A la moda siempre se le ha acusado de querer imponernos un prototipo único de belleza. Pero recientemente, hemos visto como varios modelos con rasgos muy particulares, que se alejan de lo que siempre hemos considerado bello, han ganado reconocimiento y representación. Por Yesi Rojas // @shesibyyesi "No había nadie que se viera como yo en las revistas ni en los medios tradicionales. Fui excluida de algo que me apasionaba", dice la dominicana Jillian Mercado, con distrofia muscular, que recientemente fue portada de Teen Vogue y pertenece a la prestigiosa agencia IMG Models. Los modelos con características inusuales sin duda son una muy buena opción para las marcas, pues les permiten llamar la atención sobre ellas, y al mismo tiempo, dar una declaración poderosa y arriesgada sobre diversidad e inclusión. Cada vez han ganado más espacios demostrando que la moda no es exclusiva de un solo tipo de cuerpo, y existen muchas maneras de ser bello. Rossy de la Palma Esta actriz con grandes curvas y nariz muy particular ha demostrado que no se necesita entrar dentro de los estándares de la “belleza publicitaria” para llegar a ser la inspiración de grandes diseñadores como Jean Paul Gaultier. ¡Una mujer que lleva con gracia y estilo cada una de las prendas contemporáneas que le pongan encima! ¿Le gusta su físico auténtico? Molly Bair Luego de sufrir de matoneo en el colegio con apodos ofensivos como “cara de rata” y “alien”, fue vista por un caza talentos que le ofreció modelar en Nueva York para la marca Proenza Schouler, suceso que la llevó a consolidarse como un gran personaje en el mundo de la moda. Winnie Harlow Esta modelo también sufrió bullying en su niñez, pero a diferencia de Molly Bair y sus inusuales medidas, ella sufre de una enfermedad degenerativa en su piel llamada vitiligo. La consecuencia del deterioro de su enfermedad la convirtió en una modelo única en el mundo debido a las grandes manchas blancas asimétricas que le aparecieron por todo el cuerpo. Se dio a conocer en el reality America's Next Top Model y ha trabajado con marcas como Diesel y Desigual. Melanie Gaydos Ella ha sabido sacarle provecho a su irregularidad genética conocida como Displacía Ectodérmica, una enfermedad que le dio un aspecto blancuzco, sin pelo y sin dientes. Pero el reconocimiento no llegó por un golpe de suerte, en medio de autorretratos como una técnica de autoaceptación, se comenzó a mostrar como una musa indescriptible que con el tiempo comenzaron a capturar grandes fotógrafos como el español Eugenio Ruenco. Zombie Boy Rick Genest (Zombie Boy) era reconocido por sus tatuajes que simulaban un esqueleto. Ganó reconocimiento por su aparición en un video de Lady Gaga. Se quitó la vida el pasado 1 de agosto.
Rihanna mostró su colección de ropa íntima Savage X Fenty en la más reciente Semana de la Moda de Nueva York. Pero el suyo no fue un desfile común. Fue una verdadera celebración de la belleza del cuerpo femenino en todas sus formas. En la pasarela había figuras conocidas, como las hermanas Bella y Gigi Hadid, modelos de tallas grandes y 2 embarazadas, una de las cuales entró en trabajo de parto minutos después del desfile. Todas mostraron una línea diversa e incluyente. Savage X Fenty incluye tallas desde la 32A a 44DD en brasier y XS a 3X en panties. Los tonos “nude” o piel tienen 90 tonalidades diferentes. “Savage (salvaje) se trata de apropiarte totalmente de cómo te sientes y de las decisiones que tomas. Como mujeres, somos vistas como necesitadas, regañonas, a las que van a romper el corazón en una relación. Savage es todo lo contrario: y ¿sabes? a ellos no les gusta que les volteen las cartas. Nunca.”, declaró Rihanna en la edición de junio 2018 de Vogue. (Kevin Mazur // Getty Images) Pero no es la primera vez que Rihanna nos muestra que la moda y la belleza también pueden ser incluyentes. Su línea de maquillaje Fenty Beauty, lanzada en septiembre de 2017, fue un éxito rotundo con el público. Al igual que con la ropa interior, Rihanna se aseguró de que los productos de su línea tuvieran colores fáciles de adaptar a todos los tonos de piel (mientras el promedio de marcas de maquillaje tiene unos 12 tonos de base, la línea de Rihanna ofrece más de 40). Según Time fue uno de los mejores inventos de 2017. A diferencia de otras celebridades que simplemente prestan su nombre para una línea de ropa o productos, Rihanna se involucró de lleno en la creación de cada uno de ellos: se aseguró de que no fueran probados en animales y que cualquiera pudiera encontrar un color apropiado para sí mismo. Su principal prioridad es que fueran piezas que no generaran el comentario: “eso está bonito, pero solo se le ve bien a ella”, según dijo a Refinery 29. Con las bases de maquillaje, Rihanna dio en el clavo con muchas mujeres negras, que lucharon toda su vida por encontrar un tono para ellas y por fin se sintieron representadas. “Nunca me imaginé la conexión emocional de muchas mujeres con los productos de la marca. Algunas están encontrando su color ideal por primera vez. Es algo que no voy a superar”, dijo la cantante a Time. Rihanna les calló la boca a aquellos que piensan que no se puede tener un producto exitoso y ser incluyente con todos los tipos de piel y cuerpos. ¡Gracias por eso!
No pierda más tiempo en centros comerciales. Aquí le tenemos una lista de regalos muy originales que le ayudarán a salir de apuros: joyas, chaquetas, camisas, gorras y hasta pines son algunos souvenires perfectos para impresionar en este mes. Estos detalles que le proponemos son 100% colombianos creados por emprendedores jóvenes con marcas emergentes, que gracias a su creatividad, se han creado un espacio en el mercado colombiano. Mera Crema Para los que prefieren lo retro Juan David Gómez y Carolina López fueron los creadores de esta marca de chaquetas con una inspiración muy retro. La familia de Juan fue la encargada de hacer las primeras chaquetas sin imaginar que este año en enero la pareja continuaría con ese sueño al consolidar su marca. Mera crema es un buen regalo, pues sus prendas son únicas y se adaptan a todos los estilos. Maticaspetite Para los que aman la naturaleza Johana Arroyave es una joven emprendedora que creció en casa con jardines, plantas, flores. Haciendo ramos por hobby con su mamá nació el gusto por las plantas. Buscando un regalo único para su ella recordó los “(jardines que crecen en burbujas) y empezó a buscar en YouTube tutoriales para aprender a hacerlos y ahí nació la primer Matica Petite, según nos cuenta. Desde hace dos años, Johana decidió que la esencia de su marca sería la vida, la energía, lo que no se puede ver, pero sí sentir de quienes se arriesgan a cuidar una planta de su estilo. “Siempre he creído en las energías, en que todo lo que está a nuestro alrededor es una manera de expresar lo que tenemos dentro y que de una u otra forma las plantas son el reflejo de cómo estamos vibrando”, ese es el significado que ella le da a sus plantas. SHHH Para los amantes de la ropa cómoda con mensajes directos Una marca que nació de la cotidianidad, de la burla, de chistes, de apodos y dichos, del diario vivir y de experiencias con los amigos de Santiago Herrera, su creador. La esencia de la marca, como lo afirma Santiago, es el humor negro que él utiliza a la hora de estampar sus camisetas, gorras o sacos. Su nombre hace alusión a cosas que la gente no quiere decir y que prefiere llevarlas puestas. SHHH son además las iniciales de su nombre. Ropa hecha con algodón ecológico y manufactura 100% colombiana. Sr. Insignia Para los amantes de accesorios exclusivos y con sentido Sr. Insignia es una marca de accesorios y merchandising corporativo. La idea de negocio nace a finales del 2016 gracias a Laura Gómez y Juan Rodríguez, quienes decidieron tomar las riendas del negocio (que ya llevaba 23 años en el mercado) y darle un nuevo aire a sus piezas. Una marca que procura que cada cliente tenga un toque diferente, un elemento de cambio en su círculo de influencia, que resalte con sus accesorios y que transmita autenticidad en su personalidad. Sr. Insignia promueve el cambio y el apoyo a la transformación de la sociedad a través de sus diseños que tienen una connotación muy clara de sus creadores: una filosofía de vida siempre positiva que, además, ayuda a cientos de personas. Perfecta accesorios Para las originales y seguras de sí mismas Laura Pacheco es una joven emprendedora que, aunque no tenía planeado que su marca se convirtiera en su proyecto de vida, entendió que la perseverancia y la pasión por la moda y los accesorios la ayudarían a triunfar. Los materiales que se utilizan son bronce con baño de oro y bronce con baño de plata y sus tejidos son hechos totalmente a mano. Aretes, collares, anillos, pulseras, gafas y bolsos que transmiten elegancia, belleza y sobre todo autenticidad a la mujer que hace parte de esta marca que, según su creadora, “quiere hacer que la mujer se sienta completa con lo que usa en ropa y se conecte por medio de sus accesorios”. Bahamamamabw Para los amantes de la playa y la buena vibra Un sueño hecho realidad de dos amigas que deciden unirse en el año 2014 para revolucionar en el mundo de los vestidos de baño femeninos. Es una marca fiel a la figura costeña (senos pequeños y caderas grandes). Pero tranquilos: sus inventoras Rocio y Nicole han creado también colecciones masculinas. Una marca 100% colombiana creada por trendsetters, aventureros y creativos. Jóvenes arriesgados que buscan dar a hombres y mujeres la libertad, autenticidad y confianza que necesitan cuando van a la playa. La Libertad Joyería Para los arriesgados y clásicos Esta marca nació como una alternativa del diseñador Federico Castrillón para escapar del diseño gráfico corporativo y crear una apuesta propia y libre. La esencia de la marca es crear un vínculo emocional entre la pieza y el cliente. Sus accesorios cuentan historias y tienen referencias a la flora, la fauna, la historia del arte, y la literatura. Cereal Killer Para quienes aman hacer una declaración con su estilo Feminismo, cultura pop y referencias del cine y series son protagonistas en las propuesta de esta marca de camisetas. Esta es una comunidad que busca que sus prendas sean verdaderos tesoros en el clóset, y una forma de dar mensajes poderosos sin decir una sola palabra. Nuazet Para quienes quieren dar placer a sus sentidos Si no está seguro de qué regalar, con chocolates siempre va a la fija. Nuazet es una marca que ofrece chocolates, bizcochos, galletas, confituras, trufas y tortas hechos con cacao 100% colombiano. Al adquirir cualquiera de sus delicias, está llevando el resultado de un minucioso trabajo artesanal con ingredientes de primer nivel bricabraccessories Para quienes quieren sorprender Frases, letras, animales y todo tipo de diseños exclusivos los puede encontrar en esta marca que se apropia de representar autenticidad con cada producto y en cada uno de sus clientes. ¡Atrévase a ser diferente! No pierda más tiempo intentando buscar en internet o centros comerciales lo regalos que más puedan sorprender a su novio (a) o amigo (a).
Influencias africanas con toques hip hop son protagonistas en el vestuario de Somos calentura, que podremos ver en salas de cine el próximo 13 de septiembre. Luz Helena Cárdenas fue la diseñadora encargada del vestuario de esta vibrante película. La experta asegura que el trabajo en conjunto que realizó con los actores y la producción quedará plasmado para la historia del Pacífico colombiano. “Utilizamos una combinación de tendencias entre el afropunk y el hip hop; cogimos las camisas africanas, pero les pusimos capucha para darle ese tono que querían. Vi documentales como Fresh Dressed, que muestra toda la historia del vestuario afro, y otros más sobre la moda y el baile. Cuando llegué a mi propuesta final, a los chicos les gustó.” El vestuario de Pantera negra: un homenaje al poder afro. Sin embargo, "La Flaca" (como le decían de cariño en las grabaciones) llegó a pensar en algún momento que tal vez la propuesta que llevaba estaba "muy arriba", era muy exagerada. Pero fue tanto el amor que tuvo por este proyecto que se retó a descubrir y plasmar de forma más natural la cultura del Pacífico. Por esa razón, tomó la decisión de adentrarse en una investigación más minuciosa de cada uno de los bailarines y "stalkeó" sus redes sociales con el fin de ver cómo eran sus pintas habituales. Ahí fue donde descubrió que su propuesta se ajustaba perfectamente a lo que buscaba la película. “Antes y durante las grabaciones, muchos de los personajes llevaron su ropa para mostrarnos sus diseños y así compararlas con las de nosotros, en ningún momento hubo un choque. Yo siempre respeté muchísimo todos sus criterios y su forma de vestir, fui a aprender”, aseguró la diseñadora. Los colores principales del vestuario de esta producción hecha con tanta pasión fueron el rojo, el blanco y el negro. “En la carpeta de investigación se colocan las escenas más importantes y dependiendo de eso se utilizan dos paletas diferentes: una para el día y una para la noche más vibrante”. ¿Cómo se visten los personajes de Somos calentura? Las camisas: son más largas de lo habitual y más ceñidas al cuerpo. Los pantalones: Al final deben ir muy entubados para que los bailarines puedan realizar sus movimientos con toda la frescura que necesitan. Los tenis: Estos representan esa identidad que les permite mostrarse y bailar música nueva del Pacífico, con híbridos entre hip hop, salsa y currulao, o pasos como el exótico, el street dance o paso e´perra. “Los tenis hacen parte de la cultura afro. El cuidado a los zapatos y el afán por tener los últimos modelos se convierten para ellos en un motivo de orgullo y de vanidad. Una historia afro contada, gracias a Steven Grisales, con marcas como Nike y Adidas (identificadas como pioneras en New York durante los 70 y 80) que representan esta cultura”. El vestuario fue hecho de materiales como la licra y el algodón y, según Luz Helena, debe ser ropa elástica que les permita moverse en la pista cada vez que se enfrentan a una batalla. Somos calentura es un homenaje al poder del Pacífico, a la tradición africana y al 'flow' del hip hop y la salsa, y todo eso está plasmado en atuendos llamativos y eclécticos. “Todo el proceso fue apasionante, trabajar con ellos y ver la forma en que disfrutan vestirse, la elegancia natural que tienen además de ver cómo aman bailar, fue una experiencia única”.
Rock al parque es un espacio en el que millones de fans se reúnen no solo para ver a sus artistas favoritos, sino para hacer verdaderas declaraciones de moda. Este año creamos la guía definitiva de estilo en Rock al parque con todas las letras del abecedario, en un afán de reunir todos esos elementos que siempre están presentes en la moda del festival. Fotos: Brayan Garnica // Alejandra Mar. Actitud El elemento clave en cualquier atuendo “rockalparquero”. Nada tan importante en una pinta como la confianza y actitud de quien la usa. Sin duda, algo que les sobra a muchos asistentes de Rock al parque. Bandana La palabra bandana viene del sánscrito badhnáti, que significa “amarrar”. La vimos desde los 20 y los 30 como accesorio clave de mineros y otros trabajadores. Músicos como Axel Rose o Tupac la incluyeron dentro de su indumentaria y miles de fans la tienen como un accesorio focal en sus atuendos. Cuero El material por excelencia de los metaleros. Si bien casi todas las bandas rockeras han tenido prendas de cuero, uno de sus referentes clave es Rob Halford, de Judas Priest, quien se inspiró en la cultura “leather”, famosa en Estados Unidos. Hoy no puede faltar al menos un accesorio de cuero en el clóset de cualquier fan del metal. Dénim El dénim nació en la segunda mitad del siglo XIX como ropa de trabajo. Hoy sin duda es uno de los materiales más usados del mundo. Chaquetas, pantalones, camisas, chalecos, entre otros accesorios de dénim nunca faltan ni en Rock al parque ni en nuestros clósets. Escocés La tela escocesa o “tartan” ha sido preferida por los punkeros desde sus inicios. Durante la historia británica, fue símbolo de nobleza y aristocracia, pero los punks le dieron un nuevo significado: el de rebeldía y desafío a la autoridad. Frío Aunque Rock al parque 2018 nos sorprendió con buena parte de sus días soleados, el frío nunca falta en el festival. Es por eso que sus asistentes siempre van preparados con buenas chaquetas y varias capas de prendas: el clima bogotano no perdona, en especial por las noches. Gafas Un accesorio clave para cualquier festival. Hay antecedentes de gafas desde la antigua Roma, pero su comercialización masiva arrancó a finales de los 20. Las gafas para los pilotos tuvieron un papel fundamental durante la Segunda Guerra Mundial y después de ésta ganaron gran popularidad. "Hágalo usted mismo" Hippies y punks nos inspiraron a intervenir y modificar nuestras prendas y con ellos nació la cultura del “Hágalo usted mismo”, que sigue vigente hoy. Miles de asistentes a rock al parque lo demuestran con sus prendas intervenidas y personalizadas con pintura, pines y parches. Ídolos Muchos de los asistentes de Rock al parque tienen a sus ídolos como inspiración para su vestuario. Principalmente en la adolescencia, los seguimos a todas partes y suelen convertirse en los primeros referentes de nuestro estilo. Jabón Rey Este jabón ya forma parte de la idiosincrasia colombiana. Además de sus usos para limpiar la casa, los punkeros se lo han apropiado para que sus crestas queden perfectamente bien paradas y llamativas en Rock al parque. Aunque claro, otros prefieren productos diseñados especialmente para el pelo. Kiss Una de las bandas más icónicas del rock también dejó su huella en la moda. Las camisetas de esta banda son algunas de las más populares de Rock al parque y su merchadising es uno de los más reocnocidos dentro de la moda. Leñadora La camisa leñadora se ha convertido en una prenda clave en el clóset de hombres y mujeres por su comodidad y versatilidad. Con el estilo hipster de finales de los 2000 se impuso, aunque fue objeto de deseo desde los 90 gracias a Kurt Cobain y todo el grunge. Mallas Otro material muy elegido por los fans del metal, principalmente las mujeres. Las prendas de malla son la combinación perfecta de sensualidad y agresividad y con elementos de fetiche. Fue muy popular en el glam metal ochentero. Negro El color favorito del rock n roll. Es el más frecuente en el primer día del rock al parque en el que predomina el metal. Sin embargo, es uno de los colores favoritos de muchos al ser favorecedor y my apropiado a la vez. Ñoños Los fans de Rock al parque son ñoños, pero ojo: no lo decimos con una connotación negativa. A ellos les encanta investigar cada detalle de sus artistas preferidos y, naturalmente, evidenciarlo en su vestuario. Su fidelidad por los artistas es admirable. Opinión En Rock al parque, la moda no es simplemente para verse bien o estar cómodo. Es también un vehículo para manifestarse y dar declaraciones sobre el mundo, sin tener que decir una sola palabra. Pelo El pelo forma parte fundamental de nuestra imagen y a menudo es una herramienta de expresión. Desde las crestas del punk hasta las largas melenas metaleras, las rastas, los rapados y mechones pintados, el pelo a menudo es un lienzo para hacer declaraciones personales y sociales. ¿Qué? A veces no entendemos algunas decisiones de vestuario de los asistentes a Rock al parque. Lo cierto es que nunca pasan inadvertidas y nos hacen reflexionar sobre nuestro estilo y sobre las posibilidades comunicativas de la moda. Rotos A finales de los 80 y principios de los 90, los jeans rotos (intencionalmente) se volvieron objeto de deseo. Hoy con la nostalgia noventera, esta tendencia regresó con rotos en todos los tamaños y formas. Sombras Aunque no a muchos hombres les gusta usar maquillaje cotidianamente, éste ha sido clave para músicos de varios géneros como parte de su performance. Naturalmente, varios fans han seguido sus pasos y los ojos oscuros ya son el complemento infaltable de u natuendo rockero. Tatuajes Aunque los tatuajes han existido en varias culturas indígenas, durante el siglo XX ganaron popularidad con el rock n roll, al convertirse en símbolo de rebeldía y contracultura. Hoy en Rock al parque, es posible ver todo tipo de tatuajes y modificaciones corporales y cada vez van perdiendo más su estigma negativo. Utilitario Esta palabra hace referencia a dar prioridad a lo útil y lo funcional. Si bien algunos asistentes a rock al parque prefieren lo práctico, otros se inclinan por atuendos más elaborados (y no tan cómodos). Todo sea por el estilo. Vintage Lo clásico es algo que fascina a los fans de Rock al parque. Prendas y logos alusivos a otras décadas siempre están presentes entre los fans. Este año, vimos muchas prendas de bandas como Misfits, Nirvana y Guns n' Roses. “Warrior” Lo más práctico para Rock al parque siempre serán las prendas y combinaciones cómodas para bailar y saltar sin parar y que se adapten a todos los climas. "X" En Bogotá a menudo se usa la expresión X cuando algo nos parece intrascendente. Sin embargo, si hay algo que caracteriza a Rock al parque es su capacidad de sorprendernos con el estilo personal tan distintivo y original de cada uno de sus asistentes. Yuxtaposición La combinación inusual de estampados, texturas y materiales es frecuente en Rock al parque. Sus asistentes se caracterizan por combinaciones arriesgadas en las que prima la creatividad y la individualidad. Zapatos En Rock al parque, lo ideal es elegir zapatos que además de cómodos sean resistentes y claro, "estiludos". Algunos de los más populares son las botas Dr. Martens o los vans: 2 ejemplos de zapatos con mucho ADN rockero.
Hoy las chaquetas y chalecos con parches son prendas que están en todo festival de música. Pero no siempre fueron una prenda "cool". Durante buena parte de la historia, los parches fueron símbolo de pobreza: quienes no podían pagar ropa nueva, usaban parches para hacerla durar algunos meses más. No fue sino hasta los 60 que los hippies se los apropiaron como un accesorio político para alzar su voz contra la guerra. Pero si los hippies los resignificaron, fueron los punks en los 70 quienes los llevaron al siguiente nivel. Con su cultura de hágalo usted mismo y desprecio por el consumismo, era natural que usaran parches, un elemento que tradicionalmente fue considerado tan marginal como lo fueron ellos. Pero el legado punk permaneció y hoy los parches son una tendencia de moda y un medio de expresión individual, pues permiten crear combinaciones únicas e infinitas en las prendas. Hoy hacemos un homenaje a la personalización con algunas de las chaquetas y chalecos más "parchados" de Rock al parque 2018. Fotos: Alejandra Mar // alejandra.mar "Tengo esta chaqueta hace más de 15 años. Era de mi hermano, pero se fue de mochilero. Perdió". (Juan Pablo). "El primer parche que le puse fue el de Perpetual Walfare". (Sebastián) "Tengo este chaleco hace más de 4 años". (Pablo) "Empecé con la pintura. Luego se le fue cayendo y añadí todo lo demás". (Camilo) "Mi banda favorita es Megadeth. Tengo este chaleco hace 4 años". (Daniel) "El primer parche que le puse fue el de Guns n' Roses. Mi banda favorita es Misfits". (Juan Diego) "El primer parche que le puse fue el de Rock al parque, hace 2 años". (Laura) "Mis bandas favoritas son las de punk nacional". (Jonathan) "El de Mortification fue el primer parche que le puse. Tengo este chaleco hace más de 4 años". (Ricardo) "Violator es mi banda favorita. Ese fue el primer parche que le puse". (Esneider)
Si usted es de esos que se la pasa navegando en Internet para enterarse de las tendencias de moda, es muy probable que se haya encontrado con la situación de ver “más de lo mismo” por todos lados. Por Yesi Rojas // @shesibyyesi Por eso le vamos a contar cuales son esos must have (imprescindibles) para esta temporada y cuáles son las anti tendencias con las que podrá marcar la diferencia mientras se siente todo un auténtico revolucionario de la moda (como en nuestra nota del #UpsideDownBikini y la onda de la ropa al revés). ¿Preparado para llevar la contraria? 1. Todos están enloqueciendo por estrenarse unas sandalias, sacarlas a pasear y relucir el pedicure más cool. Es, sin duda, el calzado favorito para la época de calor. Pero si por algún motivo usted no es fan de mostrar sus pies, las botas altas serán la opción ideal. Este tipo de zapatos pueden usarse con casi cualquier cosa y una de las reinas de este estilo es Kim Kardashian. Así que, si se anima a ser tan arriesgado como ella, anímese a destacarse. Los tonos pastel han llamado la atención en estas últimas temporadas en tonos como el "rosado millennial" o el celeste. Pero si esos tonos pastel no son lo suyo, ¡No se preocupe! Por algo el negro es el color al que siempre recurrimos, pues está presente en todas las prendas, marcas y presupuestos. Un look en total black es la "antitendencia" que siempre queda bien. J Balvin se ha convertido en un icono de moda y suele imponer tendencias. En plena época en donde los sombreros de paja son lo más trendy para protegerse del sol... ...él nos propone probar suerte con las viseras deportivas mega futuristas y transparentes. Marcas de lujo como Dior las han tratado de poner de moda, pero no será necesario que se gaste (literal) millones para unirse a esta tendencia, ya que las marcas low-cost también han sacado más versiones de esta gorra revolucionaria. ¡Un toque que marca la diferencia! Las gafas mini son ese accesorio fetiche de esta temporada. La idea es proteger sus ojos mientras consigue la mirada más retro del momento. ¿La anti- propuesta? Demostrar que el tamaño sí importa y que los lentes XXL versión años 2000 siguen siendo una opción ideal para cuidarse de la luz solar. ¡Apuéstele todo a este accesorio y comience a derrochar mucho estilo!
La pasarela de una de las marcas de indumentaria más importantes del país en colaboración con J. Balvin era una de las más esperadas de Colombiamoda. Y no decepcionó: los asistentes pudieron apreciar una colección con muchos toques deportivos y urbanos y claro: toda la música de Vibras, el más reciente álbum de Balvin, que sin duda será uno de los más importantes del año. Básicos con varios "twists", inspiración del hip hop de los 90, colores vivos, transparencias, metálicos, dénim con dénim, y un buen aprovechamiento de la tendencia "sporty" son algunos de los elementos que se destacan de esta colección. Recordemos que no es el primer acercamiento de J. Balvin con el mundo de la moda. En 2016 fue invitado al emblemático desfile de Channel, Métiers d'Arts, en el Ritz de París, junto a Pharrel Williams, Cara Delevingne y el mismísimo Karl Lagerfeld, una eminencia en el mundo de la moda. Lo bueno y lo malo de que J Balvin sea icono de moda en Nueva York. Desde ese entonces, el antioqueño ha sabido ganarse su lugar como icono de moda. Ha consolidado un estilo auténtico que se arriesga y rompe los imaginarios que tienen muchos sobre cómo debe vestirse un artista de reggaetón: ha usado piezas de grandes diseñadores y se ha destacado con varias "statement pieces". J. Balvin ya es un artista de talla mundial y su indumentaria lo ratifica. Esta no es la primera colaboración de moda de un músico colombiano. En marzo conocimos la de Choc Quib Town, un homenaje al Chocó con motivos alusivos a la flora y fauna chocoana, colores vibrantes y detalles propios de la cultura afro. El hip hop es el mejor ejemplo de la poderosa unión entre moda y música. En 1986, RUN DMC fue la primera banda de este género en tener un contrato de publicidad con una de las marcas de tenis más importantes del mundo. En 1995, el rapero Tupac Shakur fue invitado por el propio Gianni Versace para su desfile de Otoño / Invierno 1996 – 1997. En la segunda mitad de los 90, la relación entre hip hop y moda se hizo más fuerte, ya que los raperos pasaron de ser imagen de las marcas a colaborar con ellas e incluso diseñar sus propias líneas. Algunos ejemplos son Rocawear (de Jay-Z), Phat Farm (del magnate del hip hop Russell Simons) o Sean John (de Sean Combs, también conocido como P. Diddy). En 2005, Pharrell Williams colabora con Louis Vuitton para la línea de gafas Millionaire. En 2009, el turno fue para Kanye West quien se unió a esta misma marca para una línea de tenis. West también colaboró con Adidas para la exitosa Yizzy. En varias décadas, el hip hop se abrió espacio en el mundo de la moda y ambos lograron una unión que se mantiene hasta hoy. Con J Balvin y Choc Quib Town vemos el principio de este fenómeno con músicos colombianos en colecciones sólidas y atractivas para el público que nos muestran que la indumentaria, al igual que la música, es un excelente vehículo de expresión individual y social. La moda es el negocio, socio.
Las rebajas no son nada más que el momento en el que las marcas de moda quieren deshacerse de lo que queda de la temporada. ¿Se ha puesto a pensar por qué no se vendió? Pilas, no se deje llevar por el precio, recuerde que muchas veces lo barato sale caro y como decían las abuelas: “no todo lo que brilla es oro”. Hoy le daremos unos cuantos tips para que usted haga una compra efectiva y no se encarte con cosas que compró compulsivamente y van a terminar archivadas en su clóset. Por Yesi Rojas // @shesibyyesi Lo que NO debe comprar Cosas que no sean de su talla A veces los precios suelen ser tentadores y por ahorrarnos algunos pesos terminamos comprando cosas que no nos quedan. Puede que sea algo frustrante, ya que seguro pensó que por fin había encontrado algo de su gusto pero le queda o muy grande, o muy chiquito. Así que si no se siente 100% cómodo con el tamaño de su prenda, no bote la plata y véalo como una oportunidad para encontrar algo mejor. La calidad lo es todo El precio suele ser de las cosas más tentadoras cuando de shopping se trata, pero tenga en cuenta en la calidad de lo que lleva. Si se encontró un velo de lo más delgado y que seguramente no durará intacto más de una lavada, es mejor que piense inteligente y mejor invierta en una chaqueta que pueda durarle años. Que su compra no se base en lo más 'in' del momento Todo lo que este en tendencia es probable que pase a lo out en un abrir y cerrar de bolsos, así que todo lo que sea de cuadros, pelos, o cualquier otro dramatismo de momento, no será necesario comprarlo, a menos que en verdad le encante y sea una pieza clave para su estilo en los próximos meses (y años). Lo que SÍ debe comprar Pero que no le asusten los tips de lo que no debe comprar, porque estos saldos también son la oportunidad perfecta para reinventarse y probar nuevos estilos. Así que aquí le van los consejos que le ayudarán a comprar esa pieza que va a poder amar siempre y que seguro usará más de una vez. Reponer lo que ya está gastado Hay prendas que nunca deben irse de su armario, como los jeans azules o las zapatillas blancas. Así que, cuando note que sus prendas no aguantan más y necesitan un reemplazo, aproveche las rebajas y busque algo similar. Un buen fondo para sus looks Piense en esos básicos como una camiseta blanca, un vestido negro o un nuevo juego de ropa interior, nunca están de más y si les podrá sacar provecho todo el año sin importar lo que esté de moda. Dese un gusto Limitarse tanto también puede ser aburrido, así que, cuando se antoje de esos tacones de brillantes o esa camisa con estampado histriónico, apúntese a probárselo y decida si esa será su elección para una fecha especial durante el año. Pero ojo no se llene de estos gustos, con uno o dos serán más que suficiente por temporada.
Zac Efron tiene más de 35 millones de seguidores en Instagram y cada una de sus publicaciones tiene un gran impacto mediático. La más reciente fotografía del actor es en Hawaii, su destino escogido para pasar vacaciones de mitad de año. En esa imagen Zac muestra cómo cambió la laca, cera y peinado perfecto por unos alborotado y aún sexys dreadlocks o rastas, como prefieran llamarlo. El problema empezó y el debate se armó cuando un grupo grande de internautas empezó a señalar que el actor estaba apropiándose culturalmente de un aspecto físico que identifica a ciertas comunidades caribeñas. La fotografía de Zac está acompañada de la frase “sólo por diversión”, seguramente previniendo que las personas que lo siguen pensaran que él quería burlarse o irrespetar la cultura de los hawaianos y rastas. La conversación se trasladó a Twitter con comentarios a favor y en contra del nuevo peinado del galán hollywoodense. Al parecer algunos aún creen que uno no puede verse, peinarse, vestirse, caminar y hablar como se le dé la gana. Vea también: Brendon Urie de Panic! At The Disco sale del armario y se declara pansexual
Juancho López: no soy rockero, soy rocanrolero es el documental que narra la vida de esta figura emblemática del rock colombiano, conocido por ser “el rockero más viejo de Colombia”. (Documental compelto más abajo)El equipo de Radiónica Medellín hizo una investigación de las rutinas, conciertos y sueños de Juancho, así como en la historia de la emblemática banda Los Yetis, clave en los inicios del rock colombiano. Después de años de trabajo, han logrado concretar una visión clara para plasmar esta crónica visual.El documental ofrece una mirada íntima a la vida cotidiana, la soledad y la nostalgia que rodea la vida de Juancho López, reconocido como el "Abuelo del rock colombiano" por su contribución fundamental al inicio del género en el país.“Ningún rockero colombiano debería perderse este documental, básicamente porque es la semilla, nuestra raíz, el inicio de nuestro rock, la forma en la que nosotros nos concebimos como rockeros colombianos", opina Diego Londoño, director del documental. "Pero no solo los rockeros, ninguna persona debería perderse las experiencias, la visión y la vida de este hombre que por supuesto ha transversalizado la cultura musical rockera de Colombia”, agrega. Los Yetis: banda pionera del rock colombiano Los Yetis nacen como trío vocal en 1965, fundadores son: el cantante y guitarrista Juan Nicolas Estela y los hermanos Juancho e Iván Darío López. En febrero del 66, invitados por la compañía discográfica Discos Fuentes, Los Yetis participan en la grabación de un long play: 14 impactos juveniles!, que tuvo gran éxito. Por eso el sello les pide grabar su primer LP, simplemente llamado Los Yetis. Tras su disco debut, llegaron Los Yetis Vol. 2, en 1967 y Olvídate, de 1968. El grupo se disolvió a finales de los 60, y en 2003se reúne de nuevo hasta 2005 con la participación de Darío Marín, Pedro Pablo Arias,Victor Hugo Acevedo, Jhon Cano, Juan Nicolás Estela y Juancho López, estos últimos, miembros fundadores del grupo.
La pelea Kendrick Lamar vs. Drake empezó hace casi una década. Se dijeron muchas cosas el uno al otro, pero en esa correspondencia de canciones entre los dos raperos salieron dos “argumentos” acusatorios que me generaron más ruido que los demás. Drake dijo que Kendrick era un abusador físico con su esposa, Whitney, en la canción ‘Family Matters’:"When you put your hands on your girlIs it self-defense 'cause she bigger than you?"Kendrick acusó a Drake (una noticia ya vieja) por buscar, cortejar y “amigarse” con menores de edad."Say, Drake, I hear you like 'em youngYou better not ever go to cell block one"No vamos a discutir cuál acusación puede ser más cierta que la otra o cuál aproximación fue peor. Ambas fueron desastrosas.No he visto a la industria, ni a los manes de mis redes sociales, tan preocupados por la violencia de género tanto como cuando dos hombres decidieron usarla para punzarse el uno al otro.Tampoco conocía ese afán por castigar la paternidad ausente. En Colombia se estima que el 40% de hogares se sostienen solo por una mujer, según cifras del DANE del 2022. Y ese número no causa tanto revuelo en línea.Traigo a Colombia y a los hombres a mi alrededor a colación, porque fue ese cinismo el que inspiró y le dio forma a este texto.Santiago Cembrano lo dice muy bien en su artículo: “aunque el rap es el campo en el que el dolor se vuelve entretenimiento, no se trata de que esos versos sean parte de un coro pegadizo.”Y si bien fue el beef de Kendrick y Drake el que agitó esto lo suficiente para empezar a cuestionarnos las formas de algo tan “tradicional” del hip hop como las tiraderas, el cuento va mucho más allá.La deuda la tiene toda la industria. Me parece interesante, por mantenerlo en términos amables, que las personas que estamos en la industria, o los que consumimos música sistemáticamente, le asignemos una cualidad transformadora a la música. Algunos, dicen, que la música les cambia la vida o la forma de ver el mundo.Pero esa responsabilidad que ponemos en la música, y en quienes la hacen, es una camiseta que se puede quitar o poner a nuestro antojo.¿Cuáles son los límites de la corrección política en el arte? Quién sabe, quizá no existen o deberían existir. Entendemos a la música como algo que puede transformarnos y, por eso, a veces, se le pide corrección política.Pero esto va más allá de lo que se le puede pedir o lo que no.No hay que confundir este reclamo con una “necesidad” de corrección política en el arte. Eso es otra conversación mucho más grande.Pero a mí, como mujer y como víctima, me hace ruido la atención fervorosa que recibieron las palabras de Kendrick y Drake: más que mostrar indignación por la(s) posible(s) mujer(es) violentada(s), la audiencia sintió emoción por los egos masculinos que fueron lastimados en el proceso.A los hombres les parece más urgente prestar atención a la violencia cuando se entrega en una cajita de entretenimiento entre estrellas del pop, no cuando le pasa a las mujeres que tienen al lado. O cuando las víctimas son las mujeres cuya música consumen.Hay streamers que reaccionan a gritos porque le “sacaron los trapitos” al otro, no porque detrás de esas barras, que los hacen alucinar de la emoción, puedan haber mujeres abusadas o violentadas; hay medios investigando a fondo lo que puede ser uno de los mejores diss de la historia del hip hop, pero no las acusaciones que, de ser ciertas, deberían tener consecuencias legales.Y ahí está la deuda: acusaciones de pedofilia y violencia intrafamiliar que se quedan en versos de canciones de rap, artistas con denuncias que siguen llenando estadios y mientras tanto mujeres artistas, como Megan Thee Stallion, que tienen que convencer al mundo que lo que pasó fue verdad.La violencia contra las mujeres indigna, o llama la atención, siempre y cuando entretenga. La espectacularización, más que gestionar esa violencia de cara a la reparación, la instrumentaliza para la monetización.Entonces, mientras la mayoría de casos quedan archivados porque se vencen los términos, mientras a las mujeres se les pide ser “la víctima perfecta” y tener todo tipo de pruebas, Twitter se enciende por un par de barras y nos condiciona, nuevamente, a ser únicamente cifras en aumento.
Alicia en el País de las Pesadillas se estrena en los cines del país este 16 de mayo. Esta es una versión tenebrosa y retorcida de las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas que lleva al público por un viaje inolvidable hacia lo más profundo de la oscuridad.Después de la trágica pérdida de sus padres, Alicia se ve obligada a mudarse con su tía Beth Crimisy a Wonderland, la imponente mansión familiar. Sin embargo, lo que comienza como una aparente escapatoria se convierte rápidamente en una pesadilla surrealista, cuando Alicia comienza a presenciar eventos cada vez más perturbadores y a encontrarse con figuras misteriosas que la arrastran hacia un mundo habitado por criaturas terroríficas y pesadillas insondables.Alicia en el País de las Pesadillas es una apuesta del director británico Richard John Taylor, conocido por trabajos previos que exploran los rincones más oscuros de la psique humana. En esta ocasión, Taylor se sumerge en el clásico de Lewis Carroll para ofrecer una experiencia que desafía los límites de la imaginación y sumerge al espectador en un mundo paralelo lleno de pesadillas y criaturas terroríficas.Esta adaptación cinematográfica no solo rinde homenaje al legado literario de Carroll, sino que también se une a una creciente tendencia de reinterpretaciones oscuras de cuentos clásicos.En un mundo donde las fronteras entre la realidad y la fantasía se desdibujan, Alicia en el País de las Pesadillas ofrece una visión perturbadora y visceral de un clásico atemporal.Alicia en el país de las maravillas: inspiración para terror Esta no es la primera adaptación de Alicia en tono de terror. En 2010 se estrenó Alice in Murderland. En esta historia, Alice Lewis, de veinte años, cumple 21 y está molesta por ello. Sus hermanas quieren animarla y deciden celebrar una fiesta de cumpleaños con temática de Alicia en el país de las maravillas en casa de Charlene Glass. Alice sabe que en el sótano de esa casa, su madre, Ann Lewis, fue brutalmente asesinada a machetazos por un asesino enmascarado 20 años antes. Las niñas establecieron la regla de que no se permitirán teléfonos celulares ni niños.Alice or the Last Escapade se estrenó en 1977 y está vagamente inspirada en la novela.
La 'Bichota' terminó su gira por Sudamérica con un último show en Brasil, sin embargo, la cantante paisa no llenó en São Paulo. Karol G estuvo en el país carioca el pasado diez de mayo y tras lo ocurrido compartió un mensaje en sus redes sociales.Aunque Karol G se ha convertido en una de las artistas más importantes a nivel mundial, y un referente en su género, no logró cerrar esta fase del tour con la asistencia que esperaba. Luego de su concierto en Brasil la artista detrás de canciones como 'Amargura' y 'TQG' hizo una reflexión en su cuenta de Instagram.“Es increíble como un día podemos tener un show de 60 mil personas y al otro uno de 13 mil y sentirse igual de lindo, igual de grande, igual de especial. La vida me sigue enseñando que nunca estamos en la cima de nada … por eso es mejor recordar de dónde vienes que creerte mucho en donde estas y así poder empezar de cero en cada lugar que sea necesario. Siempre hay un nuevo reto, nuevos desafíos, nuevos sueños por cumplir", se puede leer en su post.Así mismo habló del recorrido que ha hecho desde hace varios años para lograr que su música suene en otros países: "Hace 5 años estuve haciendo promoción de mi música en este pais y entendí que tenía que ir por partes , paso a paso, enfocarme primero en unos países, después en otros y así poder llevar mi mensaje a mi ritmo, sin afán, con mi música, en mi esencia y en los tiempos de Dios.", agregó.Finalmente, agradeció a las personas que fueron a verla en Sao Pablo y al país que, en sus palabras, la recibió y la hizo sentir especial. Este show fue el primer concierto oficial de Karol G en Brasil y el último de la gira por Latinoamérica de 'Mañana Será Bonito Tour'.La cantante regresará a tierras cariocas en septiembre para presentarse en Rock in Rio, un de los festivales más importantes del país.**Si son fanáticos de la bichoca les recomendamos leer: Karol G y las referencias en 'MAÑANA SERÁ BONITO' (Bichota Season), su último álbum.
Laüra Bonsai y Felinna Vallejo conforman Las Ninyas del Corro, una de las formaciones más interesantes de la nueva escuela del rap español. Nuestro colaborador Santiago Cembrano las visitó en su barrio para hablar con ellas y contarnos la historia de su álbum, Bitches in Business. ***—Es como ver follar a tus padres.El sol se derrama con placidez sobre la Plaça de la Vila, en Sant Adrià de Besòs: la periferia de Barcelona. Son las 7 de la tarde de un viernes de abril. En las terrazas no cabe nadie y el saltarín infantil está lleno: las risas y los gritos de júbilo llenan el aire. Una mujer antigua esquiva el partido de fútbol improvisado que atraviesa la plaza y se sienta con su esposo, que la espera en un banco, bajo la sombra de un árbol robusto. Él pone su mano sobre la rodilla de ella y observan a los vecinos que pasan.Laüra Bonsai es de aquí, de Sant Adrià. La rapera de 28 años está en casa, pero, entre sorbos de Cola-Cola, narra una experiencia extraña:—Es como ver follar a tus padres. Así es conocer la industria musical por dentro: "¡Buah! ¿Qué estoy viendo? ¿Cómo funciona esto?" Por eso queríamos explicarles a los demás que estar donde estamos no es lo que parece.Felinna Vallejo tiene 25 años y es de Bon Pastor, un barrio aledaño que se conecta con Sant Adrià a través de un puente, uno como el que está en el logo de Las Ninyas del Corro, el grupo que ambas conforman. Se presentaron como guerreras de ceño fruncido con Onna Bugeisha en 2021 y así construyeron una habitación propia con los códigos noventeros. Giraron por conciertos y festivales de toda España y así conocieron de contratos y adelantos, horarios y rutinas, el negocio que se escondía tras el sueño de la música. Bitches in Business de Las Ninyas del CorroDe esa experiencia, Las Ninyas del Corro hicieron su segundo álbum, Bitches in Business, publicado en marzo de 2024. Tres años después de su debut, agrietan la solemnidad con la que entraron a la cancha. Ahora se ríen más, y cuando escucha a su compañera, Felinna ríe de nuevo:—Cuando empezamos éramos dos chavalillas, había que imponer respeto. Ahora lo tomamos de otra forma, nos hemos dado cuenta de que podemos vacilar. Nos hemos atrevido, sin miedo de explorar. Me he sentido mucho más libre para decir lo que me de la gana sin censurar nada.Y tan libre. A las baterías violentas que Esse Delgado, productor del grupo y del disco, dispone en 'Las Meninas' Felinna les añade un guiño burlón que rompe el corset estricto. Luego de celebrar que ya no la agobian los kilos de más ni algunos rastros de acné, hace lo que en el debut habría sido inimaginable: "Me suda todo el coño, ni la acabo", rapea de salida, con la misma seguridad que la de Sabrina Ionescu cuando asiste sin mirar. Es un gesto de chulería que sintetiza el cambio de atmósfera entre ambos discos.—Antes estábamos más enfadadas. Pero no estábamos enfadadas, sino que entrabas así o no había manera de entrar —me explica Laüra—. Ahora hemos soltado, le hemos quitado importancia a muchas cosas. Nos hemos relajado.Los primeros temas que hicieron con la intención de crear un nuevo álbum rondaron el drumless, pero pensaron que podía aburrir al público de sus conciertos.—Nosotros hacemos todo el tiempo lo que queremos, pero también hay que pensar en lo que funciona. Vivimos esa dualidad todo el rato —explica Felinna, y yo pienso que esas consideraciones son las que hacen parte de un negocio.Un camp para hacer música en Vallirana, en el bajo Llobregat, las desconectó de las distracciones de la ciudad y puso los cimientos de lo que venía. Les gustó tanto el formato que lo repitieron en Tarragona y, luego, en Castellón, en el verano de 2023. Esse Delgado también ama el drumless; Sunday Truce, su colaboración con el madrileño Franco Carter, se sintoniza con texturas góspel y soul que se repiten sin prisa. Sin embargo, Bitches in Business, además del boom bap con el que empezaron, es hogar del repiqueteo de hi-hats y la energía ágil del trap, trap&B y sonidos que conversan con referentes contemporáneos como Kendrick Lamar, Tyler, The Creator, Pusha T, Travis Scott y Beyoncé. También caben el canto y los coros pegadizos, como en “Nasty Girl”, una canción que les enseñó que podían expresar su mensaje sin dejar de divertirse, sin quitarle naturalidad al proceso y el resultado.—Que tu madre te diga que le mola un tema tuyo, como 'Punto de partida', muestra que con los temas más melódicos Bitches in Busines ha podido llegar a más gente. Nuestros amigos lo están escuchando porque les gusta, y no porque somos sus amigas, como en Onna Bugeisha: eso mola —sentencia Laüra—. Incluso a nosotras un disco entero de boom bap nos aburre.***Bitches in Business de giraLas bocas se abren hacia lo alto en la primera fila de la Sala Apolo, y Felinna las bendice con un chorro de ron para que la fiesta siga. Es el 11 de mayo: inicio de la gira de Bitches in Business. Cientos de personas saltan y saltan y saltan y saltan con 'The Wave', un corte electrónico, impetuoso, y las sílabas se deslizan con habilidad de la boca de Laüra al micrófono. Quizás como resultado de conocer la industria por dentro, Laüra juega a la defensiva en varios momentos de Bitches in Business, como si se anticipara al rechazo de una escena que les recriminaría el nuevo estilo, que eran mejores antes.—Pensábamos que la gente del rap nos iba a odiar. Con el primero nadie te conoce, eres nueva. Toda la gente siempre nos ha dicho que el segundo disco es el más difícil. Era como Buah, este disco puede pasar desapercibido. Eso lo primero. Y lo segundo es que siempre te van a decir que molabas más antes: me pasó con Natos y Waor, los escuchaba antes. Pero es verdad que predijimos eso y no ha sido así. A la gente le ha gustado más de lo que pensábamos —me explica Laüra en Sant Adrià.Las Ninyas del Corro avanzan por caminos que C. Tangana, Recycled J y demás artistas que oxigenaron el rap español ayudaron a pavimentar. Del primero Laüra dice que es como un héroe, al infiltrar el pop para luego diversificarlo más allá de Alejandro Sanz y compañía. Desde Rosalía hasta Dellafuente, insiste, en el espectro de lo urbano están las claves de lo más interesante de la música en España. Por otro lado, Recycled era tildado de “maricón”, recuerda ella, por sus melodías y sus sentimientos: era un blandito, y por eso fue decisivo para que el paradigma cambiara y se abriera.De reivindicar lo más puro que salió de una Nueva York gélida a finales del siglo XX, Las Ninyas del Corro pasaron a celebrar a los que retaron, expandieron y reinterpretaron esa herencia en España. Bitches in Business es un álbum que dialoga con todas las posibilidades que han surgido en la última década, así como con sus artífices. Pero. Hay un gran pero.—Por suerte, tú preguntas por raperas de España y nuestro nombre se va a decir. Eso para nosotras es mucho, pero sigue faltando mucho, también. El caso de las mujeres siempre es más exigente y difícil —me dice Laüra, con voz cansada—. Todavía no es suficiente.—Solo hay pibes, yo estoy hasta el coño —la secunda Felinna, y lo repite, esta vez con mayor énfasis en cada palabra, masticando cada una, para que quede claro—. Solo. Hay. Pibes. Madre mía.Las Ninyas del Corro en la sala ApoloLa sala Apolo está llena, agitada. Laüra propone que, como no las invitan a nada, que las lleven a dirigir una sesión de cardio. Sigue cayendo ron como agua bendita, y ya no sé si es sudor esa humedad en la cara de una mujer que canta cada tema como si la hubiera escrito ella. Casi la mitad somos hombres, casi todos con la mano arriba con cada barra. Las Ninyas se refieren al público como “vosotras” y celebran lo guapas que están todas hoy. El punto de vista cambia y las mujeres, que suelen corear versos de manes para manes, quedan en el centro. La diferencia se nota. En el escenario, Laüra y Felinna no solo rapean con precisión y temple, sino que despliegan coreografías, codo a codo con dos bailarinas, que elevan cada tema. El punto de vista cambia, insisto, y yo lo agradezco tanto. Una bebé se eleva en los hombros de su padre y toda la sala le canta el feliz cumpleaños a la mamá de Felinna. Barbas salpimentadas conviven con la juventud. No cabe nadie más acá. Y cuando llega el momento de “Bagaje”, un break amenazante, Laüra cambia de óptica. Pasa a las barreras generacionales: "La vieja escuela desconsidera a la nueva, la nueva desprestigia a la nueva, qué pena".—Aprendimos mucho trabajando con LaBlackie. Ella vino, escribió y se tiró la letra de golpe. Envidio esa frescura —me había dicho Laüra esa vez en su barrio.Hay que ser exigente, pero también tener el coño de decir "Me gusta como queda y así lo tiro, porque me da igual". Eso es muy difícil que nos pase. Entonces sí, es una pena que los de antes no valoren a los nuevos, porque tienen mucho qué aprender de ellos.La canción se llama 'Deena, Snooki & Jwoww', un corrientazo que me estremece entero. Laüra y Felinna rapean juntas la estrofa de LaBlackie. El final, lo saben todas las presentes, va a estallar, y abren un círculo que se funde en una masa de carne y huesos: frenesí.—Rosalía no cantaría lo que canta si no hubiera estudiado el flamenco. Para transformarlo lo ha respetado. Se trata de respetar no solo a los que había antes que tú, sino a la música que estás haciendo —continúa el ensayo de Laüra—. Por eso también me apena que los nuevos no valoren a los que estaban. Estar informado es básico. No digo que el que está empezando tenga que saber todo, pero yo sí valoro que alguien investigue. Por eso me he sentido muy orgullosa y privilegiada cuando Elio Toffana nos invitó a su disco. La Laüra de hace diez años habría matado por una colabo con él, con Kase.O, con el Tote, con la Mala. Y ahora, cuando todo parece más fácil, sin importancia, agradezco que pase. Por respeto a mi historia y a mi trayectoria, ¿cómo no lo voy a hacer?—¡Y qué colabo! —tercia Felinna—. Yo lloré cuando el Elio nos la pasó, ya terminada. También es un tema de identidad, de sentirte dentro de la movida. Los que nos sentimos como parte del rap sentimos que es necesario entender de dónde viene.Otra forma de ver Bitches in Business: hay pesos muertos que no hay que cargar más en la mochila, y compromisos que estructuran lo que se ha hecho y lo que viene. El álbum se trata de identificar cuál es cuál.***Las Nunyas del Corro desde el barrio obreroLa pizzería, en una esquina de la Plaça de la Vila, se llama La Font. La mesera saluda a Laüra con confianza y la rapera le responde que quizás este verano deba pedir trabajo ahí, para ajustar las cuentas, llegar a fin de mes. La mesera, sonriente, le responde que qué va, que ella va a ser muy grande y me pregunta si estoy de acuerdo. Yo le digo que sí, que por eso estoy ahí. Laüra no está tan segura.—Joder, es que parece que es un momento guay para mí, pero a veces no me siento así —confiesa."Lo bueno de vivir en San Roque es que nadie roba en San Roque", rapea Laüra en 'Tridente dorado' sobre el barrio de Badalona en el que vive desde hace unos años, a un par de kilómetros de Sant Adría: uno de los más calientes de Cataluña, según titulares alarmistas de medios apocalípticos. Las Ninyas del Corro rapean desde el margen y muestran el revés de una Barcelona que opera como un parque temático de sí misma para los miles de turistas que llegan cada día. La conciencia de clase, una de las banderas que ondearon en Onna Bugeisha, sigue intacta. Se manifiesta, por ejemplo, cuando Laüra rapea, en 'Las Meninas', que en Barcelona o heredas o te las apañas. Ok, el turismo trae riqueza: ¿pero para quién?—No hemos crecido en Barcelona, sino en los barrios obreros que rodean a Barcelona —afirma Felinna.Este margen es tan geográfico como simbólico. En 'Las Meninas' Felinna se aleja tanto del lujo del barrio de Pedralbes como del centro de Barcelona donde solo hay guiris (turistas blancos) con axilas malolientes y pijos vestidos de Nude Project. Y una de las bombas llega cuando dice esto: La catalanidad de Las Ninyas del Corro es otro de los puntos de tensión: si a ella no la reconocen como catalana, me explica Felinna, pues que se jodan: ella tampoco lo llamará pan tumaca, sino pan con tomate. Laüra, por otra parte, reconoce reflejos de su caso en la historia reciente: cuando le dieron el premio Sant Jordi a Estopa, algunos catalanes protestaron porque cantaban en castellano.—Me da rabia ese elitismo, esa línea entre la burguesía y los catalanes de a pie —continúa Felinna—. Hacemos música en castellano, y por eso parece que no somos referentes en Cataluña. Pero somos raperas catalanas.—Se nota mucho el clasismo de la burguesía catalana —insiste Laüra—. Acá nosotras somos purria, escoria, como lo fueron hace tiempo los andaluces que venían aquí y supuestamente les quitaban el trabajo a los catalanes. Nuestras familias vienen de allí. Acá solo importa lo moderno, lo guay, lo fashion. Pero en este conflicto con la cultura, con la lengua, pueden existir distintas identidades además de la que se espera.El título de Bitches in Business salió en la recta final del proceso. Empezaron con una espíritu más tremendista, color azul oscuro, que plasmara su angustia. Al final eligieron un camino para sublimarla, hacerla divertida. El título es un guiño sarcástico a todo lo que han conseguido, a lo que aspiran, a todo lo que les falta y a cómo estas tres dimensiones se confunden. Un guiño que nos dice, ya lo decía Laüra, que las cosas no son lo que parecen.Felinna llegó a la entrevista luego de su primer día en un nuevo trabajo. Es temporal, me explica, para ajustar algunos números. Y Laüra, que rapea sobre cómo devuelve los trajes de diseñador que compra para un solo uso, me muestra sus manos. Sus dedos tienen marcas de pegante: esa mañana tuvo que pegar la etiqueta de un vestido para poder devolverlo.—Gitaneo, es lo que hay —admite.En ese banco de la otra esquina de la plaza todavía están él y ella, recostados en el amor silencioso y seguro que se sedimenta como la arena que cae al fondo del reloj de cristal. Antes de que nos levantemos y caminemos, yo hacia el metro —hacia el centro— y ellas hacia sus casas, acá cerca, Felinna reseña su propio álbum.—Eso es ser bitches in business —dice, entre risas—. Se trata de buscarse la vida.***¿Quieren leer más sobre rap en Español? En el camerino con Ill Pekeño y Ergo Pro