Mientras muchas ciudades de Latinoamérica chicanean con festivales privados como el Vive Latino, Lollapalooza o Rock in Rio, Colombia no solo tiene uno sino dos festivales monumentales públicos y gratuitos que han disparado la música en sus ciudades. Al lado del conocido Rock al Parque bogotano, el Altavoz en Medellín se ha consolidado como un evento de lujo para una ciudad que ha tenido una peculiar y complicada relación con la música. Historia de una resistencia sonora. Por: Fabián Páez López @Davidchaka Desde su creación en 2004, Altavoz se convirtió en algo así como el lugar al que se van a graduar los que recogieron por ventanilla el cartón del colegio. Rockeros, metaleros, punkeros, raperos y músicos rebeldes afinaron sus procesos como artistas gracias a una plataforma que pedía a gritos furiosos una ciudad como Medellín. Cuenta Felipe Grajales, hoy director del festival, que él fue uno de los que hizo la carrera desde la primera edición con su banda de ska: “Yo había ido al festival en 2004. Era un pelado que tenía una banda y cuando me hablaron de Altavoz pensé que había que conocer gente para que a uno lo pusieran a tocar allá. El segundo año abrieron la convocatoria pública: en ese entonces los que nos presentábamos éramos Nepentes, Providencia o De Bruces a Mí. Bandas que hasta ahora estábamos surgiendo. No sabíamos en realidad cómo era la cosa, pero nos presentamos sin siquiera tener idea de cómo hacer un brochure. De hecho, el primer brochure de nosotros iba en una carpeta Kimberly, como si fuera una hoja de vida. Ese año entre todas las bandas nos llamábamos a ver cómo era que se hacía eso. Al final, la primera vez que me dieron transporte y un camerino con comida fue en el Altavoz”. Esa primera edición exploratoria de 2004, que solo duró un día, incluía once bandas: diez locales (entre esas Aterciopelados, Coffee Markers, I.R.A, Nepentes, G-98) y una internacional, Kinky. Para la segunda edición, cuando se abrió la convocatoria, la lista se subió a 25. Y ahora, para la celebración de los 15 años, hablamos de un evento con casi 60 bandas distribuidas en tres días para un público que se calcula, por bajito, sea de unas 80.000 personas. Papa Roach, The Adicts, Hepcat y los Ángeles del Infierno encabezan un cartel apto para enmarcar. Pero más que un ejercicio matemático con cifras que se inflan con el paso del tiempo, lo que ha hecho Altavoz tiene un sentido particular por el hecho de haber crecido en donde creció. ¿Qué significa formar una escena alternativa en una ciudad como Medellín? ¿Cómo meter en el mismo relato a un tierra que al mismo tiempo es la del punk medallo y la meca del reggaetón? ¿Dónde se encuentran las montañas del metal más agreste y del hip hop de avanzada? ¿Cómo contar la historia de uno de los lugares más conservadores y violentos de Colombia a través de su interminable y crítica producción cultural? Breve historia de la música en Medellín Para comprender lo que rodea a todos esos nombres que componen el paisaje sonoro de la capital antioqueña hay que buscar entre las sombras. Dicen que en los 80 Medellín era la capital de la industria discográfica. Casi todas las casas disqueras importantes del país tenían sus sedes en tierras paisas. Sonolux, Discos Fuentes, Codiscos, Discos FM, Discos Victoria, etc. convirtieron a la ciudad en un vigoroso centro de distribución y producción musical. Y poco a poco, esos recintos sagrados para la música popular se fueron abriendo a un nuevo fenómeno: el rock en español. Si bien en Bogotá la “beatlemanía” había formado desde hacía no muchos años a los primeros hijos del rock, fue también a finales de los 80 en Medellín donde el país empezó a cogerle cariño a nombres como los Toreros Muertos, Alcohol Etílico, Soda Stereo, Enanitos Verdes o Caifanes. Pero esa movida musical rockera traducida al español que se estaba cocinando tenía como telón de fondo la oscura complejidad de la violencia y la política colombiana. Eduardo Pizano, exministro de desarrollo, describía a la Colombia de finales de los 80 como un país cerrado: “Alfonso López Michelsen llegó a señalarla como el Tíbet suramericano, por su aislamiento con el mundo. Los colombianos solo consumíamos lo que producíamos localmente”. Después de esa etapa, vino la desmovilización del M19 y la apertura económica que impulsó la presidencia de Cesar Gaviria con la Constitución del 91, tan amable con la Colombia multicultural y pluriétnica, debajo el brazo. En ese mismo 1991, Medellín fue la ciudad más violenta del mundo. Para los músicos colombianos la apertura económica significó nuevos equipos, instrumentos más baratos y conocer sintetizadores de gama alta, por ejemplo. Pero a la música de Medellín la rondaban otros fantasmas. Cuenta Carlos Alberto Acosta en las páginas del periódico paisa Universo Centro, que al bar New York New York en Envigado, uno de los primeros en poner a sonar rock en español, llegaba cada tanto la policía y el ejército a quitar la música y hacer requisas hasta que lo terminaron cerrando por completo. “Cerraban el lugar si alguno no portaba su cédula, si a alguien le encontraban marihuana o simplemente porque la música estaba muy alta. O solo porque sí. Una vez le preguntamos a un soldado por qué nos la tenían tan velada y nos dijo, ‘es por orden del patrón, el patrón no quiere sitios de vicio en su ciudad’”. El “patrón” era, desde luego, Pablo Escobar. Me cuenta Lina Botero, Secretaria de Cultura Ciudadana de Medellín, que desde la época de Pablo los jóvenes eran los más estigmatizados pero que, desde antes, por la forma en que están conformando las ciudades del país, se venía preparando un caldo de cultivo para la guerra. “En la época de la violencia, hubo una extensa migración del campo a las ciudades de Colombia. Y las ciudades no estaban preparadas para recibir toda esa cantidad de gente. Si bien el país había vivido guerras, Medellín entró en una que nunca antes había conocido ninguna ciudad del país. Hubo guerras civiles, pero esta era una guerra del narcotráfico contra el Estado. Nos tomamos muchos años en entender lo que estaba pasando. El narcotráfico y las mafias aprovecharon a los jóvenes de los barrios vulnerables y los metieron a la guerra. Por su edad, fueron como kamikazes. Fueron un arma muy potente para el narcotráfico y por eso se estigmatizaron. Los metieron y los insertaron en la guerra urbana. Los estigmatizaron y por eso la ciudad tuvo que reaccionar y buscar alternativas: alternativas que le daba el arte y la cultura y el deporte. En la época más dura, la violencia nos encerró a todos. Literalmente, Pablo nos encerró. Un día sacó un comunicado que decía: nadie puede estar en las calles, ni en aglomeraciones de más de cuatro personas, después de las 7 de la noche. La violencia encierra y lo que hace el arte es que saca a la gente otra vez”. Una relación conflictiva Años atrás, Antioquia fue también un escenario pionero en el mercado de los festivales. En 1971, un hippie amigo de varios miembros del movimiento nadaista, Gonzalo Caro, “Carolo”, visionó en un viaje en ácidos lo que sería el primer festival de rock de Colombia: el festival de Ancón. Una marea de hippies fumadores de marihuana, de pelo largo y pintas que inquietaron a la iglesia conservadora de la época (hasta el punto de que terminaron destituyendo al alcalde que permitió el evento) se movilizó al municipio de La Estrella para celebrar al que luego llamarían el Woodstock criollo. En casi 30 años, fue el único festival grande que hubo en Colombia. Ya para finales de los 90, los jóvenes en Medellín habían quedado con el estigma de haber sido la primera línea de la guerra del narcotráfico. Al mismo tiempo, les llovió una sobredosis de nuevas músicas. El rock paisa había empezado a sonar con fuerza por bandas como Estados Alterados, Ekhymosis o Bajo Tierra. No obstante, cuenta Santiago Arango, director y jurado del Altavoz entre 2008 y 2010, “las disqueras hicieron una mala lectura del rock local y creyeron que iba a pegar más de lo que esperaban; cuando en realidad, la radio comercial solo ponía del 5% de la música de la ciudad. En esa época también fue el proceso 8000, se desaceleró la economía y el negocio a las disqueras no les funcionó. Lo que hizo que, por ejemplo, Elkin de Kraken se desencantara y se mudara a Bogotá”. Medellín no soportó el movimiento musical que se había cocinado desde los 80 y se agotó. Los bares empezaron a cerrar. El miedo y la reticencia política y económica paralizó por varios años a la ciudad como plaza para la música. Pero por la montaña no solo venteaba violencia y desconfianza. Por debajo de las sombras una red de escuelas de música fundada en el 98 estaba formando artistas al tiempo que los barrios se organizaron y autogestionaron movidas artísticas. “Bandas como I.R.A., Fértil Miseria, Frankie ha Muerto o Reencarnación se mantuvieron firmes en la ciudad. Además, a finales de los 90 también cogió fuerza el rap”, cuenta Santiago. Lo que se venía cocinando antes del nuevo milenio era una robusta camada de proyectos alternativos. Luis Grisales, otro de los encargados de dirigir el festival Altavoz en años recientes, dice que “Medellín siempre ha sido una ciudad muy goda en la que se hace fuerte enfrentarse a un cambio. Lo curioso es que una ciudad tan de ‘buenas costumbres’ haya sido pionera por un festival como Ancón. Pero lo que sucedió después de la época de los narcos fue que, para las bandas, la posibilidad de contar lo cotidiano se volvió una contracultura”. El nacimiento de Altavoz A principios de milenio los conciertos internacionales en Medellín se contaban con los dedos. Mientras que en Bogotá estaban firmes los festivales distritales gratuitos Rock al Parque (1994) y Hip Hop al Parque (1996), en la capital antioqueña se hacían intentos aislados. Pero fue solo hasta 2004, durante la alcaldía de Sergio Fajardo, que pasó todo y nació Altavoz como un proyecto con muchas patas, pero en el que el festival musical era protagonista. Se reunieron varios sectores del ecosistema musical: melómanos, bandas y productores; se nutrió con proyectos previos como Rock a lo paisa o Mederock y se le sumó a eso el poderoso brazo económico del Estado, que buscaba abrir espacios de convivencia para una juventud que creció golpeada. Luis Grisales fue jurado del primer Altavoz por convocatoria y, según cuenta, por esos días para nadie era una opción vivir de la música: “Me tocó recibir brochures con los integrantes de la banda escritos a mano en una hoja. Ahora eso no pasa. Lo que hizo Altavoz fue ayudar al ejercicio de profesionalizar. En los 80 o 90 la música era un valor agregado, una actividad extra. Ahora los artistas se dedican por completo a vivir de esto, así sea como roadies, managers o profesores de música. Todo el ecosistema musical creció”. Desde sus primeros años, Altavoz cumplió con hacer un ejercicio que parecía arriesgado, pero que en últimas resultó formativo no solo para las bandas, sino para el público. Juntar a una marea de metaleros, punkeros, raperos y skateros de las vertientes más radicales en un mismo espacio cohesionó la escena alternativa. "Hubo un año que programamos a Anvil de heavy metal en el mismo día que Misfits, de punk. A mucha gente le preocupaba que los juntáramos, pero fue maravilloso. Tuvimos a Das FX, uno de los grandes del rap, con The Exploited, uno de los grandes del punk. Y fue muy tranquilo. Fue un trabajo de encontrarnos. En Altavoz nadie permite que la gente se pelee. El mismo público y los artistas se encargan de que eso no pase”, cuenta Felipe Grajales. Si bien la música no tapa todo lo que pasa en Medellín, no se puede negar que después de Altavoz la ciudad recuperó su lugar como plaza musical. El radar de eventos se amplió. Uno se encuentra festivales privados y públicos que abarcan todo el espectro sonoro. Por mencionar algunos, así por encima, están el Breakfest o La Verbena; grandes fiestas de la electrónica como el Life Park o el Freedom; festivales estatales como Festiafro o el Festival Internacional de Tango y hasta un circuito alternativo y experimental para nuevas bandas como El Suiche. Al mismo tiempo que crecieron los escenarios, Medellín se hizo también epicentro de producción de un movimiento global al que hoy le dicen género urbano, pero que detonó en el mundo en 2004, el mismo año que nació Altavoz, cuando salió un disco definitivo: Barrio fino, del puertorriqueño Daddy Yankee. La placa traía incluido el sencillo La gasolina, el inspirador de la próspera industria del reggaetón paisa, que también surgió al filo de las ciudades con una estética barriobajera, pero que se incorporó al paisaje global. Dice Luis Grisales que Altavoz “promovió que los músicos se acostumbraran a pensar en grande, a no resignarse. Y eso lo tienen claro desde los artistas que van al Altavoz hasta un reggaetonero que es diferente a todos, como J Balvin, que se prepara profesionalmente y tiene muy claro su objetivo. Que hoy haya tantos músicos de tantos géneros, viejos y nuevos, se debe a muchas cosas. Una de ellas, que en la música explotó ese espíritu de negociante que tiene la gente de Medellín”. La decimoquinta edición de Altavoz, un festival ya madurado y con una propuesta robusta, la recibe una Colombia en la que se rumora que cualquier producto o servicio tendrá un 19% de iva y en la que los jóvenes protestan preocupados por el futuro de la educación pública; una Antioquia que meses atrás, en la elección presidencial, puso el 71% de sus votos para elegir al presidente que representa el ala más conservadora de la política colombiana, el que traía entre sus filas a un tipo que quemó libros y a la autora de la célebre frase “estudien vagos”, lanzada a unos jóvenes que protestaban; y una Medellín que, además de ser la meca del reggaetón, tiene un festival al que más de 80.000 personas van durante tres días a romperse la cara en un pogo o cabecear con las rimas de un hip hoppero.
Audiciones WANADY categoría: Ska-Reggae (1), sub-categoría: Reggae (1B), Altavoz Fest 2016... Lugar: Teatro al aire libre de Pedregal Fecha: Domingo 17 ...
Tarmac Altavoz 2012
Una vez mas TARMAC moviendo el piso en el ALTAVOZ INTERNACIONAL 2012, prendiendo fuego de conciencia con su poderoso show explosivo de ...
Concierto clasificatorio de la categoria Rock, Festival Altavoz 2012 el 8 de Septiembre en Plaza Mayor. Video por Sebastián Aleman Batería: Adán Naranjo ...
Nota realizada para la sección El Sampler del programa Altavoz TV de Telemedellín 2012 Realización: David Vélez Edición: Camilo Alzate Cámara: Oscar ...
Festival Altavoz.
Las mejores fotos del Festival Internacional Altavoz 2011
Festival Altavoz 2010
Imágenes del público asistente al Festival Altavoz 2010.
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos cumple 20 años. La película de Michel Gondry se convirtió en objeto de culto. El filme nos muestra la historia de Joel y Clementine, una pareja que decide borrarse mutualmente de su memoria. Lacuna, Inc., empresa ficticia, ofrece a las personas el servicio de borrar de su mente recuerdos desagradables. La mayor parte de la película tiene lugar dentro del cerebro de Joel mientras está sedado durante el procedimiento de borrado: mientras revive momentos más felices con Clem, se arrepiente de su decisión e intenta frustrar los esfuerzos de los borradores aferrándose a sus recuerdos de la relación.¿Podría suceder en la realidad lo de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos?Si bien estamos muy lejos de un mundo en el que exista una empresa como Lacuna, sí hay avances en lo relacionado con alteración de los recuerdos. Apenas tres años después del lanzamiento de Eternal Sunshine, los investigadores descubrieron que inyectar una “droga para la amnesia” podía aliviar el aguijón emocional de los recuerdos desagradables. Luego, en 2009, un equipo de la Universidad de Toronto logró borrar selectivamente los recuerdos en ratones inyectando una toxina en la amígdala, la parte del cerebro que procesa las emociones.Desde entonces, psicólogos y neurocientíficos de todo el mundo han estudiado varios métodos diferentes para manipular recuerdos, como inhalar gas xenón, tomar propranolol, usar luces y reproducir sonidos para las personas mientras duermen.Un grupo de científicos del MIT cree haber descubierto el gen que "desempeña el papel de extinción de la memoria". Esperan que este trabajo pueda eventualmente conducir a un tratamiento para quienes padecen trastorno de estrés postraumático. o personas atormentadas por recuerdos del pasado. El proceso implica que nuevos recuerdos “sobrescriban” los viejos. El estudio se centró en la observación de ratones a los que se les inhibió el gen en cuestión (llamado “Tet1”). Estos ratones inhibidos recibieron descargas eléctricas (levemente) varias veces cuando los colocaron en una jaula en un intento de crear una asociación; pero, en comparación con los ratones a los que no se les había bloqueado el gen, estos ratones no temieron la jaula cuando fueron colocados en ella en ocasiones posteriores "porque su recuerdo de haber sido heridos ya había sido reemplazado por nueva información". La Dra. Sheena Josselyn codirigió el equipo de investigación que logró borrar los recuerdos de los ratones y ha pasado décadas investigando cómo funcionan los recuerdos. ¿Cree que la tecnología utilizada en Eternal Sunshine algún día podría ser algo común? "Esta es una pregunta complicada", dice citada por Dazed. “Ahora tenemos la tecnología para hacer esto en ratones. "En este momento, no es posible hacer esto en humanos", afirma. "Pero la prueba del concepto está ahí gracias al trabajo de muchos laboratorios de todo el mundo que utilizan roedores [...] Con la ayuda de muchos científicos trabajadores de todo el mundo, la ciencia ficción se está convirtiendo en un hecho científico".
Arabia Saudita anunció que construirá un parque temático basado en la famosa serie animada japonesa Dragon Ball. Este parque temático contará con cinco atracciones de última generación como parte de una programación de más de 30 de ellas. También está prevista la construcción de un Shenron (dragón) de 70 metros de altura, en cuyo interior se encuentra una montaña rusa a gran escala. El parque cubrirá más de medio millón de metros cuadrados, según Qiddiya Investment Company (QIC), que pertenece en su totalidad al fondo de inversión del gobierno de Arabia Saudita.Los planes son parte de "una asociación estratégica a largo plazo" entre QIC y Toei Animation, el productor japonés de Dragon Ball.El parque contará con siete áreas diferentes que recrean varios lugares icónicos de la serie original, como Kame House, Capsule Corporation y Beerus's Planet.En el parque, los visitantes podrán unirse a una aventura con Goku y sus amigos mientras disfrutan del mundo de Dragon Ball, desde el comienzo del anime hasta Dragon Ball Super.Qiddiya es un importante proyecto turístico y de entretenimiento que se está construyendo cerca de Riad, la capital de Arabia Saudita. Es parte de los planes de la nación rica en energía para diversificar su economía alejándose de los combustibles fósiles.¿Por qué algunos fans no están contentos?El anuncio fue recibido con algunas críticas por parte de los fanáticos, citando el historial de derechos humanos de Arabia Saudita.Si bien algunos fanáticos de Dragon Ball recibieron con agrado los planes para el parque temático, otros en las redes sociales cuestionaron la decisión de ubicar la atracción en Arabia Saudita, según informó la BBC. El país ha sido criticado por su historial de derechos humanos, el trato a las mujeres y la falta de reconocimiento de los derechos LGBTQ+.¿Cómo nació Dragon Ball?Dragon Ball se publicó por primera vez en 1984. Se inspiró en la novela china Viaje al Oeste y en las películas de artes marciales de Hong Kong. Inicialmente tenía un enfoque de comedia, pero luego se convirtió en una serie de lucha llena de acción.La historia sigue las aventuras de Son Goku, desde la niñez hasta la edad adulta, mientras se entrena en artes marciales y explora el mundo en busca de las esferas del dragón, siete orbes mágicos que cuando se reúnen invocan a un dragón que concede deseos. A lo largo de su viaje, Goku hace varios amigos y lucha contra villanos.Dragon Ball se ha convertido en una de las series manga más exitosas de todos los tiempos. Su mezcla de comedia y lucha, junto con referencias culturales de la mitología china y los cuentos populares japoneses la hicieron un éxito rotundo.El manga ha sido traducido y lanzado en más de 40 países en todo el mundo. En 2006, cerca de 79.000 fanáticos japoneses votaron a Dragon Ball como el tercer mejor manga de todos los tiempos.En una encuesta de 2007 entre mil personas realizada por Oricon, Goku ocupó el primer lugar como el "personaje de manga más fuerte de todos los tiempos".
Bruce Dickinson, líder de Iron Maiden, se refirió al creciente precio de las entradas de conciertos. "Si quieres ir a ver el espectáculo de U2, creo que costaba 1.200 dólares por asiento en la esfera", dijo Dickinson [transcrito por Blabbermouth]. “No tengo ningún interés en pagar 1.200 dólares para ir a ver a U2 en la esfera, ninguno. Cien dólares, tal vez. Pero para mí lo importante es intentar mantener, por un lado, el tipo correcto de entradas al precio adecuado”.Dickinson sugiere que los asientos frente al escenario – “que todo el mundo dice que deberían ser los boletos más caros” – en realidad deberían ser “los boletos con el precio más razonable, porque dentro de la gente que va a ir al frente del escenario habrá personas que son verdaderos fanáticos, niños, personas que no pueden pagar tanto dinero, pero son las personas que necesitan estar al frente; ellos son las personas que mantendrán viva esta música”.“Y luego tienes a la gente que podría ser fan”, continuó el cantante de metal, “pero quieren traer a su esposa y no quieren pasar demasiado calor, sudar y todo eso. Entonces, hay algunos asientos en la parte superior o algo así, lo que van a elegir, y el precio es diferente”."Los promotores de alguna manera tienen que recuperar su dinero", concluyó Dickinson. “Entonces, es un equilibrio delicado, pero en general, los precios de las entradas se han disparado. Y algunos de los precios de las entradas que la gente paga, bueno, algunos de los precios que la gente paga, para mí, son una locura. Nunca pagaría ese precio, pero claro, probablemente no soy fanático de ese artista en particular. Las personas que lo son, tal vez piensen que vale la pena. Quiero decir, ciertamente con mis espectáculos, siempre hemos tratado de mantener los precios de las entradas dentro de los límites normales. Y lo mismo con Maiden”.Iron Maiden confirmó que estará en Colombia en noviembre de 2024. La agrupación estará en el Estadio el Campín, el próximo 24 de noviembre. Los precios oscilan entre 149.000 y 559.000.
40 años después del lanzamiento de This is Spinal Tap, considerada una de las mejores películas de rock de la historia, pronto veremos This Is Spinal Tap 2, que se encuentra actualmente en producción.This is Spinal Tap es una película estilo falso documental (mockumentary) que se estrenó en 1984 y se convirtió en un clásico de culto. La película sigue la historia del grupo de rock ficticio "Spinal Tap" mientras se embarcan en una gira que definirá su carrera.Spinal Tap está formada por tres músicos de heavy metal que poco a poco se están dando cuenta de que no son tan populares como antes. Aunque en el momento de su estreno This Is Spinal Tap tuvo un éxito moderado, fue después gracias al VHS que el filme cruzó fronteras y se mantiene como objeto de culto. Fue elogiada por la crítica al ser una sátira efectiva del rock y la música.La decisión de hacerlo al estilo de falso documental resultó exitosa y muy innovadora y sigue siendo considerado uno de los mejores "mockumentaries" o falsos documentales de todos los tiempos.Les contamos todo lo que se sabe, hasta ahora, de la película. ¿Quién dirigirá This is Spinal Tap 2?La dirección estará a cargo del director original de This is Spinal Tap, Rob Reiner. ¿Cuándo se estrena This Is Spinal Tap 2?Debido a que Spinal Tap 2 acaba de comenzar a filmarse en Nueva Orleans, actualmente no hay una fecha de estreno para la película. Sin embargo, lo más seguro es que se estrene en 2025. ¿Quién protagoniza This Spinal Tap 2?Repitiendo sus papeles como los tres miembros de Spinal Tap están Michael McKean como David, Christopher Guest como Nigel y Harry Shearer como Derek. ¿Quién más estará en el elenco de This Is Spinal Tap 2?Además de los actores que regresan, recientemente se anunció que los íconos de la música Elton John, Paul McCartney, la cantante de country Trisha Yearwood, Questlove y Garth Brooks se unirían al elenco.También estará el productor, director y músico Questlove quien ganó su primer Premio de la Academia a Mejor Película Documental con Summer of Soul.También se confirmó la presencia Lars Ulrich de Metallica, Chad Smith de Red Hot Chili Peppers, y la actriz Fran Drescher, conocida por The Nanny. ¿De qué trata This Is Spinal Tap 2? La trama de Spinal Tap 2 fue desarrollada por los miembros del elenco Guest, Shearer, McKean y Reiner, y seguirá al documentalista Marty DiBergi (Reiner) mientras se reúne con Spinal Tap para un concierto de reunión. La banda ha estado en pausa durante quince años y está previsto que el concierto de reunión sea su último show.
Con algo de retraso, recuperamos el primer Panorama del año tras haber dedicado un extenso artículo a las 24 apuestas emergentes en Iberoamérica para este 2024. Como todos los meses, los diferentes medios que conformamos la alianza FARO, hemos elegido el proyecto artístico que nos ha parecido más interesante, en este caso surgido a lo largo del mes de febrero. Solo nos queda prometer que la próxima entrega llegará más pronto, y que esperamos disfrutéis de la playlist que hemos confeccionado, con hasta cinco canciones destacadas de cada uno de los países de la alianza.ArgentinaIsla Mujeres | Por IndieHoyEn una discografía plagada de giros, el cuarto álbum de Isla Mujeres no es la excepción. Barato ideal se despega de la electrónica intimista de su excelente trabajo anterior, Correr adentro (2022), para acercarse a la versión más cruda y visceral de la banda platense. Estas nuevas canciones nos invitan a romper las cadenas, a liberarnos de las máscaras y a celebrar la belleza de la imperfección.El proceso creativo detrás del álbum se caracterizó por la convivencia y la improvisación. El trío y su productor Aziz Assé montaron un estudio dentro de su sala de ensayo, donde durante meses exploraron ideas, seleccionaron bocetos y grabaron en un ambiente colaborativo. A lo largo de las ocho canciones que lo integran, el disco propone una odisea desde la decadencia y la violencia hasta la amistad y la búsqueda de la fuerza interior. Sus guitarras cargadas de distorsión cortan el aire de una producción expansiva y de contrastes, creando una experiencia que anima a sentir, pensar y bailar. - Juampa Barbero de Indie HoyBrasilAmaro Freitas | Por Scream & YellCuarto álbum en la carrera del pianista y compositor Amaro Freitas, "Y'Y" (pronunciado "eey-eh, eey-eh" y que significa, en dialecto indígena, agua o río) es el más experimental de sus trabajos. Es un disco que nació después de que Amaro se sumergiera en la comunidad indígena Sateré Mawé de Manaos. La forma que tuvo el pianista de devolver el intercambio de conocimientos fue componer un homenaje a la selva amazónica y a los ríos que cruzan el norte de Brasil, una pieza sonora que combina los ritos indígenas con John Cage a través de la técnica del piano preparado, utilizando fichas de dominó, cinta adhesiva, pinzas de la ropa y semillas, entre otros objetos. Según el propio Amaro, "Y'Y" es "una llamada a vivir, sentir, respetar y cuidar la naturaleza, reconociéndola como nuestro ancestro". Concebido como un disco de vinilo, la cara A de "Y'Y" sirve como expresión de la conexión con la tierra y los ancestros, y la cara B sirve como prueba de las conexiones entre la comunidad global del jazz negro de vanguardia con la presencia de Shabaka Hutchings (Londres), la arpista Brandee Younger (Nueva York), el bajista Aniel Someillan (de ascendencia cubana), el guitarrista Jeff Parker y el batería Hamid Drake (ambos de Chicago). Un disco para escuchar y escuchar y escuchar y escuchar… Marcelo CostaChileCami | Por el equipo de POTQ MagazineEn la nueva era de CAMI la electrónica es la protagonista. Así lo vimos con ANNA Vol1. LOS AMANTES, su EP lanzado a fines del 2023 y también lo escuchamos fuerte y claro en ‘Qué bueno que llegaste’, un hit en toda regla, lanzado durante febrero junto al rapero Bronko Yotte. En diferentes ocasiones, la artista ha comentado sobre su paso de sonidos más folk asociados siempre al pop, a la electrónica y explica que para ella tienen todo que ver, que hay un punto de unión, mencionando el concepto de ritual como algo que les une. Queremos ver qué le depara el 2024 a CAMI, probablemente, nos sorprenda.CubaDaymé Arocena | Por Magazine AM:PMFinalmente salió a la luz Alkemi, el nuevo álbum de Daymé Arocena que cristaliza su esperada colaboración con Eduardo Cabra. Aunque el resultado nos ha dejado con algunas preguntas, no cabe dudas de que se trata de una producción llamada a expandir los límites creativos y de audiencia de la artista. Bajo el sello Brownswood Records, Arocena entrega a través de la decena de temas que componen el disco una amalgama sonora con un fuerte acento afrocaribeño que se resalta con la presencia de invitados como Rafa Pabön y Vicente García. La alquimia de esta Daymé deshinibida nos toma un poco por sorpresa, pero confiamos que su intuición la lleve por buen camino.EspañaCarmen Boza - Encore | Por Mondo SonoroLa linense Carmen Boza es de esas cantautoras que no toma el camino fácil. Ese que se adapta mejor al gusto del oyente, con el subsiguiente riesgo de caer en el denostado mainstream. No. Carmen Boza toma derroteros que precisan escuchas, para solo así empezar a paladear los detalles de su música, pero también de unas letras que pueden ir de lo explícito a lo etéreo, de lo profundo a lo mundano, del cariz confesional a un desgarrador tono vitalista. Todo cabe en el basto imaginario de la artista. “Encore” es el regreso a la palestra de la actualidad de Carmen Boza. Un Ep de seis temas de distinto pelaje, que marcan un nuevo camino para la cantautora tras una sequía creativa de dos años que uno imagina de búsqueda, sanación y de intentar no perder el rumbo en el marasmo de este siglo. Y es fácil adivinar que así ha sido, gracias al diario vital en el que Carmen Boza ha convertido este disco que no esconde trampa ni cartón. No en vano, a lo largo de estas canciones nuestra protagonista va mostrando su desazón social (‘Lambo’), sus luchas internas (“El Altar” o “Anestesiada”), sus dudas (“Libertad o seguridad) y sus rupturas (“Remolino”). Sin olvidar tampoco ese halo de esperanza necesario para seguir en la brecha (“San Juan”). Y lo hace con un flow vocal marca de la casa, que va adaptando a las diferentes temáticas para darle a cada canción aquello que en realidad necesita, dotándolas de múltiples personalidades que son las suyas propias. Sergi MarquésUruguayLos Hermanos Láser | Por Kristel Latecki de PiiilaDesde su fundación en 2011 –directamente de las cenizas de otra gran banda de los 2000, Vieja Historia– Los Hermanos Láser han sido fundamentales en la creación de un sonido indie montevideano que fusionó una sensibilidad y gancho pop con elementos clásicos del folk, más una saludable dosis de furia rockera en el vivo, y una cuidada atención a la artesanía de las canciones. Y es así que son precisamente las canciones su gran fuerte. Las que hicieron de su disco debut (homónimo, 2013) un trabajo intachable, que los llevó a tocar junto a innumerables bandas, ganar varios premios e influenciar a una generación.Once años después vuelven con un tercer disco donde demuestran –con total humildad– su envidiable facilidad para crear melodías, frases y observaciones memorables. Este Paisaje Fósil es una apuesta a la familiaridad pero que deja entrever una madurez inevitable. Los rasguidos folk y las infecciosas armónicas ahora dan lugar a capas de sintetizadores. Se canta sobre errores, sobre culpas; sobre volver a casa y al mismo tiempo, no extrañar lo que uno fue. Es un disco que –haciendo juego con su nombre– se va revelando a medida que la escucha profundiza, encontrando facetadas, sutiles y preciadas canciones.Colombia Maikcel | Por Fabián Páez López de ShockA Miguel Ángel Rojas le dicen Maikcel y su voz es bien conocida en el under colombiano porque ha estado al frente de grupos como Zalama Crew o el colectivo La Pacifican Power. Tiene más de 10 años de experiencia haciendo rap o música del Pacífico colombiano o las dos al mismo tiempo. Su voz siempre sobresalió por su versatilidad y su flow. Y con Maikcel, su proyecto solista que recién empezó hace un par de años, está estirando su potencial. ‘Ambrustic Boy’ es su primer álbum y tiene 13 cortes en los que se mueve con soltura por los afrobeats, el trap, el R&B y el rap; casi siempre guiado por la cadencia de la marimba de chonta, instrumento insigne del Pacífico colombiano. El título de este primer álbum está inspirado en una de las canciones del primer grupo de rap colombiano en publicar un álbum, Los generales R&R. Y también es una declaración de la personalidad y la forma de hacer música de Maikcel, desde la alegría ambrústico, dice, significa estar bien.