Aunque en buena parte de las bandas de rock dominan los hombres, las mujeres también han recorrido un largo camino y muchas son referentes clave en la historia de la música. Aquí una selección de fotos de 20 solistas, bandas femeninas y mujeres en bandas mixtas que dejaron una huella imborrable y son verdaderos iconos. ¿Quiénes son sus favoritas? ¿Por qué hay (muchos) más hombres que mujeres en el rock nacional? The Runaways en Japón (1977). Foto: Koh Hasebe/Shinko Music (Getty Images). Ann y Nancy Wilson, de Heart, en 1978. Foto: George Rose (Getty Images) Susanna Hoffs, Debbi Peterson y Vicki Peterson de The Bangles en 1988. Foto: Gie Knaeps // Getty Images. Chrissie Hynde de The Pretenders en concierto en 1981. Foto: Keystone (Hulton Archive// Getty Images). Debbie Harry, de Blondie, en Londres. Foto: Graham Morris (Getty Images). Grace Slick, de Jefferson Starship, en 1978. Foto: Michael Putand (Getty Images). Patti Smith de concierto en California en 1979. Foto: George Rose (Getty Images). Retrato de Janis Joplin en 1969. Foto: Evening Standard// Getty Images. Hole en 1998. Foto: Niels Van Iperen (Getty Images) Shirley Manson, de Garbage, en 1995. Foto: Gie Knaeps (Getty Images). Stevie Nicks de Fleetwood Mac, de concierto en 1978. Foto: Michael Putland (Getty Images). Gwen Stefani, entonces líder de No Doubt, en 1996. Foto: Tim Mosenfelder (Getty Images) Dolores O'Riordan, de The Cranberries, en concierto en Bélgica en 1995. Foto: Gie Knaeps (Getty Images). The Go-Go's en una sesión fotográfica en 1985. Foto: George Rose (Getty Images). Kim Gordon, de Sonic Youth, en concierto en 1991. Foto: Gie Knaeps (Getty Images). Gillian Gilbert, de New Order, en concierto en 1995. Foto: Gie Knaeps (Getty Images). La banda estadounidense Lunachicks en Francia en 1990. Foto: Martyn Goodacre (Getty Images). Saffron, de Republica, en backstage en 1996. Foto: Tim Mosenfelder (Getty Images). Retrato de Bjork en 1993. Foto: Brian Rasic (Getty Images). Fiona Apple con Madonna en la alfombra roja de los Óscar de 1998. Foto: Evan Agostini (Getty Images).
Para este Estéreo picnic hay algo que se destaca: la participación femenina. Es la edición del festival con más mujeres en toda su historia. Para esta edición están confirmados 18 actos femeninos en su cartel, entre mujeres solistas y bandas con al menos una mujer entre sus integrantes: LP, Rita Ora, Charlie XCX, Kacey Musgraves, King Princess, Tomasa del Real, Golden Dawn,Chic, Golden Dawn Arkestra, Elsa y Elmar, Javiera Mena, Bad Gyal, Pacifican Power, Ceferina Bánquez, Aguas Ardientes, Encarta 98 y Kali Uchis, quien estará en la fiesta de inauguración. Es también la primera vez que estará un artista drag: la brasileña Pablo Vittar. En 2019 fueron solo 10 los actos con mujeres en el festival. En el escenario Budweiser también se destacan actos femeninos como Perel, Rosa Pistola, Nott, Miss Champús, Paquita Gallego y Surfer Rosa. Es la primera vez en 11 años que la presencia femenina del festival supera el 30%, según un análisis hecho por Shock. El año con mayor porcentaje de participación femenina fue 2011 con el 28% de bandas con al menos una mujer (7 de 25 en total). Le sigue el 2016 con 27%. Fue además el primero con una mujer headliner: Florence and the Machine. En aquella edición también estuvieron Die Antwoord, Alabama Shakes, Sidestepper, Alvvays, The Joy Formidable, Nelda Piña y la Boa, Of Monsters and Men, Electric Mistakes, Christina Rosenvinge, Ximena Sariñana, Francisca Valenzuela, Ela Minus, La Minitk del Miedo, Kanaku & el Tigre (Perú) y Sultana. Los años con menos mujeres fueron 2010, con solo 1 mujer en su alineación (Li Saumet, de Bomba estéreo) y solo el 12% de participación femenina. Le sigue el 2017, con solo 7 proyectos femeninos de 50 en total (14%). Una buena parte de todos los festivales musicales del mundo ha sido criticado por la baja participación femenina. En Coachella, en los cerca de 20 años de historia del festival solo han cerrado cuatro mujeres o bandas con integrantes femeninas: Björk (dos veces), Portishead (con Beth Gibbons), Beyoncé y Ariana Grande. Lollapalooza en 2018 llamó la atención por incluir a solo 38 mujeres en un cartel de 183 actos. Cada vez más se pide la presencia de mujeres en los festivales y al parecer Estéreo Picnic "le copió" al llamado.
En 2019, Janet Jackson fue una de las figuras incluídas en el Salón de la Fama del Rock, que reconoce a las figuras más importantes de la música. En su discurso de aceptación hizo una invitación a que más mujeres sean tenidas en cuenta. El llamado de Janet no es por nada: en 34 años de historia de este evento, solo el 8% han sido mujeres, según el cálculo de Evelyn McDonnell, profesora de la Universidad Loyola Marymount en Los Angeles. Aretha Franklin se convirtió en la primera mujer en ser incluida hace más de 30 años y el 2020 recibirá a solo una mujer (Whitney Houston) entre proyectos netamente masculinos: Depeche Mode, The Doobie Brothers, Nine Inch Nails, The Notorious B.I.G. y T. Rex. ¿Por qué hay (muchos) más hombres que mujeres en el rock nacional? Para formar parte del Salón de la Fama es necesario ser un artista con influencia e importancia en la música, y que el primer álbum tenga al menos 25 años de historia. Muchas mujeres cumplen estos requisitos, ¿Entonces por qué tan pocas están en el Salón de la fama del Rock? Aquí 10 de muchísimas más intérpretes femeninas que merecen este reconocimiento. Bjork Su primer álbum fue lanzado en 1978 pero fue en 1993 que se dio a conocer en todo el mundo. Sin duda el espírito transformador y arriesgado de Bjork merece ser reconocido. PJ Harvey En 1992 fue lanzado su primer álbum. Sin duda es una de las artistas femeninas más respetadas de las últimas décadas. Artistas como Kurt Cobain y Patti Smith reconocen su influencia. Pat Benatar Más allá de su hit ochentero Love is a Battlefield, Pat Benatar fue definitiva para que más mujeres decidieran hacer música. Es atrevida, y no teme causar controversia. Annie Lennox Innegable el legado de la líder de Eurythmics durante los ochenta y para toda la música aún hoy. Se mantiene como una de las más exitosas cantantes femeninas. Grace Jones Uno de los mayores iconos de los 80. Artistas como Beyoncé o Lady Gaga han reconocido ser influenciadas por ella y el estilo provocador de su música y su imagen. Cyndi Lauper Con su álbum debut, She’s So Unusual, Cyndi alcanzó éxito insospechado y se convirtió en una de las artistas femeninas más reconocidas hasta el día de hoy. Chaka Khan Es considerada la reina del funk. Tiene una carrera de más de 50 años en solitario y como líder de Rufus. Ha ganado 10 Grammys y sigue haciendo música. Ella Fitzgerald Una de las mayores leyendas en la historia del jazz, que incluso ha sido citada por varios hombres que ya se encuentran en el Salón de la Fama como una de sus influencias. Kim Gordon Su banda Sonic Youth fue una de las más importantes de los 90 y su contribución fundamental para que la banda fuera determinante en esa década. The Runaways Aunque Joan Heatt & the Blackhearts ya entró en 2015. Sin embargo, un reconocimiento para The Runaways por su ímpetu y creatividad es justo y necesario.
En la música colombiana hemos tenido a mujeres talentosas en todos los géneros. Sin embargo, no suelen ser tan conocidas como sus contrapartes masculinas. Hace 100 años nació Esther Forero, una mujer clave para la música en Colombia y la autora Daniella Cura quiso darle la importancia que merece: por eso lanzó recientemente el libro Esther Forero: la caminadora (Artimaña Editorial), una investigación sobre su vida y legado en la música y en la industria cultural colombiana. Esther nació en 1919 y fue compositora, cantante, realizadora radial y publicista. En la generación de Lucho Bermúdez o Pacho Galán fue la una de las primeras personas que logró que músicos como Tito Puente o Rafael Hernández se aproximaran a la música del Caribe colombiano, en géneros como el porro y el vallenato. “Esther es la única, solitaria, figura femenina que ocupa un lugar en la pléyade de los mayores compositores de música popular colombiana”, según dice Joaquín Mattos en el libro Puentes musicales sobre el Caribe. “Esthercita” fue bautizada como “la novia de Barranquilla” y en La Arenosa se convirtió en un verdadero ídolo. Entre sus composiciones más memorables se encuentran Mi vieja Barranquilla, La guacherna, La luna de Barranquilla, Mojana, y Bombo y Maracas. Falleció en 2011, a los 92 años, a causa de una isquemia cerebrovascular. Empezó a cantar desde muy joven y a los 14 años formó parte de la primera emisora radial creada en Colombia: La voz de Barranquilla. Allí luchó para que la música costeña llegara a su programación, en tiempos en los que la radio estaba más interesada en los sonidos del interior o de otros países. Incluso cantó junto al argentino Carlos Gardel en algunas de sus presentaciones en la capital del Atlántico. En 1946 cantó en La Media Torta, de Bogotá, en una de las primeras presentaciones que vio el público capitalino de los géneros del Caribe. Daniella también agrega que Esther también fue pionera en la moda, al atreverse a usar pantalones en una época en la que las mujeres no lo estaban haciendo. Una de las muchas razones por las que Esther es recordada como una mujer transgresora, que desafió todas las convenciones sobre ella para brillar gracias a su talento. “En la música, y gracias al feminismo, ha surgido un interés por ver más personas que te representen. De hecho, mi libro prueba cómo desde el siglo XIX hasta finales del 20, las mujeres han estado invisibilizadas”, nos cuenta Daniella. “Nadie nunca se detiene a ver la historia de las mujeres”. Por eso, su libro incluye fragmentos en los que se reflexiona sobre la relación entre música y género a lo largo de la historia de la cultura colombiana. Más que una simple biografía, Esther Forero: la caminadora es un ensayo feminista que nos confronta con el arduo camino que han tenido las mujeres para hacerse escuchar tanto en la música como en todos los aspectos de la vida.
Durante la edición número 20 de los Latin Grammy apareció la grandiosa Mon Laferte en plena alfombra roja en toples. Uso su cuerpo para hablar de los abusos que está viviendo Chile, su país natal, en torno a las protestas contra el Gobierno del presidente Sebastián Piñera. La chilena llegó a la alfombra con un abrigo negro grande y un pañuelo verde en el cuello que nos recuerda que la lucha para legalizar el aborto sigue viva. En su pecho escribió: “en Chile torturan, violan y matan”. Logró lo que necesitaba, que el mundo entero hablara de ella y de su país. Sin embargo, en el universo digital las cosas se están moviendo a otro precio. El hecho de haber mostrado las tetas y que su foto ande rondando por el mundo virtual, el que maneja Facebook, ha hecho que su nombre y su cuerpo sean censurados, el algoritmo de las redes sociales hijas de Mark Zuckerberg ha creado una cacería intensa sobre las fotos donde se muestran pezones, pero ojo, solo los de las mujeres. ¿Algoritmo machista? Desde 2015 un movimiento llamado "Free the nipple", liderado por la activista y cineasta Lina Esco, se ha dedicado a combatir la estupidez de quienes han implantado como tradición que sea condenado el mostrar los senos en público como obsenidad e ilegalidad, ha llevado mujeres a la cárcel por levantarse la blusa. Un movimiento que, además, lucha para que no se siga condenando a las madres que amamantan a sus hijos en público. Durante años Lina y su equipo de trabajo han pasado reiterados reclamos hacia Facebook por bloquear a nivel mundial las fotos en las que aparecen pezones de mujeres pues violan las reglas de convivencia de la aplicación. ¿Por qué las de los hombres no? Seamos sinceros, ¿cuál es la diferencia real entre los pezones de una mujer y los de un hombre? ¿Es solo porque el de las chicas es una protuberancia? Ni siquiera los mismos creadores de las reglas dentro de la red social tienen una respuesta. En abril de 2018 y tras varias protestas , escándalos y peticiones de grupos feministas, como los de Free the nipple, Facebook público un artículo que título, Conjunto de normas comunitarias, allí explicaban una por una, todas las acciones que permiten realicen los usuarios y las qué obligan a censura. Si lo leemos detenidamente parece un manual hecho a mano por el mismo concejo de la inquisición en la era medieval. No importa cuánto peleemos, la empresa mantendrá como material de publicación perjudicial la desnudez, se escudan ante el hecho de que debemos respetar las regiones y las culturas de toda la comunidad. Si de respeto se trata ¿Por qué no respetan entonces la libertad de las mujeres? Y hacemos énfasis en mujeres pues es el cuerpo sin ropa de las chicas las que atacan directamente.
La música electrónica, como todos los géneros, ha sido tradicionalmente masculina. Ilana Ospina fue una de las primeras DJ colombianas en destacarse fuera del país. Historia de una mujer que fue clave para el desarrollo de la escena electrónica en Colombia. Por: Paula Ricciulli (@ricciup) // Fotos: Jaime Andrés Orozco (Archivo Cromos) La (poca) participación femenina es un tema que cada vez está llamando más la atención en todos los géneros musicales. Y si hay un estilo en el que el número de mujeres es significativamente menor al de los hombres es la música electrónica. Desde que Forbes empezó en 2012 a hacer su listado de los DJs mejor pagados, ninguna mujer ha estado en el ranking. Algunas de las que se han acercado son el dúo Nervo y Alison Wonderland. Y si eso es hoy, ¿se imaginan cómo era la cosa hace 20 años? Así empezó Ilana Ospina, una de las primeras mujeres en Colombia en hacer música electrónica en la segunda mitad de los 90. Admite que siempre fue melómana y le encantaba coleccionar casetes para descubrir nuevos géneros. Su papá era un gran aficionado a la música que se aseguró que la escuchara desde muy pequeña. En la Navidad de 1982 le regalaron su primer Walkman y en la tienda le recomendaron Stars on 45, disco de remixes de canciones de Los Beatles. Siempre le gustó la música en todos sus estilos. Ella siempre supo que quería hacer algo relacionado con ella, pero no fue sino hasta que se fue a estudiar a Europa que descubrió su pasión: la música electrónica. “Llegué a Londres, ahí estaba la movida con Ministry of Sound (nota de redacción: un imperio del dance, trance y house que ha trascendido de ser una discoteca a ser un sello disquero). No es fácil irse a vivir solo y durante esa noche bailando me concilié con la vida y sentía que todo era posible. Sentí la magia de la música y de compartir ese momento con la gente que estaba a mi alrededor”, dice Ilana, hoy radicada en México. “Estaban poniendo diez minutos de cada música, De pronto, pusieron dos o tres canciones de tecno. Y yo sentí algo especial, muy distinto a bailar reggae o rock. Era una energía deliciosa. Tú sabes que venimos de una cultura donde el ritmo es muy importante, y esta música también es eso. Pregunté qué era y me dijeron ‘tecno’”. Fue en Francia donde realmente se consolidó como DJ de tecno y se dedicó a entender el proceso de creación de la música. Tras varias semanas coleccionando discos y practicando con equipos que le habían prestado, por fin tuvo la oportunidad de tocar en un club en Pigalle. Después de esa primera experiencia quedó fascinada por la forma de interacción y unión con la gente. “Era una comunidad, un sonido, un estado emocional. Fue una experiencia muy motivadora”. Estudiaba entre semana y tocaba fines de semana: todo funcionó perfecto. Ilana cree que su etapa como DJ se dio por estar “en el momento que era, en el sitio que era”. Pronto empezaron a invitarla a más fiestas. Llegó al legendario club Rex en París, uno de los más destacados en ese momento, y saltó a Alemania, donde estuvo en una gira con otras DJ mujeres, entre ellas Ellen Allien, una de las productoras más reconocidas de ese país. Se radicó en España un tiempo y llegó a tocar en 19 países de los 5 continentes. Pero también fue profeta en su tierra; en Colombia. En el 97 fue portada de la revista Cromos en una época en la que la música electrónica no era un tema tan conocido. Nano Pombo, promotor y fundador de la recordada discoteca bogotana Keops, la invitó a La Sala, uno de los espacios de electrónica más importantes de la época en la capital. Allí fue que ella notó que la música electrónica había dejado de ser algo para unos pocos iniciados, y era disfrutada por muchas personas diferentes. Ilana recuerda especialmente una fiesta multitudinaria en las afueras de Bogotá. “Me sentí muy conectada con el público, había mucha gente y muy buen sonido. Ya la electrónica no era algo de nicho”. Ilana dice que a través de toques en ciudades como Medellín, Cali o Cartagena (en donde recuerda mucho una fiesta multitudinaria en el Castillo de San Felipe), logró comprender lo musical que es Colombia. Las Fiestas Pink la llevaron de gira nacional y también se atrevió a traer DJ internacionales destacados como Paul Kalkbrenner. Aunque en ese momento el debate sobre el machismo no llamaba tanto la atención como hoy, Ilana sí recuerda haber sido subestimada “por su cara bonita”; “los hombres suelen ser más competitivos y el trato de la prensa puede llegar halagador y al mismo tiempo hiriente”. A comienzos de la década del 2000, Ilana se juntó al productor Christian Castagno y lanzó el EP Algoritmo bajo el sello Minus de Richie Hawtin (Plastikman), una referencia obligada en la electrónica mundial. “Su aprecio por la electrónica hecha en Francia y Alemania era clave porque era un faro de referencia. Traía esos sonidos acá en sus presentaciones, cuando Internet hasta ahora avanzaba. Su papel dentro de la electrónica es importante, como DJ, selectora y creadora”, opina sobre Ilana José Plata, periodista musical y conocedor de la escena electrónica en Colombia. Ilana recuerda esa etapa de su vida con mucho cariño y emoción, pero admite que trabajar en las noches la estaba agotando. “Aprendí mucho, le metí mucha energía, pero físicamente cada vez me era más difícil disfrutar la noche. Sentía que ya había dado lo mejor de mí”. Ilana se dedicó entonces al diseño sonoro de espacios y trabajó para el Hotel Faena, en Miami, y los almacenes Carolina Herrera, entre otros. Tiene una muy amplia selección de playlists en Spotify. Actualmente, Ilana se desempeña como facilitadora de meditación y mindfulness para mejorar la calidad de vida de las personas". Desde hace 20 años ha estudiado la meditación y dice que la ayudó a ser mejor DJ. Aunque ya no mezcla profesionalmente en fiestas, sí lo hace de forma más informal, pues cree que sí hay algo mágico en la música. Para ella, “la gente oye más música que nunca pero no compra discos. Siento que no es un momento ideal para ser músico". Ilana fue una de las primeras mujer DJ en Colombia y una pionera de los nuevos sonidos. Aunque la música electrónica sigue siendo eminentemente masculina, fue una mujer la pieza fundamental para que este estilo llegara y se consolidara en el país.
Hace unos meses Ariana Grande, Miley Cyrus y Lana del Rey lanzaron su video Dont Call Me Angel, que forma parte de la banda sonora de la nueva versión de Los Ángeles de Charlie. Un video lleno de poder femenino que en menos de un día alcanzó los 11 millones de visitas. A propósito, de esta colaboración, recordamos otras grandes uniones de mujeres en la historia del pop. Grandes cosas ocurren cuando dos mujeres o más fusionan sus visiones artísticas. Más allá de las estrategias de marketing, estas colaboraciones entre estrellas femeninas dejan claro el poder de la exploración musical en una industria que históricamente ha sido liderada por proyectos masculinos. Christina Aguilera, Lil Kim, Pink, Mya - Lady Marmalade (2001) Una de las uniones femeninas más mejorables de la historia del pop que hoy sigue siendo relevante. Jessie J, Ariana Grande, Nicki Minaj - Bang Bang (2014) Tres estilos muy distintos que se mezclaron a la perfección en este hit. Fue el tercer número uno en la carrera de Jesse. Lady Gaga, Beyoncé – Telephone (2009) Dos reinas del pop que se unieron en su momento para una colaboración que sigue siendo icónica. A hoy supera los 330 millones de visitar. Britney Spears, Madonna – Me Against The Music (2004) La reina y la princesa del pop unidas en un video inolvidable, que llegó después del famoso beso de los VMAs del 2003. Shakira, Rihanna – Can’t Remember to Forget You (2012) Colombia y Barbados unidos en una colaboración que despertó la atención del mundo. Estuvo incluida en el álbum de la barranquillera Shakira (2014) Gwen Stefani, Eve – Let me blow ya mind (2001) Una diva del pop junto a una diosa del rap hicieron una colaboración ganadora que sacó lo mejor de ambas. Ariana Grande, Iggy Azalea – Problem (2014) La australiana Iggy Azalea estaba en su mejor momento y le dio otro aire a la canción de Ariana. Pertenece al álbum My Everything, segunda producción de la estadounidense. Brandy, Mónica – The Boy is Mine (1998) Un clásico que juntó a 2 divas estadounidenses del R&B. Aquí ambas se enfentan por el amor de un hombre. Whitney Houston, Mariah Carey - When You Believe (1998) Dos grandes divas del pop se unieron en esta canción algo subvalorada, pero que se llevó el Óscar a Mejor Canción Orginal (Pertenecía a la banda sonora de la película El príncipe de Egipto). Shakira, Beyoncé - Beautiful Liar (2007) "Beyoncé, Beyoncé, Shakira, Shakira"... una unión exitosa que estuvo incluída en el álbum B'Day, de la estadounidense. Lady Gaga, Ariana Grande - Rain on me (2020) Rain On Me es el track más conocido del disco Chromatica, además ganó varios premios VMA de MTV. Karol G, Nicky Minaj . Tusa (2019) 'Toro este llanto por nara', la colaboración que le dio a la reggaetonera paisa su primer hit global. Miley Cyrus, Dua Lipa - Prisoner (2020) Una colaboración inesperada, pero que definitivamente necesitabamos. Becky G, Natti Natasha - Sin Pijama (2018) Es, tal vez, la colaboración de reggaetón más vista entre dos mujeres. #LaMúsicaNosUne
Luego de una implacable cacería contra hombres que no respetan a las mujeres borrachas, peatones que no respetan las ciclorutas, bares racistas discriminadores o las obras públicas interminables, vuelve la segunda temporada de la serie web de Shock #Incorregibles. Arrancamos recordando ese gran verso de Cosita seria de Aterciopelados que decía “en el periódico salió / que a un man esto le sucedió / por echar piropos sucios / le cortaron el capullo”. Y es que en plena era de discusión y debate sobre lo nefasto del machismo, acosos sexuales y agresiones contra la mujer, es hora que la sociedad entienda que los piropos callejeros también son un vehículo de violencia. Pero también para hacer una gran pregunta a los hombres sobre ¿Qué esperan cuando le tiran una frase de esas ramplonas a las mujeres? ¿De verdad creen que los van a voltear a mirar y van a construir una familia? Esa falta de tacto se está convirtiendo en una forma sutil de acoso y de paso crea en el colectivo la idea de que es imposible salir a la calle con una prenda ligera por miedo a recibir comentarios no deseados. Salimos a la calle con el popular Santiago Rivas para preguntarle a mujeres cómo se sienten cuando no pueden ir por la calle vestidas como quisieran, para que todos entendamos que esos “inocentes” piropos no son un chiste y es una actitud incorregible que es hora de cambiar.
En 2018, los hombres superaron 3 veces a las mujeres en presencia en los listados musicales. De las 100 canciones más populares del año, 91 eran de hombres o de grupos de solo hombres, frente a 30 de mujeres, grupos de mujeres o colaboraciones mixtas, según un estudio publicado por la BBC. De las 100 canciones, 13 fueron solo de mujeres (en 2008 fueron 35 de 100). A pesar de que en 2018 vimos a mujeres como Cardi B, Dua Lipa o Ariana Grande con canciones y álbumes muy populares, este estudio concluyó que la brecha de género ha aumentado en la última década. ¿La razón? En momentos en los que las colaboraciones mandan la parada en la música, los hombres cada vez colaboran más con otros hombres, pero pocas mujeres colaboran con otras mujeres (y si lo hacen, no son uniones muy populares). Si bien no hay menos mujeres en la música que hace una década, el número de hombres sí ha aumentado en un 50%. El estudio se basa en los listados anglo, pero en Latinoamérica cada vez hay más colaboraciones femeninas. Becky G. con Natti Natasha en Sin pijama o Anitta con Greeicy Rendón en Jacuzzi son buenos ejemplos. El récord de The Beatles que rompió Ariana Grande Es claro que la brecha de género en la música es un tema del cada vez se habla más. Varios colectivos femeninos en el mundo han puesto el dedo en la llaga sobre la participación femenina en los festivales. Ruidosa de Chile realizó una investigación sobre la participación femenina en los festivales y concluyó que aún nos falta mucho para lograr la equidad. Un resultado similar concluyeron al analizar la presencia de mujeres en premios musicales. ¿Dónde han quedado las mujeres artistas en los conciertos en Colombia?
¿Cómo va la brecha de género en los festivales de música en Latinoamérica? No muy bien. De 66 festivales en la región realizados en 2016, 2017 y comienzos de 2018, solo una cuarta parte de ellos cuenta con participación femenina, ya sea en artistas, bandas de solo mujeres o mixtas. Así lo concluyó un estudio de Ruidosa Fest, festival que surgió en Chile en 2016, para dar mayor visibilidad a proyectos femeninos en la música. En los últimos 3 años, 7 de cada 10 actos en festivales de música han sido de hombres solistas o bandas de hombres. El desalentador panorama de las mujeres en la música latinoamericana El equipo de Ruidosa analizó los carteles de 66 festivales de Argentina, Colombia, Chile y México. Los festivales con menor participación femenina en el último año fueron Cosquin Rock (Argentina, 2.2% de participación de mujeres), Rock al parque (Colombia, 3.6%), Pal norte (México, 5.8%), Vive Latino (México, 5.9%), y Estéreo Picnic (Colombia, 7%). ¿Dónde han quedado las mujeres artistas en los conciertos en Colombia? Por otro lado, los festivales en Latinoamérica con mayor participación de mujeres fueron NRMAL (México, 25%), Bahidorá (México, 23.5%), REC (Chile, 20%), Ceremonia (México, 18.2%), y Primavera Fauna (Chile, 16%). En términos generales, todos los países tuvieron un porcentaje de alrededor del 20 y 30% de participación femenina en sus festivales, a excepción de Argentina, con un poco menos que el resto de países, con porcentajes entre el 14 y el 20%. Ninguno de los 66 festivales analizados alcanzó la partidad de 50/50 hombre y mujer entre 2016 y 2018. "Cuando no hay una representación paritaria (no sólo en la música, sino en las distintas áreas de las industrias creativas) existen sensibilidades, perspectivas e historias que son invisibilizadas y relegadas a un segundo lugar. Por ello, desde Ruidosa, esperamos que más festivales en la región se comprometan con la equidad de género, no sólo en sus parrillas, sino también en la diversidad de roles", dice Ruidosa en el estudio publicado en su página web. (Puede consultarlo completo aquí).
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Caraja dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me réuno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo.
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.
Entre todas las tendencias de redes sociales, por estos días hay una que llama la atención: "Mira entre las letras de tu teclado". La idea es dar algún mensaje dentro de las letras en el rango descrito. Uno d elos ejemplos más frecuentes es el de "mira entre la h y la l en tu teclado" para decir "jk" o "just kidding" (solo bromenado en inglés). De momento, los usuarios señalan letras para las iniciales de nombres de personajes memorables, celebridades o figuras públicas, sin embargo, no ha sido del todo claro para muchos. ¿De dónde viene la tendencia de Mira entre las letras de tu teclado?De acuerdo al sitio Know Your Meme, que rastrea los orígenes de memes y tendencias en Internet, un usuario de la plataforma 4 chan posteó el 11 de mayo del 2021 una imagen con la figura de Yui Hirasawa, protagonista del anime K-On!.Esta imagen solo venía acompañada con un texto que decía “Mira entre la t y la o en tu teclado”. Con eso, se forma Yui, el nombre de un personaje.Sin niguna razón aparente, el post volvió a X (Twitter), en referencia a personajes de My Hero Academia: Izuku (Midoriya) y Uraraka (Ochaco). Entre el 17 y el 19 de abril se ven las primeras publicaciones al respecto.El trend también está Reddit, Twitter y otras plataformas y en distintos idiomas. Sobre K-On!K-On! es una serie de manga que comenzó a serializarse en la revista seinen Manga Time Kirara desde mayo de 2007. Una adaptación a serie de anime de 12 episodios se emitió originalmente entre abril y junio de 2009.La serie narra la historia de 4 jóvenes de colegio que buscan hacer su propia banda. El apellido de Yui está basado en el guitarrista de la banda japonesa de techno-pop P-Model, Susumu Hirasawa.