Por primera vez en Colombia, en vivo, y con los instrumentos originales que la leyenda del jazz estadounidense Charles Mingus hubiese querido haber tenido a la mano, se celebrarán los 42 años del proyecto que unió por primera vez a un jazzista de primera línea de los Estados Unidos con el sonido vernáculo de Colombia por excelencia: la cumbia. ‘Cumbia & Jazz Fusion’ fue un proyecto de 4 canciones que lanzó el contrabajista y compositor de jazz Charles Mingus en 1976. Mingus fue una figura clave en las luchas contra el racismo y un representante de la vanguardia en el jazz. Compartió orquesta con el gigante Duke Ellington y grabó también con otros nombres importantes como el pianista Don Pullen y el trompetista Jack Walrath. El domingo 23 de septiembre, en el Festival Jazz al Parque, revivirán estas piezas los músicos colombianos que colaboraron en su momento con uno de los más grandes compositores de jazz.
La carrera de Lina Posada no es nueva, todo lo contrario. Ella ha perpetuado su voz en tarimas pequeñas, medianas y gigantes como la de Jazz al Parque y desde hace años viene recorriendo, a pulso, el sendero de un artista independiente en Colombia. Por eso que lidere Hello Yak no es una sorpresa, hace tiempo esperábamos escuchar su voz en una banda y el milagrito se ha cumplido. Esta mezcla de jazz, country, surf y rockabilly es el desenlace de todas las influencias de Lina en una especie de “mini big band” que entre sus filas tiene a músicos virtuosos que le hacen honores a canciones llenas de poder rockanrollero como Plutarco Guío, Carlos Cañón, William Suárez, entre otros. El camino es el álbum debut de esta banda y queremos que ustedes escuchen tanto como nosotros está banda que es carne fresca, puro deleite. CARNE FRESCA
El Silencio Jazz Club se presentó en sociedad con un nombre de lujo y de letras doradas: el ganador a Mejor Álbum Vocal de Jazz en los Grammy 2017, Gregory Porter. Con la primera función en Bogotá el 4 de octubre y la que se hará en Medellín este jueves 5, el proyecto cumplió con la promesa de repensar los conciertos a los que estamos acostumbrados y ofrecer una experiencia multisensorial que, a fin de cuentas, termina engrandeciendo la música. Fotos: Alejandra Mar // @alejandra.mar Antes y después del concierto de Gregory Porter el Silencio Jazz Club había preparado y diseñado dos experiencias diferentes. El Chamorro Music Hall fue dividido en dos espacios: el espacio con la tarima y la silletería donde se hizo el concierto y que solo se abrió a las 9:30 de la noche, y una antesala que recibió a los invitados. Este espacio de recepción fue diseñado por la reconocida directora de teatro y de arte Laura Villegas (directora de la épica 13 Sueños que hace unos años se tomó el Espacio Odeon y, recientemente, montó la escenografía de Macbeth en el Teatro Colón) con un montaje que incluía sillas voladoras, mapping, cuatro pasarelas para bailarines y un cubo central sin paredes, solo marco, que sirvió como escenario para un ensamble de los mejores músicos de jazz de la escena local. Mientras tanto, los asistentes también pudieron disfrutar de una experiencia gastronómica diseñada por los chefs Juan Felipe Camacho y Alejandro Fonseca. Por su parte, Porter hizo lo suyo. Demostró de sobra por qué es quien es actualmente en el mundo del jazz. Abrió con la reconocida Holding On, popularizada por ser la colaboración que hizo con Disclosure, y presentó lo mejor de sus discos Take Me To The Alley (2016; ganador del Grammy), Liquid Spirit (2014) y Be My Monster Love (2013). Cerró con un cover de la popular Quando, quando, quando resumiendo de la mejor manera un concierto donde demostró su versatilidad, la potencia de su voz, la gran banda que tiene detrás y la posibilidad de transitar desde el jazz hasta el pop con total naturalidad. Para Silencio Jazz Club quedan buenas lecciones luego de este primer ejercicio. Sí se puede montar una experiencia multisensorial y diversa que amplifique el poder de la música. Es muy bueno ver reunidos a talentos de muchas disciplinas para celebrar la creatividad colombiana y ponerla a la par de los nombres más fuertes de la música internacional. Evidentemente, hay que mejorar cosas como los ingresos o la repartición de la comida, pero luego de este primer envión, celebramos la llegada de este club.
Este mes la magia del jazz resuena por el país en muchos festivales. Dele play a esta tanda de estrenos jazzeros que le inyectan bríos al género. Por Jenny Cifuentes // @Jenny_Cifu Este mes la magia del jazz resuena por el país en festivales como Ajazzgo en Cali, Barranquijazz en ‘La arenosa’, Pasto Jazz, Mompox Jazz Festival, Medejazz en Medellín, Jazz al Parque y el Festival de Jazz del Teatro Libre en Bogotá, sumados a encuentros universitarios en varias ciudades. Eventos en los que, además, queda claro que el jazz nacional es efervescente y se desborda con una corriente empujada por creadores hiperactivos, porque los jazzeros locales no paran: tocan, graban, se expanden y se comparten, mutan y toman riesgos con un latente tráfico de ideas. Dele play a esta tanda de estrenos jazzeros que le inyectan bríos al género y ponen a flotar en el aire. La batalla de Arjuna - Nowhere Jazz Quintet + Dj Trucha El grupo bogotano, iluminado por el hard bop, el jazz modal, la música del mundo y la vanguardia, marcado por el sonido de Snarky Puppy, Joshua Redman o The Band New Heavies, y que funciona desde 2009 piloteado por el baterista Juan Camilo Anzola, luego de sus trabajos Nuevo Rumbo (2011) y En vivo en el Sinú Jazz Festival (2015) ofrece un corte con transfusiones de la electrónica que desata delirios. Véalo en el Festival de jazz del Teatro Libre Bogotá. Lluvia en la ventana - Sultana Club Maniáticos de las exploraciones rítmicas y sonoras, y de la unión del jazz y la música del mundo con toque valluno, el percusionista Harold Orozco, el bajista Felipe Medina y el guitarrista Andrés Pinzón, como parte de sus Tiny apartment sessions, presentan un tema que deambula en los umbrales del rock. Escúchelos en Ajazzgo. Campoamalia - Hermanos Menores Tras debutar con el EP Entonces vi dos medusas (2016), el trío capitalino, adicto a la experimentación e improvisación, y con un consumo indiscriminado de noise, ambient, drone, punk y música andina nacional, ofrece un tema con nombre de la batalla que se libró en 1861 en inmediaciones del municipio de Subachoque (Cundinamarca), dedicado a la perpetua violencia de Colombia y que incluye extractos del documental Chircales (1972) de Marta Rodríguez y Jorge Silva. De los recomendados en Jazz al Parque. Tinitus - Kike Mendoza Psicosis jazzera la que produce el nuevo disco de este duro de la guitarra (Suricato, Los Toscos) quien junto a sus habituales compañeros: el baterista Camilo Bartelsman y el bajista Santiago Botero, se unieron con el cuarteto de cuerdas Q-Arte, para dar un golpe directo al oído con efectos secundarios exacerbados por rasgos del free, música de cámara y una exhaustiva experimentación. ¡Sí suena! - Manteca Blue & The Latin Corner En Cali se armó un tremendo colectivo de virtuosos músicos bajo la batuta del pianista Daniel Gutiérrez que debuta con el álbum ¡Sí Suena!, que deja los reproductores con las agujas en rojo. Exhibiendo invitados de lujo: el pianista Edy Martinez, el saxofonista Jacobo Vélez (La Mambanegra) o William Angulo (Herencia de Timbiquí), entre otros, este combo resopla fuego y noquea con su sabor latino. A toda costa – Oscar Acevedo Uno de los pianistas grandes ligas del jazz en el país, con más de tres décadas de carrera, hoy, junto a Juan Anzola, Kike Harker y William Pérez, ofrece una nueva producción lanzada en formato físico. Un viaje hipnótico con mucha identidad nacional e inspiración que emana de sus vivencias como profesor. Quien no cree que un profe puede enfurecerse tanto por el retraso de sus estudiantes a tal punto de componer una poderosa pieza mientras llegan, aquí tiene la prueba. Véalo en vivo en el Mompox Jazz Festival. @oscaracevedog Pa´qué más - Quinteto Leopoldo Federico Hace 6 años, músicos bogotanos adoptaron el nombre de una figura del tango y armaron un quinteto para sus expresar sus pasiones por el género y tocar música tradicional colombiana en formato de tango con visos jazzeros. Su álbum debut Bogotá – Buenos Aires (2015) fue nominado al Grammy Latino. Ahora presentan una placa que se pasea por géneros como bambuco, pasillo o carranga y resuena bellísimos cortes entre los que resaltan Cuando era Triste y el que da título al trabajo. Estarán en la tarima de Pasto Jazz. Detrás del Sol- Suricato Luego de las placas Remolque Juguete (2011) y Rosario de Plumas (2013), el cuarteto bogotano formado por la cantante María Mónica Gutiérrez (Ságan), y brillantes instrumentistas: el guitarrista Kike Mendoza, el bajista Kike Harker y el baterista Jorge Sepúlveda, llega con una tercera producción de impecable factura, copada de brebajes alegres de jazz, pop, y sonidos de la tradición nacional que embrujan. @suricatomusica La Culpable – Etc Big Band ¿Quiere saber cómo suenan los Aterciopelados en versión big band? Este combo lo hizo posible, en su interpretación de La Culpable, tema que incluyó la consagrada banda en su disco La Pipa de la paz (1996). Con la dirección y arreglos de Diana Echeverry, este homenaje a los Atercio, cala con sus vientos, teclados, cuerdas y percusiones. @etcbigband
La lista de músicos que abandonaron este mundo es cada vez más larga. Esta vez, perdimos a uno de los más prolíficos bateristas de jazz fusión, Alphonse Mouzon. Uno de los interpretes en Weather Report y quien grabó con nombres gigantes como Herbie Hancock. El músico falleció el domingo en su casa de Los Ángeles, según informó el New York Times. Tenía 68 años y según su hijo, Jean-Pierre Mouzon, murió de un paro cardiaco. Había estado luchando contra una rara forma de cáncer desde septiembre. Nacido en Charleston, Carolina del Sur, Mouzon fue famoso por integrar el Weather Repor. Continuó su ascenso con el grupo de fusión jazz-rock de Larry Coryell, Eleventh House, con quien había lanzado cuatro álbumes de 1973 a 1975. Más tarde, llegó al estudio para ayudar en proyectos de Miles Davis y Roberta Flack, así como Herbie Hancock. Mouzon, que también actuó junto a Stevie Wonder, Eric Clapton, Jeff Beck y Carlos Santana, publicó más de 20 de sus propios álbumes en solitario. Su más reciente fue Angel Face 2011, una colección de 11 años en la fabricación.
En septiembre y octubre, músicos de la tropa jazzera y experimental, son protagonistas de festivales como Jazz Al Parque, Medejazz, Ajazzgo, Barranquijazz, Pasto Jazz, Sinú Jazz Festival, o el Mompox Jazz Festival, que se celebran en diferentes lugares del país. El jazz en Colombia es efervescente. Virtuosos improvisadores, diestros instrumentistas y talentosos compositores toman riesgos con un latente tráfico de estilos que se plasman en registros cargados de todo tipo de mestizajes, por eso, les traemos una tanda con material nuevo. Disfrute su viaje con estos brebajes.Por: Jenny Cifuentes @Jenny_Cifu // Foto: www.flickr.com/photos/pedrosimoeLive at Sinú Jazz Festival - Nowhere Jazz Improvisadores que se baten a duelo mientras la audiencia flota en decibeles, atestiguando cómo a los músicos se les multiplican los brazos. Un trip jazzero colmado de experimentación y virtuosismo por cuenta de creadores hiperactivos, es este disco grabado en vivo en el Sinú Jazz Festival 2015 (evento que se realiza en Montería, Córdoba). Los culpables de tremendo voltaje: El baterista Juan Camilo Anzola, el saxofonista Juan Felipe Cárdenas, el contrabajista William Suárez, Adrian Herrera en el piano, y Pavel Zuzaeta en la trompeta y en las máquinas DJ Trucha. Óigalo que es poderoso. <a data-cke-saved-href="http://nowherejazzquintet.bandcamp.com/album/live-at-sin-jazz-festival" href="http://nowherejazzquintet.bandcamp.com/album/live-at-sin-jazz-festival">Live at Sinú Jazz Festival by Nowhere Jazz Quintet</a>Facebook.com/NowherejazzquintetPensamiento, Proyecto Colombia - Rachel TherrienEsto suena cálido, delicioso. La trompetista canadiense Rachel Therrien fue cerebro de un proyecto en el que un parche de doce músicos duros de diferentes lugares del país, grabaron en vivo once temas en los que se oye currulaos y mapalés conquistados por el jazz. Implicados en estas maniobras sonoras aparecen entre otros, el saxofonista Jacobo Velez (La Mambanegra), el pianista Holman Alvarez, el guitarrista Carlos Peralta, el bajista Javier Pinto, el baterista Ramón Berrocal, el marimbero y percusionista ‘La Wey’ Segura, e invitados como Juan Carlos Puello ‘El Chongo’ en la percusión y Mauro Castillo en el trombón.<a data-cke-saved-href="http://racheltherrien.bandcamp.com/album/pensamiento-proyecto-colombia" href="http://racheltherrien.bandcamp.com/album/pensamiento-proyecto-colombia">Pensamiento: Proyecto Colombia by Rachel Therrien</a>Facebook.com/Rachel.Therrien.Quintet Más allá de las Montañas - Ricardo GalloEl pianista bogotano radicado en Nueva York, reseñado en medios grandes ligas del jazz como Down Beat, cabeza de varios proyectos, y que ha añadido sulfuro a sus desmanes pasionales con el piano (muestra de ello, cortes muy sonados en el circuito: Inseguridad Democrática o Agro Ingreso Seguro entre otros), presenta su primer álbum en solitario. Un bellísimo disco que incluye piezas compuestas por él, y una versión del tema Una copla me ha cantado de la folclorista chilena Violeta Parra. Un registro de piano solo para aterrizar más de una vez. <a data-cke-saved-href="http://ricardogallo.bandcamp.com/album/m-s-all-de-las-monta-as" href="http://ricardogallo.bandcamp.com/album/m-s-all-de-las-monta-as">Más allá de las montañas by Ricardo Gallo</a>@bluegalloCantor Quartet # 2 - Als EcoInspirado por genios creadores como Philip Glass, este ensamble que se dedica a la música contemporánea, el minimalismo y lo experimental, gestado en Bogotá hace una década lanza una grabación que incluye una parte de la serie Cantor Quartets del compositor holandés Antoine Beuger, ejecutada con sintetizadores, saxofón y vibráfono. Para abrir las orejas, y adentrarse en profundos universos sonoros. Facebook.com/EnsamblealsecoAusencia - Ensamble TrípticoBandola, piano, bajo y batería unen en una misma ecuación bambuco, pasillo, guabina, aires de los llanos colombo venezolanos y elementos jazzeros por cuenta del cuarteto que con dos pasados álbumes en su expediente: Prólogo (2007) y Zumbatómico (2012), hoy presenta este corte de cuidadosa factura que reluce las cuerdas.Facebook.com/TripticoGil e Hamilton - O´EncontroEl guitarrista Edwin Ospina y los percusionistas John Mario Londoño y Juan David Castaño, estudiosos de los ritmos tradicionales colombianos, y quienes han estado en las filas de proyectos como La Revuelta, se encontraron con el violinista brasilero Ricardo Herz, y registraron una sesión que mezcló currulao, cumbia, forro y samba. El maridaje musical en el que resuenan maracas, bombo, guitarra, redoblante y violín, fue condensado en el disco O'Encontro grabado en vivo, lanzado en el pasado Festival Distritofónico.https://www.facebook.com/juan.d.castano.169Retrato - Urpi Barco Retrato, sucesor del disco Sueños (2013), es el nuevo álbum de la talentosa cantante bogotana que años atrás hizo parte de las filas de la agrupación Comadre Araña. Guitarra, bajo, saxofón, percusión y violonchelo acompañan la voz de Urpi y evidencian su filiación con la música tradicional colombiana y el jazz, en composiciones originales e interpretaciones de temas latinoamericanos. La placa luce además, invitados como el baterista Marcelo Wolosky, el bajista Andrés Rotmistrovsky, y las cantautoras Georgina Hassan y Marta Gómez, con quien ejecuta el primer sencillo Dime si eres tú. @urpibarcoMinerva Tape 4 - Man On The Living Road Lo suyo es el post rock y la experimentación. Sus cerebros tienen marcas de free jazz, metal, ambient, rock industrial y sicodelia. Despegaron iluminados por el sonido de Nine Inch Nails, Mike Patton, John Cage o Tangerine Dream, y apelando a lo análogo y a lo digital, con sintetizadores, baterías y cuerdas, arman atmósferas que ponen a flotar a cualquier desprevenido. Por estos días están produciendo sesiones improvisadas a las que llamaron Minerva Tapes, denle play a su injerto número 4. https://www.facebook.com/manonthelivingroad
Cuando Guru publicó en 1993 el primer volumen del Jazzmatazz lo introdujo con unas palabras en las que explicaba la mezcla de sonidos que estaban a punto de empezar a sonar. En ese entonces, él era el primer anfitrión de una “fusión experimental de hip-hop y jazz”. Era una alianza de sonidos que, decía, cuajaban porque ambos estaban “basados en la realidad”, eran música muy real.(Vean también: La calle en dibujitos, 10 videos animados de Hip Hop)Fue el comienzo de una complicidad rítmica que pocos retomaron, pero que provocó piezas enormes para la música. Ambos géneros fueron herederos de la música afro y nacieron en medio de la marginalidad, pero se bifurcaron a la hora de entonar y de producir melodías. Cuando se volvieron a juntar, resultaron algunas de las producciones más finas de la historia del hip hop.Estos son diez artistas que la rompieron haciendo jazz y hip hop Guru - Jazzmatazz
Después del lanzamiento del disco ‘El Callegüeso y su mala maña’ de La Mambanegra y ‘Cantar pa’ mi pueblo’ de Monophonicos, terminamos el mes con un nuevo Shock Presenta. En esta oportunidad el Teatro Estudio recibió a Fatso, el septeto que desde marzo tiene rondando en las emisoras del país su segundo sencillo, y que se ha presentado en tarimas como Jazz al Parque y Festival Centro 2015.Durante más de una hora las descargas de jazz se hicieron presentes sobre la tarima del teatro donde Fatso nos presentó su larga lista de sencillos que han logrado posicionarlos dentro de la escena musical independiente del país.Aquí les dejamos las mejores imágenes de lo que fue este Shock Presenta.Fotos: Alejandro Gómez
Ocho agrupaciones de jazz se presentarán en vivo por seis bares de la ciudad entre el 10 y el 27 de septiembre.Septiembre inunda con los sonidos del jazz parques y escenarios culturales de Bogotá, el encanto del contrabajo, la fuerza de los vientos y el ritmo de la percusión circularán en las noches de septiembre por seis bares de la ciudad que se caracterizan por programar este género musical, y que por ello hacen parte de Arte Conexión, la red de arte en vivo del Instituto Distrital de las Artes. Este circuito, que se realiza en el marco de la decimonovena versión del Festival Jazz al Parque 2014 y el Festival Internacional de Jazz de Bogotá, permitirá que ocho agrupaciones deleiten a los amantes de esta música en escenarios alternativos de la red de arte en vivo de la ciudad. Toques en vivo de Tangram, Oscar Caucaly Sexteto, Raquel, B Flat y Jorge Currea Penta, entre otros hacen parte de esta imperdible programación. (HAGA CLIC AQUÍ PARA CONOCER LA PROGRAMACIÓN)
Septiembre es el mes en el que más suena jazz en Colombia. Aunque el entorno del jazz bogotano, en sus orígenes, estuvo ligado a la vida bohemia y nocturna -tal y como sucedió con los orígenes del jazz en Nueva Orleans-, hoy pareciera que la oferta musical de este género se reduce a los festivales que se celebran en esta temporada. Desde hace 11 años se celebra por estas fechas el Circuito de Jazz Colombia, conformado por la unión estratégica de los festivales de jazz Barranquijazz (Barranquilla), AJAZZGO (Cali), Medejazz (Medellín), Pastojazz (Pasto), Jazz del Teatro Libre y Jazz al Parque (Bogotá). Este año más de 150 músicos participarán de esta fiesta de la música. Pero en Bogotá no solo hay jazz en septiembre. Eso sí, la vieja guardia fue más prospera. En los años 70, existió una escena nocturna permanente de clubes de jazz que mandaba la parada en el público capitalino. Ahora son pocos los que quedan. Sin embargo, de alguna forma, contribuyen para que músicos y espectadores puedan ir al jam de cada noche con estos sonidos, que han sido comúnmente representados como foráneos y elitistas, pero que seguro contienen los niveles más altos de sofisticación musical. Conozca cuales fueron, y son, los lugares que le ponen el jazz a la noche bogotana.Recordemos primero a los viejos…A finales de los 60, el entretenimiento nocturno con música en vivo en Bogotá ofrecía dos opciones: los elegantes grilles con oferta gastronómica a los que asistían en su mayoría personas viejas, y las discotecas de la recién llegada ola rockera que se concentraron en Chapinero. Muy tímidamente, en medio de este panorama, surgieron los primeros dos bares que ofrecían jazz en vivo. El primero fue el Chez Edy, en la carrera séptima con calle 28, y el segundo, Fredys, en la calle 24 con décima. Ya en los 70, en la calle 85 con carrera 15, se abrió el legendario Hippocampus. Las luces tenues, el humo, y los músicos iluminados detrás de la barra hicieron de este lugar, que duró cinco años con sus puertas abiertas, uno de los más tradicionales de la escena jazzística de la ciudad. Para 1976, el lugar de moda se llamaba Doña Bárbara. Ubicado en la calle 81 con carrera 11, tuvo como protagonista a un cuarteto de jazz dirigido por Gabriel Rendón: el Grupo Café.Los setenta fueron la década dorada de los clubes de jazz. En los 80 y principios de los 90 abrieron nuevos clubes que fueron reconocidos y tuvieron un éxito pasajero: El Jazz, en la calle 91 con 14; La Cacerola y La Pola en la calle 86; El Jazz Bar 93 en el Centro 93; y el Zanzíbar, que abrió sus puertas durante 1993 en el sector de la calle 82, antes de que se volviera la calle ruidosa que es hoy. Este último bar culminaría con una de las etapas más prosperas de la música Jazz. Después de que cerrara sus puertas, paulatinamente se ha ido perdiendo la vieja costumbre de ver jazz en vivo cada noche. Esa tradición de ir cada semana a ver la misma agrupación en su respectivo club se ha ido perdiendo con el paso del tiempo y con la entrada en escena de los Dj´s. Dentro de la oferta nocturna de Bogotá se ha vuelto cada vez más difícil encontrar un lugar tranquilo y con buena música. Hoy, jazzistas y jazzófilos han encontrado nuevos espacios para reunirse, intercambiar ideas, y pasar las noches con los melodiosos sonidos de esta música que siempre ha encontrado en la noche su escenario predilecto. ¿A dónde ir a oír jazz hoy en día?Los dos únicos lugares que existen hoy en Bogotá dedicados exclusivamente al jazz fueron fundados, coincidencialmente, hace 7 años. Sus respectivos dueños dicen que en los años anteriores no había ningún espacio igual. Son: El Bolon de Verde y el San Café. Estos dos lugares conservan el espíritu de los primeros clubes de la ciudad: Bandas en vivo, sesiones de improvisación, y un inquebrantable aire bohemio. El primero de ellos, el Bolon de Verde, está ubicado en el popular sector del Chorro de Quevedo. Es el escenario principal para músicos y aficionados. De jueves a sábado, cada semana, usted podrá escuchar, sin excepción, una pieza de jazz original, tocada en el Bolon de Verde. Harry Bernal, su dueño, afirma que desde su inauguración hace 7 años, graban todos los conciertos en vivo. Aproximadamente están grabando unos 200 conciertos por año. Cuando no hay música en vivo, lo que suena en El Bolón es la grabación de un concierto anterior.La mayoría de los que asisten allí son músicos, y cuando hay banda en vivo es permitido para todo el que lleve su instrumento sumarle notas a las melodías de los músicos que estén tocando. Hay un colectivo de unos 30 músicos que son los llamados “de planta”, los de la casa. Pero Harry afirma que ha sido tanta la popularidad que ha ganado este lugar, que no es raro ver que lleguen los turistas que se hospedan cerca al bar con sus instrumentos para hacer parte de esta experiencia. El otro sitio, el San Café, es un lugar un poco más tranquilo. Está ubicado cerca al Parkway, en el barrio Palermo. Abren de lunes a sábado y generalmente hay dos presentaciones en vivo por semana. Los miércoles de jams son reconocidos ya son tradicionales entre músicos y aficionados. Además de disfrutar de buena música los asistentes a este bar pueden disfrutar de uno de los mejores cafés de la ciudad. Víctor, su propietario, un aficionado al jazz fusión, dice que próximamente habrá también noches dedicadas al jazz grabado en vinilos. Además de estos dos lugares, están los que, dentro de su repertorio de música en vivo, incluyen una que otra vez a los músicos de jazz. Acá está la lista de estos sitios para que se programe y no le haga falta este ritmo cuando se acabe el mes. Storyville Jazz Café/Calle 55 No.7-15Holofónica/Carrera 4 #12-14Trementina/ Carrera 24 #27-44Matik Matik/Carrera 11 #67-20Cuban Jazz Café/Carrera 7 #12ª-36Smoking Molly/Calle 29Bis #5-74 B&L Piano Pub/ Carrera 4 #66- 03
La Junta de Gobernadores de la Academia aprobó nuevas reglas para la 97ª ceremonia de los Premios Oscar que se celebrará el 2 de marzo de 2025. Banda sonora originalHubo cambiosen la categoría de banda sonora original. Ahora, hasta tres compositores pueden recibir estatuillas individuales del Oscar si todos contribuyen significativamente a la música de una película. Esto marca un cambio con respecto a las reglas anteriores que exigían que los compositores se presentaran como un grupo, como la banda Son Lux para la nominación a mejor película ganadora por Everything Everywhere All at Once. Jon Batiste, Trent Reznor y Atticus Ross, ganadores por la película animada “Soul” (2020), también recibieron una única estatuilla, según recuerda Variety. Los autocines no serán sede calificadaLa Academia ya no reconocerá los autocines como sede calificada para la elegibilidad para los Oscar, una medida adoptada temporalmente en 2020 cuando se cerraron las salas de cine bajo techo. Solo se considerarán para mejor película aquellas películas que cumplan con los requisitos de exhibición ampliados que se anunciaron en 2023. Estos incluyen una exhibición de clasificación de una semana en uno de los seis mercados de EE. UU. seguida de una exhibición de siete días, ya sea consecutiva o no consecutiva, en 10 de los 50 principales mercados de EE. UU. dentro de los 45 días posteriores al estreno inicial.La cuota de inclusiónPara ser consideradas para el premio mayor de los Oscar, las películas deben presentar el formulario de Inscripción a los Estándares de Inclusión y Representación de la Academia (RAISE), cumpliendo al menos dos de los cuatro estándares. Guion En las categorías de guión, la presentación del guión final del rodaje ahora es obligatoria para su consideración como original o adaptado.Mejor película animadaLas películas animadas se pueden presentar simultáneamente a Mejor Película Internacional y Mejor Película Animada. Esto simplificará el método de calificación para este último y ayudará específicamente a las películas animadas internacionales que tal vez no tengan acceso a la distribución en Estados Unidos.Premios del gobernadorTambién se han realizado cambios en los Premios del Gobernador. El Premio en Memoria de Irving G. Thalberg, que reconoce el trabajo consistentemente de alta calidad de un productor creativo, ahora se entregará como una estatuilla del Oscar en lugar del tradicional busto de Thalberg. 2 premios cambian su nombrePor último, se cambió el nombre de dos premios de los Premios Científicos y Técnicos: el Premio Gordon E. Sawyer ahora es el “Premio a la Trayectoria Científica y Técnica” y el Premio John A. Bonner pasó a llamarse “Premio al Servicio Científico y Técnico”.
La serie Shogun, que en Latinoamérica está disponible en Disney +, ha sido un éxito rotundo. La saga épica de guerra, pasión y poder ambientada en el Japón feudal es una adaptación original de la novela best seller de James Clavell. Shogun obtuvo 9 millones de visualizaciones a nivel mundial en su episodio de estreno, lo que la convirtió en el estreno de la serie guionada de entretenimiento general número uno en el mundo. También debutó con un impresionante 100% en Rotten Tomatoes, el portal de calificación de películas. Si bien la serie está basada en un libro, también mezcla elementos de la realidad y la historia de Japón. Repasamos qué es real y qué es ficción. Shogun: ¿Qué es realidad y qué es ficción? La trama central real de Shogun es puramente ficticia. Sin embargo, Clavell se inspiró en gran medida en personajes y acontecimientos reales de la historia japonesa, de acuerdo con Movieweb. Aunque Toranaga es un personaje ficticio, se inspira en gran medida en la figura histórica de Tokugawa Ieyasu, un ex shogun de Japón. Shogun es un jefe supremo militar que ejerce el poder absoluto en nombre del emperador.Durante el período comprendido entre 1467 y 1615, Japón estuvo envuelto en guerras casi constantes. Fue Tokugawa Ieyasu quien encabezó los esfuerzos para unificar Japón y finalmente ascendió a la posición de Shogun en 1603. La asunción del poder de Ieyasu marcó el comienzo del Shogunato Tokugawa, que duró de 1603 a 1868. Los rasgos y antecedentes de Toranaga son muy paralelos a los de Ieyasu. ¿John Blackthorne fue real?William Adams, la contraparte histórica de John Blackthorne, llegó inesperadamente a las costas japonesas junto con un barco lleno de armas de fuego.Adams fue el primer inglés en poner un pie en Japón, y el esquema básico de la historia de su vida refleja fielmente el del personaje ficticio Blackthorne. Se desempeñó como piloto de un barco holandés que transportaba a los pocos supervivientes de un viaje comercial que salió mal, tanto en sentido figurado como geográfico. Al igual que Blackthorne, Adams dominaba el portugués, lo que le permitía conversar con Tokugawa a través de los intérpretes jesuitas que se habían esforzado por difundir el cristianismo entre la población japonesa desde mediados del siglo XVI, de acuerdo con Indiewire. ¿Toda Mariko fue un personaje real?En el episodio 5 de Shōgun, hay un vistazo al pasado de Mariko, que se inspira en la figura real de Hosokawa Gracia.Al igual que la representación en la novela Shōgun de James Clavell de 1975, la Mariko representada en la pantalla está basada en Hosokawa Gracia, una aristócrata japonesa que abrazó el cristianismo.Nacida como Akechi Tama en 1563, era hija de Akechi Mitsuhide, un destacado señor de la guerra y fiel seguidor de Oda Nobunaga (uno de los unificadores clave de Japón durante el período Sengoku, anterior a Toyotomi Hideyoshi, conocido como el Taikō en la serie). Posteriormente, Mariko se casó con Hosokawa Tadaoki, otro señor de la guerra y aliado de Nobunaga, en 1578, y juntos tuvieron cinco hijos.A diferencia de lo que muestra la serie, es difícil que Gracia haya conocido a Adams. De hecho, el improbable romance de Mariko y Blackthorne fue criticado por algunos historiadores cuando Shōgun salió a la luz por primera vez, según reporta Elle. ¿Por qué los portugueses quieren muerto a Blackthorne?Un conflicto central en Shōgun son las diferencias religiosas. No es sólo una cuestión de europeos católicos versus protestantes; También hay conflictos internos entre los cinco regentes, dos de los cuales han abrazado el catolicismo, alineando sus intereses con los portugueses.Este cisma religioso refleja tensiones históricas entre William Adams y Tokugawa Ieyasu. Con la llegada anual del Barco Negro a Japón llegaron los misioneros jesuitas junto con productos comerciales como sedas y armas de fuego."Para los portugueses, el comercio y la expansión del cristianismo estaban entrelazados", explica Frederick Cryns, consultor histórico de la serie, citado por History Extra. "Los daimyos en Kyushu [donde atracó el barco] estaban abiertos a convertirse al cristianismo y que sus seguidores hicieran lo mismo si eso significaba obtener ventajas en el comercio"."En el lado opuesto, figuras como Ieyasu, que una vez escribió al virrey de México afirmando la adhesión de Japón a las deidades sintoístas y budistas, rechazaron firmemente el cristianismo en su dominio".En la historia real, el difunto taiko Toyotomi Hideyoshi compartió este sentimiento, viendo el cristianismo con sospecha debido a la influencia de los jesuitas sobre los señores de la guerra locales. Si bien prohibió oficialmente el cristianismo, su aplicación fue laxa por temor a repercusiones en el comercio portugués.
Jennifer Garner, Mark Ruffalo y Judy Greer, miembros del elenco de Si tuviera 30 (13 going on 30), hicieron una pequeña reunión para celebrar que la icónica comedia romántica cumplió 20 años. La película sigue a la adolescente Jenna Rink (Jennfier Garner). En la noche de su fiesta de cumpleaños número 13, el deseo de Rink de tener "30 años, ser coqueta y próspera" se hizo realidad cuando su personaje se transformó en una mujer de 30 años, aunque su mente sigue siendo la de una niña de 13. "¡Hola! ¡Gracias por ver nuestra película y amarla!” dijo Judy Greer, la actriz, que interpretó a Lucy Wyman en la película de 2004. "#13 llendo a 30. Veinte años. Somos tres Boomers desafiando Zoom, porque queremos agradecerles. 👴👵👵 A todas las personas que han amado esta película junto con nosotros: gracias. Te vemos, te apreciamos y te amamos. ¡Por siempre treinta, coqueta y próspera! 💕”, se subtituló la publicación Los actores también reflexionaron sobre la vida en 2024 y cómo ha cambiado todo desde el estreno de la película. “Hace veinte años, teníamos pocos teléfonos celulares”, dijo Garner. Greer señaló específicamente que en ese momento se trataba de "teléfonos plegables".Ruffalo reflexionó sobre algunos de sus papeles más importantes y dijo que interpretar a Matt Flamhaff en 13 Going on 30 siempre se lleva la palma.“Hay dos tipos de personas en este mundo. Hay gente de Hulk, y hay gente de Si tuviera 30, y yo recibo cantidades iguales”, dijo Ruffalo, quien ha aparecido como Hulk en algunas películas de superhéroes. El elenco no podría celebrar 13 Going on 30 sin la nostalgia adicional de hacer juntos el baile de Thriller, la canción no oficial de la película. Si tuviera 30: historia de la exitosa comedia románticaEstrenada originalmente en 2004, la película fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 37 millones de dólares, recuadó más de 96 millones en y se convirtió en clásico de culto. "13 Going on 30 es una rara comedia comercial que te deja fascinado por lo que sólo puede suceder en las películas", dijo en su momento una crítica de la película. El 28 de septiembre de 2023, se anunció una adaptación teatral de la película en el Reino Unido. El espectáculo incluirá varias presentaciones en talleres públicos en el Battersea Arts Centre de Londres, antes de la inauguración de la producción completa, estimada para 2025.
Desde el estreno de su primer tráiler en el Super Bowl 2024 sabíamos que veríamos a Deadpool & Wolverine en pantalla. El tráiler oficial, ya disponible, nos ofrece un vistazo a lo que podemos esperar de esta épica aventura protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh JackmanEs la la tercera de la trilogía de Wade Wilson/Deadpool, la única película del Universo Marvel basada en un cómic que saldrá este año y el primer reconocimiento explícito de la unión entre los universos Fox y Disney Marvel.A pesar de su papel principal, Wolverine se mantuvo en gran parte oculto en los primeros avances de la película. Sin embargo, el tráiler oficial nos sumerge en la historia del personaje, comenzando con una escena en la que lo vemos bebiendo solo en un bar de su universo. Así es, tendremos una película de multiverso.¿Qué más podemos esperar de 'Deadpool & Wolverine'?Si bien la trama sigue siendo un misterio, el tráiler deja entrever una dinámica cómica entre Deadpool y Wolverine, dos personajes con personalidades diametralmente opuestas pero unidos por un objetivo común. Las bromas sarcásticas de Deadpool y la seriedad feroz de Wolverine prometen una mezcla de acción y humor que cautivará a los fanáticos de Marvel. Deadpool & Wolverine marca el (muy esperado) regreso de Hugh Jackman al papel de Wolverine, junto a Ryan Reynolds.La acción se traslada al Vacío, el mismo lugar desolado que vimos en "Loki". Esta locación parece ser un punto central en la trama, ya que aquí es donde los dos protagonistas se enfrentan. En medio del Vacío, los mutantes han establecido su base de operaciones utilizando el cadáver de Gigant Man, la versión gigante de Ant-Man. Esta guarida improvisada sirve como hogar para una variedad de personajes conocidos, incluyendo a Lady Deathstrike, Azrael, Pyros, Callisto y Toad. Se especula que este podría ser el cuartel general de Cassandra Nova, hermana gemela malvada de Xavier y sus secuaces.Además, este tráiler confirma que Nova será la villana, (o una de ellas) de la película. Así mismo, revela el motivo principal de la película: Deadpool necesita la ayuda de Wolverine para salvar su universo, cosa que el mutante no pudo lograr en su propio universo.Sorpresas en 'Deadpool & Wolverine'Se rumora que saldrán personajes como: Dogpool (versión perruna de Deadpool en otro universo), Doctor Strange, los villanos de X- Men, un guiño a Iron Man y, por supuesto, referencias a Loki.La película llegará a los cines de Colombia el 26 de julio.
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.