La edad primera, hace parte del álbum Sangre Caliente de Los Rolling Ruanas. Es una de las dos colaboraciones que aparecen en el álbum. La agrupación chilena Inti Illimani le imprimió a esta canción los ritmos andinos que complementaban este homenaje a la existencia, a la madre tierra y al universo. Esta época de cuarentena ha motivado a explorar formatos nuevos, que permitan mantener la creatividad y la conexión con el público, por eso las dos bandas desde la distancia hicieron una nueva versión que representa la unión latinoamericana, demostrando que, a pesar de las dificultades, no hay limitaciones para entregar un mensaje musical de aliento y de sanación para seguir adelante. La Edad Primera se grabó y se filmó entre Bogotá y Santiago de Chile, fue mezclada por Fernando Cely; requintista de la banda, masterizada por Julián Guerrero y el video editado por Simón Vallejo.
Esta nueva canción de los ruanas es un adelanto de lo que traerá su próximo álbum de estudio. Con la sensibilidad y la entrega que los caracteriza en sus canciones, Más allá del tiempo, es un tema orgánico que va dirigido a todos los que son sus manos elaboran instrumentos, pero en este caso escogieron como representante de estos artesanos de la música al maestro Orlando Pimentel. Logrando hacer una canción que evoca la magia de las manos que dan vida a la música, un tributo a los fabricantes de instrumentos musicales que durante generaciones enteras han sido el origen de muchas canciones inmortales del folclor colombiano y latinoamericano. ¿Quién está detrás? Los Rolling Ruanas siempre han querido rendir tributo a sus grandes inspiraciones, al campo, la tierra, las tradiciones, pero esta vez era importante reconocer los que están detrás de la elaboración de los instrumentos como guitarras, tiples y requintos, que a diario tienen en sus manos, y que son parte fundamental de su música, por eso esta canción tiene un signifficado especial para ellos. ¿De qué trata? El videoclip retrata muy bien la relación que existe entre Los Rolling Ruanas y el maestro Pimentel, una radiografía que muestra la intimidad de un taller y la complicidad que los une. El video fue realizado por Duck Sessions en el taller del maestro Pimentel en Zipaquirá. ¿A qué suena? Más allá del tiempo, trae una mezcla de sonoridades, que incluyen la rumba carranguera, la cumbia y el huayno, generando un contraste de paisajes sonoros que van desde la alegría, pasan por la nostalgia y le imprimen esa fuerza que siempre ha caracterizado a la agrupación bogotana. ¿Cuándo escucharla? Cuando sienta que necesita que la magia de la música lo envuelva y quiera pensar en los instrumentos que son parte fundamental de todas las canciones.
Juan Diego Moreno, Fer Cely, Luis Guillermo González y Jorge Mario Vinasco, son los protagonistas del nuevo documental musical del Canal Trece. Su música no solo logró fusionar muy bien la carranga con el rock, sino, que logró que llegaran a escenarios que no tenía previstos, como el festival rock al parque, el Teatro Colón, y escenarios y festivales en todo el país. Las nuevas generaciones han caído rendidas ante la carranga y el público tradicional aplaude su interpretación magistral del requinto, el tiple, la guitarra y la guacharaca. Un verdadero homenaje de la música tradicional campesina del altiplano boyacense y su gran influencia rockera. El domingo 04 de noviembre a las 5:00 p.m. durante una hora los televidentes podrán conocer más acerca de Los Ruanas, su propuesta musical, los orígenes y la historia alrededor de su música. Acompañados por la voz de expertos de la industria musical. “Los Rolling Ruanas son un resumen de las experiencias musicales y de la vida de cada uno”, afirma el vocalista y guacharaquero, Juan Diego Moreno. Pero ¿cuál ha sido su trayectoria?, ¿cuáles fueron esos ejercicios de prueba y error, o mejor, prueba y crecimiento personal y profesional para llegar a lo que hoy son? Desde Juan y Fer, hasta el lanzamiento de su tercer disco Sangre caliente, el documental nos muestra el crecimiento de este “ensamble de cuerdas muy característico” como los define el productor Mario Galeano, más conocido por su proyecto Frente Cumbiero, que ha sabido amplificar el rango de las sonoridades nuevas del país. Los Rolling Ruanas, nuevos sonidos de la montaña es un documental lleno de anécdotas, dirigido tanto a quienes han seguido la trayectoria ascendente de esta agrupación como para quienes quieren explorar nuevos sonidos y nuevos proyectos musicales, como esta atrevida propuesta que ha tenido una exitosa evolución
¿Qué tienen en común uno de los grupos más importantes de vallenato en la historia colombiana y los nuevos guardianes de la carranga cundiboyacense? A primera vista muy poco, pero el bajista de Rolling Ruanas encontró un inesperado punto de conexión proveniente de un libro que escribió –Análisis para la interpretación del bajo eléctrico en seis obras del Binomio de Oro–, y que presenta a continuación. Por: Luis Guillermo González // Bajista y guitarrista de @rollingruanas Cuando salía de vacaciones del colegio en Bogotá tomaba camino al municipio de Vélez, Santander. En esos viajes comencé a tener un acercamiento a distintas músicas colombianas y de otros países latinos, de ámbito popular y tradicional, como rancheras, boleros, pop de los 90, baladas, torbellinos, guabinas, cumbias, porros, raspas y vallenatos, que escuchaba en casetes y discos LP en un equipo Shimasu que tenía mi abuela y que era de mucho cuidado. Pero sin duda alguna la música más importante y la que más llamó mi atención en el conocimiento de todos estos artistas, fue la del Binomio de Oro. Mi abuela tenía un LP del grupo del año 1989, De exportación, cuya contraportada tenía una imagen del Binomio en el Madison Square Garden y los créditos de los músicos participantes; entre ellos los del bajista y el guitarrista del grupo, Rangel “El Maño” Torres y Luis Ángel “El Papa” Pastor, respectivamente. Cuando estaba culminando el pregrado de Artes Musicales con énfasis en interpretación de bajo eléctrico, y tenía que hacer la monografía me encontré de nuevo con ese disco y con esos nombres. Ahí decidí investigar sobre la vida de estos personajes y su aporte a la inclusión del bajo eléctrico a la música vallenata. El conjunto típico vallenato estaba conformado por caja, guacharaca y acordeón. Más adelante el bajo acústico llegó al conjunto de música popular de la sabana, dejando atrás la época en la que los bajos eran interpretados por tubas y eufonios, para dar paso al ya conocido contrabajo y posteriormente al “bajo electrónico” (como lo llamaban en la época) de la mano de Antonio Fuentes de Discos Fuentes y Alfredo Gutiérrez de Los Corraleros de Majagual. Cuando Alfredo decide hacer su conjunto solista con la ayuda de Antonio, agrega al grupo al guitarrista caribeño Cristóbal “Calilla” García quien impondría un estilo de interpretar el bajo en el vallenato, llamado “acalillao”. En el Binomio de Oro se resalta la importancia del bajo eléctrico en el vallenato por la complejidad melódica, armónica y rítmica de los patrones que componen cada una de las líneas de acompañamiento en los diferentes subgéneros (paseo, puya, merengue, son, chandé y entre otros) y sus variaciones. Fueron veinte producciones discográficas las que vieron la luz durante los 16 años que duró la unión de Orozco y Romero (de donde viene la palabra “Oro”, del nombre de la banda) y las cuales tuve el privilegio de escuchar canción por canción. Identifiqué cuáles tenían guitarra acústica y/o eléctrica y cómo era la interpretación del bajo, tanto en las que contaban con el instrumento acompañante como en las que no, y realicé un catálogo para mi libro Catálogo de obras grabadas con guitarra acústica y eléctrica por el Binomio de Oro. Ahí entendí que la interpretación del bajo es distinta, más tranquila, más sumisa, más cadenciosa, cuando hay otro instrumento acompañante. Así fue el estilo de interpretar el bajo y la guitarra de los cuatro intérpretes con los que contaba el Binomio: Rangel “El Maño” Torres, José Vásquez, Alcides Torres y Luis Ángel Pastor. Luego de escuchar cerca de doscientas canciones escogí seis de ellas a las cuáles les transcribí la línea de acompañamiento del bajo para analizar la interpretación de los elementos técnicos e interpretativos y características generales en cuanto a la forma, tempo, ritmo, armonía y melodía, así como las técnicas aplicadas a la interpretación del instrumento en ambas manos. Las canciones escogidas fueron La candelosa, La parranda es pá amanecé, Juro que te amo, Olvido y amor, Colombia y el parrandón, repertorio con el cual conocí más profundamente la manera de hacer música de estos grandes e influyentes. Todo este proceso está en mi libro Análisis para la interpretación del bajo eléctrico en seis obras del Binomio de Oro: una mirada al proceso de inclusión del bajo eléctrico al conjunto típico y sus grandes exponentes” con el que me otorgaron el título de Maestro en Artes musicales con Énfasis en la interpretación del Bajo eléctrico en la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, y además recibió mención meritoria. Se puede conseguir en la página de la Editorial Académica Española. Luego de salir de la universidad y tener la fortuna de compartir con varias personas la música en géneros como jazz fusión, rock, salsa y música tropical, y poder aplicar todo lo aprendido durante mi investigación, comencé el camino de Los Rolling Ruanas en donde he tenido la oportunidad de aplicar de forma indirecta todos los conocimientos adquiridos, pero desde la guitarra 7 cuerdas: un instrumento que siempre ha estado presente en mi formación. Acepté este reto con el mayor de los gustos, por lo que representa este instrumento en nuestra cultura. En él he podido implementar varias de las técnicas de la interpretación del bajo vallenato en la guitarra carranguera por su similitud en la posición de la mano derecha en ambos estilos musicales, formas de acompañamiento en los compases ternarios 3/4 - 6/8, uso del recurso percutivo del “bombo” que produce la mano derecha en el puente, entre otros. Es clara la influencia del Binomio de Oro en mi propuesta interpretativa para la guitarra de Los Rolling Ruanas a lo largo de nuestras tres producciones: Origen (2016), La balada del carranguero (2017) y Sangre Caliente (2018). En este momento de mi historia me encuentro de lleno con la ruana al hombro recorriendo el país y otras latitudes con mis hermanos musicales, explorando diariamente en el sonido que tenemos en nuestras manos. Una gran oportunidad para reivindicar tantos años de poca atención y olvido a nuestra música del altiplano, siempre con nuestro estilo, con el formato tradicional que nos caracteriza y sin olvidar de dónde venimos ni las músicas que nos han influenciado por tantos años. Como en mi caso, un rolo en ruana amante del Binomio de Oro.
Los Rolling Ruanas lanzaron hace poco su más reciente álbum, Sangre Caliente, El primer sencillo que conocimos de este trabajo Fan Django, estrena videoclip, este sencillo es una descarga lírica y de guitarras con ritmos que invitan a la fiesta, un fandango moderno, mezclando la música tradicional con nuevos ritmos, el carnaval, y su gran protagonista El Mandingas, un espanto de nuestra cultura popular, que según la leyenda es mitad hombre y mitad bestia. Amante de la fiesta, por eso esta canción también es un homenaje a las fiestas regionales que abundan en Colombia. La producción del videoclip estuvo a cargo de Aware Estudios y la dirección de Santiago López.
Después de varios meses de arduo trabajo en el estudio, Los Rolling Ruanas presentaron oficialmente su nueva placa discográfica, Sangre Caliente. Aunque durante el 2017 estuvieron ocupados girando, por varias ciudades del país, tuvieron tiempo para trabajar en nuevas canciones y en un álbum que define muy bien su sonido y con el que comienzan nuevamente un viaje musical. El álbum está compuesto por trece tracks, donde sobresalen canciones como Fan Django su primer lanzamiento, Sangre caliente, con pequeños matices de cumbia y música del altiplano colombiano, Rajaleña un ritmo propio del altiplano mezclado con líricas, entre otras canciones, que ya pueden escuchar en todas las plataformas de streaming. En el álbum cuentan con colaboraciones de artistas como Inti. Illimani de Chile, Rap Bang Club, y Fémina de Argentina. El pasado cuatro de mayo el Teatro Colón fue el escenario que recibió a los cuatro hijos de la carranga. Un show memorable, poderoso, con un público que seguramente tenía la sangre caliente, con las nuevas canciones de Los Ruanas. 10 momentos memorables del concierto Fotos: Daniel Álvarez // @daniel.alvarez9 1. El intro animado contaba la historia de cuatro personas que se pierden en el bosque y caen bajo un hechizo de una bruja que les da súper poderes para interpretar instrumentos de cuerda. 2. Las visuales que usaban en cada canción creadas por MireAver, eran un lienzo pintado exclusivamente para cada canción. 3. Lo primeros invitados a subir al escenario fue un grupo andino amigo de Los Ruanas, para interpretar La edad primera, canción que grabaron con el grupo chileno Inti-Illimani. 4. La fuerza de las líricas de Rap Bang Club, se mezclan con la música tradicional andina en el escenario, para interpretar Rajaleña. 5. Juan Diego, mostró todos sus dotes de actor en Mr. Gringo, durante un corto tiempo entretuvo a los asistentes con su papel del gringo encantado de la cultura colombiana o mejor, de la chicha. 6. El ciclismo y sus protagonistas merecían un homenaje en el escenario del Colón, Caballo de acero, es una canción que reconoce a cada uno de nuestros héroes sobre ruedas. 7. Otro de los protagonistas fue el productor del disco Mario Galeano, que fue invitado al escenario para interpretar Ojos de serpiente. 8. Las ruanas también fueron el outfit que predominó, el público acudió al show, vistiendo esta prenda en honor a la banda. 9. Sin duda los covers fueron su carta de presentación, el momento de Toxicity, de System Of a Down logró la euforia del público y un exorcismo de la banda. 10. Al final del show, no queda duda que hay un gran equipo detrás de Los Ruanas, y que el trabajo en conjunto los ha colocado en el radar de las nuevas propuestas de la música colombiana.
Este año Los Rolling Ruanas estrenan su nuevo trabajo discográfico Sangre Caliente. La banda bogotanase ha mantenido ocupada girando por muchas ciudades colombianas, cada día el público reconoce y aprecia el mensaje que han querido compartir al ritmo de la música tradicional colombiana. Antes de llegar a Festelar, el próximo 19 de mayo, estrenan su álbum en el Teatro Colón. Para ellos tocar en un festival y compartir tarima con otros grupos es muy importante. Por eso nos contaron cuáles son, para ellos,los shows imperdibles de Festelar. "Pernett es un artista con el que uno se puede enfiestar, pero en el fondo tiene una propuesta musical muy sólida. Lo apreciamos también por la conexión que ha existido con varios amigos que han pasado por la banda". "SalsanGroove es una banda que ha logrado colarse en la música nacional con una propuesta diferente. Tiene músicos experimentados de salsa, y vale la pena lo que han hecho: darle la vuelta a la música tropical sin perder los aires" "Plastilina Mosh nos ha acompañado desde la niñez y la adolescencia. Son de los mejores recuerdos cuando uno escuchaba sus canciones en el colegio y en las emisoras". "Aterciopelados es el mejor referente de rock nacional, auténticos, con un sello único. Es una banda que ha logrado tener un sonido característico y diferencial en la música latinoamericana" "Los Rolling Ruanas es un show que va mucho más allá de la música, con un sentido nacional y regional. Su música tiene la esencia del rock and roll, sumada a emociones visuales y escénicas que merecen ser vistas en vivo".
El videoclip de Hoy para siempre fue rodado el pasado mes de julio en el departamento de Nariño, es una invitación a perderse en la inmensidad de las majestuosas montañas de los Andes colombianos. De sus bellos paisajes, se destaca la laguna verde, considerada una de las siete maravillas naturales del mundo; ubicada en el cráter del volcán Azufral, al cuál, sólo es posible llegar a pie, tras una caminata de más de dos horas, desde la periferia del municipio de Túquerres. (Vea el video aquí ) Cuatro días duro la filamción de esta nueva aventura que quedó registrado en el detrás de cámaras exclusivo de Shock. El acceso a las locaciones fue muy complejo; A caballo, para trasladar cámaras y equipo, y en algunos casos, con caminatas de varias horas. Un equipo de producción de 15 personas, en una zona montañosa inaccesible en automóvil, sumado a las extremas condiciones climáticas de las locaciones, situadas a más de 4,000 metros sobre el nivel del mar, con temperaturas muy bajas y vientos fuertes, convirtieron el rodaje en una experiencia épica. Incluso el último día de rodaje, Diana Soto, productora ejecutiva, vivió una situación de salud crítica, debido a la altura. "Nos asustamos, -cuenta la banda- pues estábamos muy lejos de la civilización. Tuvimos que suspender la filmación mientras Diana se recuperaba. Fue una situación dura". El videoclip de Hoy para siempre, fue escrito y dirigido por Hugo Rubiano (ORO Pictures) y producido por Raag Sound, agencia de management de la banda. El styling corrió por cuenta de Mayra Hernández (Oh Margot!) y el vestuario estuvo a cargo de Leonardo Hidalgo, diseñador bogotano, destacado por su experimentación textil con nuevas formas y texturas.
Los Rolling Ruanas estrenan el videoclip del tercer sencillo del álbum La balada del carranguero, una mezcla de de música campesina y rock. La mistica locación que escogieron para contar la historia de su nuevo video, es la laguna verde ubicada en el crater del volcán Azufral, en Nariño, donde la smontañas, cielos infinitos y tonos verdes, convierten el espacio en un lugar paradisiaco. Madame Periné y Los Ruanas se adentran en esta misteriosa travesía que logra plasmar la escencia de la canción. El video fue dirigido por Hugo Rubiano, producido por Raag Sound, y realizado por ORO Pictures.
Con el objetivo de apoyar el talento musical nacional y local, el Teatro Nacional continúa con su franja de conciertos, Experiencia Sónica. Este es un proyecto integral donde lo más importante es que los asistentes disfruten de los mejores conciertos, en tres salas, y en fechas especiales. Todo para que los grupos musicales nuevos o con amplia y mediana trayectoria, tengan en el Teatro Nacional una plataforma a través de la cual promuevan todo su talento. El próximo 17 de agosto a las 8:00 p.m. el Teatro Nacional La Castellana será el escenario para que Los Rolling Ruanas, cautiven al público con sus éxitos y sus propuestas reconocidas a nivel nacional e internacional por sus innovadoras sonoridades. Fieles representantes de los sonidos contemporáneos colombianos. Los Rolling Ruanas adoptan la música campesina de los Andes colombianos, la carranga, la enlazan con el rock y así emprenden una exploración sonora con el propósito de traspasar fronteras, sin cuidado de cualquier muro a su paso. Juan Diego Moreno (voz y guacharaca), Fer Cely (requinto y coros), Luis Guillermo González (guitarra y coros) y Jorge Mario Vinasco (tiple y coros). Armados con los instrumentos tradicionales de la carranga y vestidos con la típica ruana campesina, deciden subir a YouTube singulares covers de The Beatles y The Rolling Stones, sin pensar que se convertirían en fenómeno viral a finales de 2015. Al año siguiente, la búsqueda de un sonido propio dentro de su original fusión llevó a Los Rolling Ruanas a lanzar su primer EP de temas originales, titulado Origen, en el que demuestran su evolución musical y se posicionan como un importante referente de las nuevas músicas colombianas. Su primer álbum La Balada del Carranguero fue lanzado el 16 de marzo de 2017 en el teatro Julio Mario Santo Domingo, agotando boletería dos semanas antes. En él, la banda consolidó su sonido y expandió su universo musical, incorporando nuevos ritmos a la ya novedosa mezcla. El primer sencillo de este disco Maleza fue lanzado, en formato digital, en octubre de 2016. El segundo sencillo María Guadaña se estrenó junto con el álbum y fue programado en las estaciones de radio internacionales KEXP y BBC Radio. su videoclip fue lanzado el 28 de abril. Se destaca la participación de dos importantes artistas colombianos invitados en este trabajo: Edson Velandia de Velandia y la Tigra y Catalina García de Monsieur Periné. La carátula del disco es obra del artista bogotano Mateo Rivano.
Este 12 de julio regresa al Estadio El Campin el Concierto de conciertos, un evento que se convirtió en emblema para Bogotá. En su edición 2024, el Concierto de conciertos contará con la participación de Elefante y Aleks Syntek de México, La Mosca y Enanitos Verdes de Argentina, Juan Fernando Velasco de Ecuador, GIPSY Kings, Rosario y Cómplices de España, Prisioneros de Chile, con Claudio Narea y Aterciopelados. Las entradas están disponibles en Tuticket.com. Los precios oscilan entre 125.000 y 16.700.000 en palco para 10 personas. En 2023, el concierto contó con la participación de Poligamia, Yordano, Comapñía ilimitada, Ekhymosis, Duncan Dhu, Toreros muertos, entre otros. La primera edición de este evento ocurrió en 1988 y marcó una era para la música en vivo en Bogotá. Alrededor de 70.000 personas estuvieron en el Estadio el Campín para ver a bandas como Los prisioneros, Miguel Mateos, Timbiriche, Toreros muertos, José Feliciano, Timbiriche, entre otros.¿Por qué fue tan importante el concierto de conciertos?Tras más de 3 décadas, el evento sigue celebrándose y llamando la atención de los fans. ¿Por qué fue tan importante? Para Elsa Riveros, de la banda Pasabordo, que estuvo en el concierto de 1988: "Nunca antes se había dado un concierto así. Se habían dado otras cosas, pero en Bogotá no pasaban muchas cosas de música.Había bandas que estaban haciendo música en sus casas y en los bares, pero cuando sucede esto fue como "wow en Colombia sí se puede hacer algo así. Hay bandas colombianas que pueden participar, no es solo para bandas internacionales".Eso inspiró a muchas personas a dedicarse a la musica y verla como una opción viable en sus vidas: "Alguna vez alguien me dijo: "yo le pude decir a mi mamá y a mi papá que me dejaran ser músico, gracias a ese concierto", agrega Elsa.El concierto de conciertos se ha convertido en una excusa para la nostalgia y para celebrar la música latinoamericana d elos 70 y 80.
El retrato es un tipo de fotografía en donde buscamos destacar un aspecto de alguien, ya sea algún rasg ode su rostro, su personalidad, sus intereses, entre mucho más. Para lograr una foto de esas "para poner hasta en la cédula", aquí les damos algunos consejos, con el celular. Lente Limpio Un detalle sencillo, pero que puede alterar el resultado de la foto. Varios intentos Tomen varias fotografías de la misma escena y luego elijan la mejor. El modo ráfaga del teléfono es muy bueno para eso. Para los retratos sirven muy bien, ya que cuando el sujeto no es consciente de que es fotografiado se obtiene un resultado más espontáneo. Elijan una buena fuente de luz Una fuente de luz desde arriba, abajo o detrás crea sombras que pueden resultar poco favorecedoras. Una fuente de luz difusa que utiliza luz reflejada en una superficie blanca o a través de una ventana con cortinas ligeras crea una luz sutil. Siempre aprovechen la luz natural. Eliminen las distracciones Tomen nota del entorno y de posibles distractores que puedan quitar atención del protagonista de la foto. Traten de que en la compisición no existan otros detalles que quiten protagonismo al fotografiado. Intenten capturar algo del personaje ¿El personaje es divertido, serio, tímido, extrovertido? No importa, busquemos destacar esos aspectos qur lo hacen único. Válido dirigirlo para que haga alguna pose representativa. Hay que tomarnos el tiempo para lograr una buena imagen ¿Cuál es un buen teléfono para esto?OPPO anunció que ya está globalmente disponible su nuevo smartphone: OPPO Reno11 5G. Este equipo tiene un sistema de cámara para retratos ultranítidos, con una cámara principal de 50 MP con estabilización óptica de imágenes (OIS). Este es un celular El Reno11 5G captura retratos de calidad de estudio con la cámara de retratos con teleobjetivo de 32 MP que posee un zoom 2X equivalente a 47 mm, para capturar retratos de forma parecida a la perspectiva del ojo humano. El sensor Sony IMX709 detrás de esta experiencia 2X no solo captura fotos nítidas y detalladas, también cuenta con una disposición de píxeles RGBW para una fotosensibilidad 60% mayor y ruido 35% menor que los sensores tradicionales.Con unacámara principal ultranítida de 50 MP con OIS, un rápido objetivo f/1.8 y el nuevo sensor LYT600 de Sony, la cámara es versátil. Y para paisajes amplios, la cámara ultra gran angular de 8 MP del Reno11 5G cubre un campo de visión de 112º.Este es un equipo perfecto para retratos, así que si eso es lo que buscan, el OPPO Reno11 5 G es una gran opción.
Nuestra reina del amor, del despecho y de las canciones que algún día soñamos con dedicar, saca álbum después de siete años. Shakira, la misma que escribió Día de Enero, Antología e Inevitable, tituló ese álbum ‘Las mujeres ya no lloran’.Aquí somos creyentes de que cada una vive la tusa como quiere, pero decir que las figuras pop no influyen en cómo musicalizamos al menos los días en los que tenemos el corazón roto sería mentirnos.Shakira le escribió este álbum a Piqué y cogió la fórmula que le funcionó en el BZRP Session y la convirtió en disco. Bien, si queremos escribirle 100 canciones a nuestros ex pues lo hacemos.¿Cuál es el problema entonces?Que la tristeza y la productividad se consideren excluyentes.Yo crecí como la adolescente que fingía que nada le importaba cuando en el bus lloraba escuchando ‘Pienso en ti’ recordando al peladito o peladita que no me paraba bolas. También crecí siendo la única mujer en una familia de hombres. Toda emoción era limitada por frases como “por eso no me caen bien las niñas, lloran mucho”.Recuerdo escuchar los primeros discos de Shakira y pensar “yo nunca podría ser así de vulnerable”, alimentando la idea de que la sensibilidad, la ternura, la emoción eran sinónimos de fragilidad.Las diferentes corrientes del feminismo llevan peleando por años por esclarecer que el movimiento no busca que las mujeres seamos iguales a los hombres, que no se trata de llegar a ser como ellos porque los hombres no son una meta que añoremos alcanzar.Durante años, la sociedad se ha esforzado en fiscalizar nuestros sentires y las formas de expresarlos. El patriarcado y el capitalismo, que al final tienen como consecuencia la alienación de nuestras emociones, han reproducido la idea de que la emoción nos hace débiles.Sarah Amed, teórica feminista australiana, explica en su texto ‘La política cultural de las emociones’ (2004) que estas se utilizan por diferentes estructuras dentro de la sociedad para regular los cuerpos y las relaciones sociales. Las emociones son a menudo usadas para legitimar o deslegitimar ciertas formas de comportamiento.El punto acá es que la forma en la que expresamos nuestras emociones no sólo influye sobre los estados internos.Las figuras pop marcan el ritmo de consumo, pero también van marcando el ritmo de cómo se gestan las emociones. Estemos de acuerdo o no, así parezca una afirmación exagerada, es un hecho.Actuamos por imitación y nuestras emociones no están exentas de eso. Uno de los ejemplos más claros de eso es el hippismo de la década de los 60 y 70: figuras como Jimi Hendrix, John Lennon y Joni Mitchell personificaron el deseo del amor libre, la revolución sexual y el rechazo al materialismo que se vivió en la época.Artistas como Taylor Swift y Olivia Rodrigo priorizan la tristeza y la rabia en sus canciones. Son emociones que, además de ser completamente naturales, han sido históricamente motores de creación de obras artísticas de todo tipo.Negarnos la capacidad de sentir tristeza bajo el discurso del empoderamiento, como el de Shakira, sólo sirve para meternos, nosotras mismas, nuevamente en esa cajita en la que nos metieron los hombres cuando intentaron convencernos que la emoción y la razón son conceptos excluyentes.La filósofa mexicana Rocío Castillo explica que la razón patriarcal ha construido una dicotomía que separa la razón de las emociones, asociando la primera a lo masculino y la segunda a lo femenino. Una dicotomía que ha sido utilizada para subordinar a las mujeres y negar su capacidad intelectual.Uno de los (muchos) problemas del “empoderamiento”, además de ser una palabra maluquísima, está en que lo que se considera empoderante es imitar el modelo masculino; es decir, desprendernos de lo que se ha considerado algo exclusivamente de mujeres: la sensibilidad y la emoción, entendida como algo irracional y carente de razón.Poner en extremos opuestos monetizar la tusa y llorar es caer en el modelo masculino que niega a la emoción por “absurda” e “improductiva”. Ganar plata cuando se tiene el corazón roto no le cae mal a nadie, pero la emoción (incluída la tristeza) hace parte de la experiencia de vivir.Como una mujer que intentó por años ocultar su sensibilidad por crecer bajo el ideal masculino, extraño las letras desgarradoras de Shakira, las que me hacen sentir entusada sin estarlo.A los hombres que llegaron hasta acá: a ustedes también les han negado por mucho tiempo la capacidad de abrazar su sensibilidad. Lloren con sus amigos, canten abrazados, que en este mundo, que cada vez pierde más el sentido, la ternura es lo único que nos queda.A Shak: ojalá vuelvas a escribir canciones con el corazón, o con el bolsillo, pero mientras te permites llorar.Igual te amo.
A la mitad de la entrevista, El Kalvo detiene por un momento sus reflexiones sobre la xenofobia que persiste al interior del hip-hop colombiano y el valor de hablarle a los trabajadores para buscar alitas de pollo a domicilio. Los ensayos para su presentación en el Festival Estéreo Picnic copan su tiempo, por eso llega tarde la entrevista, anda de afán y el tiempo para almorzar se escapa. Pero si hablamos del Kalvo no solo hablamos de un man que lleva veinte años en el rap, un joven veterano que a codazos y paciencia se ha abierto un espacio como un MC único en el país; hablamos también de alguien conocido por su apetito generoso, capaz de hazañas culinarias y connoisseur de la gastronomía callejera bogotana.Así que cuando es hora de comer, todo puede esperar.Después de Algarabías (2022), El Kalvo se dedicó a encontrar territorios comunes con otros artistas. De esta búsqueda colaborativa resultaron temas como “Agencia de viajes”, con La Radio Bembé Orquesta, y la enternecedora “Lero lero”, con La Muchacha. Cuando empezó el 2023, El Kalvo entró en modo álbum y tomó esas canciones para agruparlas y darles un sentido. Así nació Los tres golpes, el disco con mayor número de colaboraciones en su carrera: Kiño, Penyair, Jam Block Jr, Turek Hem y Horus conforman la polifonía. Un secuaz de confianza como Hi-Kymon se encarga de casi toda la producción, que desde el boom bap se extiende en todas las direcciones.Al principio, El Kalvo pensaba llamar a este nuevo trabajo Kalvokalez, para marcarlo como un proyecto más personal, que reflejaba quién era. Sin embargo, Saga Uno —su aliado para crear el extravagante kit de ocio para el trabajador contemporáneo que acompaña al disco e incluye un recipiente para la comida, un cancionero al estilo de los almanaques Bristol, un rascador, un parqués y una riñonera— lo convenció de que Los tres golpes, el nombre de un tema en el que describe al detalle y con apetito jugoso qué se puede degustar en la capital en distintos momentos del día, era un título mucho mejor. Luego de debatirlo, El Kalvo le dio la razón. En todas las canciones del disco hablaba, aunque fuera por un momento, de comida: “Ordinaria elegancia” no solo define bien su encanto, sino que muestra su ojo meticuloso para describir un buen guiso que, a la vez, es una buena letra de rap.A pesar de que no le puso su nombre, El Kalvo sí vuelca en este disco las distintas inquietudes que caracterizan su rap. Ahí están su pasión por contar historias (“Jesucristo de Maracay” o “Radio Casa Grande”), su perspectiva heterodoxa del rap (“Marquillas”) y su gusto por la bareta (“Préndalo). Están las preguntas incómodas y punzantes que suele hacer, como la que le plantea a los raperos colombiano sobre el trato que le dan a los migrantes venezolanos. Y, finalmente, canciones como “Elías”, un homenaje a su abuelo que puede ser la mejor canción del disco; “He sido”, en la que traza sus memorias a través de todos los trabajos en los que se ha rebuscado el salario; o “El rapado”, como pararse frente al espejo y rapear lo que se ve, profundizan en su biografía.Sobre esto y más hablamos con El Kalvo.***¿Cómo llegó al concepto de Los tres golpes?Yo lo quería llamar Kalvokalez, así como los artistas les ponen sus nombres a sus discos más personales, los que los definen. Pero a Saga le pareció que ese título era muy suave, que Los tres golpes tenía una carga conceptual mucho mayor. Luego de reuniones y llamadas que duraban horas y horas, me convenció, porque además de lo del desayuno, almuerzo y comida, en todas las canciones hablo de comida en algún punto, más inconsciente que conscientemente, güevón. Pero al final es más amplio que eso, tiene muchas historias. Ya he hablado mucho de lo social, de lo político, ese tema me había saturado, entonces me pregunté de qué quería hablar. Los tres golpes es mi manera de definirme como MC, cuál es mi tipo de rap. Y es el comienzo de una búsqueda, de otras temáticas a las que me quise como acercar, otras maneras de decir las cosas. Pero no sé si logré definirme completamente, creo que no, todavía le falta. Menos mal no le puse Kalvokalez.Usted ha explorado llevar los álbumes más allá de las plataformas digitales y más allá del CD, ¿cómo ha sido ese aprendizaje? A mí me gusta insistir en formatos físicos porque me permite innovar, entregar la música de manera distinta. Hoy es más fácil escuchar un vinilo que un CD, güevón. Mucha gente compra un CD para tenerlo, pero no lo puede escuchar. Entonces qué lindo tener otra cosa que sí sirva pa’ algo: qué güevonada comprar algo que uno no va a usar. Tenía que ser algo útil. Ya había hecho un libro, que es útil, pero si lo leíste ya queda ahí, ya fue. Pero al final nos dimos garra con Saga, fue un proceso pesado con muchos problemas técnicos. Le dimos rienda suelta a la imaginación y nos montamos en la película de hacer algo absolutamente novedoso. Y Saga sí me dijo que él lo diseñaba, pero yo me ocupaba de hacerlo. Hágale, le dije. ¿Un cancionero? ¡Hágale! ¿Un diorama? ¡Hágale! ¿Un parqués? ¡Hágale! Fue demasiado.Ahora me decía que está un poco cansado de hablar de temáticas sociales, ¿cómo ha sido para usted existir como rapero en el gobierno de Petro?Cuando quedó Petro yo sí sentí alivio: habíamos ganado algo. Por eso me relajé y dije como bueno, ya, me voy a dedicar a hablar de otras cosas y voy a darle la oportunidad a este man para que haga lo suyo, ¿sí me entiende? La inflación va bajando, el desempleo va bajando, el dólar se mantiene bajito. Esas cosas demuestran que se está haciendo bien la vuelta, mejor de lo que estaríamos con Rodolfo Hernández o Federico Gutiérrez, presunto paramilitar. Pero los medios han vendido la idea de que el cambio no es el cambio porque las transformaciones no han sido instantáneas. Y los de siempre, con mucho cinismo, han dicho que todo sigue igual, pero ellos son los responsables de que las cosas estuvieran así. Igual hay muchas cosas que están mal. Hay mucha gente que se coló, como Agmeth Escaf, Benedetti o la vieja esa que tienen paseando por todos los cargos importantes, quién sabe qué sabe de Petro, güevón. La esposa del man tiene una actitud como toda corrupta y se ha gastado un poco de plata viajando y tiene gente ahí enchufada. Feo, feo, güevón. Son cosas que no deberían pasar.Igual ahora que acabé este proyecto sí estoy sintiendo que otra vez necesito hablar de esos temas. Hace falta análisis. No quiero decir que yo soy el único que pueda analizar la mierda, pero sí siento que como hip-hoppers tomamos la misma actitud al tiempo, como listo, ganó Petro, chao, hablemos de otra mierda, a mí no me jodan. Incluso hay unos que se desconectaron tanto que están diciendo que la mala pa’ Petro, repiten el discurso que les dan las noticias. Es el juego de manipulación. Por eso otra vez siento un impulso muy fuerte por analizar y comentar.Vamos ahora sí con los temas más serios: una encuesta rápida sobre comida colombiana. ¿Mejor frito?Yo diría que la arepaehuevo con carne mechada. Es una obra maestra de la comida sumergida en aceite.¿Postre favorito?Quizás el de tres leches o el de natas. O, no sé si es tan colombiano, pero las islas flotantes de Endulza tu Paseo, gonorrea: esa es la misión.¿Sopa favorita?El ajiaco.¿Algo que le guste que nadie espere que le guste?La comida vegana.¿Cómo surgió la idea de “Jesucristo de Maracay”? ¿Tiene que ver con plantear una postura clara frente a la migración desde la comunidad del rap?Hay mucha xenofobia en el rap. He tenido que ver a parceros raperos que hablan despectivamente de los venezolanos como ratas o chirosos. La mala pa’ las ratas, sí, que nadie robe, pero la estigmatización que vive la población migrante venezolana es muy injusta, porque los que hacen cosas malas es una fracción muy pequeña. Es más fácil ver la paja en el ojo ajeno, pero el problema no son los migrantes, sino la pobreza, la falta de oportunidades, la ignorancia, la mala educación, la corrupción que se roba la plata que debería ser para el bienestar de la gente. Por eso cuando canto “Bacatá” el mensaje es que Bogotá es para el que esté en Bogotá, esta ciudad es pa’ muchos tipos de gentes y hay espacio pa’ todo el mundo. Entonces construí esta historia para cagarme en la xenofobia, pero también en la moral católica de los que son xenófobos y aporofóbicos. ¡Mientras tanto en Palestina están bombardeando el pueblo de Cristo! La gente que está sufriendo en todos lados representa eso. Cristo era un desplazado de la violencia. Y pues es de Maracay y no de Barquisimeto porque me rimaba, y me quedaba re bien para homenajear a los raperos de allá, que son de los más ásperos del hip-hop venezolano. De hecho las historias que me inspiraron fueron las del Topo y Vampi, de Piso Ocho, que nos contaron lo duro que les tocó, pero ellos son de Puerto La Cruz, y así quedaba raro.¿Por qué le dedica este kit de ocio al trabajador contemporáneo? A veces me parece que el rap está montado en una burbuja rara, no se tiene en cuenta el diario vivir, como si todos viviéramos en un videoclip de rap, güevón, y solo hubiera ocio y placer. Quería que el álbum fuera para el descanso, está pensado para disfrutarse después de una larga jornada de trabajo. Para una persona normal la música es un escape de la realidad, una anestesia que escucha en el Transmilenio, caminando, lavando loza o haciendo ejercicio. Por eso tampoco quería hablar de temas pesados, sino más bien como toma, disfrútate esta historia de cosas asquerosas que nos inventamos con Penyair, o esta otra de Jesucristo como un migrante venezolano. Pensaba que qué chimba que el rap que yo haga sea óptimo para el que está saliendo de su camello y se quiera relajar. El disco es para dignificar el esfuerzo, como dice el intro, un tributo al esfuerzo.A propósito de “Protagonista estelar”, ¿cómo ha sido para usted rapear sobre el amor? ¿Y cómo ha cambiado con los años?No es mi temática fuerte, pero en cada trabajo discográfico trato de incluir al menos una canción que hable del tema. Siempre es difícil hacer algo tan personal, ¿no? No puedo hablar del amor como hablo de otras cosas, con esa forma arquetípica de tomar los temas, porque el amor es el amor, ¿sí me entiendes? Yo a mi novia no le puedo cantar cualquier cosa, es cuando más real tengo que ser. Me siento vulnerable. Hay gente que puede estar re parchada y escribe una canción re tusa cortavenas, y la novia está al lado, cagada de la risa. Para mí debe ser algo muy personal, y como con mi novia compartimos las artes audiovisuales, “Protagonista estelar” fue una oda a lo que hacemos juntos. Ella me ayuda a hacer los videos, yo edito cosas para ella. Disfrutamos y creamos juntos. De ahí salió lo de “Hagamos ficción y documental”, porque de verdad lo hemos hecho. Es chimba. Cuando más sincero he sido es en las canciones de amorcito.¿Cuál es su tema favorito de rap romántico?“Querer querernos” de Canserbero. La escuché antes de que saliera, porque el man la tocó una vez que vino a Bogotá como en 2011, re caleto. A toda la banda de pirobos se le salió el aire con el último ponche. Fue como mucho malparido, qué gonorrea.***Hace un tiempo invitamos al Kalvo a parodiar una elección rapeando junto a Neck Talese y El mismoperro, este fue el resultado:
Uno de los headliners del Estéreo Picnic 2024 es una de las figuras más destacadas del reggaetón mundial: Feid. Pero no es la primera vez que hay un reggaetonero en el line-up. En 2022, J Balvin fue el primer artista de este género en el festival. Aunque su presentación fue sumamente comentada (por las razones equivocadas) sin duda hizo historia al abrir espacio a un género que durante mucho tiempo fue inesperado en el Picnic. Aunque hoy sean muy normales los actos de reggaetón en Estéreo Picnic, la cosa no siempre fue así. En sus inicios, el festival tenía la fama de ser un evento solo para "hipsters" y efectivamente, estaba dirigido a un público alternativo. El festival tuvo un arranque exitoso con Matisyahuy 2 Many DJS en 2010 y con Calle 13, Bag Raiders y The Presets en 2011, en 2012, con Caifantes, MGMT y TV on the Radio los resultados no fueron los esperados. Reggaetón: el último recurso para salvar en Estéreo Picnic "El tercer Estéreo Picnic, el del 2012, en el que tocaron Caifanes y MGMT. Esa mierda fue básicamente “apague y vámonos", dijo Sergio Pabón, empresario de Páramo Presenta (en ese entonces T310), en entrevista con Vice en 2024. Pabón continúa: "de verdad no habían señales que indicaran que esto podía llegar a funcionar. Todo era paupérrimo. El apoyo del sector privado era pésimo. El de la gente, peor, no vendíamos nada de boletas. En un punto hicimos una votación y se acordó unánimemente, aunque sin mí, porque yo era el único que estaba en contra de la decisión, de nunca volver a hacer Estéreo Picnic. Ya no resistíamos más. Pero lo volvimos a hacer al año siguiente con The Killers como headliner". "Fue justo en ese momento en el que no le encontrábamos la vuelta, incluso con Balvin se habló y teníamos hasta un negocio acordado. Ahí dijimos como “Armemos una tarima con Balvin, Fonseca, Carlos Vives y toda esa gente para ver si vendemos boletas”, porque es que no podíamos desaparecer por seguir obstinados en una movida musical que no nos estaba devolviendo. Pero al final nos echamos pa’ atrás y dijimos “No, seamos fieles a lo que hemos construido”.Al final Balvin sí llegaría a presentarse en el festival, aunque en circunstancias muy diferentes. En ese momento, era difícil predecir cómo el reggaetón iba a irrumpir en la industria musical mundial, al punto de convertirse en protagonista en los festivales de Colombia y todo el mundo.