares-científicos muere excepto por el protagonista. Incluso, aunque desde la escena inicial se revela toda la trama, el progreso es deliciosamente asfixiante. 20. MISIÓN IMPOSIBLE: FALLOUT Director: Christopher McQuarrie Con la saga del fastidioso-pero-encantador Tom Cruise hay que cambiar el chip y entender que ni la veracidad ni la coherencia son los fuertes en Misión Imposible. Entendido esto ya se puede entregar uno al disfrute de las secuencias de acción cada vez más creativas, improbables, espectaculares y bien logradas en las que el agente Ethan Hunt salva al mundo. Misión Imposible: Fallout es entonces el clímax del entretenimiento hecho a la perfección. 19. SIN AMOR (LOVELESS) Director: Andrey Zvyagintsev Lastimosamente esta película llegó a Colombia tapada por todo el ruido de los Óscar pues fue una de las nominadas a Mejor película extranjera (además de haber ganado el Premio del jurado en Cannes 2017), y no recibió la atención que merece. El ruso Andrey Zvyagintsev ya se ha dado a conocer por sus películas tristes y demoledoras y esta, sin esfuerzos, se convierte en otro gran ejemplo de cine para perder la fe en la humanidad y en el amor, y que además sirve como buen método anticonceptivo. 18. CIRO Y YO Director: Miguel Salazar Cuando este documental se estrenó, titulamos nuestra reseña “Ciro y yo: por fin una película que nos explica la guerra en Colombia”. Y es que si bien suena obvio y hasta injusto con el trabajo que han hecho medios y organizaciones por mostrar el verdadero impacto del conflicto, historias como la que Miguel Salazar filmó ayudan en algo elemental para consolidar la paz en este país. Ciro y yo es la forma de olvidarse de cifras frías, noticias truculentas y debates desalmados, para poder ver que lo que ha pasado en las últimas cinco décadas en Colombia es un enredo que nos ha mutilado a todos por igual y del cual todos también hemos tenido culpa. Documento imprescindible. 17. LA MUJER DE LOS 7 NOMBRES Directores: Daniela Castro, Nicolás Ordoñez Cuando José Luis Rugeles estaba grabando Alias María (2015) –la historia ficticia de una guerrillera que se embaraza en campamento– su equipo se dio cuenta que la investigación para la película podía dar pie a un proyecto multimedia que mostrara diferentes aristas de la guerra en Colombia. Así nació esta especie de spin off en forma de documental que sigue la vida de Yineth Trujillo, desmovilizada de las FARC, y expone de manera magistral tanto el rol de la mujer en el conflicto como la dificultad que tiene nuestra sociedad para perdonar y enderezar el camino. 16. ZAMA Directora: Lucrecia Martel Las películas que hace la argentina Lucrecia Martel no son fáciles, no entregan nada masticado y, en un mundo que parece aplanarse y donde todo lentamente se vuelve lo mismo, son un respiro necesario. Luego de contar varias historias sobre dramas humanos urbanos, Lucrecia Martel se lanzó por una película ambientada en el siglo XVII que poco a poco se convierte en una espesa pesadilla construida con hermosas imágenes. 15. COCOTE Director: Nelson Carlo de los Santos Arias El realismo mágico no solo son las mariposas amarillas sacadas del universo García Márquez. También es toda esa colisión de creencias místicas, metafísicas y religiosas inherentes a cultos como la santería con el universo “civilizado” en el que vivimos. Esta película dominicana que estuvo en el Festival de Cine de Cartagena y durante unos pocos días en cartelera, cuenta la historia de un hombre que debe salirse del orden citadino y entregarse a la irracionalidad y el salvajismo, como si los humanos de hoy en día fuésemos animales domesticados inhibidos de nuestros instintos básicos. 14. BIXA TRAVESTY Directores: Claudia Priscilla, Kiko Goifman Ahora más que nunca lo queer –ese espacio amorfo, mutante, y que está destruyendo la rigidez de los géneros– es visible gracias a músicos, artistas y cineastas cuyas creaciones explican lo que la academia y la teoría hacen en otros ámbitos. Bixa Travesty es un grandioso documental que sigue a Linn Da Quebrada, cantante de funk brasilero, quien revuelca todas las nociones que tenemos de género e identidad sexual y quien convierte su cuerpo trans en una forma de expresión política. El documental la muestra en entrevistas de radio dramatizadas en las que con mucha convicción habla de lo que piensa sobre feminismo y transexualidad, en su vida privada junto a amigos y familia hablando sobre pobreza y racismo, y en vivo en conciertos en los que arremete contra los machos blancos y sus estándares de género. // Juliana Abaúnza 13. VIRUS TROPICAL Director: Santiago Caicedo La fundamental novela gráfica y autobiográfica de la caleña Powerpaola Virus tropical pasó del papel a esta animación que también estuvo disponible en 3D.Virus tropical es una película sobre lo duro que es crecer y lo difícil que es hallar un lugar que se sienta como propio. Es un recorrido muy personal y sin estereotipos por la vida de Powerpaola: sus miedos, experiencias y anécdotas de su niñez y adolescencia entre Quito y la Cali de los 80. 12. NACE UNA ESTRELLA (A STAR IS BORN) Director: Bradley Cooper Una de las razones por las que en retrospectiva Bohemian Rhapsody se ve tan limitada y deslucida es esta “prima” musical, la primera película dirigida por Bradley Cooper, que no solo emociona y se agarra de una banda sonora robusta, sino que también es sólida narrativamente. Si bien este es el cuarto remake de la original estrenada en 1937, Cooper supo captar y mostrar de manera natural, creíble y sencilla el proceso musical y cómo los artistas dejan la piel en él. Lady Gaga por su parte también vuelve a demostrar que es un prodigio hasta para actuar. 11. UNA MUJER FANTÁSTICA Director: Sebastián Lelio Más allá del poderoso mensaje que Una mujer fantástica envió al mundo poniendo en primera plana los prejuicios y discriminación hacia la población transgénero, Sebastián Lelio también armó una película poderosa, fuerte y emotiva. Protagonizada por la actriz transgénero Daniela Vega, fue la ganadora a Mejor película extranjera en los Óscar 2018, y fue otro punto de reflexión en una época en la que la lucha por la igualdad de derechos, sin importar género, raza, preferencia sexual o nacionalidad, se ha vuelto imparable. 10. SPIDER MAN: UN NUEVO UNIVERSO (SPIDER-MAN: INTO DE SPIDER-VERSE) Directores: Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman Si vieron las anteriores películas de este superhéroe (2002, 2004 y 2007), encontrarán en Spider Man: un nuevo universo una agradable representación del impacto que Tobey Maguire logró imprimir cuando caracterizó al arácnido en la gran pantalla. El increíble trabajo de animación le dio el toque perfecto para que todos se sientan como si tuvieran un cómic en las manos. Sus referencias a películas anteriores y el más reciente videojuego del arácnido, demuestran una reactivación del Universo Marvel fuera de la gran franquicia de Disney y compañía. // Nicolás Martinez 9. LOS INCREÍBLES 2 Director: Brad Bird El universo Pixar no se cansa de reinventarse y de demostrar que es capaz de hacer buenas secuelas de sus productos estrella. Lo hicieron con Toy Story, lo hicieron con Monsters Inc. y ahora sucede con la continuación de las aventuras de la familia de superhéroes. Con una historia sencilla Brad Bird arma una película divertida, tremenda animación y, además, se sintoniza con gracia en discusiones coyunturales como el feminismo y el rol de la mujer en la familia y la sociedad. 8. MUSEO Director: Alonso Ruizpalacios El cine mexicano viene botando una buena oleada de películas que se han preguntado sobre el significado de ser joven. Uno de sus mejores representantes es Alonso Ruizpalacios quien en el 2014 lanzó la maravillosa Güeros y este año volvió con su versión del famoso robo que sufrió el Museo de Antropología en 1985 en el que se perdieron 140 piezas prehispánicas. Bajo este disfraz de thriller policiaco, Ruizpalacios en realidad hizo una película sobre la familia, la idolatría a los padres, la amistad y la incertidumbre que trae la adultez. Además, Museo se convirtió en la primera película original en español de YouTube Premium y luego de su paso en salas, ya está disponible en la sección paga de la plataforma. 7. AVENGERS: INFINITY WAR Directores: Anthony Russo, Joe Russo ¿Qué le queda pendiente a Hollywood en el campo del entretenimiento masivo? Luego de cada gran blockbuster –y particularmente luego de ver Avengers: Infinity War– pareciera que muy poco tirando a nada. Los efectos cada vez son más impecables; el diseño de producción y de universos ficticios sigue siendo sorprendente; las historias han adquirido mayor peso dramático; el humor ha encontrado su espacio para equilibrar las cargas; y el patrioterismo caricaturesco que tuvo el cine de superhéroes en el post 9/11 ha cedido un poco su ridículo pedestal. Por su magnitud, por la cantidad de actores que convocó, por la cantidad de universos diferentes que mezcló, la nueva entrega de Avengers pudo haber sido un tremendo fracaso. Pero la nueva película de Marvel, dirigida por Anthony y Joe Russo, triunfó y superó las expectativas. 6. LA ISLA DE LOS PERROS Director: Wes Anderson El sello de Wes Anderson es tan claro que ya se ha vuelto predecible y repetitivo, a pesar de desembocar en películas placenteras de ver. Sin embargo, cosa aparte es cuando hace animación, como sucedió en Fantastic Mr. Fox (2009), porque el esmerado esfuerzo de Anderson por crear atmósferas empasteladas se triplica y es puro deleite visual. La isla de los perros no se queda en pura imagen sino que también cuenta una historia bonita y conmovedora que celebra el amor en todas sus formas. 5. DEADPOOL 2 Director: David Leitch En la sobreabundancia de cine de superhéroes se hacía necesario contar con un buen antihéroe que equilibrara la balanza y que permitiera burlarse de tanto cliché y estereotipo. Luego de algunos casos aislados y de mediano impacto, Deadpool (2016) llegó para refrescar la batalla entre el bien y el mal, y su secuela logró mejorar todo lo bueno que había pasado en su primera parte. Chistes más ácidos, secuencias de acción más sangrientas y descarnadas, diálogos más intensos y un drama más recargado, es lo que nos hace rogar porque esta saga sea tan larga como sea posible. 4. ROMA Director: Alfonso Cuarón Roma es un hermoso ejemplo de ese tipo de películas que celebran el poder de la sencillez, de la cotidianidad. Alfonso Cuarón es un mexicano que ha hecho a la par películas en su país como blockbusters hollywoodenses. Es decir, es un tipo que sabe hacer cine entretenido y con grandes presupuestos, pero que también ha contado historias sencillas y conmovedoras. Y eso se nota en Roma, que si bien es una suma de recuerdos de la infancia del director, con un poco de contexto político de la México de los 70, una reflexión del abandono, el dolor y el amor, también es un ambicioso regreso al lugar donde todas estas historias pasaron. 3. EL SACRIFICIO DEL CIERVO SAGRADO (THE KILLING OF A SACRED DEER) Director: Yorgos Lanthimos El griego Yorgos Lanthimos nunca hace una película sencilla o carente de imaginación, pero así mismo no hace películas saturadas de efectos digitales. Lo suyo es pura fantasía cotidiana que cuestiona las reglas que nos condicionan como personas y como sociedad, mezclada con elementos de clásicas tragedias griegas. El sacrificio del ciervo sagrado es una bomba de tiempo que muestra cómo una familia se destruye por dentro ante una extraña maldición. Una fábula tensa y salvaje que hace que sea muy difícil volver a ver el mundo como antes. 2. PÁJAROS DE VERANO Directores: Cristina Gallego y Ciro Guerra Si bien no era la primera vez que lo hacían, pero sí la primera que era visto por tanta gente, con El abrazo de la serpiente Ciro Guerra y Cristina Gallego demostraron que en Colombia se podía mezclar la grandilocuencia, la ambición en la producción, con una historia muy arraigada en la ficción local. Abrieron, y se abrieron, camino para que el cine colombiano adquiriera nuevas dimensiones y pudiera empezar a contar nuestras historias desde otro enfoque y en otros tonos distintos al acostumbrado neorrealismo. Pájaros de verano fue la oportunidad para juntar otra mirada a la mística indígena –en esta oportunidad la wayuu– con el origen del narcotráfico en Colombia. Una exploración profunda a nuestras raíces, a lo bueno y a lo malo, a lo artificial y a lo natural, a lo autóctono y a lo construido. 1. EL INFILTRADO DEL CLAN (BLACKKKLANSMAN) Director: Spike Lee En plena era Trump, en momentos en los que la derecha se apodera lentamente de Europa y Latinoamérica, en una época en la que las luchas civiles son cada vez más fuertes y activas, en una era en la que la discriminación en forma de racismo, homofobia, xenofobia y sexismo es cada vez más fuerte, aparece la nueva película de Spike Lee para enviar un contundente mensaje. Sin encartarse con un tono pesado y doctrinario, sino más bien parada desde una ficción divertida, ingeniosa y que recrea una historia real, El infiltrado del clan llega en el momento oportuno para cambiar paradigmas. La historia de un policía negro que se infiltró en uno de los altos círculos del grupo racista de extrema derecha Ku Klux Klan, termina mezclada con imágenes reales de manifestaciones de grupos extremistas que defienden la “supremacía blanca” que en los últimos años han resurgido gracias al nefasto eslogan de “Make America Great Again”. Desde la ficción y el humor negro hace una crítica inteligente y además necesaria.
Desde ya, Venom se promociona como la película más violenta de la historia. Tendrá la clasificación R, es decir, los menores de 17 años tienen que verla en compañía de un adulto). Hasta el momento, sólo dos adaptaciones han triunfado con esta clasificación: Deadpool y Logan. Con mucho éxito, ambas abrieron el camino a adaptaciones con contenido para un público adulto, donde la violencia extrema, las escenas de sexo y el lenguaje fuerte son protagonistas, tal y como sucede en el cómic. En ocasiones han sido censuradas en varios países y sus versiones para televisión seguro tendrán muchas escenas cortadas. Por Edgar Medrano Para todos es evidente que todo comenzó con Deadpool. Aunque a la gran mayoría le gustó el humor crudo de la película, hubo algunas quejas de que convirtieron al personaje en un bufón. Sin embargo, el sólo hecho de poner con éxito sobre la mesa la posibilidad de adaptar fielmente cómics violentos, ya fue un gran logro. Es más, deja la sensación de que la clasificación a la que fue sometida le dio un empujón importante, ya que sólo por el rumor de su violencia extrema, motivó a mucha más gente a comprar entradas para verla. Y vaya que nos llevamos una sorpresa, para unos muy satisfactoria, para otros no tanto. Lo importante fue que hizo lugar para más adaptaciones de cómics con este calibre, y tal vez más extremas, que anteriormente los estudios consideraban un riesgo demasiado grande para considerar invertir capital a gran escala. Poco tiempo después se estrenó Logan, con un tono más serio y triste pero siguiendo el camino lleno de violencia que abrió Deadpool. Logan se aleja bastante del estilo de Deadpool. Es más, Wolverine se burla constantemente de cómo los héroes están retratados en las tiras cómicas. Esto concuerda con la trama de la película, pues la historia trata de un héroe que no cumple con legado que inspira (Bastante serio ¿no?). Como hemos visto, Logan no es la primera película de superhéroes con clasificación R, pero es probable que sea la más madura. La diferencia no viene de la violencia, la blasfemia o la desnudez. Estos aspectos pueden hacer que una película no sea adecuada para niños, pero no necesariamente madura (Deadpool es un ejemplo). Logan logra serlo al enfocarse en las luchas que enfrentan los adultos: la decadencia de la salud y la cercanía a la muerte, la responsabilidad sin gloria de cuidar a los débiles y enfermos. Sin olvidar que reduce a unos de los héroes más importantes de los X-Men a simples choferes. Todo ello mientras destaja cuerpos, parte a la gente en cubitos y atraviesa cabezas con sus garras. Ambos títulos comprueban que las experiencias que dejan una impresión duradera son aquellas que construyen una conexión profunda con sus héroes. El género de las adaptaciones de superhéroes crece cada año, y se desvanecerá rápidamente si de vez en cuando no llega una historia atrevida y agresiva que nos haga poner en duda lo que sabemos del género. Parece ser que el turno ahora es de Venom, que se estrenará en Colombia el 4 de octubre. El tráiler nos presenta a Eddie Brock, un periodista comprometido a denunciar los abusos de una corporación que al parecer realiza experimentos en humanos con el objetivo de alcanzar el siguiente paso de la evolución humana. En su afán de exponerlos a la opinión pública se expone al simbiote. Ahí empiezan sus problemas. El conflicto es evidente. Eddie Brock es buen tipo mientras el simbiote es maldad pura. Eddie no quiere hacer daño a nadie, pero el simbiote no sabe hacer otra cosa. Podemos ver en su rostro el sentimiento de culpa mientras una masa negra que sale de su cuerpo neutraliza y tira contra las paredes a quienes lo amenazan. Aunque los trailers no muestran mucha violencia, su director promete algo más: Todo pinta a que la violencia va a ser llevada a otro nivel, acompañado de una historia con un tono más serio, al estilo de Logan. Esperamos que logren ofrecernos una historia que nos logre involucrar con el personaje y le dé sustancia a toda la violencia que seguramente vamos a estar viendo en las pantallas de cine durante el próximo mes.
Esperábamos más imaginación, dedicación y creatividad por parte de los aficionados de Comic Con, ¿qué pasó? Le dimos la vuelta al pabellón de las mejores series, video juegos y entretenimiento del mundo y nos dimos cuenta que la tendencia de La Casa de Papel, Game Of Thrones, Deadpool y por supuesto Star Wars mandó tanto la parada que más parecía una convención de personajes de estos universos que un Comic con en general. ¿Por qué tan repetidos? ¿Esta es solo la muestra de lo que nos espera en Halloween? ¿Solo fue casualidad, una broma del destino? Juzguen ustedes.
Este año hemos tenido grandes estrenos en la pantalla grande. Historias de todo tipo han llegado a los cines de Colombia y del mundo que se han robado toda nuestra atención y han desocupado una parte del dinero que teníamos en la billetera. Como era de esperarse en la cabeza de los filmes más vistos y taquilleros del 2018 está el fenómeno Avengers: Infinity War con 1.946 millones de dólares a nivel mundial. Le sigue otra cinta de Marvel; Pantera Negra con cerca de 1.400 millones de dólares americanos, este filme es uno de los más importantes del año por el protagonismo que le da a la raza negra. Otra película de Marvel se pone en el tercer lugar a pocas semanas de su estreno, se trata de Deadpool 2 con aproximadamente 600 millones de dólares y sigue aumentando con el pasar de los días. El top 5 lo completan Operation Red Sea y Detective Chinatown 2 con un poco más de 500 millones de dólares. Los grandes fracasos económicos del año ha sido el final de la saga Cincuentas Sombras de Grey con 370 millones de dólares, Tomb Raider, Han Solo: Una Historia de Star Wars y A Wrinkle In Time. Este es el listado de las 15 más taquilleras. ¿Cuál ha sido su favorita?
Deadpool se ha convertido en uno de los personajes de ficción más importantes de la década con el salto que dio de los comics a la pantalla grande. Su popularidad se ha extendido por todo el mundo y ha logrado miles de millones de dólares en taquilla con las dos películas que se han lanzado hasta el momento. Cada tanto en internet se crean teorías entre historias, sobretodo, entre películas de ciencia ficción y la que acaba de aparecer tiene mucho sentido. ¿Está Deadpool inspirado en Bugs Bunny, el conejito más famoso de la Warner Bros? Estas son las razones que el twittero expone en su cuenta de Twitter
11 referencias para entender de qué trata el humor que hay la segunda entrega de Deadpool y no quedar en coma por la falta de conocimiento con temas como Batman, Skrillex, Avengers, Keanu Reeves, Frozen, Sharknado, James Bond y los mismismos gatos de Taylor Swift. Por: Nick Martínez // @NickXtatic. (Vea también: Prohibido ver 'Deadpool' sin conocer estos códigos de la cultura popular). Se puede llegar a pensar que después de ver la primera película de Deadpool, no hay como superar ese manjar de sátira, sexo y armas que el mismo Ryan Reynolds se enorgullece de representar. ¡Pero no es así! Deadpool 2 logró lo que parecía imposible, le cumplió a un público con altísimas expectativas, presentó un guion el cual el mismo Reynolds intervino y, además, no perdieron tiempo con una extensa introducción de personajes. La acción y el humor son una constante de inicio a fin. No les vamos a dañar el GRAN final (literal) de esta nueva entrega del mercenario amante de las chimichangas, solo les daremos datos que les harán pasar el rato de sus vidas con cada chiste y frase que el buen Señor Pool tiene preparado para todos ustedes. Incluso si ya se la vio y no la entendió, esto les cambiará la vida y su voz interna le dirá: “¡Ah! Eso era. Jajaja.” Antes de seguir les advertimos que se pueden encontrar con algunas frases, pero estas no son determinantes en el desenlace y argumento de la nueva entrega de Deadpool. En pocas palabras, no se van a tirar la película leyendo esto. 1. “Cállate, Thanos” Si han vivido bajo una roca este último mes les contamos que la tercera entrega de los Vengadores ya salió y su villano, ese personaje morado con mentón curioso (no, no es Barnie, el dinosaurio) se robó todo el protagonismo en la película. Su nombre es Thanos y es protagonizado por Josh Brolin. ¡Sí, Cable es Thanos! Cable es el antagonista que tanto nos ha vendido los adelantos de la película, pero que de villano no tiene nada. Así que cuando Deadpool haga esta referencia a Cable ya sabrán por qué carajos es. 2. “Yo amo el dubstep” Popularizado por Skrillex en el 2010, este subgénero de música electrónica con estrepitosos bajos a 130 bits por segundo se llevó toda la atención durante los encuentros de Cable y Deadpool. “Bangarang” es la canción que suena en todos sus encuentros. El título de esta canción es lo que gritan los Niños perdidos en el País de Nunca Jamás, aquella isla dónde Peter Pan no se hace viejo. ¿Y qué tiene que ver el dubstep con Deadpool? ¡Nada! Es del putas y ya. 3. “Gran trabajo, Pantera Café”. Es entendible que no se hayan visto la tercera entrega de los Vengadores, pero por lo menos ya tuvieron que haber visto Black Panther (Pantera Negra). Es un clásico que Wade Wilson a.k.a. Deadpool se burle de todos los superhéroes y villanos sin esperar una medalla a cambio. Y este fue el caso del nacimiento de esta épica frase que le dice a Dopinder (el taxista) cuando este hace de las suyas al querer ser un asesino a sueldo como su mentor Wade. ¿Cómo fue burlarse de T’Challa, Wakanda y el legado de Pantera Negra? Felicitando a Dopinder bautizándolo por un par de segundos como Pantera Café. 4. “¿Oh, que oscuro, seguro no eres parte del Universo de DC?” No es un secreto que Deadpool se burle del Universo de DC Cómics hasta que le sabe a feo, a la final, Ryan Reynolds pasó por ahí como Linterna Verde (tema que el mismo supera en los créditos extra). El Universo de DC resuelve sus conflictos con palabras muy darks y análisis sombríos. ¿Por qué creen que Batman siempre es el referente principal de DC después de Superman? Esta épica frase (que ya ha salido en los adelantos de la película) se la dice Wade a Cable en su primer enfrentamiento. ¿Y por qué la dice? No les queremos dañar este bello momento, pero ya saben por qué Deadpool es tan enfático con esta afirmación. 5. “¿Dónde está el Sombrero Seleccionador?” ¡Esta aclaración no es apta para muggles! Cuando Wade llega a prisión (cosa que ya vimos en los adelantos) hace referencia al Sombrero Seleccionador de Harry Potter. ¿Por qué? Lo hace para ambientar ese tedioso momento en el que lo llevan a su celda. Además, hacer grupos en la cárcel es primordial… Grupos = Las casas de Hogwarts. ¡Chan, chan, chan! 6. “La pelea terminó cuando ambos se enteraron de que sus mamás también se llamaban Martha”. ¿Vieron los memes cuándo salió “Batman vs. Superman: El origen de la justicia (2016)”? La épica batalla entre estos dos concluyó cuando ambos se enteraron de que sus mamás se llamaban Martha. ¿Qué tiene que ver en la película? Cuando Wade regresa a casa a ver a Ness (Vanessa), ella le pregunta dónde ha estado, él, cómo se esperaba, le responde con la frase más ingeniosa posible para seguir balándose de DC Cómics. 7. “Soy, Pool. Deadpool” ¿Les suenan estos nombres? Sean Connery, Roger Moore, Pierce Brosnan o Daniel Craig… ¿Ninguno? ¿Todos? Estos caballeros han tenido el privilegio de representar al destacado agente 007, James Bond. Los créditos de introducción son una clara referencia a esta franquicia, e incluso, si prestan atención a los créditos finales, uno de los dibujos de Deadpool tiene el texto de “soy, Pool. Deadpool”, haciendo referencia a los más de sesenta años de tradición de la icónica frase del agente británico: “soy Bond, James Bond”. 8. Flashdance Por allá en 1983, el director Adrian Lyne nos entregó “Flashdance”, una pieza fundamental en la cultura pop de la humanidad. Su banda sonora nos llevó a un viaje de recuerdos, sudor, sensualidad y ejercicio, y como si fuera poco una de más memorables escenas se metió de lleno en esta nueva película de Deadpool. La escena en la que Alex Owens está sobre la tarima demostrando toda su habilidad como bailarina y al final jala la cuerda para que varios litros de agua le caigan sobre ella, es la alusión que hace Deadpool cuando deja caer miles de casquillos sobre él en cámara muy lenta y con la pose sensual que Alex Owens imprimió en la original de Flashdance en los años ochenta. 9. “Y si hacemos un muñeco”. Con esta la sacó del estadio. No solo se burló de Frozen en la película, sino que además hace la comparación con la canción nominada al Premio Óscar a la Mejor Canción Original: “Papa, can you hear me?” de Yentl. ¿Por qué? ¡Por que suenan exactamente igual! Lo curioso es que este referente pop también es del 83. ¿Coincidencia? Tal vez, ¿misterio? De pronto, ¿empanadas? Dos por favor. 10. Lección de vida: no te metas JAMÁS con el perro de John Wick Para hacer referencia de este error de vida fatal, en los créditos iniciales, como pasó también en la primera entrega, se jugó con algunos términos sacados de contexto (no todos). En este caso, hace referencia a que uno de los encargados de hacer esta película una realidad fue hecha por el “idiota que mató al perro de John Wick”. ¿Quién es este personaje y por qué jamás se deben meter con su mascota? Vean este vídeo… den sus propias conclusiones. 11. El cruce de piernas al mejor estilo de la película “Bajos instintos” No les dañaremos este grandioso momento, solo les diremos que la escena del cruce de piernas de esta película de 1991 dirigida por Paul Verhoeven, la cual fue criticada y aclamada en esos años, se convirtió de inmediato en un referente de la cultura pop y Deapool la representará como solo él lo sabe hacer. Recuerden este momento por qué será brutal en la película. Bonus. Los gatos de Taylor Swift Cuando Wade está en la mansión del Profesor X, tiene puesta una camiseta con la frase: “Olivia Benson and Meredith Grey Purrr-ever”. No fue fácil entenderlo hasta que todo cobró sentido cuando los nombres de Olvia y Meredith correspondieron a los gatos de nada más y nada menos que Taylor Swift. El ícono pop por excelencia. ¿Tenemos que explicar el Purrr-ever? Es un juego de palabras, descífrenlo. * * * ¡Para ser sinceros! Hay más de 100 referencias en esta película con el objetivo de cumplir lo que una comedia inteligente debe entregar, pero para no llenarlos de información y spoilers innecesarios, estas 11 serán suficientes para que se diviertan con esta nueva entrega. Vale la pena el gasto. No importa si la ven en inglés o español, van a disfrutar los diferentes niveles de sarcasmo sin problema. Incluso son tesos en temas pop, van a reír por días después de ver la película.
“¡Oh! ¡Oh, hola! Sé que se están preguntando. ¿A quién le tuve que acariciar las bolas para tener mi propia película? ... no voy a revelar nombres, pero rima con Polverine.” Por Julián Ramírez // @Sir_Laguna Deadpool no es un superhéroe convencional, ya lo explicamos hace poco en un artículo, y una de las razones que lo hacen especial es la forma en que se comunica con nosotros. El buen Wade Wilson es famoso por hablar directamente hacia su audiencia para hacer bromas, referirse a lo que está pasando o manipular los eventos de la historia. Esto es conocido como “romper la cuarta pared” y es referenciado por el mismo personaje en una escena de la película. "¡Rompiendo la cuarta pared dentro de una ruptura de la cuarta pared! Eso son como... dieciséis paredes" El concepto de la cuarta pared es algo que viene del teatro y que luego se trasladaría al cine, la televisión y hasta los comics y videojuegos. Se refiere a la “pared invisible” que separa a los actores de la audiencia. La idea es que aunque nosotros podemos ver a los personajes, ellos no nos pueden ver a nosotros. Los personajes interactúan con su propio universo completamente separado del nuestro e ignorante de nuestra existencia. Los comediantes fueron los primeros en “romper” esta convención. La posibilidad de hablarle a su público, o incluso simplemente mirar hacia ellos o hacerles gestos abría muchas nuevas opciones para hacer reír. Es por esto que Hardy y Laurel (“El gordo y el flaco”) y los hermanos Marx son reconocidos por ello, como también lo es el personaje Matthew Broderick, Ferris Bueller, el cual parodia el mismo Deadpool. Lo más curioso es que estos famosos protagonistas solían ser los únicos en sus respectivas obras que podían hacer algo así, a veces para confusión del resto de personajes. Algo que heredaría nuestro mercenario bocón. Pero romper la cuarta pared tiene una implicación bastante curiosa, que los personajes que lo hacen sepan que están dentro de una obra de ficción. Esto les permite actuar con mucha libertad. Este es el caso de Deadpool, que está al tanto de que es un personaje de un comic y le ha permitido interactuar con elementos como los globos de diálogo o la numeración un modo bastante surrealista. “Deadpool, Deadpool, Deadpool… ¿hace cuánto no nos vemos?” “Desde el tomo dieciséis” Y no solo en los comics, cuando finalmente tuvo un videojuego en 2013 también aprovechó para burlarse de los clichés de este medio y hacer uso de ellos para su beneficio. Otro aspecto divertido de esto es que no impide que los personajes tengan conocimiento de eventos que ocurren por fuera de su universo. Mi broma favorita que aprovecha esto es la de “McAvoy o Stewart” cuando le mencionan al Profesor X, pues no solo es una referencia al mundo real sino que se burla un poco de la compleja situación de las líneas de tiempo en las películas de X-Men. “Es curioso que los vea solo a ustedes dos, es como si el estudio no pudiera pagar otros Hombres X” es otra gran broma que alude al bajo presupuesto del film. Pero romper la cuarta pared no sirve solo para hacer bromas. Otros géneros han la aprovechado con propósitos muy diferentes. Un buen ejemplo es la serie de Netflix House of Cards, donde su protagonista Frank Underwood suele mirar a la cámara para comentar sobre sus propias acciones y dar contexto político mientras que en El Club de la Pelea el personaje de Edward Norton nos explica cosas como los cortes de edición para hacernos más partícipes de la historia (cabe aclarar que las narraciones en voz en off por si solas no son consideradas rupturas de la cuarta pared, pues son simplemente una historia que está siendo contada). Pero lo mejor es cuando este recurso se utiliza para hacer una crítica o reflexión sobre la propia obra o incluso el medio en el que está. Los personajes que ganan conciencia de que están en una obra de ficción también pueden usarse para comparar sus condiciones con las del mundo real, comentar sobre los clichés que usan sus historias e invitar a la audiencia a pensar sobre ello. Muchos autores incluso se hacen autocrítica de esta manera. El mejor ejemplo de esto es el comic Animal Man escrito por Grant Morrison entre 1988 y 1990 y lo aprovechó para comentar sobre la naturaleza de los cómics de superhéroes y hasta sobre los derechos de los animales. Ver a Deadpool romper la cuarta pared para hacer bromas sobre Hugh Jackman o el mismo Ryan Reynolds es divertido y una buena forma de diferenciarse en el montón de películas de superhéroes que existen, pero puede hacer mucho más que eso; Es una poderosa herramienta narrativa que puede hacer las historias mucho más interesantes.
La constante (casi eterna) incertidumbre de saber si Hugh Jackman volverá a ponerse las garras una última y definitiva vez como Wolverine, parece tener una respuesta alentadora que se “oculta” entre vagas señales en forma de videos y fotografías por parte de Ryan Reynolds y el mismo señor Jackman. Para salir de dudas hablamos con Deadpool (sí, Reynolds) sobre esta posibilidad aprovechando su paso por la ciudad de México promocionando la segunda entrega del mercenario anti-héroe amante de las chimichangas. Por: Nick Martínez // @NickXtatic Antes de entrar de lleno con la respuesta que nos dio Reynolds, es importante aclarar el contexto de por qué ahora es más probable que Wolverine regrese una última vez con Hugh Jackman como el encargado de encarnar a esta bestia. Las señales más recientes han sido sus publicaciones en redes sociales. Por un lado, en la cuenta personal de Ryan Reynolds pueden encontrar una fotografía que hace referencia a la muerte de Logan y a él paseándose por la tumba, cabe recordar la pequeña cápsula hecha por fanáticos en la que el anti-héroe trata de revivir a Logan, pero se resiste ante la tentación. Además, para el cumpleaños de Hugh Jackman, este publicó un video con el mismo Deadpool cantando en su habitación de hotel, e incluso días después publicó un vídeo felicitando a toda la producción y al mismo Reynolds por esta nueva película del mercenario. Vaya, vaya, vaya… *Se despierta la ansiedad de fanático desquiciado* ¿Pero qué más señales hay además de estas “simples” publicaciones “sin sentido” y que parecen ser solo “por diversión o marketing”? No es un secreto que para esta nueva entrega veremos a Wade Wilson intentando ser el "chico bueno" al colaborar con Coloso y Negasonic Teenage Warhead. Se le verá intentando ser parte de los X-Men pero que en cruce de ideas crea la X-Force. ¡Todo esto está en los adelantos! No es ningún spoiler. X-Force #1. | Vía Marvel.com He aquí el catalizador de toda esta locura con Wolverine y Deadpool. Para resumir y no entrar en caos por tanta información, la X-Force es un grupo de mutantes o personas con habilidades muy, muy especiales que normalmente opera en secreto y todas sus misiones son más peligrosas que las misiones normales de los X-Men. Es decir, hacen el trabajo sucio. En los cómics ha habido varias generaciones de este equipo y en la película las van a resumir en una sola entrega y esto es lo emocionante del asunto… ¡Wolverine ha sido parte de la X-Force!, y como si fuera poco también su hija, X-23. ¿La recuerdan?, es la hija de esta bestia con garras de adamantium en la película Logan. “De izquiera a derecha: Deadpool vs Old Man Logan #0 / Uncanny X-Force #5.1 / True believers Infinity War #1”. | Vía Marvel.com Y Ahora, ¿por qué aventurarse a esperar tanto de esta película para solo ver a Wolverine de vuelta? En los cómics Wolverine se une a la X-Force antes que Deadpool, al ver en los avances a Wade Wilson como co-creador de este equipo (sin ver a Logan por ninguna parte aún) hace que todo esto sea una gran posibilidad. Tan solo vean las señales en sus redes sociales. Tal vez y siendo optimistas, solo halla un cameo de él no será sino hasta el final de la película y siendo más que optimistas, saldrá con X-23. *Cae en coma si llegase a pasar* Después de la compra de los estudios Fox por parte de Disney, los fanáticos están cada vez más a la espera de la unión del universo de los Vengadores con el de los X-Men. Ya se entrada la Bruja Escarlata y Quicksilver son hijos de Magneto. Tampoco es una idea descabellada verlo en la gran pantalla después de todo. Teniendo en cuenta estos detalles, le preguntamos a Ryan Reynolds si creía que Deadpool era la clave para unir el universo de Avengers con el de X-Men y de ser así, traer de vuelta a Hugh Jackman como Wolverine una vez más para patearle el trasero a Thanos… junto a Cable. Estos dos últimos personajes son interpretados por el mismo Josh Brolin. Esta fue la respuesta de Reynolds: Durante su charla con los demás medios también habló sobre la evolución que ha tenido el personaje después de ese nefaso momento en el que Deadpool aparece en X-Men Origins: Wolverine y si no le importaría encasillarse en este personaje durante toda su carrera –sí, el Deadpool personificado por Ryan Reynolds ya se ha cruzado con el Wolverine interpretado por Jackman–, su respuesta a esto fue: “espero hacer el papel de Wade Wilson y Deadpool lo más que pueda” además añadió que “no importa si el estudio no quiere hacer otra película, el traje ya está hecho, salgamos a hacer lo que mejor sabemos hacer”. Solo nos queda cruzar los dedos y esperar que todas estas señales por parte de estos icónos del cine-cómic y la respuesta por parte de Reynolds, sean para ver a Wolverine de vuelta muy pronto.
El programa de televisión surcoreano King Of Mask Singer tuvo una visita muy especial a su set en las últimas horas; se trató del actor canadiense Ryan Reynolds, quien apareció disfrazado de unicornio y con una capa de arcoiris para cantar la reconocida canción Tomorrow del musical Anita, La Huerfanita. Ryan estuvo en Corea del Sur para anunciar el estreno de Deadpool 2 en ese país. En este show las personas compiten entre ellas mientras utilizan máscaras para ocultar sus verdaderas identidades. El momento se ha hecho viral en internet, causando muchas risas entre los internautas. Recordemos que el unicornio hace parte importante en la historia del comic Deadpool. Ryan continua fuertemente con la promoción de Deadpool 2, que se estrena en todas las salas de cine del mundo. ¡Ya hay plan para esta semana! Vea también: Deadpool le pide perdón a David Beckham, ¿por qué lo hace?
Wade Winson Wilson se burla sin compasión de la voz del futbolista británico David Beckham en la primera parte de Deadpool. Por eso, en este anuncio se le ve al deportista cómodo en su casa mientras repite la escena una y otra vez, mientras revisa los mensajes que el mercenario le envía a su celular y llega hasta el hogar de la familia Beckham para buscar el perdón de David. El video acumula varios millones de reproducciones halagando la genialidad del personaje de Marvel. El próximo 15 de mayo se estrenará en la mayoria de salas de cine del mundo la película protagonizada por Ryan Reynolds. El video hace parte de la promoción de Deadpool 2 que se estrena el 15 de mayo en todo el mundo. Recomendado: 5 razones por las que Deadpool no es un héroe convencional
La serie Shogun, que en Latinoamérica está disponible en Disney +, ha sido un éxito rotundo. La saga épica de guerra, pasión y poder ambientada en el Japón feudal es una adaptación original de la novela best seller de James Clavell. Shogun obtuvo 9 millones de visualizaciones a nivel mundial en su episodio de estreno, lo que la convirtió en el estreno de la serie guionada de entretenimiento general número uno en el mundo. También debutó con un impresionante 100% en Rotten Tomatoes, el portal de calificación de películas. Si bien la serie está basada en un libro, también mezcla elementos de la realidad y la historia de Japón. Repasamos qué es real y qué es ficción. Shogun: ¿Qué es realidad y qué es ficción? La trama central real de Shogun es puramente ficticia. Sin embargo, Clavell se inspiró en gran medida en personajes y acontecimientos reales de la historia japonesa, de acuerdo con Movieweb. Aunque Toranaga es un personaje ficticio, se inspira en gran medida en la figura histórica de Tokugawa Ieyasu, un ex shogun de Japón. Shogun es un jefe supremo militar que ejerce el poder absoluto en nombre del emperador.Durante el período comprendido entre 1467 y 1615, Japón estuvo envuelto en guerras casi constantes. Fue Tokugawa Ieyasu quien encabezó los esfuerzos para unificar Japón y finalmente ascendió a la posición de Shogun en 1603. La asunción del poder de Ieyasu marcó el comienzo del Shogunato Tokugawa, que duró de 1603 a 1868. Los rasgos y antecedentes de Toranaga son muy paralelos a los de Ieyasu. ¿John Blackthorne fue real?William Adams, la contraparte histórica de John Blackthorne, llegó inesperadamente a las costas japonesas junto con un barco lleno de armas de fuego.Adams fue el primer inglés en poner un pie en Japón, y el esquema básico de la historia de su vida refleja fielmente el del personaje ficticio Blackthorne. Se desempeñó como piloto de un barco holandés que transportaba a los pocos supervivientes de un viaje comercial que salió mal, tanto en sentido figurado como geográfico. Al igual que Blackthorne, Adams dominaba el portugués, lo que le permitía conversar con Tokugawa a través de los intérpretes jesuitas que se habían esforzado por difundir el cristianismo entre la población japonesa desde mediados del siglo XVI, de acuerdo con Indiewire. ¿Toda Mariko fue un personaje real?En el episodio 5 de Shōgun, hay un vistazo al pasado de Mariko, que se inspira en la figura real de Hosokawa Gracia.Al igual que la representación en la novela Shōgun de James Clavell de 1975, la Mariko representada en la pantalla está basada en Hosokawa Gracia, una aristócrata japonesa que abrazó el cristianismo.Nacida como Akechi Tama en 1563, era hija de Akechi Mitsuhide, un destacado señor de la guerra y fiel seguidor de Oda Nobunaga (uno de los unificadores clave de Japón durante el período Sengoku, anterior a Toyotomi Hideyoshi, conocido como el Taikō en la serie). Posteriormente, Mariko se casó con Hosokawa Tadaoki, otro señor de la guerra y aliado de Nobunaga, en 1578, y juntos tuvieron cinco hijos.A diferencia de lo que muestra la serie, es difícil que Gracia haya conocido a Adams. De hecho, el improbable romance de Mariko y Blackthorne fue criticado por algunos historiadores cuando Shōgun salió a la luz por primera vez, según reporta Elle. ¿Por qué los portugueses quieren muerto a Blackthorne?Un conflicto central en Shōgun son las diferencias religiosas. No es sólo una cuestión de europeos católicos versus protestantes; También hay conflictos internos entre los cinco regentes, dos de los cuales han abrazado el catolicismo, alineando sus intereses con los portugueses.Este cisma religioso refleja tensiones históricas entre William Adams y Tokugawa Ieyasu. Con la llegada anual del Barco Negro a Japón llegaron los misioneros jesuitas junto con productos comerciales como sedas y armas de fuego."Para los portugueses, el comercio y la expansión del cristianismo estaban entrelazados", explica Frederick Cryns, consultor histórico de la serie, citado por History Extra. "Los daimyos en Kyushu [donde atracó el barco] estaban abiertos a convertirse al cristianismo y que sus seguidores hicieran lo mismo si eso significaba obtener ventajas en el comercio"."En el lado opuesto, figuras como Ieyasu, que una vez escribió al virrey de México afirmando la adhesión de Japón a las deidades sintoístas y budistas, rechazaron firmemente el cristianismo en su dominio".En la historia real, el difunto taiko Toyotomi Hideyoshi compartió este sentimiento, viendo el cristianismo con sospecha debido a la influencia de los jesuitas sobre los señores de la guerra locales. Si bien prohibió oficialmente el cristianismo, su aplicación fue laxa por temor a repercusiones en el comercio portugués.
Jennifer Garner, Mark Ruffalo y Judy Greer, miembros del elenco de Si tuviera 30 (13 going on 30), hicieron una pequeña reunión para celebrar que la icónica comedia romántica cumplió 20 años. La película sigue a la adolescente Jenna Rink (Jennfier Garner). En la noche de su fiesta de cumpleaños número 13, el deseo de Rink de tener "30 años, ser coqueta y próspera" se hizo realidad cuando su personaje se transformó en una mujer de 30 años, aunque su mente sigue siendo la de una niña de 13. "¡Hola! ¡Gracias por ver nuestra película y amarla!” dijo Judy Greer, la actriz, que interpretó a Lucy Wyman en la película de 2004. "#13 llendo a 30. Veinte años. Somos tres Boomers desafiando Zoom, porque queremos agradecerles. 👴👵👵 A todas las personas que han amado esta película junto con nosotros: gracias. Te vemos, te apreciamos y te amamos. ¡Por siempre treinta, coqueta y próspera! 💕”, se subtituló la publicación Los actores también reflexionaron sobre la vida en 2024 y cómo ha cambiado todo desde el estreno de la película. “Hace veinte años, teníamos pocos teléfonos celulares”, dijo Garner. Greer señaló específicamente que en ese momento se trataba de "teléfonos plegables".Ruffalo reflexionó sobre algunos de sus papeles más importantes y dijo que interpretar a Matt Flamhaff en 13 Going on 30 siempre se lleva la palma.“Hay dos tipos de personas en este mundo. Hay gente de Hulk, y hay gente de Si tuviera 30, y yo recibo cantidades iguales”, dijo Ruffalo, quien ha aparecido como Hulk en algunas películas de superhéroes. El elenco no podría celebrar 13 Going on 30 sin la nostalgia adicional de hacer juntos el baile de Thriller, la canción no oficial de la película. Si tuviera 30: historia de la exitosa comedia románticaEstrenada originalmente en 2004, la película fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 37 millones de dólares, recuadó más de 96 millones en y se convirtió en clásico de culto. "13 Going on 30 es una rara comedia comercial que te deja fascinado por lo que sólo puede suceder en las películas", dijo en su momento una crítica de la película. El 28 de septiembre de 2023, se anunció una adaptación teatral de la película en el Reino Unido. El espectáculo incluirá varias presentaciones en talleres públicos en el Battersea Arts Centre de Londres, antes de la inauguración de la producción completa, estimada para 2025.
Desde el estreno de su primer tráiler en el Super Bowl 2024 sabíamos que veríamos a Deadpool & Wolverine en pantalla. El tráiler oficial, ya disponible, nos ofrece un vistazo a lo que podemos esperar de esta épica aventura protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh JackmanEs la la tercera de la trilogía de Wade Wilson/Deadpool, la única película del Universo Marvel basada en un cómic que saldrá este año y el primer reconocimiento explícito de la unión entre los universos Fox y Disney Marvel.A pesar de su papel principal, Wolverine se mantuvo en gran parte oculto en los primeros avances de la película. Sin embargo, el tráiler oficial nos sumerge en la historia del personaje, comenzando con una escena en la que lo vemos bebiendo solo en un bar de su universo. Así es, tendremos una película de multiverso.¿Qué más podemos esperar de 'Deadpool & Wolverine'?Si bien la trama sigue siendo un misterio, el tráiler deja entrever una dinámica cómica entre Deadpool y Wolverine, dos personajes con personalidades diametralmente opuestas pero unidos por un objetivo común. Las bromas sarcásticas de Deadpool y la seriedad feroz de Wolverine prometen una mezcla de acción y humor que cautivará a los fanáticos de Marvel. Deadpool & Wolverine marca el (muy esperado) regreso de Hugh Jackman al papel de Wolverine, junto a Ryan Reynolds.La acción se traslada al Vacío, el mismo lugar desolado que vimos en "Loki". Esta locación parece ser un punto central en la trama, ya que aquí es donde los dos protagonistas se enfrentan. En medio del Vacío, los mutantes han establecido su base de operaciones utilizando el cadáver de Gigant Man, la versión gigante de Ant-Man. Esta guarida improvisada sirve como hogar para una variedad de personajes conocidos, incluyendo a Lady Deathstrike, Azrael, Pyros, Callisto y Toad. Se especula que este podría ser el cuartel general de Cassandra Nova, hermana gemela malvada de Xavier y sus secuaces.Además, este tráiler confirma que Nova será la villana, (o una de ellas) de la película. Así mismo, revela el motivo principal de la película: Deadpool necesita la ayuda de Wolverine para salvar su universo, cosa que el mutante no pudo lograr en su propio universo.Sorpresas en 'Deadpool & Wolverine'Se rumora que saldrán personajes como: Dogpool (versión perruna de Deadpool en otro universo), Doctor Strange, los villanos de X- Men, un guiño a Iron Man y, por supuesto, referencias a Loki.La película llegará a los cines de Colombia el 26 de julio.
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.
Murió un personaje de Los Simpson que existe desde hace casi 35 años. En el episodio titulado Cremains Of The Day, los espectadores vieron la muerte de Larry, cliente habitual de la taberna de Moe, donde cayó muerto. En el episodio, Homero, Moe, Lenny y Carl asisten a su funeral, donde se dan cuenta de que sabían poco sobre él dada la cantidad de años que se conocían, lo que hizo que Homero preguntara si podrían ser "personas terribles".La madre de Larry hizo un homenaje en el funeral, en el que mencionó a los clientes habituales del bar, diciendo: “Mi Lawrence siempre hablaba de sus mejores amigos, los chicos de la taberna de Moe”, antes de animarlos a acercarse y decir algunas palabras sobre él.Luego, los cuatro tienen la tarea de llevar las cenizas de Larry a su "lugar especial", Serenity Falls, después de que la madre de Larry les regalara una fotografía grupal de todos ellos juntos.¿Quién era Larry Barfly en Los Simpson?Si bien es un personaje tranquilo y no es clave para los puntos principales de la trama de la serie, Larry (Lawrence) había estado apareciendo en el bar de Moe desde los primeros episodios de la serie en 1989, lo que hizo que su muerte fuera significativa para algunos fanáticos de Los Simpson.Larry pareció en alrededor de 35 episodios de la serie, aunque no se conocía mucho sobre su vida o personalidad. ¿Qué personajes de Los Simpson han muerto? A lo largo de cerca de 750 episodios en Los Simpson son muchos los personajes que han muerto. Sin embargo, ha habido algunas más emotivas que otras, una de las primeras fue la de Encías sangrantes Murphy, mentor de Lisa en la música. El capítulo de la temporada 22 le enseñó a Lisa sobre la muerte de una manera conmovedora, sin llegar a ser excesivamente sensiblera. Otra de las más recordadas fue la de Maude Flanders, esposa de Ned Flanders. Ocurrió porque Maggie Roswell pidió un aumento para cubrir sus gastos de viaje ya que vivía en Denver y grababa líneas para la serie en Los Ángeles. Roswell renunció luego de que su aumento no fuera aprobado y Maude murió en un accidente. Aunque Roswell fue llamada 2 años después, el perssnaje de Maude siguió muerta. Mona Simpson, la madre de Homero, también falleció. Cada vez que Mona aparecía en episodios anteriores, Homero acababa abandonado por ella. Su muerte finalmente le dio la oportunidad de aceptar a su madre tal como era y seguir adelante.Edna Krabappel, la profesora de Bart, falleció recientemente, debido a la muerte de Marcia Wallace, actriz que le daba su voz en la vida real. Los creadores del programa optaron por matar permanentemente al personaje en lugar de llamar a alguien más. El episodio 3 de la temporada 25, "Cuatro arrepentimientos y un funeral", estuvo dedicado a la memoria de Wallace.