En el marco del BAM se anunció como nuevo director artístico del Festival Internacional de Cine de Cartagena (FICCI) a Felipe Aljure, realizador y gestor cultural colombiano. Aljure llega a continuar el proceso que ha convertido al Festival en uno de los mayores referentes para la cinematografía de la región, primero bajo la dirección de Monika Wagenberg y posteriormente, con Diana Bustamante a la cabeza, quienes cumplieron esta labor durante dos periodos de 4 años. Felipe Aljure, nuevo director artístico del FICCI. Hablamos con este director, reconocido por películas icónicas colombianas como La gente de la universal, El Colombian Dream y Tres Escapularios, sobre esta nueva etapa en uno de los mayores festivales de cine de Latinoamérica. El cine colombiano está en un buen momento. ¿Cuál ha sido el papel del FICCI en ese proceso? Yo creo que el cine colombiano fue una construcción de muchas generaciones que trabajaron poco a poco desde la pasión y el convencimiento de que el cine es importante. El FICCI llega hace 58 años cuando el país no tenía una política cinematográfica y se convirtió en un referente clave. Luego empieza a surgir un sector más fortalecido y todos estos espacios los sentimos como patrimonio cultural. Toda esa convergencia de realidades normativas y tecnológicas hicieron que hubiera un aumento en el número de producciones y eso es bueno. Sin embargo, aún hay temas que es necesario mejorar. ¿Cuál es el principal reto? Hay 2 temas clave: la distribución y exhibición de las películas, así como el desencuentro del público con la marca “cine colombiano” son 2 aspectos que debemos revisar. ¿Cuál quieres que sea tu aporte como director artístico del FICCI? Mantener el buen cine, la presencia de invitados y personajes que hablen y le aporten a la gente conversaciones y diálogos enriquecedores. Todas esas reflexiones deben converger en Cartagena porque es una tribuna que se ha ganado esa categoría y ese derecho a expresar temas cinematográficos de interés y pertinencia para el país y para el mundo. ¿Cómo ha cambiado el panorama para los realizadores desde La gente de la universal hasta hoy? Cuando hicimos La gente de la universal fue una gran hazaña y hacer una película era un hecho cultural sobresaliente, era casi un épico. En el 97 se crea el Ministerio de Cultura, luego la Dirección de cinematografía, se gestó la ley de cine… en fin: han pasado muchas cosas buenas. Otro aspecto clave fue la democratización de la tecnología: nos tocaba usar unas cámaras de 300 mil dólares, lentes de 100.000 todo era así…. Hoy uno puede hacer una película con un teléfono. Así fue la última que hicimos, Tres escapularios, la hicimos con una cámara de fotos. Todo ha convergido para quitarnos la mordaza económica y tecnológica. Pero no podemos conformarnos con eso. Hay mucho por hacer todavía. ¿Crees que se puede hablar de un solo cine colombiano? Lo cines nacionales tienden a ser un género. Uno ve una película gringa y parece gringa, uno ve una película francesa y parece francesa y yo creo que al cine colombiano le pasa lo mismo. Uno ve una película colombiana y tiene esa textura de una idiosincrasia, de una cultura que de alguna manera se mira y mira al mundo. Dentro de eso, lo que se trata es que coexistan muchas voces y muchas miradas y que podamos ver cartelera comercial, cartelera de cine arte independiente en donde se cocinan las futuras narrativas y veamos distintas películas que comentan el país desde una óptica social…La paleta se tiene que ampliar. En la medida en que todas esas voces coexistan iremos aprendiendo cómo se siente el cine colombiano. Ahora, somos unos adolescentes, estamos hasta ahora buscando nuestras propias voces y vamos por ese camino.
Felipe Aljure, director y gestor cultural colombiano, es el encargado de asumir la Dirección Artística del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI) a partir de su edición 59. Aljure llega a continuar el proceso que ha convertido al Festival en uno de los mayores referentes para la cinematografía de la región, primero bajo la dirección de Monika Wagenberg y posteriormente, con Diana Bustamante a la cabeza, quienes cumplieron esta labor durante dos periodos de 4 años. Felipe Aljure es conocido por su ópera prima La gente de la universal, una cinta inolvidable del cine colombiano. También es recordado por El Colombian Dream (2006) y Tres Escapularios (2015). También ha dirigido varios videoclips icónicos, como Cosita seria, de Aterciopelados. Empezó como asistente de producción de Crónica de una muerte anunciada (1987) del italiano Francesco Rosi, asistente de cámara de películas como La Misión (1986) del inglés Roland Joffé, y asistente de dirección en María Cano (1990) de Camila Loboguerrero y Rodrigo D no futuro (1990) de Víctor Gaviria. Su filmografía incluye créditos como jefe de casting local y director de la segunda unidad de El amor en los tiempos del cólera (2007) de Mike Newell, supervisor de producción en Colombia de The Next Three Days (2010) de Paul Haggis y productor ejecutivo de The Lost City of Z (2016) de James Gray. “En el pasado se habían acercado a mí para proponerme como candidato a la junta pero en realidad no era el momento para mí por los proyectos que estaban en desarrollo y los tiempos. En esta ocasión hemos podido conversar con la junta y la gente que lleva el festival y ha habido tiempo para identificar temas de interés mutuo y el apoyo y libertad para desarrollarlos en el marco de la edición 59”, dice Felipe sobre su nombramiento como director artístico del Festival. El FICCI se celebra desde hace 58 años. La próxima edición (con Felipe al mando de dirección artística) será del 6 al 11 de marzo de 2019.
Lo bueno del Festival de Cine de Cartagena de Indias, FICCI: su apuesta e inclusión de películas arriesgadas, diferentes y salidas de lo que siempre llega a salas de cine. Lo malo: que difícilmente llegan a cine y los que no van quedan sin la manera de encontrarlas sin recurrir a la dark web. Afortunadamente el FICCI vuelve a hacer una gira por Bogotá, Cali y Medellín para llevar a estas ciudades algunas películas que hicieron parte de las Competencias Oficiales Gemas, Ficción y Documental. El FICCI Itinerante comienza en Bogotá, como parte de la sexta edición de la Cita con el Cine Latinoamericano - Cicla, que se lleva a cabo del 8 al 19 de marzo en la Cinemateca Distrital, donde se proyectarán títulos como Bixa Travesty de Claudia Prescilla y Kiko Goifman (Brasil), ganadores de la India Catalina a Mejor Dirección de la Competencia Oficial Documental, y Nosotros Las Piedras, de Álvaro Torres Crespo (Costa Rica), elegida como Mejor Película de la misma categoría. Asimismo, se ofrecerán tres funciones del documental Piripkura de Mariana Oliva, Renata Terra y Bruno Jorge (Brasil). De la Competencia Oficial Ficción, en la muestra se proyectará La Casa Lobo (Chile) de Joaquín Cociña y Cristóbal León, quien acompañará una de las funciones y participará de una de las actividades académicas. Posteriormente, en el Museo La Tertulia de Cali se presentarán Bixa Travesty el 9 de marzo y el domingo 11; La Casa Lobo el sábado 10 de marzo y el domingo 11; de la sección Gemas se exhibirán dos documentales: la más reciente ganadora del Leopardo de Oro del Festival de Locarno, Mrs. Fang de Wang Bing (China, Francia y Alemania) el viernes 9 y el sábado 10, y Caniba de Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel (Francia) que se presenta el sábado 10 y el domingo 11. Finalmente, en el Museo de Arte Moderno de Medellín – MAMM se presentará Mrs. Fang el 15 y el 23 de marzo; Caniba el 16 y el 22 de marzo; Bixa Travesty los días 17 y 23 de marzo, y La Casa Lobo el 18 y el 23 de marzo. (Vea también: Películas que sacuden la mente y nos cuestionan sobre el sexo: Bixa Travesty)
El Festival de Cine de Cartagena de Indias, FICCI, cumplió una nueva edición. En esta ocasión, como su directora Diana Bustamante lo explicó, la programación era perturbadora y desafiante; “alberga una suerte de ‘mutación’. Ese algo inestable que nos permite remover estructuras, hacernos preguntas y tocar lugares que no hemos tocado”. Y no era palabrería de catálogo: en efecto, las películas que hicieron parte de la Competencia Oficial de Cine Colombiano, Documental, Ficción y Gemas, más lo que propusieron Nuevos Creadores, los cortometrajes y los programas especiales, sumados a los aportes de invitados de lujo como Tilda Swinton, Owen Wilson, Bruno Dumont, Lucrecia Martel y Maribel Verdú, fue un desafío a muchas certezas que tenemos sobre la vida. Hubo grandes cuestionamientos a lo que creemos sobre los roles sexuales, a nuestras identidades corporales, a cómo están organizadas nuestras sociedades. Los nombres a continuación fueron los escogidos por los jurados, pero vale la pena que quienes no fueron al FICCI 58 husmeen entre el catálogo para encontrar más joyas desafiantes. Competencia Nuevos Creadores Rekonstrukcja de Jerónimo Atehortúa Competencia oficial Cortometraje Mejor Cortometraje: Flores de Jorge Jacome Mención Especial del Jurado: Faröpes Baldios de Marta Mateus Competencia oficial Gemas The Season of the Devil de Lav Diaz Competencia oficial Cine Colombiano Mejor director: Simon(è) Jaikiriuma Paetau y Thais Guisasola por O Susurro do Jaguar Mejor película: Amanecer de Carmen Torres Competencia oficial Documental Mejor director: Claudia Priscilla y Kiko Goifman por Bixa Travesty Mejor documental: Nosotros las piedras de Álvaro Torres Crespo Competencia oficial Ficción Mejor director: Marcelo Martinessi por Las herederas Mejor Película: Cocote de Nelson Carlo de los Santos Arias Premio del público Matar a Jesús de Laura Mora Premio Fripresci Las herederas de Marcelo Martinessi Competencia Puerto Lab Os jovens Baumann de Bruna Carvalho Taller documental Premio de servicios de postproducción de parte de la Pontificia Universidad Javeriana / Centro Ático al proyecto: The Loss of Something Ever Felt de Carlos Lesmes Premio RTVC / ingreso al Mercado de Coproducción The Loss of Something Ever Felt de Carlos Lesmes Encuentro Interncional de Productores Premio CNC: Beca del Centre National du Cinéma et de I´Image Animée CNC de Francia al proyecto: El silencio del tiempo de Adriana Cepeda Espinosa Premio de servicios de postproducción de parte de la Pontificia Universidad Javeriana / Centro Ático al proyecto: El último silletero de Henry Rincón Premio Bogotá Audiovisual Market (BAM): Entrada directa a BAM projects: El circo de Franco Cartas al Ocaso
Un año más desde Shock hemos acompañado uno de los eventos más importantes para la joven cinematografía local. Con Imaginatón, cientos de realizadores jóvenes y aficionados se han probado en el exigente reto de contar una historia en un plano secuencia de un minuto innovando con las diferentes técnicas y herramientas del lenguaje audiovisual. Dentro de las diferentes categorías Shock ha puesto el reto de contar historias sonoras en la categoría “La música nos inspira”. El mejor filminuto en esta área recibe una cámara GoPro con accesorios. El gran ganador de la competencia que se llevó a cabo en diciembre del 2017 y se anunció en este Festival de Cine de Cartagena de Indias 2018 fue Payaso de Carlos Mario Ortiz. Los demás ganadores de Imaginaton fueron: GANADORES Y MENCIONES DE HONOR | CATEGORÍA AFICIONADO PRIMER PUESTO (Ganador de $ 3.000.000 de pesos en efectivo) Permiso de Julián Baquero SEGUNDO PUESTO (Ganador de $ 1.000.000 de pesos en efectivo) +1 de Daniel Buitrago MENCIONES DE HONOR (Sin dotación económica) Adentro – Dir. David Beltrán Resignación - Dir. Johann Palomá Hágalo real - Dir. Pastor Pérez Tres menos uno - Dir. Alejandro Ardila Rompe cabezas - Dir. Miguel León y Claudia Osejo GANADORES Y MENCIONES DE HONOR | CATEGORÍA PROFESIONAL PRIMER PUESTO (Ganador de $ 4.000.000 de pesos en efectivo) Payaso - Carlos Mario Ortíz SEGUNDO PUESTO (Ganador de $ 2.000.000 de pesos en efectivo) Tu presencia me habita como la sombra - Santiago Parra MENCIONES DE HONOR (Sin dotación económica) El Rostro - Dir. Carlos Andrés Hurtado Odio en la lona - Dir. Laura Alejandra Berbeo Despierta - Dir. Edwars Pérez Bosque adentro - Dir. Juan Pablo Castro Raros - Dir. Julián Francisco Peña
Desde el 9 de marzo estará abierta la convocatoria para cineastas del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico (FDC). Se entregarán más de 21 mil millones de pesos en estímulos. El lanzamiento se dio en el marco del FICCI, Festival Internacional de Cine de Cartagena. De ese monto, $15.548 millones se entregarán a través de convocatoria y $5.975 millones, por medio de estímulos automáticos. Este año hay una nueva convocatoria. “Se trata de una alianza interadministrativa entre la ANTV, MinTIC, el CNACC, Proimágenes Colombia y Cámara de Comercio de Bogotá. La convocatoria se llama Alianza Transmedia Colombia, y busca fomentar el desarrollo y producción de proyecto transmedia de ficción, documental y animación. Es una oportunidad para generar nuevos públicos, a través de productos innovadores para el cine colombiano”, dice Adelfa Martínez, directora de Cinematografía de MinCultura. “El cine colombiano dentro del cine latinoamericano es el más dinámico, se puede ver una producción muy buena en términos de calidad y de cantidad; (las películas) son numerosas y tienen diversidad de géneros”, opina Nicolás Alzabert, crítico de cine de la revista Cahiers du Cinéma, evaluador de la convocatoria FDC 2017 de la modalidad de coproducciones minoritarias. Gracias a los recursos del FDC, entre el 2004 y el 2017 se han comprometido y entregado estímulos por concurso en dinero no reembolsable por un total de $113.299.230.414 de pesos a 1.059 proyectos cinematográficos. “Nuestras películas tienen que lograr encontrar su público latinoamericano, crear las estrategias necesarias para la distribución nacional. El siguiente gran desafío es buscar pantallas para nuestras historias y espectadores que las disfruten, que seguro las van a disfrutar”, señaló Vanessa Ragone, productora argentina de El secreto de sus ojos; ganadora del Óscar y evaluadora de la convocatoria FDC 2017 del estímulo integral a la producción y promoción de largometrajes. Consulte aquí los términos de referencia de la convocatoria.
Imaginatón no solo es la oportunidad de encontrar talentos, sino que además se convirtió en la nueva sección de realización del Bogotá Short Film Festival el Festival de Cortos de Bogotá – Bogoshorts. Después de una investigación exhaustiva y sobredosis de proyectos, los jurados dieron su veredicto: estos son los finalistas de Imaginatón 2017. FINALISTAS CATEGORÍA AFICIONADO El primer puesto se llevará 3 millones de pesos y el segundo puesto 1 millón de pesos en efectivo. También se harán 5 menciones de honor sin dotación económica. +1 Dir. Daniel Buitrago Adentro Dir. David Beltrán Encubierto Dir. Alejandra Riaño Exención Dir. Jenifer Poveda Hágalo real Dir. Pastor Pérez Jaque Dir. David Arias Permiso Dir. Julián Baquero Resignación Dir. Johann Palomá Rompe cabezas Dir. Miguel León y Claudia Osejo Tres menos uno Dir. Alejandro Ardila FINALISTAS CATEGORÍA PROFESIONAL El primer puesto se llevará 4 millones de pesos y el segundo puesto 2 millones de pesos en efectivo. También se harán 5 menciones de honor sin dotación económica. Bosque adentro Dir. Juan Pablo Castro Despierta Dir. Edwars Pérez El menor de Sumapaz Dir. John Dave Rojas El Rostro Dir. Carlos Andrés Hurtado Nostalgia Dir. Leonardo Quintero & Thom Yorke Odio en la lona Dir. Laura Alejandra Berbeo Payaso Dir. Carlos Mario Ortíz Raros Dir. Julián Francisco Peña The Last One Dir. Sam Ruiz Tu presencia me habita como la sombra Dir. Santiago Parra El anuncio de los ganadores en las categorías profesional, aficionado y patrocinadas, se realizará el próximo viernes 2 de marzo a las 3:00 p.m. en AECID, dentro del marco del 58° Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (Feb 28 – 5 Mar), en el espacio de Puerto FICCI: Tómate un Café con Bogoshorts.
Terminó el Festival de Cine de Cartagena y estas son las películas para ver sí o sí cuando lleguen a salas colombianas. (Foto: Cortesía Laboratorios Blackvelvet) COMPETENCIA OFICIAL FICCIÓN Miembros del Jurado LORENA RÍOS - CHRISTOPH TERHECHTE - LUIS MIÑARRO Mejor Película: Viejo Calavera de Kiro Russo - Gana Premio Cine Colombia dotado de 15.000 dólares Mejor Director: Vladimir Durán por Adiós Entusiasmo PREMIO DE LA CRÍTICA INTERNACIONAL - FIPRESCI Miembros del Jurado JOSÉ ROMERO - MARCO LOMBARDI - GODFREY CHESHIRE Mejor Película: El Cristo Ciego de Christopher Murray COMPETENCIA OFICIAL CINE COLOMBIANO Miembros del Jurado GEMA JUÁREZ - TREVOR GROTH - NADAV LAPID Mejor Película: Adiós Entusiasmo de Vladimir Durán - Gana el Premio Cinecolor dotado con USD$11.000 en deliveries y servicios de postproducción. Mejor Director: Rubén Mendoza por Señorita María, La Falda de la Montaña PREMIOS ADICIONALES Premio del Público EGEDA: Amazonas de Clare Weiskopf y Nicolas Van Hemelryck - Gana 25 millones de pesos en efectivo. COMPETENCIA OFICIAL DOCUMENTAL Miembros del Jurado LUCIANO BARISONE - FABIENNE MORIS - PABLO MORA Mejor Película y Mejor Directora: Ejercicios de Memoria de Paz Encina - Gana el Premio Cinecolor dotado con USD$13.000 en servicios de postproducción audiovisual, QUIBIT TV entrega USD$6.000 en efectivo y la posibilidad de hacer el lanzamiento del documental en la plataforma QUIBIT TV por un año. Mención Especial del Jurado: Ivan Granovski por Los Territorios GEMAS Miembros del Jurado ANDREA CHIGNOLI - JUAN DAVID CORREA - ANTOINE SEBIRE Mejor Película: Aquarius de Kleber Mendonça Filho - Recibe un plan de promoción por 50 mil USD a través del Canal RCN en su señal nacional e internacional. COMPETENCIA OFICIAL CORTOMETRAJE Miembros del Jurado LINA RODRÍGUEZ - LÉA RINALDI - FRANCISCO J. HERNÁNDEZ Mejor Cortometraje: Cucli de Xavier Marrades - Recibe el Premio Cinecolor por USD$4.000 en servicios de postproducción digital para el siguiente proyecto del director. Mención Especial: Cilaos de Camilo Restrepo. NUEVOS CREADORES Miembros del Jurado LUIS FERNANDO BOTTÍA - ELBA MCALLISTER - ERICK GONZÁLEZ Mejor Cortometraje: Menguante de Melisa Zapata Montoya (Universidad de Medellín) - Recibe el premio Shock que consiste en 2 millones en efectivo, MEI Laboratorio Digital entrega un paquete de servicios digitales que incluye la realización del master DCP, copias en DCP, Bluray, DVD, Subtítulos y transferencia on line y un premio de formación académica de la Universidad Autónoma de Bucaramanga "UNAB", con el apoyo de Proimágenes Colombia, que consiste en una beca para el diplomado "Registro de Audio y Diseño Sonoro. Mención Especial: Lulita de Andres Mahecha (Centro de Investigación Cinematográfica) PUERTOLAB Miembros del Jurado ANNOUCHKA DE ANDRADE - SANDRO FLORIN - KATRIEL SCHORY Ganador: Jazmines en Lidice de Rubén Sierra Salles - Recibe 5.000 dólares en efectivo otorgado por Sundance TV, Cinecolor Digital entrega 13 mil dólares en servicios de postproducción y también recibirá el diseño del afiche de la película, a cargo de MOTTIF. Mención Especial: La Fortaleza de Andrés Torres XII Encuentro Internacional de Productores: Primer Puesto: JCeniza Negra - Recibe una beca del Centre National du Cinéma et de l’Image Animée (CNC) de Francia, por 10.000 Euros en efectivo. Segundo Puesto: Un día en el infierno (Marcado con una X) / El día de la bestia - Recibe el Premio Centro Ático - Universidad Javeriana dotado de 45 millones de pesos en servicios de posproducción. Tercer Puesto: El falso profeta y Memento Mori - Reciben el Premio BAM que consiste en una entrada directa a los BAM Projects del Bogotá Audiovisual Market 2017. Taller Documental: Mapas de Ludicrum Films; Ejercicios para la memoria de CostaDocs y Omo Botanicus de Casa Tarántula. Taller de Crítica y Periodismo Cinematográfico: Simón Moreno y Natalia Martínez. * Foto: Laboratorios Blackvelvet.
Vincent Cassel siempre ha disfrutado de las mieles y hieles de hacer películas para la gran industria, como para el cine independiente. Mejor dicho, siempre ha hecho lo que le da la gana. Por eso en su historial podemos encontrar películas como Doberman, Mon Roi, El Cisne Negro y El Odio, con un discurso dramático más elaborado y pinceladas artísticas y experimentales, hasta producciones como Jason Bourne y Ocean's Thirteen, con una narrativa que privilegia más la acción que la búsqueda o reflexión interior. Lo único cierto es que tanto en una tendencia, como en la otra, su capacidad para elegir buenos títulos es innegable. Un hecho factible que lo tiene como una de las grandes figuras del cine mundial y consecuencia de ello esta semana como el invitado especial del Festival de Cine de Cartagena. Aunque no fuimos al homenaje que le organizó el Ficci, sí estuvimos en la charla que pretendía convertirse en master class sobre su cine. Pero un Cassel con carácter se alejó casi que por completo del academicismo y nos dio algunas lecciones de autenticidad. Confesó no apegarse a la técnica, tal cual como lo hizo en el Ficci, Denis Lavant. Al contrario se declaró como un pragmático insatisfecho, que ya casi no ve cine y prefiere disfrutar de los momentos del día a día de forma mucho más simple. Cuando el moderador de la charla intentó con falta de tacto meterlo en los terrenos de lo político preguntándole por el terrorismo en Francia, Cassel fue cortante y aunque soltó un comentario breve, dijo no estar en Cartagena para hablar de esos temas. “Creo que como artista es mejor no expresarse sobre política. La mayoría no hemos hecho estudios, mi punto de vista es el de una persona normal. Pero a veces por ser actor lo que uno dice se vuelve demasiado importante. Trato no decir mucho porque se vuelve en mi contra. Yo habló con mis películas y de la manera en que las escojo puede leerse mi punto de vista con respecto al mundo, lo que puedo transmitirle a todos con estas historias”. Pudo perfectamente pasar como descortés, pero por el contrario solo fue honesto, y quedó claro que no le interesaba impresionar a nadie. Aunque no tuvo un gran discurso, de esos que se pueden sacar cientos de frases célebres, tal vez su mejor aporte fue el bajarle lo sumos a todos aquellos que tienen una visión snob del arte. “Fui muy buen estudiante durante un tiempo, me ponía mucha presión para tratar de sentir que hacía algo muy importante con mi vida. Luego descubrí que no necesitas hacerle creer nada a nadie y mucho menos limitar tus decisiones por los demás. Lo importante siempre será estar listo para lo que pueda pasar”. Sobre sus principios dijo que buscaba desesperadamente algo diferente para su carrera, porque no se reconocía en el cine francés, “Veía más películas italianas y americanas, todas eran violentas, con historias sobre antiheroes que no cabían en el sistema”, afirmó, no sin antes destacar que no creía en los héroes y que le gustaban los papeles de malhechor porque representaban mejor la realidad en la que vivimos. Un punto de vista que lo define no sabemos si como pesimista, pero si con una marcado desencanto por muchos de los paradigmas que tiene el universo en el que se mueve, entre ellos el del cine, “Aprendo más más cuando no voy a cine”, dijo, dejando claro que no era una broma. Posteriormente soltaría una perla que perfectamente pudo desanimar a más de un joven creyente de la profesionalización de la actuación, “Creo que una persona que nunca ha actuado, tal vez puede hacerlo mejor que alguien que lleva 25 años. Esto no tiene que ver con técnica”, afirmó, no sin antes destacar como sus actores favoritos a Viggo Mortensen, Michael Fassbender y Gérard Depardieu, “Los mejores actores son los que no se creen nada, aquellos que van a trabajar al set, terminan y regresan a una vida común y corriente sin ninguna pretensión”, agregó. Como era de esperarse alguien del público le preguntó sobre Irreversible y la escena de la violación. Sobre esto dijo no tener la menor idea, porque mientras se rodaba ese momento cuenta que estaba esquiando en otra parte del mundo. De todas formas sí habló sobre Gaspar Noe, el director de esa película: “Trabajar con Gaspar Noe es un viaje genial y agotador, porque nunca sabes cuando está filmando. Él siempre quiere que todo se vea real, por eso te pone en situaciones que no estás actuando todo el tiempo, baila en el rodaje y hace muchas cosas más. La primera vez que entramos al set de esa película fue para rodar la última escena. Estábamos en la cama con Mónica Bellucci y todo era una improvisación. No había guión. Le pregunté entonces sobre el tiempo de la escena y me contestó que entre 2 y 20 minutos. Le dije: ¿20 minutos? Me dijo que era lo máximo que podía rodar con la cámara”. También habló sobre su rol de padre para referirse al cine de Hollywood. Confesó que con sus hijos ve cintas como Nemo o Rapunzel: “A veces quiero decirles que son una mentiras, que el príncipe no es así, y en la vida las cosas no son tan felices. Esto tiende a hacernos pensar lo mismo. Tal vez debería mostrarles a mis hijos Gaspar Noe con un punto de vista diferente y que cambia un poco la sociedad”. Luego de hablar en francés, español e ingles, y de contestar sobre algunas propuestas de trabajo que le hicieron algunos entusiastas, Vincent Cassel se despidió hablando de su vida en Río de Janeiro, en donde esta radicado y el anuncio de sus próximos títulos en portugués: O Filme da Minha Vida y O Grande Circo Místico. ¡Grande Cassel!
Con una carrera de más de 30 años y con la fortaleza de estar convencido de ser un actor anárquico sin un método específico, que encuentra su poder histriónico en interpretaciones muy físicas, Denis Lavant puede considerarse uno de los mejores actores franceses de la historia. Películas como Holy Motors, junto a Eva Mendes; Los amantes del Pont-Neuf y Mauvais sang, junto a Juliette Binoche, hacen parte de filmografía, en la que directores como Leos Carax han sido fundamentales para su carrera. A pesar de su reconocida trayectoria se declara una persona común y corriente que durante su vida más que preocuparse por construir una carrera ha centrado sus esfuerzos en empezar de nuevo, una y otra vez, cada vez que elige un personaje. El resultado, sendas interpretaciones y un enamoramiento pasional hacia el cine y el teatro. Estuvimos en el master class que el actor francés ofreció en el marco del Festival de Cine de Cartagena y estas fueron sus lecciones viscerales de actuación: (foto: Gettyimages) Mi primer objetivo era poder comprender la palabra "Nunca hice circo, pero siempre me gustaron las artes callejeras, no suficiente para hacer una función, pero sí para hacer teatro callejero. Pero a decir verdad mi primer objetivo era poder comprender la palabra. Fui a la universidad y ahí tampoco aprendí nada, así que me tocó arreglármelas. Si la emoción estaba, ahí salían las palabras. Es como un proceso de honestidad. Luego de comprenderlo empezaron a llegar las oportunidades en teatro. Era un actor muy físico y hasta alguna vez interpreté a un perro que hablaba. Llegó el momento en el que me dieron un papel real y fue en El Idiota de Dostoyevski". "La actuación es una práctica donde siempre nos preguntamos cosas. Esa fue la primera etapa. Quería ser actor de gesto y palabra en el teatro, y la verdad, tengo que confesarlo, nunca lo pensé en el cine. Empecé con papeles pequeños, pero lo importante era el placer de estar ahí. MIi participación en Los Miserables haciendo de criminal era un papel que asustaba a un actor principiante. De repente llegó a mi vida una persona, Leos Carax, para su primera película Boy Meets Girl. Fue un encuentro cualquiera, no fue un amor a primera vista. Me llamó mucha la atención porque era sobre un joven que tiene que ir a la guerra y está por ahí caminando desconsolado por la ciudad. Él me puso frente a este desafío, pero para mí era muy lejano para lo que quería y vivía en ese momento. Fue una escena en especial la que me conmovería del personaje de Alex y era una en la que él camina por un puente en París y ve una pareja besándose en un barco; se queda mirándola de forma indiscreta y le lanza unas monedas como si se tratara de arte callejero. Eso me encantó y me causó mucha curiosidad. Hice casting y todo, con muchos otros actores de mi época. Me escogió luego de mucho tiempo, justo cuando ya no tenía muchas expectativas y tal vez ni quería. Pero estaba equivocado. Entre más películas hacía Leos se volvía más complicado y retaba y me exigía cosas mucho mas rudas". Cultivar un comportamiento anárquico e inconveniente, con la ausencia de una metodología marcada para alcanzar una actuación sensible, honesta y pura "Trabajo mis personajes sin ninguna metodología en particular. Llevo muchos años de experiencia en el teatro y el cine, y para mí es una suerte, porque este ir y venir te nutre como actor. Son cosas que te abren la mente y permiten entender nuestro oficio. Por ejemplo, la unión de cuerpo y mente es lo mejor del teatro. En el cine es a otro precio y hay que tener la suerte de tener una conexión con un gran director. Yo la tuve. La exigencia de Leos Carax de buscar una autenticidad o la verdad en el personaje, me dio esa capacidad de mostrar algo sensible, honesto y puro". "Con Leos pasamos por cosas extremas, porque estaba el miedo del director de que no fuéramos realmente auténticos. Nos mandó a la calle para que entendiéramos la decadencia, por ejemplo. Pasamos los límites y casi que el climax. Incluso en una de las películas con Julieta Binoche tomé somníferos. Ella me los puso de verdad en la botella de vino y tomamos. Me acuerdo estar en el puente a punto de caer. Luego desperté, vi todo lo que hicimos y no me acordaba de nada. La conclusión fue una escena que no era actuada. Entonces me pregunté si era necesario actuar. No había ni siquiera detalles en mi mirada, solo estaba ahí funcionando como un pollo que sigue caminando al azar. Reflexioné mucho sobre el juego y la práctica de vivir las cosas para poderlas representar. Aunque tampoco se puede ser tan radical. En papeles como el de Ricardo III no hay que matar a toda la familia para interpretarlo bien, pero si saber conectar con la crueldad que a veces tenemos". Crear una biblioteca de sensaciones "Como actor llevo mucho tiempo en un proceso de construcción de una biblioteca de sensaciones. Gracias a ello me puedo conectar a una sensación muy lejana y traerla ahora para un papel. Llevo 30 años haciendo cine y teatro, desde perfomances extremos, hasta películas que son aventuras. Estuve hasta en Belgrado con un grupo autónomo que hace cine sin dinero. Lo único que puedo decir que la parte más importante es la partitura. Esas líneas se empiezan a conectar con mi vida a través de los recuerdos que vuelven a mí". Hacer un proceso más humano que artístico para crear vínculos "No siempre tengo ganas de hacer cine a cualquier costo. Lo importante es actuar y estar en contacto con el público. Y sobre todo en el teatro que es efímera. Y siempre todos los días el público es diferente y nosotros también, así el personaje no cambie. Este matrimonio extraño con Leos me atrajo otros cineastas de este estilo. Nunca he tenido ganas de construir una carrera, ese ascenso social. Siempre me gusta empezar de cero. Incluso esa película que hice en Belgrado ni siquiera sé cuando va a salir. Luego sentí mucho miedo, no esta preparado para ir a Serbia y trabajar con gente que no conocía durante tres semanas. Luego pensé por qué fui. Luego me llegó la felicidad pura. Un grupo de gente anárquico que hacía su propio cine. No había ni siquiera guión. El proceso no es ni siquiera artístico, sino humano. Lograr algo y crear un vínculo, eso para mí es lo más importante". Liberar el cuerpo y la magia de proyectarse en un papel "No sé qué sucede en Colombia, pero en Francia hay una distancia con el cuerpo por lo educados que somos y todo eso. Sentir esa libertad es el primer descubrimiento que tuve y desde ahí seguí buscando. No soy gran cosa, todo lo que soy es lo que puedo tener dentro. Pero siempre me doy cuenta que puedo mejorar mi actuación para estar más cerca de la verdad humana. Si lo logras empezará a entender la magia de proyectarse en un papel, de cómo cuando empiezas a actuar te metes tanto en el personajes que dejas de tener miedo y haces cosas hasta física e intelectualmente imposibles para ti, pero que sí le son permitidas a tu personaje. Ese juego te pone en un trance único. Una capa adicional de conciencia que se conecta en el mundo de la ficción que no se tendría en la vida real".
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.
Entre todas las tendencias de redes sociales, por estos días hay una que llama la atención: "Mira entre las letras de tu teclado". La idea es dar algún mensaje dentro de las letras en el rango descrito. Uno d elos ejemplos más frecuentes es el de "mira entre la h y la l en tu teclado" para decir "jk" o "just kidding" (solo bromenado en inglés). De momento, los usuarios señalan letras para las iniciales de nombres de personajes memorables, celebridades o figuras públicas, sin embargo, no ha sido del todo claro para muchos. ¿De dónde viene la tendencia de Mira entre las letras de tu teclado?De acuerdo al sitio Know Your Meme, que rastrea los orígenes de memes y tendencias en Internet, un usuario de la plataforma 4 chan posteó el 11 de mayo del 2021 una imagen con la figura de Yui Hirasawa, protagonista del anime K-On!.Esta imagen solo venía acompañada con un texto que decía “Mira entre la t y la o en tu teclado”. Con eso, se forma Yui, el nombre de un personaje.Sin niguna razón aparente, el post volvió a X (Twitter), en referencia a personajes de My Hero Academia: Izuku (Midoriya) y Uraraka (Ochaco). Entre el 17 y el 19 de abril se ven las primeras publicaciones al respecto.El trend también está Reddit, Twitter y otras plataformas y en distintos idiomas. Sobre K-On!K-On! es una serie de manga que comenzó a serializarse en la revista seinen Manga Time Kirara desde mayo de 2007. Una adaptación a serie de anime de 12 episodios se emitió originalmente entre abril y junio de 2009.La serie narra la historia de 4 jóvenes de colegio que buscan hacer su propia banda. El apellido de Yui está basado en el guitarrista de la banda japonesa de techno-pop P-Model, Susumu Hirasawa.
Para los y las que les gusta leer un libro y después verse la adaptación en película o serie, les tenemos el parche. En Netflix muchas de las producciones más populares han sido inspiradas en libros. Producciones que han llegado a ser número uno, como Secuestro del vuelo 601, nacieron de investigaciones o novelas de grandes autores. De hecho, las adaptaciones de Netflix están impulsando las listas de libros más vendidos y, a mi forma de ver, le han dado vida a historias icónicas como lo veremos este 2024 con Cien años de soledad, la novela más reconocida del autor colombiano Gabriel García Marquez. Así como es cierto que muchas adaptaciones no le son fiel a los libros y decepcionan a sus fanáticos, también es un hecho que Netflix ha logrado reconocimientos muy grandes con estas producciones. Por ejemplo, en los Oscar 2024, La sociedad de la nieve, película basada en el libro que cuenta la historia de los sobrevivientes de los Andes, fue nominada a Mejor Película Extranjera. Amantes de los libros, les digo que se pueden llevar gratas sorpresas con esta ola de adaptaciones que está llegando a la plataforma de Netflix. Acá les dejamos seis opciones que sí o sí tienen que leer y ver. SECUESTRO DEL VUELO 601Esta miniserie colombiana de Netflix ha dado mucho de qué hablar. La historia, protagonizada por Monica Lopera, Angela Cano, Valentín Villafañe y Christian Tappan, está inspirada en el secuestro del avión HK–1274 de la Sociedad Aeronáutica de Medellín en mayo de 1973. En cada episodio se deja claro que, aunque la serie está basada en hechos y personajes reales, por efectos de la dramatizaciones, algunos personajes, incidentes, lugares y diálogos son ficticios. Lo que pocos saben es que la serie se inspiró y basó específicamente en Los Condenados del Aire, el libro del periodista italiano Massimo Di Ricco. En este trabajo, Di Ricco reconstruye el fenómeno de aeropiratas que actuaron en Latinoamérica. La historia del secuestro del vuelo 601 no fue única y tampoco está aislada. Como explica el periodista en su libro, entre 1967 y 1973 hubo alrededor de 90 secuestros de aviones en Latinoamérica y cerca de 30 de ellos ocurrieron en Colombia.LA SOCIEDAD DE LA NIEVEA principios del 2024, la película de Netflix La sociedad de la nieve dejó sin palabras a más de uno. Esta es una excelente producción en la que, durante dos horas y veinticuatro minutos, se retrata la experiencia de los 16 sobrevivientes del equipo de rugby que se extravió en los Andes después de un accidente de avión. Los sucesos reales son crudos y desoladores y la película, sin irse por el lado del morbo usando descripciones demasiado gráficas, es fiel al infierno que tuvieron que pasar los sobrevivientes. Esto, además de lograrse gracias a la producción en sí, fue también gracias a Pablo Vierci (escritor, periodista y guionista uruguayo) el autor del libro homónimo publicado en el 2008. Para serle fiel a los hechos, Vierci viajó con un grupo de sobrevivientes a la montaña y escuchó como cada uno recordaba los setenta y dos días que estuvieron a la deriva en la cordillera. La sociedad de la nieve se empezó a escribir desde 1973 y se publicó muchos años después. Un libro que recoge muy bien, no solo los hechos y las batallas que tuvieron que afrontar los uruguayos, sino los sentimientos de cada uno en el limbo. La película fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Oscar 2024. LA LUZ QUE NO PUEDES VEREsta historia está ambientada en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La luz que no puedes ver narra en paralelo dos experiencias. Por un lado, la de una joven francesa ciega que, junto a su padre, huyeron de París cuando los Nazis invadieron la ciudad. Por el otro, la vida de un joven alemán reclutado por el ejército para rastrear emisiones de radio ilegales y así derrocar a la Resistencia Francesa. La producción se basó en novela homónima, escrita por Anthony Doerr, ganadora de un Premio Pulitzer en el 2015. Un libro muy alabado por los jurados del premio ya que, en sus palabras, "“es una novela imaginativa e intrincada sobre los horrores de la Segunda Guerra Mundial, escrita en capítulos breves y elegantes que exploran la naturaleza humana y el poder contradictorio de la tecnología". La adaptación para Netflix de este libro estuvo en manos de Shawn Levy, director, productor y guionista canadiense detrás de producciones como Stranger Things. ORANGE IS THE NEW BLACK Muy pocos saben que serie que revolucionó al público, entre el 2013 y el 2019, con la historia de Piper Chapman, una joven que debe pagar tiempo en prisión por los delitos de su ex novia, Alex Vause, está inspirada en un libro. La trama, que sigue la vida de todas las reclusas en la prisión de Litchfield, Nueva York, explora la violencia, el arrepentimiento, el amor y la importancia de las relaciones. Aunque Chapman y Vause son las protagonistas de la serie, cada capítulo cuenta la historia de una de las reclusas evidenciando como, muchas veces, una vida dura e injusta lleva a malas decisiones. El libro que inspiró la serie es Orange Is the New Black: Crónica de mi año en una prisión federal de mujeres, una crónica en donde Piper Kerman cuenta su propia experiencia con el narcotráfico, el lavado de dinero y, como consecuencia, su condena en una prisión federal de mujeres. Una crónica fiel de la reclusión: los retos que se deben enfrentar a diario y la transformación que conlleva estar privada de la libertad. LA MUJER EN LA VENTANAAnna Fox es una psicóloga infantil que sufre de agorafobia (un trastorno de ansiedad) por una experiencia traumática. Ese pánico la hace vivir sola, en su apartamento en Nueva York, desde donde le toma fotos a sus vecinos y espía sus vidas. Todo cambia cuando escucha un grito que viene desde la casa de los Russell. Anna presencia un aterrador acto de violencia que la hará preguntarse si lo que vio realmente sucedió. Si son amantes de los libros, este seguro lo vieron en los estantes principales de las librerías. La mujer de la ventana fue la primera novela de A.J. Finn que no tardó mucho en convertirse en un best seller. Se publicó en más de cuarenta idiomas y se adaptó a la pantalla con la actuación de Amy Adams, Julianne Moore y Gary Oldman. THE SINNEREsta es una de las mejores series que he visto en Netflix y es muy poco conocida. Cada temporada es un caso de misterio bien bizarro que el detective Harry Ambrose debe resolver. Cada historia es un cuestionamiento que, aunque se exagera por función a la dramatización, nos lleva a pensar en los humanos, las sociedades, las culturas y, sobre todo, los extremos a los que hemos llegado. Petra Hammesfahr escribió la novela homónima de thriller psicológico, que se convirtió en un bestseller internacional, en la que se basó la serie. En una tarde de verano, Cora Bender mata a puñaladas a un completo desconocido en la playa. ¿Por qué lo hizo? Aunque la joven se declara culpable, el policía Harry Ambrose sabe que hay algo detrás de este crimen sin motivo aparente. Por eso, se niega a cerrar la investigación hasta entender por qué Cora mató a alguien enfrente a su familia. Una historia que termina revelando la psique de Cora y su traumático pasado. ***Les recomendamos: Las 30 mejores series para ver en Netflix en 2024
La creadora de contenido mexicana Wendy Guevara compartió escenario con Madonna durante el show en México de la reina del pop.Guevara fue la invitada principal en la pasarela de Madonna donde interpretó su emblemática Vogue, uno de los hits más importantes de Madonna. ¿Quién es Wendy Guevara?Wendy Guevara es la ganadora de La casa de los famosos México. Es la primera mujer trans en ganar este reality, y de hecho, cualquier reality mexicano en televisión abierta.Desde los primeros episodios, Wendy cautivó al público con su carisma y espontaneidad. Fue una de las participantes favoritas a lo largo del programa, que otorga un premio de cuatro millones de pesos mexicanos, cerca de 235.000 dólaresSu triunfo ha sido celebrado como un hito para la representación trans mexicana y latinoamericana.Wendy Guevara es una creadora de contenido mexicana. Se dio a conocer por un video que llegó a las redes sociales en 2017, cuando ella y su amiga Paola Suárez piden ayuda tras ser “abandonadas” en un cerro en León, Guanajuato. De ahí surgió un audio que decía “estamos perdidas, perdidas, perdidas”, y se hizo viral.Más tarde, se unió a ellas Kimberly Irene, y juntas formaron un grupo conocido como “Las Perdidas”.También se hizo conocida por un meme que ganó fuerza en 2022. La foto nació por un video que ella misma publicó en su canal de YouTube, donde está hablando a la cámara mientras su amiga toma un baño. Su gesto de desagrado se conviritó en uno de los memes más populares de 2022.Nació en agosto de 1993, y desde chiquita, una de las novelas que más le gustaban era Amigas y Rivales, fue el personaje que interpretaba Angélica Vale, el cual se llamaba Wendy Nayeli.“Yo crecí con todos esos programas, con las novelas de Amigas y rivales y todo eso. Es bien linda la Michelle Vieth. Yo me sentía Michelle Vieth en la novela, yo decía que yo era ella, y yo estaba chiquilla”, comenzó. “Pero me pusieron ‘Wendy Nayeli’ por el personaje de Angélica Vale que hacía de sirvienta. Yo le barría a una amiga su estética, y se me quedó Wendy Nayeli, por la culpa de Angélica Vale, te lo juro. Todos me decían ‘Wendy’”.En un episodio de La casa de los famosos, Wendy también narró que fue víctima de abuso sexual cuando era menor de edad."Cuando me violaron sí fue distinto, fue un muchacho ya mayor de edad wey (...) Cuando me llevó la policía fue lo peor, yo temblaba del miedo". También contó que fue revictimizada durante la revisión médica.¿Por qué Vogue fue tan importante para el pop? Esta canción llevó al “mainstream” el vogueing, un estilo de baile que se originó en los salones de baile (“ball rooms”) en Nueva York que nacieron desde los 60. En estos espacios alternativos, afros y latinos podían expresar libremente su orientación sexual o identidad de género, sin temor a ser discriminados o estigmatizados.El vogueing consiste en imitar los movimientos de las modelos posando como en la revista Vogue. Junto al documental Paris is Burning, Vogue de Madonna visibilizaron una de las manifestaciones culturales más representativas del movimiento LGBTI, que aquel momento luchaba por un anhelado y necesario reconocimiento en la sociedad.Además de Vogue, sus declaraciones a favor de la lucha contra el SIDA, cuando nadie más lo estaba haciendo, hicieron de Madonna un icono gay, y así se mantiene hoy. Pero Madonna no se limitó a copiar los pasos del vogueing ni mucho menos a apropíarselo. Para las coreografías de la gira, la reina del pop recurrió a Luis Camacho y José Gutierrez (conocidos como José y Luis Xtravaganza), 2 figuras prominentes de la escena “ball room”.