Enfrentamientos hay de todo tipo, pero cuando el grafiti se convierte en la herramienta y el lenguaje de batalla, el arte termina inundando con su magia la sangre de todos sus testigos. Estuvimos en el Centro Comercial El Retiro presenciando TOT vs. Franco, un nuevo capítulo de Battle Force Bogotá, el evento que continúa con la celebración de los 35 años de los #AF1 de Nike, uno de sus modelos más icónicos.
La Beca Ciudad de Bogotá de Arte Urbano está buscando 21 artistas o colectivos de grafiteros que quieran ver su obra en uno de los muros de los parques zonales y metropolitanos de la capital. El estímulo cuenta con una bolsa concursable de más de $150 millones de pesos y el cierre será el viernes 24 de noviembre. Esta es la segunda fase de la beca que estimula la intervención de grafiti en Bogotá impulsada por la alcaldía. De 50 superficies disponibles, el Instituto Distrital de las Artes – Idartes, anunció como ganadores a 22 colectivos que intervendrán la calle 26 y a 7 que lo harán en el centro histórico. Cada una de estas propuestas de la calle 26 recibirá un estímulo económico de $30 millones de pesos, mientras que los del centro histórico tienen valores que van desde los 7 hasta los 30 millones de pesos. Ahora, la reapertura de la beca para pintar los parques anunciada por el Distrito, va dirigida a colectivos de artistas conformados por colombianos o extranjeros, mayores de 18 años, que residan de manera permanente en Bogotá o hasta un 50% en los municipios de Soacha, Mosquera, Funza, Madrid, Chía, Cajicá, Cota, La Calera, Tenjo, Tabio, Sibaté, Zipaquirá, Facatativá, Bojacá, Gachancipá, Tocancipá y Sopó. Los interesados deben consultar las cartillas y anexos alojados en la página de estímulos bajo el nombre Reapertura Beca Ciudad de Bogotá de Arte Urbano 2017 FASE II con plazo final el viernes 24 de noviembre de 2017.
Cada vez son más las propuestas artísticas por visibilizar los mensajes desde la periferia y por sensibilizar ante la necesidad del arte en una sociedad tan golpeada por la violencia. Por: Laura Muñoz // @nadadoraa Los atrapasueños son redes que canalizan energías: un punto de convergencia para fuerzas que antes no se encontraban. Y son el eje de la propuesta artística Atrapasueños: un colectivo de artistas que pinta murales tras sostener un diálogo con las comunidades. La idea arrancó en marzo de 2016 en Mar del Plata, Argentina, con cinco murales sobre cómo alcanzar los sueños. Hoy en día es un movimiento que interviene colegios, barrios y pueblos colombianos para reafirmar que el arte es sanador, que congrega más a las comunidades y que transforma los espacios. De acuerdo con Javier Almirón, el fundador del colectivo, “los primeros dos muros que hicimos en el país están en La Mesa (Cundinamarca). Ahí dimos nuestro primer paso y empezamos a hablar con comunidades. Luego fuimos a San Basilio de Palenque y a barrios de Bogotá como Belén, Kennedy, Cazucá y Ciudad Bolivar. La idea es que siempre el mensaje venga de la comunidad”. Todos los barrios tienen en común focos muy intensos de violencia. Por eso Javier junto con Bogotá Graffiti Tour contactó a los vecinos de cada sector y levantó una serie de murales inspirados en sus sueños. El resultado fue la transformación urbana: “en conjunto hacemos que los espacios cambien. En el barrio Belén había un puente peatonal muy peligroso. Luego de que lo pintamos, se volvió transitado y los chicos lo usan como escuela de skate. Lo mismo pasó en el barrio Quiroga. Hicimos varios murales y hoy en día los chicos proyectan películas en ese punto”, dice Javier. (Vea también: Proyecto Punto Magenta, la historia del mural más grande de Colombia) A ello se suma Jahir Dimaté de Bogotá Graffiti Tour, “con este proyecto no solo pintamos, sino que también involucramos a la gente y les damos herramientas para que puedan crear proyectos similares por su propia cuenta”. Pero además de Atrapasueños hay otras propuestas que desde el arte resignifican los espacios: Inzane Toyz Crew, por ejemplo, es un colectivo que existe desde 2008 y que se dedica a hacer murales. Hace un mes realizaron una convocatoria de artistas e intervinieron La Frontera, una zona peligrosa en el Barrio Pardo Rubio. Otra de las propuestas más conocidas es la de Ink Crew, que pintó la fachada de 220 casas en el barrio Los Puentes de la localidad Rafael Uribe Uribe. Hoy en día es el muro más grande del país (ver https://www.youtube.com/watch?v=nQB9ttasiBY). Tampoco son desconocidos colectivos internacionales que han hecho intervenciones en Colombia. The Outsider Krew, el dúo de un francés y un británico que aterrizó en Bogotá con el proyecto Share de Word (o Compartir la Palabra en español), hizo una pintada inspirada en las historias de los habitantes del barrio Mariscal Sucre en Bogotá Según Javier, “la comunidad se da cuenta del esfuerzo de pintar y ahí se empieza a respetar y a educar más. Con nuestra propuesta –que tan solo es una entre las tantísimas en Colombia-, atrapamos los sueños a través del arte urbano, plasmamos en los muros y dejamos los mensajes abiertos a la comunidad. Cambia la energía del espacio. El arte cambia el espacio”. (Recomendamos: ¿La comercialización del graffiti acabó con la rebeldía de la escena?) Y sí. El arte transforma los espacios. Pero no solo el arte, sino cualquier manifestación cultural. Ya es bien sabido que Bogotá está en medio de un cataclismo graffitero y que hay colectivos o “crews” que hacen pintadas colectivas. También que el contexto colombiano es propicio para hacer mural e intervención social simultáneamente en casi todas las regiones. El fenómeno es que cada vez son más las propuestas artísticas por visibilizar los mensajes desde la periferia y por sensibilizar ante la necesidad del arte en una sociedad tan golpeada por la violencia.
La calle es un museo y el barrio Los Puentes, de la localidad de Rafael Uribe Uribe, se convirtió en la obra más grande de Bogotá. Por Alejandra Mar (@alejandra.mar) Un grupo de grafiteros bogotanos le cambió la cara al barrio Los Puentes, en la localidad de Rafael Uribe Uribe. El paisaje urbano de este lugar, en el sur de Bogotá, pasó del frio color del cemento y del estigma, a ser reconocido como el escenario de una de las obras artísticas más grandes que se han ejecutado en la ciudad. La pintura en las fachadas de las casas, ubicadas en una montaña, no solo le cambió la cara al espacio físico, sino que ejerció su poder para unir a unos 110 habitantes de la comunidad que participaron activamente en el proyecto. La obra, que fue creada por el colectivo bogotano INK Crew, fue bautizada como El río de la vida, y se refiere a que el “río es como un cosmos que mantiene en movimiento la vida que gira en torno a los habitantes del barrio”. Pero durante los días de trabajo el proyecto fue rebautizado por el Crew como Punto Magenta, pues era desde allí donde se visualizaba la obra en todo su esplendor; y el lugar que brindaba la perspectiva que permitió construirla en su totalidad. Punto Magenta era casi que la vista ideal del lienzo completo. Con ustedes la historia de cómo el barrio Los Puentes se convirtió en una obra de arte.
Los “vándalos de la calle”, como llamaban coloquialmente a los grafiteros de las ciudades, son ahora los artistas más buscados, pero no por la policía. Marcas, campañas políticas, agencias de vuelos y hasta bancos de todo el mundo los pretenden para que dejen su marca y firma en publicidades con millones de billetes de por medio. De la calle ya pasaron a las galerías y el año pasado en Europa superaron los 195 millones de dólares en ventas. ¿Dónde quedaron los valores punkeros y anarquistas del grafiti? Por: Johana Arroyave / @JohanaArroyave En los 90 nombres como Shepard Fairey, John Fekner, Blek le Rat, Jacek Tylicki, Banksy y Space Invaders, marcaban el inicio de una generación que nació del graffiti pero que en el camino fue encontrando su propia esencia y marca. Las pegatinas, plantillas, posters y esculturas se convertían en las protagonistas de la calle y el medio para dejar huella en las ciudades. Se estaban llevando el título de los precursores de un modelo de arte por el que antes nadie daba un peso y que ahora es el ‘boom’ en el mundo: el Street Art. El hecho de que estos trabajos estén en la mira de las diferentes industrias comerciales y de por medio haya tanto billete ha sido un tema muy delicado entre los artistas urbanos. El panorama está dividido en dos, hay algunos fieles a las creencias de que el arte de la calle es para dejar mensaje social, crítica política y acabar con el pensamiento de consumo que nos han vendido los medios y otros creen simplemente que lo que importa es pasar el mensaje social, seguir trabajando porque este legado llegue a más lugares y ganar dinero a cambio de ello es la mejor forma para continuar pintando. Algo bastante coherente si pensamos en la famosa frase de mamá ¿de qué va a vivir? Y pues si no es del trabajo propio y del talento ¿entonces de qué sirve esforzarse? A pesar de la resistencia continua por parte de algunos artistas, las diferentes miradas y opiniones frente a si recaudar dinero está bien o mal, existen personajes como Shepard Fairey, el mismo del cartel 'Hope' de Barack Obama, el más exitoso y también el más criticado comercialista de Street Art. En un cabezazo o un ataque contra la esencia de la escena, aprovechó su fama y construyó una marca de ropa: Obey que en la actualidad es un negocio de varios miles de millones de dólares. Pero ¿qué está pasando en el panorama nacional? Esto fue lo que encontramos:
Los “vándalos de la calle”, como llamaban coloquialmente a los graffiteros de las ciudades, son ahora los artistas más buscados y ya no por la policía. Ahora los quieren marcas como Coca Cola, Nike, Adidas, campañas políticas, agencias de vuelos y hasta bancos de todo el mundo para que dejen su marca y firma en publicidades con millones de billetes de por medio. A mediados del 2000 pasaron de la calle a las galerías europeas más importantes y ya registran en ventas, durante 2016, según un estudio de DW (cadena de televisión y radio alemana), más de 195 millones de dólares solo en Europa. ¿Se convirtieron lentamente en las nuevas estrellas del rock del Street art? ¿Dónde quedaron los valores punkeros y anarquistas del graffiti? Por: Johana Arroyave En los 90 nombres como Shepard Fairey, John Fekner, Blek le Rat, Jacek Tylicki, Banksy y Space Invaders, marcaban el inicio de una generación que nació del graffiti pero que en el camino fue encontrando su propia esencia y marca. Las pegatinas, plantillas, posters y esculturas se convertían en las protagonistas de la calle y el medio para dejar huella en las ciudades. Se estaban llevando el título de los precursores de un modelo de arte por el que antes nadie daba un peso y que ahora es el ‘boom’ en el mundo: el Street Art. El hecho de que estos trabajos estén en la mira de las diferentes industrias comerciales y de por medio haya tanto billete ha sido un tema muy delicado entre los artistas urbanos. El panorama está dividido en dos, hay algunos fieles a las creencias de que el arte de la calle es para dejar mensaje social, crítica política y acabar con el pensamiento de consumo que nos han vendido los medios y otros creen simplemente que lo que importa es pasar el mensaje social, seguir trabajando porque este legado llegue a más lugares y ganar dinero a cambio de ello es la mejor forma para continuar pintando. Algo bastante coherente si pensamos en la famosa frase de mamá ¿de qué va a vivir? Y pues si no es del trabajo propio y del talento ¿entonces de qué sirve esforzarse? A pesar de la resistencia continua por parte de algunos artistas, las diferentes miradas y opiniones frente a si recaudar dinero está bien o mal, existen personajes como Shepard Fairey, el mismo del cartel 'Hope' de Barack Obama, el más exitoso y también el más criticado comercialista de Street Art. En un cabezazo o un ataque contra la esencia de la escena, aprovechó su fama y construyó una marca de ropa: Obey que en la actualidad es un negocio de varios miles de millones de dólares. FOTO CARTEL CAMPAÑA Fairey también se ha metido en contratos con marcas de consumo masivo, el último lo firmó con bebidas Hennessy y por el rechazo y los miles de comentarios negativos, tuvo que explicar en su página de internet cuál era el fin de este acuerdo: “Estoy colaborando con las marcas que de una manera entran dentro de la cultura que amo. Hennessy es una marca muy respetada como producto por su calidad, ética, y su legado, así que sabía que iban a mostrar mi trabajo en una manera impresionante ... el arte de la calle es libre, pero también tenemos que entender la idea de que el arte y el comercio se necesitan mutuamente y pueden relacionarse de manera simbiótica y no en conflicto”. La última frase de Fairey “el arte y el comercio se necesitan mutuamente” acabaría por completo con el mensaje anti consumo con el que empezó a dejar su obra alrededor del mundo bajo el sello "Piensa y crea, imprime y destruye" mientras usaba la cara de André el Gigante. La contradicción en la obra de artista es tan grande que puede llegar a pasar por un lagarto que se vende al mejor postor, no solo por sus acuerdos económicos con marcas si no por sus filiales políticas, no entendemos si es de derecha por su apoyo con las últimas campañas a la presidencia o si es de izquierda por el número de imágenes de la historia de este sector político que usa para adornar sus obras. Tenemos ante nuestros ojos una migración del arte urbano en el que sus raíces anarquistas, ilegales, anti consumo, sociales, rebeldes y anti sistema se vuelven borrosas. En esta generación se está haciendo dinero a través de los trazos y líneas, el Street Art ya no es del dominio exclusivo de una pequeña comunidad que trabaja fuera de la ley. Desde que chocó en la cultura dominante, se ha legitimado, desinfectado y empaquetado de nuevo en objetos de consumo. Más bien tiene cierto tono hipócrita que se castiguen y crucifiquen los unos a los otros por vender sus lienzos o por firmar contratos con diferentes marcas. En el documental dirigido por el mismo Banksy “Exit Through the Gift Shop”, el cual fue nominado a los Oscar como Mejor película documental y ganó un Independent Spirit Awards como mejor documental, Banksy menciona que quería mostrar que nunca quiso ser millonario por medio del arte, pero al mismo tiempo deja ver cómo se llevó a casa miles y miles de millones de dólares por sus exposiciones vanguardistas y sensacionalistas. ¿Qué está pasando en Colombia? No hace mucho tiempo artistas como Chanoir, Erre, Rodez, Cacerolo, Guache, Toxicomano, Ledania e inclusive el español Pez y otros cuantos, estaban esquivando a la policía mientras hacían sonar los aerosoles. Estos son solo unos nombres de la nueva ola de artistas de la calle que se dieron a conocer pintando paredes y ahora siguen construyendo su fama a través de sorprendentes obras públicas, al mismo tiempo que reúnen sumas de dinero por venta de grabados y lienzos. Ya no corren de las autoridades ni de los dueños de los edificios donde pintaban ilegalmente, ahora viajan a exposiciones en Miami y en Londres y tienen llenas las galerías urbanas de Bogotá con sus obras. Luego de que El País de España y The New Yorker se refirieran a Bogotá como la capital latinoamericana del grafiti, se dispararon el número de ojos que miran hacia la Capital y sus talentos y junto con ello aparecieron en el radar espacios como galerías y tiendas en donde se comercializa el arte urbano con las firmas de los graffiteros más reconocidos de la escena colombiana. Bajo la administración de Gustavo Petro se abrió un espacio importante en la ciudad y aunque fue tras la tragedia en la que asesinaron a el graffitero Diego Felipe Becerra, esto sirvió para que se le parara más bolas al arte urbano y a sus artistas, se crearon mesas grafitreras con el fin de crear un canal de diálogo entre el Distrito y los artistas. De allí salieron numerosos espacios de la ciudad que terminaron pintados de cientos de colores y se les abrió un lienzo vestido de calle (la 26) para que dejaran los mejores mensajes en casi cinco kilómetros de avenida. En Colombia el negocio no va en bolsas de millones de dólares, pero se está empezando a ver de una manera más amable y muchas de las pinturas que venden en los espacios dedicados para esto no bajan de los 80 mil pesos. Según Erre una de las graffiteras más reconocidas en Colombia, la comercialización de este arte no está mal, a menos que se mantenga la esencia con la que se empezó. “Uno necesita vivir de algo, la forma más sincera de hacerlo es vender una obra propia, comercializar algo que va a estar en una camiseta o en un cuadro que la gente pueda ver significa que el mensaje se va seguir trasmitiendo solo que ya no en la calle. Estaría mal si yo voy pinto en una pared algo con un mansaje social y luego voy a una galería a hacer flores o cosas cool solo para poder vender” Y con esta teoría la apoya Cacerolo quien confirma que con la venta del arte urbano se pierde la esencia rebelde del mismo pero que si no se hace es imposible llegar a más partes con el mensaje. “los artistas urbanos tienen que vivir de algo para poder seguir haciendo su trabajo y generando la polémica que generan en la calle, entonces pasar a una galería es solo un apoyo en la carrera del artista, pero esto no le quita que pueda dejar plasmados sus mensajes y sentimientos en las paredes” Galeristas como Marcel de Visaje Grafiti, la única galería en Bogotá que está enteramente dedicada al grafiti, menciona este paso de la calle a espacios cerrados como una migración en la que se está entendiendo el trabajo del artista y definió en palabras muy simples el boom de este mercado: “es preferible ver a un artista vendiendo y viviendo de sus obras a seguir unas reglas que no sabemos quién inventó y que por ellas se mate fritando papas o empacando en bolsas en un centro comercial”. Por su parte Camilo López de la galería urbana Vértigo Grafiti cree que no se perdió ninguna esencia, ni rebeldía del arte urbano pues desde que empezó ya se estaba comercializando, “es una idea muy romántica la que se tiene del grafiti y que es muy válida pero el grafiti desde sus comienzos se vendió como objeto artístico, como objeto de debate, como un objeto de referencia social. Lo que pasa es que estamos en el boom de la comercialización, pero esto siempre ha sido así. Desde 1973 se empezaron a vender grafitis en Estados Unidos”. Según Lorenzo Freydell dueño de la galería Van Staseghem en Bogotá, el concepto de arte contemporáneo cambió con la llegada del urbano. Los grandes coleccionistas han incluido en sus compras obras de artistas callejeros entendiendo la valorización por la importancia que se le está dando a estos objetos en la sociedad y que con el pasar de los días su valor sigue aumentando. Como el caso de Brad Pitt, sí, el actor de cine, ex de Angelina y quien compró una de las primeras obras de Banksy tres años después de haber sido expuesta en una galería. Pago por ella la bobadita de un millón de dólares. Así que este es solo el inicio de un movimiento artístico que está facturando como una máquina de billetes ¿Vándalos o artistas? En octubre de 2016 se abrió un debate en España haciendo referencia al arte urbano donde se cuestionó si se le puede llamar vandalismo a un sector del arte que recaudó en 2016, según un más de 200 millones de dólares, que tiene piezas de arte en la Casa Blanca y que ha abierto el campo a compradores que nunca antes se habían interesado en adquirir piezas de arte. También así lo cree Marcel de Visaje Grafiti, “Este boom del arte está acabando con el mal concepto que se creó en Nueva York en donde se tildaban a los graffiteros como ladrones. El mercado se abrió tanto y a un nicho tan amplio que no puede ser un delincuente quien lleva arte a la casa de un presidente” Pero como no todo puede ser perfecto y a pesar del avance en arte urbano en la ciudad, el alcalde Mayor de Bogotá Enrique Peñalosa, habló de estos artistas como delincuentes diciendo públicamente: “donde hay graffiti hay inseguridad, eso trae criminalidad” osea que no atrasamos dos décadas en un solo día. Claramente la frase causó revuelo en el gremio de graffiteros y se le recordó al mandatario por qué fue que la Administración pasada los incluyó en los procesos de Idartes y por qué Bogotá es ahora referencia mundial en arte callejero. ¿Se putiaron la escena? Está claro que hay preocupación en el nicho de artistas urbanos por el boom comercial que se está dando con la venta de las obras y la participación en campañas publicitarias, pues ya no se habla del graffiti como mensaje social y anti capitalista sino como ícono de moda. Pero ¿así no empezaron las grandes revoluciones del mundo? Un ejemplo claro es el rock The Ramones, The Beatles, Sex Pistols y todas esas bandas que nos hacen mover la cabeza, si se hubieran quedado en el garaje de la casa ¿conoceríamos su mensaje y su música? Hoy en día estos rockstar hablan de política, segregación, capitalismo y represión pero salen a la calle en tenis patrocinados, instrumentos regalados y venden discos como pan caliente. Está claro que las más beneficiadas han sido las marcas corporativas y de consumo que han logrado buenas colaboraciones a cambio de grandes cheques con artistas referentes. Microsoft, Converse y Nike han utilizado como publicidad a los graffiteros pagándoles por pintar las paredes de diferentes ciudades con el logo de la marca. Se dice que esto lo lograron luego de contratar a agentes y corredores expertos en arte urbano con la única meta de crear relaciones con estos artistas y lograr engancharlos en el mercado. Pero con la venta de las obras no sólo se han desbloqueado oportunidades para los artistas de la calle, también se abrió un nicho de compradores que antes no había en la industria y que hace que cada día se acerquen otros nuevos. Y sobre todo no podemos negar que el gran logro que han hecho estos manes es venderle a la misma sociedad consumista y sistemática que tanto critican sus obras con los mismos mensajes anarquistas y anti sistema que siempre han hecho. Sí las obras se vendieron pero el mensaje no ha cambiado. FOTO ERRE “COMA MIERDA”
¡Bienvenido a este recorrido por grafittis, murales y piezas de arte urbano en Cali! Por: Alberto José Echeverri para Calicreativa.com ¿Quién dijo que las paredes no hablan? Los muros, tapias y fachadas de una ciudad cuenta su historia, los sueños, luchas, ilusiones y resistencias de sus artistas y habitantes. El arte urbano y el muralismo están llenando a Cali de color, de expresiones sociales y de arte que embellecen y entregan un mensaje a los que la recorren. Maravillados con la escena artística callejera en nuestra ciudad, en Cali Creativa quisimos borondear un rato por las calles buscando grafittis y murales que nos emocionaran, aprender más sobre ellos y mostrar cómo Cali es un hervidero de artistas locales y un punto de paso obligado para los grafiteros y muralistas de afuera. Para esto llamamos a Gráfica Méstiza y al Museo Libre de Arte Público (MULI), dos de los cientos de colectivos, entidades, parches y artistas independientes que se dedican a estas artes gráficas en la ciudad, para que nos sirvieran de guía y nos mostraran cómo ven la escena del street art en la ciudad. También llamamos a Óscar Ruiz Navia, quien después de haber dirigido Los Hongos, una peli que celebra la creatividad de los grafiteros, para que documentara este borondo. El video que encabeza esta nota, es su resultado. Gráfica Mestiza: un viaje por la gráfica latinoamericana Jesús David Rodríguez es el director de Gráfica Mestiza, una iniciativa/colectivo que nació por el amor y la curiosidad por el fenómeno del arte callejero y la gráfica, no sólo caleña, sino de toda Latinoamérica. Este proyecto nació primero como investigación académica, después como difusor y curador en medios digitales, especialmente Facebook e Instagram, y actualmente como epicentro y como sello editorial, que reúne y publica trabajos realizados por diversos artistas, tanto street art, como ilustración y diseño. Con mucha dedicación, Jesús y su parche de Gráfica Mestiza se han convertido en un ejemplo de emprendimiento cultural alrededor de las artes gráficas, el grafitti y el arte urbano. Su más reciente publicación se llama “De fiesta en fiesta”, un recorrido por Latinoamérica a través de las máscaras de carnavales y fiestas populares de nuestro continente. Con sus publicaciones, con su portal web y su espacio físico -La Grafitería, en la Calle de la Escopeta-, el colectivo de Gráfica Mestiza se ha convertido en una parada indispensble de cualquier caleño o visitante que quiera conocer más sobre el arte urbano que llena los muros de Cali, de una forma descomplicada pero llena de conocimiento sobre la escena caleña. Museo Libre de Arte Público, el museo de “cielos abiertos” Si Cali es conocida como la Sucursal del Cielo, además de contar con su agradable clima, es más que natural que tenga un museo abierto, al aire libre, como lo llama su creadora, Carolina Jaramillo, un museo de cielos abiertos. Ese es el Museo Libre de Arte Público MULI, y que entre su variedad de actividades, organiza la Bienal Internacional de Muralismo y Arte Público, que a finales del 2016 llegó a su tercera edición, trayendo a Cali decenas de artistas y muralistas extranjeros, que participan junto al talento local, para crear obras de arte expuestas en espacios públicos y totalmente abiertos, como el estadio Pascual Guerrero, la Estación de Cañaveralejo, etc. La Bienal de Muralismo, como cotidianamente se le conoce, convoca a más de 45 artistas nacional y de 30 a 35 extranjeros en cada edición, pasando por diferentes técnicas expresivas. También realiza conferencias y talleres. Pero, además de organizar la Bienal, ¿cuál es la necesidad de un museo libre y abierto? Para Carolina, dar un espacio a más 45.000 artistas que no cuentan con exposición a su arte, al tiempo que lleva el museo a las personas, a su cotidianidad, a los lugares que frecuentan, dándole a la ciudad una cara más linda y amigable a propios y a visitantes. Actualmente, el MULI cuenta con 389 piezas expuestas en puentes, estaciones de MIO, jardines, parques, etc. El MULI cuenta con el apoyo de múltiples entidades públicas y privadas, entre ellas la Alcaldía de Cali y varias Secretarías, lo que le permite articular su gestión cultural con programas de convivencia y educación. Así, con un sentido social y de promoción de la ciudad, el MULI realiza intervenciones socioculturales en diferentes puntos de Cali, con el fin de recuperar el espacio público y devolverlo a los ciudadanos, como parte de una estrategia de convivencia ciudadana y mejora social. Cali se enriquece con el trabajo de artistas, grafiteros y muralistas, tanto nacionales como extranjeros y cada día, los caleños aprecian el arte urbano con el que se cruzan día a día, dando un nuevo lugar y reconocimiento a estas expresiones artísticas. Ya no es extraño que los caminantes reconozcan algunas obras y constantemente tomen fotos a estas piezas para compartirlas en sus redes sociales. Al fin y al cabo, hacen parte de la diversidad y riqueza viva de una ciudad, como lienzo creativo para que aquellos que ven en una tapia un canvas de infinitas posibilidades. ******** Nota publicada originalmente en www.calicreativa.com. Cali Creativa es una iniciativa de ciudad para la difusión y promoción del emprendimiento creativo caleño. Estamos totalmente convencidos de que la creatividad, la innovación y la tecnología son el motor que mueve a nuestra ciudad. En nuestro portal podrás conocer toda la movida de la industria creativa caleña. Seguinos en Facebook o Twitter o visitanos en www.calicreativa.com.
Acompañamos a los invitados nacionales y extranjeros a preparar los graffitis que abren la exposición colombo-francesa. Las intervenciones de los diez artistas y sus especialidades se podrán apreciar en el Centro Colombo Americano sede centro, allí van a encontrar letras y rostros hiper realistas de Dexs, las imágenes y la parte onírica que maneja Ospen, y Reso, de Francia, quien con su wild style uno de los pioneros de la técnica en letras en Europa. Hay una gran gama de paleta de colores que van desde la morada, hasta los azules llena de líneas muy marcadas y geométricas que vamos a encontrar en el Colombo. Fotos: Alejandro Gómez Niño // @lupas91
En diciembre de 2013 más de 25 artistas nacionales e internacionales llenaron de color el tradicional Barrio de Getsemaní en Cartagena. Más de 30 obras fueron pintadas teniendo en cuenta la historia y los personajes de este emblemático lugar de La Heroica. Fotos y texto: Andrés Quintero – @Bogotart Esta intervención que duró alrededor de diez días le dio una nueva vida a este barrio histórico. Basta hacer una búsqueda rápida en Instagram con el hashtag #Cartagena para encontrar un sinfín de fotos y selfies dentro de las que sobresalen el pelo multicolor de una afrocolombiana, un parche de amigos en tonos azul y un ave multicolor a punto de alzar vuelo. Las imágenes de esta galería incluyen murales pintados por los artistas urbanos Dexs, DjLu y Yurika, personajes que se han convertido con el tiempo en símbolos del barrio. Además de la ya rica historia y particular arquitectura de Getsemaní, también se ha visto cómo se ha llenado de turistas, hostales, restaurantes y una dinámica social impensada hace 10 años. Es un lugar común decir que el arte puede transformar cualquier cosa pero, alegremente, es un lugar común que está revitalizando espacios históricamente marginados y excluidos en algunas ciudades del mundo. Hoy por hoy, Getsemaní puede llegar a ser mucho más atractivo y divertido que la tradicional y aburrida ciudad amurallada, o la bullosa Bocagrande. Los dejamos con una galería de los muros de Ciudad Mural 3 años después.
Si hay algo que se pueda rescatar de la administración pasada, fue el esfuerzo que hicieron por mostrar a Bogotá como una ciudad de arte. La 26 se convirtió en el lienzo de cientos de artistas urbanos que dejaron plasmada su huella en una de las vías más importantes de la capital. Y que hoy en día se ve completamente adornada de murales, graffitis, pensamientos y sentimientos de jóvenes que nos han demostrado que pintar las paredes no es vandalismo, se llama cultura y se pronuncia arte. Una iniciativa que ha causado envidia en países, que creeríamos, no tienen nada que celarnos. Al país han llegado cientos de artistas europeos con las ganas de pintar, de rayar los muros, de demostrar que el arte es solo una y que, aunque en sus lugares natales los persigan, en Colombia se les abre las puertas, se les dan tintas y se les puede dar color a sus sueños. Estuvimos con Akos, un español que se vino rayar al país y quién se dio cuenta que el único riesgo era quererse quedar. Sí, como lo decía el comercial Por: Johana Arroyave / Fotos: Daniel Alvarez A simple vista Akos podría confundirse con un latino más, es tan amable como lo somos en Colombia, canta salsa como si escuchara alguna emisora caleña todos los días y baila La Bicicleta de Carlos Vives y Shakira como si fuera propia. Lo conocimos por Instagram la red social donde deja grabado todas sus obras, todo su talento y gracias a Bogotart la casa de los artistas de la ciudad, supimos que iba a estar en Colombia y aprovechamos para que viniera hasta Shock y nos dejara su huella en la oficina. ¿Por qué puso en su rumbo Colombia? Yo soy de los que piensa que todo pasa por algo. Mi plan no era venir a Colombia yo estaba detrás de Puerto Rico, pero para entrar a ese país desde España, tenía que tener la visa Americana y cuando fui a la embajada a sacarla me la negaron. Así que mis planes cambiaron, luego de ese momento me hablaron de "Color Urbano" una fundación en Bucaramanga, un lugar donde podía pintar las fachadas de viviendas de personas en condición de vulnerabilidad y ayudar a niños. Así que no lo pensé mucho, me vine a Colombia unos días para compartir con ellos y ver qué pasaba. Ahora no me quiero ir. ¿Conocía Colombia antes de esto? ¿Sabía del trabajo que se estaba haciendo aquí? Ya sabía que este lugar estaba lleno de arte y que se podía hacer un y buen trabajo, pero no pensé que fuera tan fácil acceder a pintar. En Madrid somos delincuentes, nos tildan de bandidos, la policía nos persigue. No puedo mostrar mi rostro porque van a saber quién soy y me pueden atacar. Aquí uno puede ser libre y eso es lo más grande de todo. ¿Alguna vez lo han multado o castigado por pintar? Sí, muchísimas veces aún estoy pagando una multa que me hicieron por pintar. Creo que he gastado muchísimo dinero en multas aún debo 2 mil 700 Euros por esta bromita... Hablando de la forma en la que los persiguen en Madrid, ¿Qué tan difícil es llegar a ser un artista reconocido allá, hay forma de llegar a un buen nivel en este mundo? Pues como que es difícil llegar a ser reconocido.. se necesita mucho esfuerzo y dedicación y el mundo de los galeristas es muy hermético, pero algún día espero dar con alguien que me abra las puertas a nuevas oportunidades.. ¿Cómo empieza Akos en el mundo de la pintura? Tenía 11 años cuando toqué mi primer spray, dibujé una dona en una pared (quedó horrible jajaja) pero desde ahí me atrapó este mundo. Hice una carrera e intenté ejercerla, pero no era yo. Tuve que volver a esto y seguir pintando y pintando hasta que encontré mi esencia, las figuras geométricas, los colores. ¿Por qué tantos colores? ¿Por qué las líneas? Porque se ve como en caos y yo soy un caos, todo en mi mundo es así. Y después de tanto pintar descubrí que las figuras geométricas eran mi estilo, me gustaban más. Ahora no pinto pensando en algo, solo empiezo y lo que se vaya dando. ¿De dónde salió el nombre Akos por qué no “Caos”? Caos ya lo debe tener alguien… No sé estuve mucho tiempo intentado hacer unas letras con el spray y no salían, al final lo que se entendía era Akos, así que decidí usar ese. ¿Hasta dónde quiere llegar con el arte? Hasta el nivel máximo que pueda, se me están abriendo oportunidades muy buenas y estoy tomándolas, en Colombia me han dado muchas oportunidades, por ahora estoy viviendo el momento. ¿Qué quiere ser cuándo sea grande? (jajajaja) Mucha gente mayor se arrepiente de hacer muchas cosas, no sé qué quiero ser cuando grande, pero sé que no quiero llegar a los 40 años y haber desaprovechado todo esto. Esto fue lo que nos dejó de recuerdo en Shock
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos cumple 20 años. La película de Michel Gondry se convirtió en objeto de culto. El filme nos muestra la historia de Joel y Clementine, una pareja que decide borrarse mutualmente de su memoria. Lacuna, Inc., empresa ficticia, ofrece a las personas el servicio de borrar de su mente recuerdos desagradables. La mayor parte de la película tiene lugar dentro del cerebro de Joel mientras está sedado durante el procedimiento de borrado: mientras revive momentos más felices con Clem, se arrepiente de su decisión e intenta frustrar los esfuerzos de los borradores aferrándose a sus recuerdos de la relación.¿Podría suceder en la realidad lo de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos?Si bien estamos muy lejos de un mundo en el que exista una empresa como Lacuna, sí hay avances en lo relacionado con alteración de los recuerdos. Apenas tres años después del lanzamiento de Eternal Sunshine, los investigadores descubrieron que inyectar una “droga para la amnesia” podía aliviar el aguijón emocional de los recuerdos desagradables. Luego, en 2009, un equipo de la Universidad de Toronto logró borrar selectivamente los recuerdos en ratones inyectando una toxina en la amígdala, la parte del cerebro que procesa las emociones.Desde entonces, psicólogos y neurocientíficos de todo el mundo han estudiado varios métodos diferentes para manipular recuerdos, como inhalar gas xenón, tomar propranolol, usar luces y reproducir sonidos para las personas mientras duermen.Un grupo de científicos del MIT cree haber descubierto el gen que "desempeña el papel de extinción de la memoria". Esperan que este trabajo pueda eventualmente conducir a un tratamiento para quienes padecen trastorno de estrés postraumático. o personas atormentadas por recuerdos del pasado. El proceso implica que nuevos recuerdos “sobrescriban” los viejos. El estudio se centró en la observación de ratones a los que se les inhibió el gen en cuestión (llamado “Tet1”). Estos ratones inhibidos recibieron descargas eléctricas (levemente) varias veces cuando los colocaron en una jaula en un intento de crear una asociación; pero, en comparación con los ratones a los que no se les había bloqueado el gen, estos ratones no temieron la jaula cuando fueron colocados en ella en ocasiones posteriores "porque su recuerdo de haber sido heridos ya había sido reemplazado por nueva información". La Dra. Sheena Josselyn codirigió el equipo de investigación que logró borrar los recuerdos de los ratones y ha pasado décadas investigando cómo funcionan los recuerdos. ¿Cree que la tecnología utilizada en Eternal Sunshine algún día podría ser algo común? "Esta es una pregunta complicada", dice citada por Dazed. “Ahora tenemos la tecnología para hacer esto en ratones. "En este momento, no es posible hacer esto en humanos", afirma. "Pero la prueba del concepto está ahí gracias al trabajo de muchos laboratorios de todo el mundo que utilizan roedores [...] Con la ayuda de muchos científicos trabajadores de todo el mundo, la ciencia ficción se está convirtiendo en un hecho científico".
Arabia Saudita anunció que construirá un parque temático basado en la famosa serie animada japonesa Dragon Ball. Este parque temático contará con cinco atracciones de última generación como parte de una programación de más de 30 de ellas. También está prevista la construcción de un Shenron (dragón) de 70 metros de altura, en cuyo interior se encuentra una montaña rusa a gran escala. El parque cubrirá más de medio millón de metros cuadrados, según Qiddiya Investment Company (QIC), que pertenece en su totalidad al fondo de inversión del gobierno de Arabia Saudita.Los planes son parte de "una asociación estratégica a largo plazo" entre QIC y Toei Animation, el productor japonés de Dragon Ball.El parque contará con siete áreas diferentes que recrean varios lugares icónicos de la serie original, como Kame House, Capsule Corporation y Beerus's Planet.En el parque, los visitantes podrán unirse a una aventura con Goku y sus amigos mientras disfrutan del mundo de Dragon Ball, desde el comienzo del anime hasta Dragon Ball Super.Qiddiya es un importante proyecto turístico y de entretenimiento que se está construyendo cerca de Riad, la capital de Arabia Saudita. Es parte de los planes de la nación rica en energía para diversificar su economía alejándose de los combustibles fósiles.¿Por qué algunos fans no están contentos?El anuncio fue recibido con algunas críticas por parte de los fanáticos, citando el historial de derechos humanos de Arabia Saudita.Si bien algunos fanáticos de Dragon Ball recibieron con agrado los planes para el parque temático, otros en las redes sociales cuestionaron la decisión de ubicar la atracción en Arabia Saudita, según informó la BBC. El país ha sido criticado por su historial de derechos humanos, el trato a las mujeres y la falta de reconocimiento de los derechos LGBTQ+.¿Cómo nació Dragon Ball?Dragon Ball se publicó por primera vez en 1984. Se inspiró en la novela china Viaje al Oeste y en las películas de artes marciales de Hong Kong. Inicialmente tenía un enfoque de comedia, pero luego se convirtió en una serie de lucha llena de acción.La historia sigue las aventuras de Son Goku, desde la niñez hasta la edad adulta, mientras se entrena en artes marciales y explora el mundo en busca de las esferas del dragón, siete orbes mágicos que cuando se reúnen invocan a un dragón que concede deseos. A lo largo de su viaje, Goku hace varios amigos y lucha contra villanos.Dragon Ball se ha convertido en una de las series manga más exitosas de todos los tiempos. Su mezcla de comedia y lucha, junto con referencias culturales de la mitología china y los cuentos populares japoneses la hicieron un éxito rotundo.El manga ha sido traducido y lanzado en más de 40 países en todo el mundo. En 2006, cerca de 79.000 fanáticos japoneses votaron a Dragon Ball como el tercer mejor manga de todos los tiempos.En una encuesta de 2007 entre mil personas realizada por Oricon, Goku ocupó el primer lugar como el "personaje de manga más fuerte de todos los tiempos".
Bruce Dickinson, líder de Iron Maiden, se refirió al creciente precio de las entradas de conciertos. "Si quieres ir a ver el espectáculo de U2, creo que costaba 1.200 dólares por asiento en la esfera", dijo Dickinson [transcrito por Blabbermouth]. “No tengo ningún interés en pagar 1.200 dólares para ir a ver a U2 en la esfera, ninguno. Cien dólares, tal vez. Pero para mí lo importante es intentar mantener, por un lado, el tipo correcto de entradas al precio adecuado”.Dickinson sugiere que los asientos frente al escenario – “que todo el mundo dice que deberían ser los boletos más caros” – en realidad deberían ser “los boletos con el precio más razonable, porque dentro de la gente que va a ir al frente del escenario habrá personas que son verdaderos fanáticos, niños, personas que no pueden pagar tanto dinero, pero son las personas que necesitan estar al frente; ellos son las personas que mantendrán viva esta música”.“Y luego tienes a la gente que podría ser fan”, continuó el cantante de metal, “pero quieren traer a su esposa y no quieren pasar demasiado calor, sudar y todo eso. Entonces, hay algunos asientos en la parte superior o algo así, lo que van a elegir, y el precio es diferente”."Los promotores de alguna manera tienen que recuperar su dinero", concluyó Dickinson. “Entonces, es un equilibrio delicado, pero en general, los precios de las entradas se han disparado. Y algunos de los precios de las entradas que la gente paga, bueno, algunos de los precios que la gente paga, para mí, son una locura. Nunca pagaría ese precio, pero claro, probablemente no soy fanático de ese artista en particular. Las personas que lo son, tal vez piensen que vale la pena. Quiero decir, ciertamente con mis espectáculos, siempre hemos tratado de mantener los precios de las entradas dentro de los límites normales. Y lo mismo con Maiden”.Iron Maiden confirmó que estará en Colombia en noviembre de 2024. La agrupación estará en el Estadio el Campín, el próximo 24 de noviembre. Los precios oscilan entre 149.000 y 559.000.
40 años después del lanzamiento de This is Spinal Tap, considerada una de las mejores películas de rock de la historia, pronto veremos This Is Spinal Tap 2, que se encuentra actualmente en producción.This is Spinal Tap es una película estilo falso documental (mockumentary) que se estrenó en 1984 y se convirtió en un clásico de culto. La película sigue la historia del grupo de rock ficticio "Spinal Tap" mientras se embarcan en una gira que definirá su carrera.Spinal Tap está formada por tres músicos de heavy metal que poco a poco se están dando cuenta de que no son tan populares como antes. Aunque en el momento de su estreno This Is Spinal Tap tuvo un éxito moderado, fue después gracias al VHS que el filme cruzó fronteras y se mantiene como objeto de culto. Fue elogiada por la crítica al ser una sátira efectiva del rock y la música.La decisión de hacerlo al estilo de falso documental resultó exitosa y muy innovadora y sigue siendo considerado uno de los mejores "mockumentaries" o falsos documentales de todos los tiempos.Les contamos todo lo que se sabe, hasta ahora, de la película. ¿Quién dirigirá This is Spinal Tap 2?La dirección estará a cargo del director original de This is Spinal Tap, Rob Reiner. ¿Cuándo se estrena This Is Spinal Tap 2?Debido a que Spinal Tap 2 acaba de comenzar a filmarse en Nueva Orleans, actualmente no hay una fecha de estreno para la película. Sin embargo, lo más seguro es que se estrene en 2025. ¿Quién protagoniza This Spinal Tap 2?Repitiendo sus papeles como los tres miembros de Spinal Tap están Michael McKean como David, Christopher Guest como Nigel y Harry Shearer como Derek. ¿Quién más estará en el elenco de This Is Spinal Tap 2?Además de los actores que regresan, recientemente se anunció que los íconos de la música Elton John, Paul McCartney, la cantante de country Trisha Yearwood, Questlove y Garth Brooks se unirían al elenco.También estará el productor, director y músico Questlove quien ganó su primer Premio de la Academia a Mejor Película Documental con Summer of Soul.También se confirmó la presencia Lars Ulrich de Metallica, Chad Smith de Red Hot Chili Peppers, y la actriz Fran Drescher, conocida por The Nanny. ¿De qué trata This Is Spinal Tap 2? La trama de Spinal Tap 2 fue desarrollada por los miembros del elenco Guest, Shearer, McKean y Reiner, y seguirá al documentalista Marty DiBergi (Reiner) mientras se reúne con Spinal Tap para un concierto de reunión. La banda ha estado en pausa durante quince años y está previsto que el concierto de reunión sea su último show.
Con algo de retraso, recuperamos el primer Panorama del año tras haber dedicado un extenso artículo a las 24 apuestas emergentes en Iberoamérica para este 2024. Como todos los meses, los diferentes medios que conformamos la alianza FARO, hemos elegido el proyecto artístico que nos ha parecido más interesante, en este caso surgido a lo largo del mes de febrero. Solo nos queda prometer que la próxima entrega llegará más pronto, y que esperamos disfrutéis de la playlist que hemos confeccionado, con hasta cinco canciones destacadas de cada uno de los países de la alianza.ArgentinaIsla Mujeres | Por IndieHoyEn una discografía plagada de giros, el cuarto álbum de Isla Mujeres no es la excepción. Barato ideal se despega de la electrónica intimista de su excelente trabajo anterior, Correr adentro (2022), para acercarse a la versión más cruda y visceral de la banda platense. Estas nuevas canciones nos invitan a romper las cadenas, a liberarnos de las máscaras y a celebrar la belleza de la imperfección.El proceso creativo detrás del álbum se caracterizó por la convivencia y la improvisación. El trío y su productor Aziz Assé montaron un estudio dentro de su sala de ensayo, donde durante meses exploraron ideas, seleccionaron bocetos y grabaron en un ambiente colaborativo. A lo largo de las ocho canciones que lo integran, el disco propone una odisea desde la decadencia y la violencia hasta la amistad y la búsqueda de la fuerza interior. Sus guitarras cargadas de distorsión cortan el aire de una producción expansiva y de contrastes, creando una experiencia que anima a sentir, pensar y bailar. - Juampa Barbero de Indie HoyBrasilAmaro Freitas | Por Scream & YellCuarto álbum en la carrera del pianista y compositor Amaro Freitas, "Y'Y" (pronunciado "eey-eh, eey-eh" y que significa, en dialecto indígena, agua o río) es el más experimental de sus trabajos. Es un disco que nació después de que Amaro se sumergiera en la comunidad indígena Sateré Mawé de Manaos. La forma que tuvo el pianista de devolver el intercambio de conocimientos fue componer un homenaje a la selva amazónica y a los ríos que cruzan el norte de Brasil, una pieza sonora que combina los ritos indígenas con John Cage a través de la técnica del piano preparado, utilizando fichas de dominó, cinta adhesiva, pinzas de la ropa y semillas, entre otros objetos. Según el propio Amaro, "Y'Y" es "una llamada a vivir, sentir, respetar y cuidar la naturaleza, reconociéndola como nuestro ancestro". Concebido como un disco de vinilo, la cara A de "Y'Y" sirve como expresión de la conexión con la tierra y los ancestros, y la cara B sirve como prueba de las conexiones entre la comunidad global del jazz negro de vanguardia con la presencia de Shabaka Hutchings (Londres), la arpista Brandee Younger (Nueva York), el bajista Aniel Someillan (de ascendencia cubana), el guitarrista Jeff Parker y el batería Hamid Drake (ambos de Chicago). Un disco para escuchar y escuchar y escuchar y escuchar… Marcelo CostaChileCami | Por el equipo de POTQ MagazineEn la nueva era de CAMI la electrónica es la protagonista. Así lo vimos con ANNA Vol1. LOS AMANTES, su EP lanzado a fines del 2023 y también lo escuchamos fuerte y claro en ‘Qué bueno que llegaste’, un hit en toda regla, lanzado durante febrero junto al rapero Bronko Yotte. En diferentes ocasiones, la artista ha comentado sobre su paso de sonidos más folk asociados siempre al pop, a la electrónica y explica que para ella tienen todo que ver, que hay un punto de unión, mencionando el concepto de ritual como algo que les une. Queremos ver qué le depara el 2024 a CAMI, probablemente, nos sorprenda.CubaDaymé Arocena | Por Magazine AM:PMFinalmente salió a la luz Alkemi, el nuevo álbum de Daymé Arocena que cristaliza su esperada colaboración con Eduardo Cabra. Aunque el resultado nos ha dejado con algunas preguntas, no cabe dudas de que se trata de una producción llamada a expandir los límites creativos y de audiencia de la artista. Bajo el sello Brownswood Records, Arocena entrega a través de la decena de temas que componen el disco una amalgama sonora con un fuerte acento afrocaribeño que se resalta con la presencia de invitados como Rafa Pabön y Vicente García. La alquimia de esta Daymé deshinibida nos toma un poco por sorpresa, pero confiamos que su intuición la lleve por buen camino.EspañaCarmen Boza - Encore | Por Mondo SonoroLa linense Carmen Boza es de esas cantautoras que no toma el camino fácil. Ese que se adapta mejor al gusto del oyente, con el subsiguiente riesgo de caer en el denostado mainstream. No. Carmen Boza toma derroteros que precisan escuchas, para solo así empezar a paladear los detalles de su música, pero también de unas letras que pueden ir de lo explícito a lo etéreo, de lo profundo a lo mundano, del cariz confesional a un desgarrador tono vitalista. Todo cabe en el basto imaginario de la artista. “Encore” es el regreso a la palestra de la actualidad de Carmen Boza. Un Ep de seis temas de distinto pelaje, que marcan un nuevo camino para la cantautora tras una sequía creativa de dos años que uno imagina de búsqueda, sanación y de intentar no perder el rumbo en el marasmo de este siglo. Y es fácil adivinar que así ha sido, gracias al diario vital en el que Carmen Boza ha convertido este disco que no esconde trampa ni cartón. No en vano, a lo largo de estas canciones nuestra protagonista va mostrando su desazón social (‘Lambo’), sus luchas internas (“El Altar” o “Anestesiada”), sus dudas (“Libertad o seguridad) y sus rupturas (“Remolino”). Sin olvidar tampoco ese halo de esperanza necesario para seguir en la brecha (“San Juan”). Y lo hace con un flow vocal marca de la casa, que va adaptando a las diferentes temáticas para darle a cada canción aquello que en realidad necesita, dotándolas de múltiples personalidades que son las suyas propias. Sergi MarquésUruguayLos Hermanos Láser | Por Kristel Latecki de PiiilaDesde su fundación en 2011 –directamente de las cenizas de otra gran banda de los 2000, Vieja Historia– Los Hermanos Láser han sido fundamentales en la creación de un sonido indie montevideano que fusionó una sensibilidad y gancho pop con elementos clásicos del folk, más una saludable dosis de furia rockera en el vivo, y una cuidada atención a la artesanía de las canciones. Y es así que son precisamente las canciones su gran fuerte. Las que hicieron de su disco debut (homónimo, 2013) un trabajo intachable, que los llevó a tocar junto a innumerables bandas, ganar varios premios e influenciar a una generación.Once años después vuelven con un tercer disco donde demuestran –con total humildad– su envidiable facilidad para crear melodías, frases y observaciones memorables. Este Paisaje Fósil es una apuesta a la familiaridad pero que deja entrever una madurez inevitable. Los rasguidos folk y las infecciosas armónicas ahora dan lugar a capas de sintetizadores. Se canta sobre errores, sobre culpas; sobre volver a casa y al mismo tiempo, no extrañar lo que uno fue. Es un disco que –haciendo juego con su nombre– se va revelando a medida que la escucha profundiza, encontrando facetadas, sutiles y preciadas canciones.Colombia Maikcel | Por Fabián Páez López de ShockA Miguel Ángel Rojas le dicen Maikcel y su voz es bien conocida en el under colombiano porque ha estado al frente de grupos como Zalama Crew o el colectivo La Pacifican Power. Tiene más de 10 años de experiencia haciendo rap o música del Pacífico colombiano o las dos al mismo tiempo. Su voz siempre sobresalió por su versatilidad y su flow. Y con Maikcel, su proyecto solista que recién empezó hace un par de años, está estirando su potencial. ‘Ambrustic Boy’ es su primer álbum y tiene 13 cortes en los que se mueve con soltura por los afrobeats, el trap, el R&B y el rap; casi siempre guiado por la cadencia de la marimba de chonta, instrumento insigne del Pacífico colombiano. El título de este primer álbum está inspirado en una de las canciones del primer grupo de rap colombiano en publicar un álbum, Los generales R&R. Y también es una declaración de la personalidad y la forma de hacer música de Maikcel, desde la alegría ambrústico, dice, significa estar bien.