Don Tetto le ha metido mucha gasolina a su proyecto musical y en 2019 están listos para arrasar en cuanta tarima puedan. No han pasado más de 4 meses y ya han lanzado dos sencillos, se han presentado en varias plazas de México y tienen preparada una gira promocional para dar a conocer su nuevo EP: Barco de Papel. La banda visitó Shock para reaccionar a su leal Tettomanía que publicó videos en redes sociales haciendo sus propias versiones de 'Salir Ileso', su más reciente sencillo junto a Mëlmak 69. ¿Cómo les fue a los seguidores de la banda? Sobre la nueva canción de Don Tetto ¿Quién está detrás? La banda de rock se está reactivando y mostrando nuevamente el poder que tiene su música. En este tema se unen a los raperos de Mëlmak 69, quienes son ampliamente reconocidos en la escena urbana colombiana. De la mano de este sencillo, Don Tetto inicia una gira de presentaciones por Colombia, México y Perú. La producción del tema es de Don Tetto junto a Daniel Cadena. ¿A qué suena? Don Tetto se mantiene fiel a su esencia y este tema nos lleva a viajar en el tiempo recordando los clásicos que la banda tiene en su repertorio. Lo más llamativo y arriesgado de este tema es la participación de Mëlmak69 que le da una fuerza interesante al track. Definitivamente esta canción será una de las que más van a sorprender en vivo. ¿Cuándo escucharla? Cada mañana, caminando hacia el Transmilenio y llenándose de energía para empezar el día. #LaMúsicaNosUne
El día de Rock Colombia nos produce una inmensa gratitud con todos los artistas, con los medios, con las marcas, con las personas que asistieron y con los que hicieron parte de la edición. Fue un año de trabajo donde tuvimos que tener mucha fortaleza en muchos momentos: un festival a estas escalas realmente no es fácil de hacer. Por: Jaime Valderrama // @jaimevalderrama – Bajista de Don Tetto Nos sentimos agradecidos no solo con el crecimiento de Sonora Entretenimiento, la empresa que gestamos para este tipo de cosas, sino con los cambios y fortalecimientos de la industria musical colombiana. Hemos aprendido de todos los aspectos involucrados para llevar a cabo un evento como este: la parte comercial de un festival, el manejo de clientes, de marcas y las estrategias musicales que en un futuro sentimos que pueden aportar mucho a la industria colombiana. Por otro lado, como artistas, pudimos hacer todas las entrevistas, fuimos parte de las actividades, estuvimos en el show que recordaremos siempre porque se sentía un energía muy especial. Era el regreso de Don Tetto estrenando nuestra nueva canción, Barco de papel, rematando un proceso donde nos sentimos muy bien, agradecidos y listos para pensar la tercera edición del Día de Rock Colombia. Equilibramos ser empresarios y al mismo tiempo artistas. Aprendemos todo el tiempo y no podemos decir que todo fue perfecto en el festival. El Día de Rock Colombia es simplemente una plataforma o un espacio, y de ahí en adelante depende mucho de cómo los artistas lo usen, cómo le saquen provecho y cómo, de alguna manera, se construya una industria que es lo que estamos buscando. Las bandas tienen un muy buen nivel y usaron las herramientas puestas en la tarima. El público pudo ver varias generaciones de rock en Colombia, desde Krönos –que yo no había tenido la oportunidad de ver y me pareció interesante– hasta K-93, pasando por Superlitio o The Mills. Casos como el de Chimó Psicodélico siempre los defenderé porque tienen una historia increíble viniendo de Arauca. El hecho de que todo fuera tan nuevo para ellos y la posibilidad que tuvimos de poder guiarlos de alguna manera ha sido muy importante tanto para Don Tetto como para Sonora. Me gustaría hablar también de las activaciones comerciales porque este tipo de actividades en espacios donde solo hay rock colombiano no eran muy comunes. Hay ejemplos chéveres en Rock al Parque y en eventos de artistas internacionales en Colombia, pero lograr que en una congregación de esta cantidad de artistas colombianos estuvieran grandes patrocinadores como una marca de celular, de cerveza y bastantes restaurantes, crea un espacio apropiado para que la gente tenga donde parchar con el rock and roll y la música que se hace en su propio país. Fotografías Daniel Álvarez // @daniel.alvarez.9 El rock nacional lo vemos en una etapa de reinventarse, de crecimiento. Si bien no es lo más visible o el género de más números en muchas ocasiones, tiene fanáticos fieles que compran una boleta y quieren apoyar al artista. Este tipo de espacios aumenta esa visibilidad de la que tanto hablamos y defendemos en Don Tetto. Hay muy buenos proyectos, digeribles y comerciales porque no solo son rock pesado, sino que pueden sonar en cualquier parte. Eso es algo nuevo en el país. Cuando un grupo como Poligamia hace su reencuentro en el Día de Rock, además con Marbelle como invitada, se gestan cosas que no estamos acostumbrados a ver en nuestra plaza. Presenciamos una escuela en crecimiento por la cantidad de bandas que conocimos en el BOmm, por la cantidad de artistas que nos han entregado sus demos y sus canciones para ser escuchadas en el Toque. Hay un montón de gente que quiere ser escuchada y no tiene por dónde ejercer su carrera. Para la tercera edición en el 2019 los artistas serán lo primero. El cartel es importante, tiene que evolucionar, es un espacio para Colombia y para la ciudad que se siente representada con lo que dice el festival a través de los artistas que presenta. Tenemos una plaza que siempre queremos llenar con los mejores artistas. También queremos crecer en la parte técnica, atendiendo ciertos detalles específicos que mejoren la experiencia. Fotografías Julian Andres Galan // @julianguionbajo Sabemos que el rock no está pasando por el mejor momento, ni es el género más apetecido ni está sacando las mejores noticias todos los días, pero lo que nos satisface de ver en el Día de Rock Colombia es a 32 artistas hechos en su propio país; rescatar artistas que tienen una historia importante como Superlitio, como nosotros, como The Mills, o descubrir a Chimó Psicodélico. Poligamia surgió en una época donde era más difícil hacer rock-pop o algo suave porque todo debía ser super fuerte en el rock and roll. Los medios han hecho parte de esta historia con noticias que reafirman que existen este tipo de espacios para todas las generaciones; ahora más que nunca deben llegar con noticias que cambien la perspectiva sobre la música. El papel de las bandas en esta época es seguir aprendiendo todos los días, no esperar que la oportunidad llegue, sino hacerla realidad. Como Don Tetto hemos pasado por buenos y malos momentos en estos 15 años y lo que nos hace fuertes es aprender todos los días. Hay bandas que se estancaron en alguna época, en algún logro. Esta plataforma da el impulso con una variedad de eventos y alianzas para que la gente se mueva alrededor. Los cambios actuales de la industria de la música, donde ya no se venden discos, donde todo está en las plataformas digitales, marcan una transición que le ha costado un poco a nuestro género. Salir de ese romanticismo y montarse en la era digital ha sido un cambio fuerte para muchos artistas de trayectoria. Las bandas deben dedicarse un poco más, analizar las realidades de su proyecto, sean las condiciones que sean en las que estén, y ver qué noticia es buena para poder seguir creciendo. Tener una banda de hobby es lo que no deja crecer la escena. Hay que tener muchas ganas de hacer música y entender que en una nueva generación la música puede tener otras influencias y genera una cultura diferente. Todo lo que está pasando hoy será el reflejo de todos los cambios.
El Día del Rock 2018 demostró una vez más que el rock tiene a los más fieles fans. Desde las 10:00 a.m. y hasta las 3:00 a.m. del 16 de septiembre, miles se reunieron para ver a decenas de bandas nacionales, y algunas de las más emblemáticas del rock colombiano: Poligamia, La Pestilencia, Kronos, Grito, superlitio, Don Tetto, La Doble A, The Mills, V For Volume, I.R.A, Nepentes, La Derecha, Koyi K Utho, Telebit, Rocka, Seis Peatones, Pirañas, Popcorn, K-93, Alfonso Espriella, Skampida, Chite, No soy un robot, La Sociedad de la Sombrilla, Chimo Psicodélico fueron las bandas que pusieron a saltar y pogear a los asistentes en el Centro de Eventos Autopista Norte. Fotos: Daniel Álvarez // @daniel.alvarez9
Diversidad, variedad y colaboraciones en 11 tracks que pueden volverse en sus favoritos del año. Canciones con puro sentimiento, otros llenos de ritmos muy bailables y un par de piezas pop esenciales para dedicar y cantar a grito herido y con el ojo aguado. El reggaetón sigue siendo protagonista, pero también tenemos el regreso de Don Tetto y los nuevos sonidos de J Balvin, Yoki Barrios, Totó La Momposina, Nabález y más Barco de papel - Don Tetto Tras varios meses de silencio Diego, los Jaimes y Carlos regresan con nueva música. La banda mantiene la esencia de ese rock popero que los llevaron al #1 de la radio nacional en 2011, la voz de Diego es más que familiar para toda una generación y en este track nos invita a viajar en el tiempo y recordar momentos y personas del pasado. El solo de guitarra hacia el final de la canción le da mucha fuerza. Tiene que existir - Nabález, Santiago Cruz Poco a poco se va conociendo más el nombre de Nabález, un artista pop como los que ya no hay y que lanza sencillos sin ese beat urbano que todos están usando ahora. El cantante vuelve a lo puro del pop latino en compañía de una de las voces más representativas del género; Santiago Cruz. Nos atreveríamos a decir que hace mucho la fuerza de dos hombres no se veía plasmada en una canción como esta. Fuego – Totó, la Momposina La hija de Talaigua Nuevo, Bolívar, es una institución de la música en Colombia y refresca este listado de lanzamientos con una pista muy colombiana llena de sabor y sentimiento. Durante casi cuatro minutos, la Momposina más famosa del país nos recuerda la importancia de nuestros sonidos y lo valioso que es el folclore colombiano en tiempos en que el rey es el reggaetón. Caliente – De la Guetto, J Balvin Este año J Balvin se ha convertido en el rey de internet; artista #1 en Youtube, Spotify y Deezer. Sus canciones y colaboraciones acumulan millones de reproducciones y todas ofrecen cosas diferentes. Ahora, es invitado a uno de los temas de De La Guetto que pretende pegarse en las discotecas y que suena mucho a ese reggaetón de 2005 que empezó a subir la temperatura en la radio. La mano de Sky y Bull Nene se siente de principio a fin en el track. Ponle – Rvssian, J Balvin, Farruko El productor jamaiquino Tarik Johnston, conocido como Rvssian y creador del hit reggaetonero Passion Wine, viene con otro palo que se va a pegar fuerte en todo lado. El ritmo lo puso el isleño y el sabor lo dan las voces de Farruko y J Balvin. Un tema más perfecto para el fin de semana y que tiene una sola meta: ponerlo a bailar suave, suavecito. Valiente – Cabas El barranquillero está de regreso (en realidad nunca se ha ido) y sorprende porque para este nuevo sencillo se metió al estudio con los paisas de Icon para crear un tema sensual y con vibras urbanas, pero que se adaptan perfectamente a su estilo y su voz. Cabas también lanzará una versión pop de este tema, que se enviará a las emisoras del país en los próximos días. Por ahora está lista la versión urbana para darle play y gozársela. Mortal – Kristal, Juan Morelli El título de la canción es una unión del nombre de la artista y el apellido del cantante. Kristal y Morelli han cantado varias veces este tema en vivo en algunos lugares de Bogotá y por fin llegó a las plataformas digitales para ser disfrutado en una forma más personal. Las vibras de reggae agarran más fuerza hacia la final del track con la participación de Tony Rankz, quien le da mucha más fuerza a esta colaboración triple, que une tres estilos completamente diferentes. Ya no quiero seguir – Yoki Barrios Ft La Familia Con una guitarra acústica y llena de sentimiento inicia lo nuevo de Yoki Barrios Ft. La Familia, una pieza que invita a decirle de una vez por todas no al maltrato contra la mujer y que cuenta con una historia sobre un amor que hace daño y es malévolo . Los ritmos presentados en el track son protagonistas con la percusión de Vanner Vallecilla y el violín de Alfredo de la Fe. Este tema, al igual que otros de su álbum Obra Negra, busca dar otra mirada al hip hop, no solamente desde el mensaje sino desde la propuesta musical. El Firme – L’omy El samario está de vuelta al ruedo con un tema bien sabroso pa’ bailar de aquí, pa allá. El tema sacude los sentidos con dosis de romanticismo y sensualidad, acompañada de la voz incomparable de L’omy. Este sencillo está perfecto para ponerlo en el climax de una rumba para sandunguear y terminar la velada con una sonrisa. De Frente - Stailmic Influeciado en sus inicios por La Etnia, Vico C, Lord Of The Ungerground y Cypress Hill llega a este listado la rima de Stailmic, sangre nueva del hip hop latinoamericano. Una canción que en verdad es urbana y por urbana nos referimos a calle, con esas letras reales que nos dan una cachetada necesaria de realidad. La música de este tema es por Cook Main y la dirección del video fue realizada por Ivan Giraldo. Cactux - Soy Emilia En los últimos meses hemos tenido una buena dosis de esta artista y cada vez nuestro cuerpo pide más de Juanita Carvajal, su nombre de pila. La cantante ahora llega con un nuevo track electropop en el que cautiva con las diferentes tonalidades que tiene su voz y, por supuesto, con el viaje sonoro de este nuevo Cactux. Trampa – Mik Mish, Argüello, Andy Rivera El dúo electrónico sigue explorando con ritmos tropicales, latinos y con tonalidades pop para su nuevo sencillo en el que Andy Rivera presta su voz. La invitación es a bailar y caer en la trampa, tomando unos guaros o unos whiskeys. El video fue grabado en el paraíso de Cancún y es una canción perfecta para disfrutar escuchando las olas del mar o por lo menos imaginárselas. Vea también: Las canciones que nunca debe dedicar en Amor y amistad
Don Tetto ya no le canta a niños y muy seguramente la mayoría de los asistentes, que ahora trabajan o van a la Universidad, recordaron con mucho cariño que esas canciones que estaban escuchando en vivo fueron la banda sonora de su época del colegio y adolescencia. Por: Sebastián Peña - @SebasNews en Twitter Fotos: Alejandro Gómez Niño // @lupas91 Entre 2007 y 2013 Don Tetto se convirtió en la banda con mayor cantidad de fans y éxitos radiales en Bogotá. Hasta la fecha han publicado 3 albumes de estudio (2007, 2010 y 2013) y dos álbumes en vivo (2009 y 2013) con los que han ganado varios reconocimientos como Premios Shock, Premios MTV, Premios Nuestra Tierra y nominación a los Premios Latin Grammy. Desde 2014, en uno de sus mejores momentos, la banda paró, dejó de sonar en radio y su nombre cada vez aparecía menos en los medios de comunicación. Para nadie es un secreto que bandas o artistas que escuchábamos hace 10 años han desaparecido de la escena nacional o han cambiado radicalmente su forma de hacer música dejándose llevar por lo que dicta la industria, pero Don Tetto no; ellos siguen fieles al rock que los ha identificado siempre. Diego, Carlos y los Jaimes entraron en una etapa de reflexión, decidiendo el futuro de su carrera artística cómo grupo y analizando los pros y contras de continuar con el proyecto Don Tetto, a pesar de los cambios de la industria musical. Todas esas confesiones las hicieron frente a 1.000 personas que cantaron a todo pulmón en el Teatro ABC de Bogotá. Don Tetto ya no le canta a niños y muy seguramente la mayoría de los asistentes que ahora trabajan o van a la Universidad, recordaron con mucho cariño que esas canciones que estaban escuchando en vivo fueron la banda sonora de su época del colegio y adolescencia. Este no fue un concierto normal, era el reencuentro de una relación entre cuatro tipos con su fiel fanaticada, la Tettomanía. Durante el recital se pudo ver cómo Diego Pulecio, vocalista de la banda, dedicó de manera particular dos canciones: la primera a una pareja del club de fans que se va a casar y la segunda a un seguidor que se radicará en Panamá. El show se dividió en tres partes: el inicio vino acompañado de un despliegue de adrenalina pura con clásicos de la banda como Adicto al dolor, el emocionante cover de Auto Rojo, Fallido Intento y En Un Día Gris, temas que elevaron la temperatura en el recinto. Luego de una pausa vino un segmento acústico e íntimo en el que la emotividad se puso al límite y en el que un quince en romano XV alumbró la tarima; muchos lloramos (sí, lloré) con Adiós, cantamos a todo pulmón con Ha Vuelto A Suceder y nos pusimos románticos con Sigamos Caminando. Vino la parte final llena de gritos y algunos pogos improvisados con Niñas Mal, Todo es Temporal, No Digas Lo Siento y Quisiera. ¿Se acuerdan la mezcla de rock con mariachi de Don Tetto en el sencillo de 2015 Me Odia, Me Ama?, pues en escenario apareció un poderoso grupo de música ranchera para ponerle la piel de gallina a todo el mundo. Los mariachis también se pusieron la diez para cantarle a la banda una canción de cumpleaños. Las palabras más pronunciadas de la noche por Diego y Jaime Valderrama fueron “Gracias” y “Dios”, con emoción a flor de piel y hasta con lágrimas en los ojos agradecieron a la gente que a pesar de los altibajos los han apoyado durante su carrera porque para una banda no es fácil llegar a los 15 años de vida artística. Para cerrar la noche escogieron los dos más grandes éxitos de su álbum de estudio de 2010: los sencillos Miénteme, Prométeme y Mi Error. Un final con sobredosis de energía en que los asistentes se fueron a su casa con una sonrisa gigante. Los integrantes de Don Tetto prometieron un concierto para finales de diciembre en el que se podrá escuchar las nuevas canciones. Además, prometieron 15 años más de carrera artística e invitaron a todos a participar de los 30 años de Don Tetto en el 2033, una promesa que no le podrán incumplir a la Tettomanía, ni a quienes nos gozamos su música.
Don Tetto, una de las bandas de rock alternativo más importantes de Colombia, celebrará sus 15 años con un show especial para los amantes de sus canciones y para darle a la fiel Tettomania el concierto que se merecen. Aquellos que han visto a la banda bogotana en vivo saben que la energía que transmiten en escenario es brutal y que a los asistentes les da ganas de ser un integrante más. Aquí un listado con 15 canciones perfectas para disfrutarse un concierto de Don Tetto. Los ganadores de 7 Premios Shock se presentarán en el Teatro ABC de Bogotá el 6 de mayo. Recordemos cuando Don Tetto ganó en 2012 el Premio Shock a Mejor Canción de Radio Vea también: Así fue el lanzamiento del Reacción Tour de Don Tetto
El festival #VivoXElRock de Perú tiró la casa por la ventana en su edición del 2018 para llevar a su tarima a más de 70 artistas en 2 días y 3 escenarios. El evento se realizará en la Av La Peruanidad, el Campo de Marte y la Concha Acústica los días 19 y 26 de mayo. Por Colombia estarán Juanes y Don Tetto compartiendo tarima con The Offspring, Bunbury, Cultura Profetica, Residente, Deftones, Zoe, Mago de Oz, Vilma Palma, Kudai, Charly Black y hasta Drake Bell. Esta es el cartel completo del Festival: Los Tettos celebran su regreso a Perú, donde cuentan con una gran fanaticada.
En octubre del 2016 los Don Tetto, acompañados por sus amigos de Doctor Krapula, protagonizaron su propia vuelta a Colombia: el Reacción Tour. Esta gira demostró el poder de las dos agrupaciones en todo el país y afianzó sus lazos de amistad con otras grandes nacionales como Superlitio, Los de Adentro, Tr3s de Corazón, Velo de Oza, e internacionales como Sputnik, Allison y Genitallica. Cinco ciudades fueron testigas de algo que fue más allá de ser una serie de conciertos de rock, y que también se convirtió en una experiencia digital única. Shock aportó su granito de arena ayudando a Don Tetto a encontrar la banda que los acompañaría en Bogotá. Luego de una convocatoria digital donde participaron más de 200 bandas, Javi Blues fue la elegida para unirse a una de las fechas del Reacción Tour. Para recordarnos lo vibrante que fueron estas fechas, Don Tetto acaba de lanzar el videoclip de Casino, editado a partir del material más vibrante del Reacción Tour y su paso por Tunja, Ibagué, Medellin, Cali y Bogotá.
¿Cómo serían los Don Tetto si fueran youtubers? ¿Se han arrepentido de algo que hayan subido borrachos a redes sociales? ¿Cuáles son las mejores 5 frases para levantar? ¿Qué se viene en su nuevo álbum? De todo esto hablaron los Don Tetto con Mario Ruiz antes de que éste los retara a una de las partidas más largas de beer pong, en la que Mario trajo a varios invitados sorpresa para que se unieran a su equipo. ¿Quién habrá ganado en este duelo?
Después de tres discos y más de 13 años de carrera, Allison lanza su primer disco independiente. Cuando Erik Canales y Manolin (miembro que tomó otros rumbos) formaron Allison, no se imaginaron que esas canciones que hablaban del amor adolescente y de MySpace iban a causar furor y los iba a poner en el podio de las bandas más influyentes de punk rock en español. De la mano de Mtv, México y buena parte del continente vivió el furor de un género que no tardó mucho en masificarse, las disqueras por supuesto tampoco tardaron en ver que podía ser un fenómeno rentable. Hoy el cuento es otro, ya no son adolescentes, la industria y los tiempos han cambiado. Después de casi 13 años de carrera, Allison lanza por primera vez un disco independiente; y de alguna manera se perciben más seguros y sensatos. Antes de su presentación en el Reacción Tour en Cali, hablamos con ellos. Por: Nadia Orozco - @LadyEmpanadia // Fotos: Santiago Acosta ¿Qué pasó en la escena del punk rock en México? ¿Hubo algún momento en que el fenómeno desaceleró? El sistema implementado por las disqueras colapsó, y a nivel mundial, no se trata de algo local. Pero eso sí se sintió en la música; hubo momentos en los que no sucedieron muchas cosas, fueron cosas ajenas a la música, hubo un tema de violencia muy fuerte en el país que paró el circuito musical, fueron cosas que opacaron la escena; pero creo que en este momento al derrumbarse todo eso ha venido a resurgir mucha movida y muchas escenas, subgéneros o tribus urbanas que tienen su propio sonido musical. El colapso de esos sistemas ha permitido la integración de todos los géneros. Hay festivales donde los headliners son los Tigres del Norte y Snoop Dogg, todo es súper ecléctico, entonces es increíble que se caigan esas etiquetas y se unan todos en torno a la música. Ustedes vinieron del underground pero terminaron en un universo totalmente comercial. ¿Qué fue lo bueno y lo malo de esta conversión? Pues creo que sí hay cosas malas, obviamente la masificación... no quiero sonar radical, pero en el momento en que las disqueras tratan el arte y la expresión de una manera fría y como un negocio creo que le dan en la madre a las cosas, eso fue lo que le hizo mal al género del punk rock, que se volviera tan masivo. Las disqueras solo ven el arte como un negocio, lo explotan todo, cogen el mismo patrón de promoción y lo que no funciona le cierran las puertas y eso sesga la carrera de las personas. Como Zoé, hasta que no se salieron de la disquera no se volvieron más grandes y esas son las cosas que le hicieron mal a movimiento. ¿Se podría hablar de un resurgimiento del género? Ahora están resurgiendo Blink 182 o Green Day, bandas que vienen de un letargo y que están despertando y eso nos da una bandera emocionante para salir a hacer lo que hacemos. Allison no está en disquera, este disco nuevo es un disco independiente, nuestro primero independiente y de cual más nos sentimos orgullosos por la manera en que los creamos y lo promocionamos, dejando de lado las cosas que no nos gustaban de nuestros anteriores. Es algo muy hermoso que los sistemas colapsen, creo que todo esto es una maravilla y nos gusta pensar que tenemos camino por recorrer que es algo muy emocionante, no quiero ser presumido pero hemos hecho cosas con este álbum y nos han copiado entonces eso es muy emocionante, el hecho de innovar y crear caminos alternativos para encontrar salida a todo este arte expresión. ¿Qué significa en la carrera de Allison Todo está encendido, el primer disco independiente? Es el disco más importante del que hayamos hecho; personalmente, espiritualmente y como músicos hemos evolucionado mucho. Nos cayó en el momento en que todos pasamos de los 30 años entonces hay un switch que se mueve en tu cabeza: lo creamos de una manera diferente, sin censura artística, sin opinión externa que nos obligará a recortar tiempos o lenguajes. Somos una banda que tiene una manera de hacer las cosas, antes no hablamos de otra cosa aparte de las relaciones interpersonales y en este disco fuimos más allá, por primera vez tocamos la política en un tema que se llama Asesino, también del ser humano, de la manera caótica como destruimos el planeta, de problemas sociales y actuales que han venido con la proliferación de esa frialdad con la que se llevan las relaciones… ahora con una aplicación encuentras pareja en la otra esquina. Es el reflejo de todas las experiencias, Erik por ejemplo es productor y es retomar la parte profesional de cada quien, es compuesto por todos nosotros, entonces pusimos en práctica todo lo que queríamos que la gente percibiera de nuestra música. Hay un lazo que se viene fortaleciendo entre México y Colombia. En el caso del pop alternativo están pasando muchas cosas importantes entre los dos países. ¿Cómo ven ustedes las relaciones en el caso del rock? México ha sido una plataforma de exhibición a nivel Latinoamérica y esto ha empezado a cambiar con los nuevos modelos de hacer música y de cómo se propaga. Yo conviví con Bomba Estéreo en los Grammys y hablábamos de toda esta movida latinoamericana y creo que todo esto es una ventana, la música está buscando caminos por cómo suceder y ahora por toda la revolución de los medios tecnológicos latinoamérica no tiene que ir a México porque la movida está cambiando y la exposición como continente también, el mundo voltea a ver a latinoamérica porque estamos de moda.
El Tribunal de apelaciones de Nueva York anuló la condena de Harvey Weinstein por delitos sexuales el jueves 25 de abril del 2024. La juez Jenny Rivera, la voz mayoritaria del tribunal, aseguró que la decisión fue tomada porque en el juicio se cometieron errores fundamentales. El veredicto, con cuatro votos a favor y tres en contra, llevó a que se ordenara un nuevo juicio demostrando que en el juicio del 2020, en el que se le dictaminó una condena de 23 años de cárcel, se permitió injustamente que mujeres que no eran parte de los cargos iniciales testificaran contra Weinstein.El abogado del exproductor de Hollywood, Barry Kamins, dijo en una entrevista que Harvey Weinstein se presentará frente a un juez en Manhattan para solicitar la libertad bajo fianza mientras se establece la fecha del nuevo juicio. "Nos complace que el tribunal haya acordado que al Sr. Weinstein se le negó su derecho fundamental a un juicio justo", comunicó Kamis. La juez Rivera resaltó que, el hecho de haber incluido injustamente los testimonios de mujeres que no hacían parte del caso, hacían que se reforzara la posición en contra al exproductor de 72 años por conductas anteriores y no solo por las que estaba siendo imputado. Incluso, podía haberle impedido a testificar en su favor. Por su lado, Barry Kamis y Arthur Aidala, otro abogado de Weinstein, consideran que en el proceso judicial del 2020, el juez "abandonó repetidamente su deber de salvaguardar las garantías constitucionales y los derechos procesales de Weinstein". Por esto, lo dejó "impotente para defenderse de un fiscal incontrolado".La condena por delitos sexuales de Harvey Weinstein en CaliforniaSin embargo, esta no es la única demanda que enfrenta Harvey Weinstein. Actualmente, también está condenado en California a 16 años en prisión por violar a Evgeniya Chernyshova en un hotel de Beverly Hills en el 2013. Por esto, el exproductor deberá seguir en prisión. El caso está ahora en manos del fiscal del distrito de Manhattan, Alvin Bragg, quien aseguró a través de un portavoz que: “Haremos todo lo que esté en nuestra mano para volver a juzgar este caso, y seguiremos firmes en nuestro compromiso con las supervivientes de agresiones sexuales”.¿Un retroceso para el movimiento #MeToo?Ashley Judd, la actriz estadounidense de cine y una de las voces más destacadas detrás de la demanda, consideró esta anulación como una "traición institucional". Asimismo, el abogado de Evgeniya Chernyshova, la mujer detrás de la demanda en California, afirmó que "está obviamente decepcionada" y "se siente mal por las víctimas que soportaron ese juicio y las posteriores apelaciones, sólo para ver cómo se revocaban las condenas".Los abogados también se han manifestado a favor y preocupados por sus defendidas. Por un lado, Lindsay Goldbrum, quien ha representado a seis víctimas, dijo que: "Lamentablemente, la sentencia de hoy arroja una oscura sombra sobre su valentía y, sin duda, disuadirá a futuras víctimas de agresiones sexuales de denunciar". Por el otro lado, Douglas Wigdor, abogado de ocho víctimas, subrayó una de las consecuencias más impactantes y crueles de la anulación. “La decisión de hoy supone un gran paso atrás en la exigencia de responsabilidades por actos de violencia sexual. Anular el veredicto es trágico porque obligará a las víctimas a soportar otro juicio más”. Scott Berkowitz, el fundador y presidente de la organización contra la violencia RAINN, también se manifestó y comunicó que: "Anular la condena de Harvey Weinstein es una decisión horrible que no protege el debido proceso: pone en peligro la justicia para las supervivientes de sus crímenes".
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Caraja dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me réuno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo.
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.