A destapar los recuerdos de sus paseos familiares, de sus primos montadores, de las peleas por el turno para jugar videojuegos. Franco Lolli revive estos momentos de la infancia en una de las promesas del cine colombiano con Gente de bien. Por Juan Pablo Castiblanco Ricaurte // @KidCasti El encuentro entre el universo de la clase media baja con el refinado gomelo bogotano es el eje de Gente de bien del director colombiano Franco Lolli. Aunque no ganó en la Competencia Oficial de Cine Colombiano del FICCI que concluyó este martes, es nuestra apuesta cinematográfica nacional del 2015 por ser una película fresca, divertida y emotiva. Lolli ha mostrado su película por más de 50 festivales durante el último año, incluyendo Cannes, San Sebastián y Chicago, pero eso no quiere decir que sea un filme mamerto, lento y soporífero, sino uno alegre que recuerda entrañables imágenes de infancia como los paseos a piscina en tierra caliente, la montadera entre niños, las tías que rezan de memoria los gozos de la novena y los partidos de fútbol que se juegan en la calle. Lolli, que ya venía haciendo ruido y generando buenos comentarios por sus cortometrajes Como todo el mundo (2007) y Rodri (2012), lleva haciendo Gente de bien desde hace más de cinco años y en mayo su película por fin llegará a salas comerciales. Irónicamente, hace poco aterrizó desde Hollywood otra película que justamente se llamó Gente de bien y que, además, tenía su propio Franco, James Franco. Pero nada que hacer: ni siquiera la aplanadora publicidad y mercadeo cinematográfico gringo tapan los méritos de esta producción que se convierte en uno de los mejores estrenos cinematográficos de este año. Anótela en su lista de pendientes. Hablamos con Lolli.
Luego de siete días de películas, conferencias, encuentros entre productores y programadores, y gente tratándose de colar en las fiestas de cada final de jornada, este martes culminó el FICCI 55 con la entrega de las estatuillas doradas de la India Catalina a las mejores películas en seis categorías: Ficción, Cine Colombiano, Documental, Gemas, Cortometrajes y Nuevos Creadores. Aunque no ganó el premio principal de la competencia colombiana, el documental “Carta a una sombra” de Daniela Abad y Miguel Salazar, inspirado en el libro “El olvido que seremos” de Héctor Abad Faciolince, fue uno de los más premiados al recibir los premios del público y una mención especial del jurado. “El silencio del río” de Carlos Tribiño fue escogida como la mejor película nacional y el barranquillero Roberto Flores fue reconocido como el Mejor director por “Ruido Rosa”. Shock estuvo presente en la premiación al patrocinar la categoría Nuevos Creadores donde compitieron óperas primas de estudiantes universitarios. El cortometraje ganador fue “En busca del aire” de Mauricio Rojas Maldonado (Leer Diez lecciones de cine con los nuevos creadores del país) de la Universidad de Antioquia, al que le entregamos una estatuilla diseñada por el estudio creativo audiovisual Bualá y una cámara GoPro HERO4 de la Revista Shock. Si usted no estuvo en Cartagena, aproveche la ñapita que dará el festival con su FICCI Itinerante, programa que llevará 9 de las 170 películas seleccionadas a Bogotá, Medellín, Cali y Bucaramanga. Del 20 al 22 de marzo en los multiplex Cine Colombia de Avenida Chile en Bogotá, Chipichape en Cali, Santa Fe de Medellín y Cacique de Bucaramanga, se podrán ver filmes latinoamericanos como “Dólares de arena” (República Dominicana, México), “Jauja” (Argentina), “La Once” (Chile), “Eco de la montaña” (México), “Carancho” (Argentina) o “NN” (Colombia), o europeos como “Caballo Dinero” (Portugal), “La tribu” (Ucrania, Holanda) o “Delitos flagrantes” (Francia).Estos fueron los ganadores:COMPETENCIA OFICIAL FICCIÓN• Mejor Película: IXCANUL de Jayro Bustamante (Guatemala) Premio Especial del Jurado: • BRANCO SAI, PRETO FICA de Adirley Queirós (Brasil)• Mejor Director: Hector Galvez por NN (Perú, Colombia, Alemania, Francia)PREMIO DE LA CRÍTICA INTERNACIONAL – FIPRESCI• Mejor Película: BRANCO SAI, PRETO FICA de Adirley Queirós (Brasil).COMPETENCIA OFICIAL CINE COLOMBIANO• Mejor Película: EL SILENCIO DEL RIO de Carlos Tribiño .• Premio Especial del Jurado: CARTA A UNA SOMBRA de Daniela Abad y Miguel Salazar(Colombia).• Mejor Director: Roberto Flores Prieto por RUIDO ROSA .• Premio del Público: CARTA A UNA SOMBRA de Daniela Abad y Miguel Salazar.COMPETENCIA OFICIAL DOCUMENTAL• Mejor Película: LA ONCE de Maite Alberdi (Chile, EE.UU.) Premio Especial del Jurado: • TU Y YO de Natalia Cabral y Oriol Estrada (República Dominicana).GEMAS• Mejor Película: HERMOSA JUVENTUD de Jaime Rosales (España, Francia). •Premio Especial del Jurado: EL HOMBRE DE LAS MULTITUDES de Marcelo Gomes y Cao Guimaraes (Brasil).• Mención del Jurado: TIMBUKTÚ de Abderrahmane Sissako (Mauritania, Francia).COMPETENCIA OFICIAL CORTOMETRAJE • Mejor Cortometraje: SE VENDEN CONEJOS de Esteban Giraldo (Colombia) .• Mención Especial: COMPLETO de Iván Gaona (Colombia).NUEVOS CREADORESMejor Cortometraje: • EN BUSCA DEL AIRE de Mauricio Rojas Maldonado (Universidad de Antioquia). • Mención Especial: LA RUTA DE JULITA de Omar Eduardo Ospina (Universidad del Magdalena).• Mención Especial: ESTEPARIO de Ángela Duque (Universidad de la Sabana).
Por: Juan Pablo Castiblanco Ricaurte // @KidCastiAntes del 2003, año en el que apareció la Ley de Cine, en Colombia se estrenaban entre 3 y 4 películas nacionales por año. Pero después de esa fecha comenzaron a aparecer películas hasta en la caja del cereal. En el 2014 se estrenaron 28 títulos colombianos y para el 2015 hay más de 50 listos para llegar a las salas comerciales. Pero esos numeritos alegres de producción son inversamente proporcionales a los de las taquillas, logrando que en algunos casos, vaya más gente a ver un partido entre La Equidad y Patriotas o al primer concierto del día en Estéreo Picnic, que a un estreno cinematográfico local. ¿Qué pasa? ¿Dónde está la falla? El público le echa la culpa a los directores. Los directores le echan la culpa al público y a los dueños de las salas, y los dueños de las salas le echan la culpa a los directores, al público y a la competencia internacional. Para comenzar a desbaratar este lío de songo-le-dio-a-borondongo, le preguntamos a algunos de los directores participantes en la Competencia Oficial de Cine Colombiano del FICCI, por qué la gente no estaba yendo a ver las películas de acá. Esto fue lo que dijeron. Round 1.Roberto Flores – director Ruido Rosa"Es una gran pregunta y como las cosas complejas no tiene una sola respuesta. Nos falta mucho en eso sentido pero hemos llegado a un nivel en el cine nacional muy interesante, tal vez el mejor de la no tan prolífica historia colombiana. Nuestro cine es mucho más variado de lo que los espectadores acreditan y saben, que creen que es muy monotemático, pero si te pones a ver los estrenos de los últimos cuatro o cinco años, te das cuenta que hay de todo. Hay un estigma muy fuerte, y la gente habla de cine colombiano pero si les preguntas cuántas han visto, la última que vieron fue hace ocho años. Está claro que si directores y productores no hacemos un acto de contrición y no intentamos maneras de dialogar mejor, estamos en un horror porque parte de la solución está en nosotros, pero es evidente que distribuidores y exhibidores tienen un alto porcentaje de culpa.Por otro lado tenemos una costumbres de consumo globales que no tienen que ver con Colombia. Hay una pandemia cultural. El cine mainstream es altamente infantil así sea para adultos. Hasta hace relativamente poco para los grandes estudios norteamericanos el territorio estadounidense significaba alrededor del 70% del mercado y ellos no miraban al resto del mundo. Pero hoy por hoy el resto de los territorios les representan más del 50% de los ingresos, por lo tanto han creado un producto genérico, como un ibuprofeno, que puede gustar en cualquier parte. La gente está yendo a cine buscando una experiencia más similar a ir a Epcot Center o Disneyworld que ir a ver una película, buscando que la silla vibre, que salga agua, que eche agua, que suene durísimo, y cuando no encuentran ese tipo de experiencias se sienten hasta desilusionados, que les han robado la plata. Por eso si los invitas a ver un drama convencional, sin mayor pirotecnia, es un pecado. Ahora el peor pecado que puede cometer un ser humano es aburrirse; la gente le teme a no divertirse, en las redes sociales la gente vende la idea de que su vida es la más divertida del planeta.Los distribuidores y exhibidores colombianos tienen un negocio muy redondo y sencillo, pues con las producciones internacionales reciben dummys y afiches de las películas, los estudios son dueños a su vez de los canales de cable entonces hay una promoción global impresionante, así que acá solo se sientan en la caja registradora a esperar que entre el dinero. Por otro lado los distribuidores internacionales obligan a que si acá quieren el blockbuster del momento tienen que poner también dos o tres producciones que en Estados Unidos no funcionaron porque son malísimas, y así se copan también espacios en los multiplex colombianos. Así que cuando llegas con tu película colombiana, que casi no tiene presupuesto de promoción, que no tiene a Brad Pitt, requiere un esfuerzo y un ejercicio que da pereza si por otro lado estás ganando dinero de manera más sencilla."Juan Felipe Cano – director La semilla del silencio"En teoría ya hay una pereza sobre el cine colombiano. Nuestro público ha cambiado. Ahora tiene más herramientas y conocimientos porque la información está más a la mano. Se nos ha olvidado eso en la industria. Nuestro público ha dejado de ir porque cree que nuestras películas no tienen el nivel de calidad de lo que ven que el universo les está ofreciendo. Pero hay una parte que va porque está conectada con la sensibilidad del cine nacional que es específica, que ve cosas con la filigrana artística que tienen las películas europeas y latinas. En este país ahora hay dos líneas: un cine radicalmente comercial, que es el que más taquilla está haciendo últimamente, o tienes un cine radicalmente de autor, pero en el medio hay muy pocas cosas. Supuestamente nadie está yendo a ver películas nacionales porque no les interesa, ¿pero dónde está la gente que fue a ver Gravedad o El lobo de Wall Street, que hizo números en las taquillas nacionales, y no está ni en lo absolutamente comercial ni en lo absolutamente de autor? ¿Dónde está la gente que ve canales de cable que no son solamente E Entertainment, sino HBO o History Channel? Hay que ir por esos espectadores. Hay que convocarlos a las salas otra vez."Franco Lolli – director Gente de bien"Mis amigos que son gente culta, educada o cinéfila, nunca se enteraron de la existencia de Tierra en la lengua, Mateo o Los hongos. Esa es una primera razón, que no están en todas partes, no hay marketing, no hay publicidad, no hay plata. Las películas colombianas no están puestas en valor desde la institución periodística, que no se interesa lo suficiente en ellas porque no hay actualidad ni un actor periodístico, ni desde las salas de cine. Ahí hay un problema político y global. El cine gringo tiene una participación del mercado colombiano que es una barbaridad, y lo que queda toca dividírselo entre Colombia, Francia, Argentina, México, Brasil, Corea, dentro de lo que hay películas más potentes, pero no en términos de plata y mercado. Entonces en Colombia funciona Dago y Trompetero porque son novelas largas con las que la gente se identifica, acostumbrados a esa forma de representación que la televisión vende desde hace años y años. Cuando uno saca una forma de representación diferente, la gente se desestabiliza. Hay que educar a las personas con que eso también es una representación de ellos, pero la televisión los tiene muy maleducados."
El hombre detrás de Pi, Requiem por un sueño o El cisne negro habló en el FICCI 55 sobre el arte de contar historias. Por Juan Pablo Castiblanco // @Kidcasti Decían por ahí que Darren Aronofsky había llegado a Cartagena con ganas de pasar desapercibido, sin deseos de dar entrevistas y que el conversatorio que dio ayer previo a la proyección de su película El luchador durante el FICCI había sido un milagro. Pero esta imagen previa de un ser hosco y apático se derrumbó en una charla de poco más de una hora que se salió del protocolo, donde hasta la eterna Amparito Grisales y el humorista Alerta, presentes en el público, aprovecharon para meter la cucharada y hacer sus propias preguntas. Aronofsky, el hombre que conquistó al universo cinematográfico desde la independencia con películas perturbadoras como Pi: el orden del caos o Requiem por un sueño, y que hoy en día también ha logrado moverse dentro de Hollywood con producciones grandilocuentes como La fuente de la vida o Noé, compartió experiencias y lecciones de cine que ha aprendido a lo largo de su carrera. Evolucionar como creador “Probablemente en esta sala haya mucha gente que me odia por haber hecho una película como Noé, no hayan entendido lo que quise hacer y piensen que soy un vendido a Hollywood. Pero esa fue la película que quería hacer y cómo la quería hacer. Tienes que seguir cambiando, evolucionando y mantenerte fiel a lo que quieres. Mi mentor me decía que nunca viera las películas que hacía cuando estaban finalizadas porque era una forma de masturbación. Es verdad. Así que nunca las veo, pero cuando rehicieron Requiem por un sueño para lanzarla en Blu-ray, mi equipo escaneó toda la cinta del negativo original, la editaron y me pidieron que la viera para asegurarse que no habían hecho algo errado. Cuando la vi podía recordar todos los momentos del rodaje, pero no podía reconocerme como cineasta. Hoy no podría hacer esa película. Si alguna vez tratas de volver al pasado, es el error más grande. Mi gran héroe es Madonna porque siempre se está reinventando, pero lo que tratan de hacer personas como ella o Björk es que siempre están empujándose a hacer algo completamente nuevo con su estilo y su música. Ese es el objetivo. Tratar de encontrar nuevos retos." Personajes obsesionados con la obsesión "El viaje del héroe, lo que constituye la base de la narrativa alrededor del mundo, siempre tiene un personaje con una lucha, donde todo está en contra y él debe superarlo. Es la base de las historias, es algo inherente al acto de contar cuentos desde la época de las cavernas. Si mis personajes están obsesionados, es lo que los hace interesantes. Incluso eso es lo que ves en las películas de superhéroes: Wolverine está obsesionado con no poder morir y Hulk con no poder entrar en ira. Eso se convierte en un instrumento para una buena narrativa. Para mí las mejores películas son las que tratas de entender todo lo que el personaje siente, y a la vez te transformas y lo relacionas con lo que pasa en tu vida. Pero yo ya no veo películas de superhéroes porque siento que han caído en una fórmula. Me emociona cuando veo que alguien está tratando de reinventarlas." Nuevos formatos "Ahora se hace una gran televisión donde puedes ver grandes historias y personajes. Ir a cine está cambiando y estamos en unos tiempos muy extraños. Ahora soy profesor de la Universidad de Nueva York y les pregunto mucho a mis estudiantes por qué quieren ser cineastas, si casi que se trata de un arte del siglo XX, y si el gran medio de nuestro tiempo son los videojuegos. No entiendo por qué los estudiantes quieren encerrarse en un marco de 90 minutos a dos horas. Es buen formato pero hay muchas otras buenas maneras de contar historias. Hay duraciones como la de Breaking Bad que es de 75 horas o la de los videos de Vine que duran 5 segundos, donde ambas funcionan y son entretenidas a su manera. Lo que le digo a mis estudiantes es que yo no quiero ser un director, no quiero ser un productor, sino un narrador, porque ahí está el corazón del arte, en contar historias sin importar el medio." El significado de la independencia "Alguna vez le oí a Tom McCarthy la mejor definición sobre ser independiente, y él decía que era cuando el creativo era independiente del dinero. Y la verdad es que el creativo nunca es independiente del dinero, ya sean 60.000 dólares de tus amigos o millones de dólares de una multinacional. Siempre habrá limitantes de dinero, poder y control creativo. Lo que dice Tom es cierto pero creo que todo director que hace películas dentro del sistema puede ser independiente desde que haga la película que quiere. No importa de dónde venga el dinero, todo dinero es sucio. Solo tienes que ver cómo convertirlo en el mejor producto posible. Cuando estás en el set a punto de gritar 'acción', todo el mundo está concentrado en ese instante que está pasando al frente: es igual para una pequeña producción de principiantes que para los directores más grandes. El arte es el mismo. Mi trabajo en el set nunca ha cambiado. A veces surgen diferentes responsabilidades porque se quieren llegar a otros públicos. Cuando hay mucho dinero estoy en problemas porque la idea es darle al público lo que yo creo que es entretenido y que la gente quiere ver, pero surge presión cuando eso no conecta con la lógica popular. Ahí es donde he tenido problemas con el sistema. Noé o La fuente de la vida hacen parte de mi visión tanto como Pi, Requiem por un sueño o El luchador, la más barata de mis películas. No he tenido que estar en una situación en la que la película me sea arrebatada y termine en algo en lo que no creo. Las batallas que he tenido que librar para llegar a ese punto son duras y no se las recomiendo a nadie, pero al final he logrado hacer lo que quiero desde el comienzo. Siempre habrá limitaciones, situaciones donde tienes que tomar la mejor decisión, no la correcta, sino la mejor. Por ejemplo, cuando hicimos El luchador era claro que Mickey Rourke era un actor muy libre al que le gusta moverse, ahí estaba su fortaleza y así se sentía mejor. Así se decidió que íbamos a utilizar cámara en mano. No podía intentar que Mickey se quedara quieto en un sitio, y eso era una limitante porque cambiaba las escenas como las había planeado. Había que improvisar. Los músicos de jazz son buenos improvisando porque han practicado y se saben muy bien la melodía y a la hora de hacer un solo pueden crear algo." La música de Clint Mansell y la fotografía "Conocí a Clint Mansell, un hombre que nunca había escrito una banda sonora antes, pero lo encontré en el momento justo. Siempre he visto el trabajo con un compositor igual de importante como el que se hace con un director de fotografía o un editor. Trabajo con ellos desde el comienzo, revisando la historia, desglosando las escenas y tratando de entender de qué tratan y dónde serviría tener música. Todo se trata de comunicación. Lo más importante, y con cualquier colaborador, es encontrar narradores. En el caso de director de fotografía, no solo se trata de iluminar, sino cómo iluminar y dónde poner la cámara para contar mejor una historia. Si de verdad la entienden, sabrán que solo hay una parte donde se puede poner la cámara." Trabajar con actores como Mickey Rourke o Hugh Jackman "Me encanta trabajar con actores naturales, pero me gusta también poner a los actores en situaciones reales a ver qué pasa. En El luchador pusimos a Mickey Rourke a atender una carnicería de verdad y cortando carne para clientes reales. Me parece muy interesante poner actores en situaciones reales. En Estados Unidos hay muchos jóvenes hermosos que quieren ser actores pero no tienen respeto por la profesión. Cuando tienes una cámara al frente es muy difícil ser consciente de eso pero desaparecer las restricciones de las limitantes técnicas y ser auténtico. Un hombre como Hugh Jackman lograba repetir muchas veces un movimiento para ponerse debajo de una luz que le alumbraba perfectamente un ojo, y a la vez podía llorar en el papel, y eso me parece un arte increíble. Todos los actores son únicos, y necesitas respetar sus procesos. Tratar de ajustarlos a tu proceso no funciona. Se pueden compartir técnicas pero es mejor tratar cómo les gusta trabajar mientras no sea destructivo para el proceso. Algunos actores pueden adquirir malos hábitos, pero lo que necesitas es que se sientan cómodos, porque el éxito está en que haya confianza y respeto mutuo." Contar historias únicas "Hay muchas maneras de contar historias, es una época emocionante. Debes tratar de contar una historia que solo tú podrías contar. No sé cuál sea, pero no cuentes algo que alguien más pueda contar. Puedes tener suerte y ser una de esas personas con las que muchas personas se conectan. Pero debes ir a lo básico, a lo que crees que es interesante, a lo que sientes que es cool. Luego debes pensar sobre eso, escribir, reescribir, unirte con gente y ya verás en qué se convierte. Puede que termine en una película de 90 minutos o en algo más interesante. Lo bueno del formato de 90 minutos es que aún tiene un formato de exhibición y distribución. Hace poco fui jurado de la Berlinale y vi una película de Irán, donde hay restricciones para hacer cine, y era de una persona que no podía salir del país, que estaba en arresto domiciliario, e hizo una película muy pequeña e íntima sobre manejar un taxi y todas las personas que se montaban, y era increíblemente emotiva y humana. Esa es la magia del cine, que se puede conectar con cualquier persona en cualquier parte del mundo." El gusto por el grafiti "Nunca fui muy bueno haciendo grafitis, pero crecí en Brooklyn en los 80 cuando el hip hop estaba arrancando, así que el grafiti era una gran parte de mi cultura de crecimiento. El hecho de que lo que arrancó en el sur del Bronx y en ese Brooklyn ahora haga parte del mundo es algo maravilloso, así que a donde quiera que viaje trato de buscar, ver y rastrear la mayor cantidad de grafitis posibles. De hecho de Suramérica han surgido una gran cantidad de artistas increíbles. Aún no conozco la escena colombiana así que si alguien quiere darme un tour por ahí sería increíble. También voy a ir a Bogotá después y tengo entendido que allá hay una gran escena."
¿Ficci? ¿Qué Es Eso? Por: Juan Pablo Castiblanco Ricaurte // @KidCastiEste jueves comienza la edición 55 del Festival de Cine de Cartagena de Indias, FICCI. Mientras los groupies musicales centran su atención en el Festival Estéreo Picnic, los geeks cinematográficos le prestan su atención al evento de cine más importante del país.Anoche, en uno de los teatros más elegantes de Cartagena, cuyo nombre pasó de homenajear al conquistador español Pedro de Heredia para honrar al compositor cartagenero Adolfo Mejía, se proyectó “Alias María” (de qué se trata), de José María ‘Chepe’ Rugeles, el mismo director que hace cinco años deleitó al público nacional con “García”.Con presidente Santos a bordo y dando discurso previo, la película puso el dedo en la llaga al mostrar la situación de los menores de edad que son reclutados por la guerrilla, contando la historia de una combatiente de trece años, María, que debe esconder al bebé de otra miliciana en la casa de una población. Antes de la proyección “Juanma” dijo que ese tipo de películas eran necesarias y reales. ¿Seguiría pensando lo mismo al final?Aparte del baño de popularidad de nuestro presidente, estos serán otros grandes momentos que se vendrán durante el FICCI 55.Cine colombiano, capítulo 2015Lo de anoche fue un preámbulo de seis días en los que principalmente se verá qué se trae el cine colombiano este año. ¿Seguirá hablando de guerrilla, violencia y narcotráfico? ¿Seguirá llenándose de pequeñas producciones contagiadas del sello artístico que gusta en festivales pero poco atrae a los grandes públicos a las salas? ¿Habrá espacio para la comedia, terror o acción? De antemano se destacan los regresos de dos grandes nombres del cine colombiano de los noventa: Sergio Cabrera, director de la épica “La estrategia del caracol” y “Golpe de Estadio”, y Felipe Aljure, realizador de la delirante “La gente de la universal”. A su lado habrá otros jóvenes nombres que están lanzando su primera, segunda o tercera película, demostrando que el festival sirve como plataforma para que nuevos creadores muestren su material. Doce películas competirán en la categoría de la Competencia Oficial Cine Colombiano, y otro par de títulos estarán presentes en la Competencia Oficial Documental y las Galas.Más que cineEl FICCI se adueña de toda la ciudad. Por todo lado se ve gente caminando con programa de mano, bolsa del festival y algunos con escarapela al cuello. Por eso mismo el festival ha buscado mostrar cómo el cine también se mete en otros terrenos como la música, la danza, la literatura y la fotografía. Uno de los actos más llamativos será el cine-concierto de “Garras de oro”, en el que se exhibirá la película de 1926, censurada en su momento, con una reinterpretación musical en vivo a cargo de Juan Pablo Carreño y Luis Nieto junto a otros trece músicos en escena. Este montaje no solo se verá en Cartagena, sino que tendrá funciones en Barranquilla (marzo 13) y Bogotá (marzo 15).Las joyas de la cartelera del futuroEl año pasado películas como “Ida” (Oscar a Mejor película extranjera 2015) o “La gran belleza” (Oscar a Mejor película extranjera 2014), estuvieron en la programación de la sección Gemas. Es decir que esta semana se podrán ver en Cartagena trece de las películas internacionales más importantes de la última temporada y que en su mayoría llegarán a la cartelera nacional. Dentro de las más importantes están la más reciente película del clásico director francés Jean Luc Godard; uno de los títulos de terror más comentados del 2014, “A girl walks home alone at night”; y las nominadas al Oscar “La sal de la tierra” y “Timbuktu” (ver las 13 gemas del festival).Acá están los durosSi el año pasado el gran invitado fue el nuevo niño mimado de Hollywood, Alejandro González Iñárritu, este año el huésped de lujo del FICCI será Darren Arronofsky, el autor de perturbadoras historias como “Requiem por un sueño”, “Pi” o “Black Swan”. Arronofsky tendrá un conversatorio este jueves a las 6 de la tarde que se podrá ver por streaming en la página del festival, como antesala de la proyección de su filme “El luchador”. A su lado, habrá otros directores a los que se les rendirá tributo como el onírico surcoreano Kim Ki-Duk, el argentino Pablo Trapero, el francés Raymond Depardon o el director de fotografía Michael Fitzgerald.
Directora: Paloma Valencia LondoñoUniversidad de Medellín¿Por qué hacer cine? Hacer cine es una pasión, algo que está dentro de uno y que siempre está buscando salir. Una forma de contar la realidad que nos circunda, lo que nos asusta, lo que no entendemos, lo que nos conmueve y emociona. Es catarsis. ¿Cuál fue la gran lección que aprendieron luego de haber terminado su cortometraje? Fueron muchos aprendizajes grandes, pero uno que podría resaltar fue en el proceso de escritura del guión, al que le dedicamos mucho tiempo, sobre todo en la construcción de personajes. Fue reescribir y reescribir, analizar las escenas e identificar qué aportaban a la construcción de nuestros personajes, a ese viaje en el cual se embarcan y terminan transformados. ¿Cuál fue la gran embarrada que cometieron haciendo este corto? El rodaje se realizó en Mayo del 2014. Viajamos 3 días a un pueblito en el Tolima llamado Mariquita. Luego llegamos a Medellín a empezar con la post. Ya nos habían advertido hacer varios back ups y tenerlos siempre en lugares diferentes. El día de pietaje tenía los dos discos duros del back-up conmigo y mi computador, en el cual estábamos editando. Salí de editar tarde y empaqué en el carro todas las cosas. Antes de llegar a mi casa pare en un mall donde tenía un compromiso y dejé todo en el carro. Unos hombres venían siguiéndome en otro carro, esperaron a que me fuera, rompieron la ventana de mi carro, sacaron mi computador y los dos discos duros. Todo el material que habíamos rodado solo se encontraba allí. Luego de unos días de mucha tristeza y angustia decidimos volverlo a rodar. ¿Cuál es la comida de la que quedaron hastiados durante el rodaje?De ninguna, la verdad comimos muy variado. ¿Qué fue lo más complicado de hacer su proyecto?Como es un viaje en carretera, las escenas rodadas dentro del carro fueron bastantes complicadas para el departamento de dirección de fotografía. También la escena final: la locación que escogimos para esa escena era muy complicada, teníamos que subir por unas rocas muy grandes y resbaladizas con todos los equipos. Fue una escena que nos llevó bastante tiempo en rodar. Ambas eran en ambientes poco controlados y eso lo hizo difícil, pero es muy gratificante cumplir con los retos que se proponen.¿Cannes o los Oscar? Los dos. Su primer recuerdo relacionado al cine. Mi papá me regalo una cámara de video cuando tenía 9 años más o menos, y recuerdo que me reunía con mis primos los sábados en mi casa a hacer películas. Ellos eran los actores y yo los grababa. Su película colombiana preferida. "Retratos en un mar de mentiras" y "El vuelco del cangrejo". Un director de culto. Martin Scorsese y Alejandro González Iñarritu.
Directora: Angélica María Meza AwadUniversidad Autónoma de Bucaramanga¿Por qué hacer cine?Porque de alguna forma hay que contarle a los demás como vemos el mundo. ¿Cuál fue la gran lección que aprendieron luego de haber terminado su cortometraje?Que una historia no termina de definirse ni al terminar de escribir el guion, ni en el montaje, ni al exportar el máster… sino hasta que se hace la muestra final. ¿Cuál fue la gran embarrada que cometieron haciendo este corto?Respecto al rodaje, nunca habíamos trabajando como equipo, y fue difícil manejar los niveles de estrés. Esto dificultó un poco la selección de prioridades, pero afortunadamente pudimos calmarnos, y darle buen término al proceso. ¿Cuál es la comida de la que quedaron hastiados durante el rodaje?Arroz en todas y cada una de sus expresiones. ¿Qué fue lo más complicado de hacer su proyecto?Como directora y guionista, descubrir qué es lo que quería contar realmente. Quería decir muchas cosas, dar a conocer muchos puntos de vista y darles la misma importancia, pero tenía que priorizar. ¿Cuál es la película de otro director (nacional o internacional) que les hubiera gustado dirigir?Svyato – Victor Kossakovsky ¿Cannes o los Oscar?Cannes.Su primer recuerdo relacionado al cine.Cuando tenía 4 años me regalaron un flipbook de Alpina. Es el primer recuerdo de cine que tengo.Su película colombiana preferida.“La Estrategia del Caracol” de Sergio Cabrera.Un director de culto.Chris Marker
Director: David HerreraRoyal Holloway University of London¿Por qué hacer cine? El cine tiene la capacidad de replantear nuestra visión del mundo y sobrepasar nuestros límites morales. Cuando haces una película tienes la oportunidad de sensibilizar a tu audiencia con realidades muy distintas a las suyas, y por lo tanto, tu historia, tus planos y tus personajes se convierten en un medio que conecta, solidariza y transforma. Adaptando la frase de Kafka, “una película es el hacha que rompe el mar helado dentro de nosotros”. ¿Cuál fue la gran lección que aprendieron luego de haber terminado su cortometraje?La importancia de cuidar los detalles, desde la escritura del guion hasta la distribución. De esto depende la clave del éxito o fracaso de cualquier película, bien sea corta o larga. ¿Cuál fue la gran embarrada que cometieron haciendo este corto?Nuestros vecinos no sabían que estábamos grabando, se nos pasó por alto informarles. Con las escenas iniciales no tuvimos ningún problema, pero una vez la carga dramática se intensificó, un perro comenzó a ladrar y llamó la atención de los vecinos que llegaron a la locación en menos de un minuto. Estaban preocupadísimos porque creían que los ruidos eran reales. Nos tocó explicarles que todo hacía parte de una actuación. Por fortuna el asunto no pasó a mayores, ¡aunque en un momento pensamos que iban a llamar a la policía! ¿Cuál es la comida de la que quedaron hastiados durante el rodaje?Nuestro asistente de producción amaba la comida china (era chino!) y nos preparó varios arroces de su región, aunque como dicen por ahí: mucho arroz para tan poco pollo!!!... mentiras, sabían muy bien, querido Zhongwei. ¿Qué fue lo más complicado de hacer su proyecto? Por asuntos de presupuesto tuvimos que rodar en menos de dos días un guion de casi veinte páginas, lo que elevó el nivel de exigencia no sólo en términos técnicos sino también creativos. Con esta limitante de tiempo, debíamos cubrir cada escena en máximo tres tomas, y así el umbral de error que podíamos permitirnos era muy pequeño. ¿Cuál es la película de otro director (nacional o internacional) que les hubiera gustado dirigir? “We Need to Talk About Kevin”, dirigida por Lynne Ramsay. Hace varios años leí la novela original de Lionel Shriver, y me llamó la atención la forma en que la escritora explora la idea de la maternidad y el efecto que puede tener en el desarrollo psicológico de los hijos. Me impresionó la historia, es brutal, quedas con una sensación muy extraña. ¿Cannes o los Óscar? Los Óscar. El talento colombiano debe encontrar un lugar permanente allí, así como lo han logrado México y Argentina. Su primer recuerdo relacionado al cine. Mi papá tenía un camcorder viejísimo que había traído de Japón, pesaba como veinte kilos y tenía los botones en japonés. Nunca funcionó, pero me encantaba cargarla y jugar al “director” con mi hermana (que hacía de actriz). Su película colombiana preferida.“Los Colores de la Montaña”. Me gusta porque es una historia universal sobre las consecuencias de la guerra y en donde las víctimas (no los victimarios) son los protagonistas. Le da un toque muy distinto al cine de conflicto, siempre cargado de explosiones y sangre. Un director de culto.Darren Aronofsky, director del Cisne Negro, Réquiem por un Sueño, El Luchador. Admiro su sensibilidad al explorar el drama humano y la idea del antihéroe, sus obsesiones, miedos y deseos de supervivencia. En asuntos técnicos, Aronofsky mantiene un estilo estético muy provocador, cargado de close-ups y tomas al hombro, intensificando esa sensación de caos e incertidumbre presente en todas sus películas.
Director: Alirio Ruiz CabreraUniversidad Nacional de Colombia¿Por qué hacer cine?Creo que en cada realizador hay una necesidad de crear imágenes en movimientos, Siempre con una base, ya sea un recuerdo, una anécdota o el simple hecho de experimentar con ella. Además que es un arte que crea una cercanía con el espectador, él se vuelve el cómplice de nuestros protagonistas. ¿Cuál fue la gran lección que aprendieron luego de haber terminado su cortometraje?Saber escuchar. “Lejanía” me enseñó que cada persona que pertenece al equipo tiene ideas y la misión del director es oír cada una de sus propuestas, no solo a nivel conceptual también a nivel técnico. También creo que tener capacidad de decisión pensando siempre en la película. Muchas veces mi equipo llegaba con muchas preguntas o ideas, a veces quedaba en blanco pero la única solución era pensar rápidamente que le vendría mejor a la historia.¿Cuál fue la gran embarrada que cometieron haciendo este corto?Más que una embarrada fue como una anécdota de una embarrada. Humberto, el actor, es intolerante a la lactosa y lo teníamos todo muy controlado. Había una escena en la que su personaje tenía que tomarse un vaso de leche y Ana, la directora de arte, trajo una bolsa de leche deslactosada. La sirvió en la jarra y en el vaso y dejó el set listo para que Isaza, el director de foto, iluminara. Él necesitaba colgar una luz en el techo y se ensució muchísimo. Fuimos a grabar y Humberto no se tomó la leche. Cuando fui a ver, la leche estaba llena de hollín que se cayó del techo y… no había más leche deslactosada a 2km a la redonda. Tocó sentarnos y cambiar el guion para que el actor no se tuviera que tomar la leche. ¿Cuál es la comida de la que quedaron hastiados durante el rodaje?Por fortuna y gracias a las habilidades de nuestro productor, todo el equipo tuvo una alimentación muy variada. A la media tarde éramos recompensados con un café o un dulce para continuar con la jornada. Aunque finalizando la semana de rodaje empezamos a tener distintos antojos. La verdad yo tenía muchas ganas de comer un postre y otros de una hamburguesa. Comimos como en Casa¿Qué fue lo más complicado de hacer su proyecto?“Lejanía” fue todo un reto, porque nos planteamos una locación fuera de la ciudad, actores mayores de edad y además el tiempo para su realización fue corto. Cada proyecto exige sus retos, “Lejanía” planteó obstáculos para cada departamento, pero el esfuerzo de todos supimos sobrellevarlos. ¿Cuál es la película de otro director (nacional o internacional) que les hubiera gustado dirigir?A pesar de que no está en cartelera, me hubiese gustado dirigir “Gente de Bien” de Franco Lolli o “Rodri”, un cortometraje del mismo director. Lolli plantea un nuevo punto de vista, hablando con personajes comunes desde su intimidad. Y para ir un poco más allá, “Amor” de Michael Haneke, fue un referente de “Lejanía” y a mí me llamaba mucho la atención contar la historia de un par de ancianos, hablar del amor cuando la vida ya está en su cierre. ¿Cannes o los Oscar?¿Por qué no ambos?Su primer recuerdo relacionado al cine.Recuerdo que tenía como 4 años, ¿o más? Y mi abuela me había llevado a ver Toy Story, la primera. Salí enamorado de ver ese mundo fantástico. Luego sucedió que jugaba con mis amigos a hacer películas, a crear historias y luego enseñarlas a nuestras familias.Su película colombiana preferida.“El vuelco del cangrejo” de Oscar Ruiz Navia.Un director de cultoTarkovski
Director: Deivy RubricheUniversidad de la Sabana¿Por qué hacer cine?El cine es un proceso que sirve a la memoria colectiva, que si trata temas honestos y que no solo hablen de la particularidad del autor, hacen mella en un colectivo social. Ejemplo en Colombia de este cine que invita a reflexión de lo que somos hay varios, películas como "Cóndores no entierran todos los días" o "Confesión a Laura" que hablan de una época de La Violencia en Colombia o películas como "La estrategia del caracol" que representan parte de la imagen de lo que somos como colectivo social. Entonces el cine termina siendo un proceso reflexivo tanto a nivel interno como, luego, a nivel colectivo, para que nos veamos y así aprendamos de dónde venimos. Claro está, siempre hay una pelea interna, en mi caso, con el hecho de hacer cine y la pregunta en cuestión "para que sirve tal cosa" pero en últimas el cine también hace parte de la cultura de un país y un país sin cultura audiovisual es un país sin memoria. ¿Cuál fue la gran lección que aprendieron luego de haber terminado su cortometraje?Después del primer cortometraje es difícil ser breve. Pero creo que una de las lecciones principales es aprender a valorar el trabajo en equipo y sobre todo aprender que sin ese equipo el director no es nadie, ni será capaz de sacar adelante una película solo. Hoy cuando miro en perspectiva comprendo y valoro el hecho de que un grupo de personas, 23, haya creído en una idea y haya creído en mi como director. Entonces podría afirmar, no sé si es lección pero sí algo bonito, que con Karma empecé a trabajar con compañeros y terminé aprendiendo y disfrutando con amigos. ¿Cuál fue la gran embarrada que cometieron haciendo este corto?La inexperiencia lleva a cometer errores que tal vez la experiencia luego te ayudará a evitarlos. No podría hablar de un error en particular sino de procesos que a lo largo del corto, en sus tres etapas de preproducción, producción y post, no fueron supervisados de manera ideal. A lo que me refiero es que como director aprendí que en todos los proyectos que encamine debo no perder de vista la totalidad del proyecto y todos sus departamentos. ¿Cuál es la comida de la que quedaron hastiados durante el rodaje?Esto sonará gracioso pero sucede que se nos ocurrió que para recargar energía era buena idea comer bananos. Al final era lo que más había en locación, bananos. ¿Cuál es la película de otro director (nacional o internacional) que les hubiera gustado dirigir?Película nacional creo que en este momento podría decir que los "Los niños invisibles" de Lisandro Duque por la temática que maneja, donde encontramos un buen reflejo de lo que es Colombia cultural y socialmente. Internacional alguna de la trilogía de la venganza de Chan-Wook Park "Sympathy for Mr. Vengeance", "Sympathy for Lady Vengeance" u "Old Boy" por la estética, por la temática y sobre todo por el tratamiento narrativo y audiovisual. Estas 3 películas fueron uno de los referentes que tuve en cuenta a la hora de realizar Karma. ¿Cannes o los Oscar?Cannes y el festival de cine de Berlín. Su primer recuerdo relacionado al cine.Cuando era niño quise mucho ir a ver una película animada a cine y resulta que me quedé dormido. Su película colombiana preferida.“Los niños invisibles”, “La estrategia del caracol” y “La Sirga”. Un director de cultoChan-Wook Park y Wes Anderson.
Después de que Yorgos Lanthimos lograra un fenómeno con Poor Things, una película aclamada por los críticos y muy premiada en los Oscar 2024, llega su nueva producción Kinds of Kidness. El largometraje tuvo la premier mundial en el Festival de Cannes. Emma Stone y Willem Dafoe, protagonistas de Poor Things, también hacen parte del elenco de esta nueva película del director griego. Asimismo, actores como Joe Alwyn (La favorita), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Hunter Schafer (Euphoria) y Jesse Plemons (Amor y Muerte), entre otros, componen esta historia contemporánea. Yorgos Lanthimos trabajó con el guionista Tony McNamara en Poor Things y La favorita, pero para Kind of Kidness dirigió el guión de Efthimis Filippou, conocido por escribir Lobster y El sacrificio de un ciervo sagrado. Teaser oficial de 'Kinds of Kidness'¿De qué trata 'Kinds of Kidness'?Aunque no se ha publicado el trailer oficial de la película, Yorgos Lanthimos afirmó que: “Es una película contemporánea, ambientada en Estados Unidos: tres historias diferentes, con cuatro o cinco actores que interpretan un papel en cada historia, por lo que todos interpretan tres papeles diferentes. En realidad, fue casi como hacer tres películas”.Después de su estreno en el Festival de Cannes, se ha calificado como una historia de "canibalismo, cultos sexuales y libertinaje". Además, la desnudez es una parte clave de la trama. Las primeras críticas de 'Kinds of Kidness'A pesar de que en el Festival de Cannes la película tuvo una ovación de cuatro minutos, varios medios ya han publicado críticas en las que se demuestran su decepción frente al largometraje. El periodista especializado en cine, Javier Zurro, escribió una reseña en elDiario.es donde afirma que Kinds of Kindness es un elogio a la crueldad. "No lo es [una comedia graciosa] porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad". Por otro lado, Nicholas Barber escribe en la BBC: "Por más oscura que siempre haya sido la comedia de Lanthimos, hay momentos en que la crueldad se vuelve casi insoportable". Además, afirma: "Ciertamente, aquellos de nosotros que argumentamos que el sexo y la desnudez en Poor Things eran importantes para la historia de liberación y confianza en sí misma de Bella puede resultarnos más difícil defender Kinds of Kindness". Sin embargo, y dejando de lado estas críticas negativas, las primeras votaciones en Rotten Tomatoes le han dado a la película una puntuación del 95%. Tendremos que esperar a que la película se estrene, el 21 de julio del 2024, para tomar una decisión sobre lo que pensamos sobre Kinds of Kindness, la nueva película del director griego. ***Si les gustó Poor Things, les recomendamos leer: Poor Things: el fastidio que nos genera la libertad - Análisis y significado de la película
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.
El lunes 6 de mayo del 2024, cuatro mujeres lesbianas sufrieron de un grave ataque homófobo en el hostal donde se estaban quedando. Todo indica que el responsable fue el propietario del lugar, Justo Fernando Barrientos de 67 años. El hombre lanzó una botella llena de líquido inflamable dentro de la habitación en donde se hospedaban las cuatro mujeres. Solo una de ellas logró sobrevivir. Pamela Cobbas, de 52 años, murió unas horas después del ataque y su pareja, Mercedes Roxana (52), murió después de agonizar más de 48 horas debido a que su cuerpo estaba en un 90% lleno de quemaduras. Otra de las mujeres, Andrea Amarante (42) logró sobrevivir un poco más. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos del equipo médico, murió a la semana del asesinato. La pareja de Andrea, Sofía Castro Riglos, de 49 años, es la única que logró sobrevivir. Sigue bajo cuidado médico en el hospital. El presunto responsable fue encontrado por la policía tiempo después de los hechos intentando quitarse la vida con una motosierra. Lo que sucedió según los testigosSegún otros inquilinos que se quedaban en el mismo hostal de las mujeres, los gritos los levantaron después de la medianoche. Al verlas envueltas en llamas intentaron apagarlas con un extintor pero no fue posible. Por esto, las llevaron a la ducha más cercana. El incendio causado por la botella con líquido inflamable fue de tal magnitud que tuvieron que evacuar a unas treinta personas más ya que se extendió por una parte del edificio. Las manifestacionesPara exigirle al gobierno de Javier Milei y a las autoridades de que se haga justicia, el 13 de mayo del 2024 un grupo de 200 personas se reunió en la Plaza Colombia, donde tuvo lugar el asesinato, con pancartas donde se leí que era necesario abordar la violencia homofóbica. Sin embargo, el presidente Milei afirmó que este no era un crimen de odio y pidió mayor investigación.