Hace doce años nació en Londres el Boiler Room, una de las plataformas más relevantes para la música electrónica, no solo porque desde entonces se han dedicado a fichar a las y los productores y dj más relevantes del momento, sino porque desarrollaron un adictivo formato audiovisual que muestra todo el frenesí de esas fiestas y toques en vivo. Además de hurgar en todas las esquinas de géneros como el techno, house, trip hop o dub, su mirada ha comenzado a expandirse física y artísticamente a lo que sucede fuera del “primer mundo”.Por Juan Pablo Castiblanco Ricaurte // @KidCastiColombia apareció en el mapa de los Boiler Room en el 2015 con un interesante mano a mano entre exponentes de los sonidos tradicionales de la electrónica, y otros más divergentes como el propio Mario Galeano, cabecilla del Frente Cumbiero. En el 2019 hubo otro especial desde el Festival Tatacoa, y hace un mes, patrocinado por una marca de whisky, se hizo una radiografía de lo más fresco que está sucediendo con el reggaetón en Medellín, en una curaduría liderada por Sky Rompiendo. Aprovechando su visita a Colombia, el equipo de Boiler Room y el sello TraTraTrax –cofundado por el paisa JP López, más conocido como Verraco– decidieron hacer otra sesión de sus memorables desmadres, esta vez con la misión de convocar los sonidos más bastardos y mestizos de la electrónica local.Verraco y Joe Cotch (curador de Boiler Room), idearon un capítulo memorable de estas video-fiestas-compilados. Además de convertirse en el primer Boiler colombiano que no se hacía en alianza con una marca comercial, fue un momento para salir de zonas seguras, incomodar los oídos, y preguntarse por las fronteras invisibles que se han creado entre géneros.La propuesta de TraTraTrax para este evento (con la producción de Nicolás Pava) fue hacer una muestra en vivo de su curaduría de sonidos mestizos que, desde el techno buscan trascender las estéticas de sonidos latinos como el dembow o el reggaetón, y pensarse cómo será el perreo del futuro: cruces bastardos que responden a tiempos donde todo se hace más fluido y menos binario. El cartel estuvo compuesto por el propio Verraco, junto a Lomalinda, Nick León, Luca Duran, Sophyaa y Amantra, y como anfitrión y presentador, el rey de las redes, Jasonacas. La locación fue un restaurante-mirador en Medellín, perfecto para la intención de Verraco con esta sesión: “yo quería hacer un proto-privadito, darle esa vibra de estética kitsch-guarachera, pero ajustándole la tuerca y que se viera la ciudad en todo su esplendor".En el 2017 Verraco ya había cofundado el sello Insurgentes junto a su amigo, el también dj Lomalinda. En ese momento su propuesta estaba muy inspirada por influencias del sur del Reino Unido, más cercanas a lo experimental, contemplativo, el tecno y el IDM. El terreno allanado por Insurgentes permitió que surgiera otro sello, TraTraTrax (de nuevo, Verraco y Lomalinda al mando, más Nyksan), donde se han permitido experimentaciones más radicales, pensando cómo será el perreo futurista, y extendiendo su catálogo a más artistas de la región. TraTraTrax está cocinando un compilado imperdible que incluirá a artistas consagrados como Nicola Cruz o Dengue Dengue Dengue, junto a nuevas propuestas locales.Hablamos con Verraco sobre este épico capítulo para la electrónica local, y algunas ideas revoltosas desde la pista de baile.Hay un concepto transversal en ese Boiler Room que es el mestizaje, la estética del collage, de irrespetar los límites, generar una nueva estética, la de lo híbrido. ¿De dónde viene eso?Eso que decís es clave porque son nuestros cimientos. No es sacudir por el solo hecho de hacer algo kitsch, sino que es natural. Crecimos escuchando reggaetón y también tecno, entonces hay unas intersecciones muy interesantes que estamos explorando. En este mundo conservador technero-housero, que es súper aburrido, seguro y blanco, no se dan cuenta de lo que pasa y van super lento. Por eso es que al principio nos tiraban jebita los que nosotros llamamos los "tecno-tombos", porque son extremadamente conservadores; creen que son avanzados, pero no. Es hacerle la gambeta a la forma en la que nos aproximamos al tecno desde una postura muy colonial, aspiracional de ciertos dj muy grandes de afuera que igual no estaban empujando ningún límite.Ahí también operan muchas lógicas de clase y exclusión, de querer pertenecer a una sociedad de afuera, negando lo propio. Absolutamente. Eso es demasiado fuerte. Cuando yo estaba en la universidad e iba con las amiguitas por ahí a perrear, iba con un susto porque donde me viera alguien de la escena me cancelaban. En los parches tecneros aún está muy profunda esa mirada clasista.En el manifiesto de tu sello Insurgentes mencionas que "bailar es política". Y es interesante porque es abrir nuevas concepciones sobre lo político que puede ser el rave. Surgió como un espacio de libertades personales, consumo de drogas, pero esto es otra forma de proponer esa política, con la reivindicación regional, preguntarse desde dónde estamos hablando.Siempre lo ha sido, porque si vos revisás cómo empezó este movimiento desde principios de los 80 en Chicago o Nueva York, fue desde una aproximación más queer, desde un espacio seguro que se armaron para que no los mataran. En Detroit el tecno fue una forma de escape del día a día tan áspero que había en esa época por la depresión económica. En Berlín, con la caída del Muro, el rave o la pista tuvo su importancia.Siempre la variable política ha tenido que estar ahí. El rave tiene que ser político por las variables que planteas. Está en juego la identidad, el género. Se diluyen un poco las clases que es de lo más hermoso. Es un espacio para coexistir que igual sí tiene unos valores muy claros que en Colombia entraron un poco en reversa. Aquí se asumió el rave como una manera no tan horizontal sino más elitista y apenas está cambiando.Otra cosa que he pensado estos días es que la pista es un espacio público. Estoy tratando de entender cómo aproximarme a las entidades culturales, a las administraciones locales para que entiendan eso también, que es donde se está juntando mucha gente y por eso le tienen que poner más atención y dar más apoyo también. Ojalá salgan otras iniciativas, que rompan con el eje tradicional de sitios como Baum, Videoclub, Kaputt, que son muy buenos, pero ahorita no te imaginas la cantidad de pelados que están haciendo fiestas, nuevos promotores.Falta mucha pedagogía para que, por ejemplo, los clubes cambien muchas cosas como como el precio del agua, o que se regale. O cómo es el planteamiento de los clubes por crear espacios seguros; cuáles son sus políticas generales del sitio; qué están haciendo para tener protocolos en situaciones de acoso. Hay un montón de cosas que apenas se están comenzando a tocar, y claro, necesitamos esas pequeñas disidencias que planteen esas cosas.En los toques del Boiler incluiste un track de Arca, que ahorita también es de las artistas más vanguardistas que hay, y que también se está haciendo esa pregunta por el dembow del futuro. ¿Qué piensas de su música? Para mí Arca siempre ha sido referente por todo lo que vos enunciaste, y también porque sónicamente es increíble. Ahora en TraTraTrax vamos a tener a Cardopusher Safety Trance que es un venezolano en Barcelona que suele colaborar mucho con ella. Si vos hacés una disección de los otros sets, vas a encontrar muchas de esas disidencias, no tan grandes como Arca, pero más frescas de gente que está tratando de hacer vueltas desde un iPad o un computadorcito con Fruity Loops quién sabe dónde.Dentro de toda esta idea de repensarse la electrónica hay que hablar de un género muy polémico atravesado por todas estas conversaciones sobre clase y género: la guaracha. Como todo lo kitsch, comienza con ser rechazado, pero luego se vuelve popular. ¿Cómo te relacionas con ella?Es muy interesante abordarla desde el punto de vista sociológico. Ahí es donde se ven muchas de nuestras problemáticas. Comienza asociado a una estética narco que no podemos negar, pero también hay unas variables de clasismo, de identidad que hay que aceptar: ese es nuestro tecno. La guaracha más clásica y comercial es muy limitada sónicamente hablando, pero rítmicamente hay unas cosas muy poderosas. Por eso cuando llegan productores y productoras peladas que cogen cositas de la guaracha, las emulsionan y les meten más fondo y peso, salen unas cosas increíbles. Si tú oyes Xtasis, el último release de Nick León, es una protoguaracha muy hijueputa. Es el hit mundial en este momento dentro de nuestro circuito. Es muy loco cómo para los mismos tecneros desde el principio mencionar guaracha era como mencionar el diablo. Todavía lo sigue siendo en muchos aspectos.A todos nos gustan cositas más pop y accesibles, no todo tiene que tener un grado de complejidad sonoro como para poderlo disfrutar. Dentro del marco electrónico colombiano entendimos todo al revés, se deslegitima ahí mismo, tantas cosas que se dicen de la guaracha, que tapa un fenómeno muy interesante. Obviamente se puede problematizar, sobre todo desde el consumo, su cercanía a la cultura narco, pero siento que la gente la está recibiendo un poco más. Cuando se le da el ajuste de tuerca no lo podemos negar; esto nos mueve el culo automáticamente. Lo llevamos en la sangre.Y quién sabe si todo termine llegando allá, a la reconciliación con esas cosas.Es que ahí está el alcaloide. Lo que nos emociona investigar. Es que eso es lo que no tienen afuera, está ahí para nosotros. Creo que por eso es que nos posicionamos tan rápido afuera, porque están aburridos de lo mismo, y por eso es que el foco está hacia lo que está pasando acá donde hay cosas más frescas rítmicamente.Una de las razones por las que hicimos TraTraTrax fue porque vimos cómo gente de afuera que respetamos y son referentes, hacían cosas con nuestros ritmos y se volvían reconocidos por eso. Eso fue la tapa. No puede ser, ¡la chimba! ¿Otra vez la dinámica extractivista en la que la gente saca el ritmo, le mete la blanqueadita y lo pone cool? Yo no estoy en contra de que lo hagan, a menos que sea un extractivismo descarado, pero era como que ellos estaban reclamando hacer el dembow de avanzada o el deep dembow. Eso es lo que nos empezó a hacer mucho ruido.Ya que estamos hablando de política, hace poco en redes se te vio un intercambio muy amoroso con Petro. ¿De dónde salió eso?Eso fue muy loco. En fechas especiales a mí me gusta escribir, pasar ese texto por la voz de la Siri mexicana, procesarlo y arreglarlo. Eso va personalizado según donde esté y va para las intros de los sets. Para el Baum Festival llevé varias cositas de esas y que hacen parte de la ironía que siempre he tenido. En ese momento la coyuntura electoral estaba a tope, así que decidí que el clímax del set iba a poner "se vive se siente, Petro presidente". Luego subí un videito con ese pedazo, y se empezó a viralizar. Supongo que alguien de la campaña del doctor Petro lo pilló, se lo mostraron, y el man primero me comentó, y luego lo compartió en una historia de Instagram diciendo "gracias Verraco por tu apoyo en las tornas". Lo lindo es que después me contactaron de la campaña dándome las gracias, buscando abrir un canal para ver qué hacíamos pues se venía la segunda vuelta. Vamos a ver si en un futuro se puede abrir algo ahí para abrir diálogos sobre las necesidades que tiene la noche.La expropiación de la pista.Total.Bueno, y no se puede dejar pasar esa presentación que te hizo Jasonacas donde dijo que eras, ¿filósofo de Teófilo Gutiérrez?(risas) Eso salió de una entrevista que me había hecho el año pasado Jason en sus reviews en donde él se da cuenta que uno tiene cosas más radicales, fundamentalistas y problemáticas, pero sí, soy un fundamentalista de la superioridad estética, moral y ética de Teófilo Gutiérrez. Puedo pontificar mucho al respecto.No estás solo. Gracias.Verraco tendrá toque el próximo sábado 10 de septiembre en Videoclub (Bogotá).
El sábado 9 de julio llegará al Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo nuevamente la música del productor y DJ, Julio Victoria. Como parte del proyecto que llegó a las plataformas el año pasado, en el que los beats de la música electrónica se encuentran con los sonidos de instrumentos tradicionales de orquesta. La presentación será con banda en vivo y junto a la Nueva Filarmonía.También les podría interesar: Shock y Amazon Music presentan: Julio Victoria y la expansión de colores en la electrónicaSu último álbum Lo que (se) fue (2021) fue un proyecto que surgió de la mano de Shock luego de que lo invitáramos a participar en la franja 'Shock Presenta' en el Teatro Mayor Julio Mario Santodomingo y que nos presentara uno de los shows de música electrónica en vivo más interesantes que hayamos visto.Shock Presenta: Lo que (se) fue incluye siete canciones que conectan el sonido de instrumentos tradicionales colombianos como el arpa (a cargo de Wilmer López) y la marimba de chonta (en manos de Larry Ararat) con los arreglos del maestro Pedro Sarmiento, la dirección del ganador del Grammy Latino, Ricardo Jaramillo, y una base electrónica que desde la nave nodriza interpreta el mismo Julio Victoria.Esta vez, y con el apoyo de Shock, llega con nuevos sonidos y nuevos remixes, manteniendo el juego entre lo electrónico y lo instrumental, a crear una experiencia distinta para los asistentes al concierto.El evento tendrá también un After Concert, exclusivo para los asistentes del evento, en el Teatro Estudio donde Nuclear Digital Transistor y Siegen harán un B2B con Don G.
Dos años después de Quimera (2020), su primer trabajo en plataformas, Juliana Meluk, DJ colombiana, lanzó: Paupérrimo Miserable (2022), un proyecto que explora nuevas formas de agitación corporal y deja poco espacio para la quietud y el silencio. La influencia del EBM, el darkwave y el electroclash se siente cuando nos congrega a movernos al ritmo de sonidos industriales. Una apuesta ambiciosa pero bien lograda, pues aunque la letra puede volverse algo repetitiva; los bajos, contundentes pero distintos, hacen de cada remix un baile único. Kat Yusti y Diego Veira (Ácido Pántera), DJ's de Bogotá; The Virginia Valley, de Medellín y Amantra, de Venezuela; son los encargados del "spin off" de este EP.Si bien el paupérrimo miserable al que va dirigido es un personaje ficticio, representa de una manera general este arquetipo de hombre que a pesar de que puede llegar a camuflar la misoginia detrás de una careta, la tiene latente en él. Las letras son cortas y contundentes, y continúan construyendo la historia de este personaje ambiguo.La influencia de bandas de minimal synth y minimal wave como el grupo estadounidense, Boy Harsher y la banda, Lebanon Hanover, es clara en cada track. La composición y la producción, hecha en su totalidad por ella, es influenciada por la música que escucha, como afirmó en la entrevista.También les podría interesar: Lo que (se) fue de Julio Victoria: un álbum para ver de lejos la realidadLos techneros saben que en cada set, y en cada kick, hay un intención distinta. Aunque casi siempre pretende hacernos bailar de cierta forma, como si estuvieran jalando las cuerdas de un títere de la manera correcta, también puede reflejar las emociones de la persona que lo está creando. "Fue también un escape a una situación luego de un grave accidente familiar", cuenta Juliana. La oscuridad presente en cada minuto no es gratuita. Es producto de unas sensaciones que encontraron por allí una puerta de salida abierta y la usaron.Pero, ¿quién dice que toda la oscuridad es mala?Las presentaciones de música en vivo son un ejercicio de comunicación constante. La posición en la que esta un DJ no es diferente. " Se ejerce un poder sobre las personas", menciona.La fascinación por las parte oscura, paranormal, de la vida y el misticismo que en ella se encuentra, le da a Juliana la idea para su nombre artístico. Un guiño a la magia de manipular desde la intensidad de los beats y a los espacios, habitualmente considerados oscuros, en los que este tipo de electrónica fluye.Voodoo Meluk tiene planes de dejar el país, sin embargo, afirmó que vienen varias colaboraciones. Una de ellas, que pronto estará en plataformas, es con el productor paisa de música electrónica: Brain Una manipulación, pronto internacional, hacia el disfrute y la libertad del cuerpo en la pista de baile.
Aquí estamos en 2022 con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos <u class="rte2-style-underline">un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP)</u> para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo <u class="rte2-style-underline">a lo mejor del 2021 en este especial</u> . Acá les presentamos Don't You Worry de Shakira, David Guetta y Black Eyed Peas.Los invitamos a escuchar nuestra playlist Recarga Local en Amazon Music Colombia.¿Cómo se dio la colaboración de Shakira, David Guetta y Black Eyed Peas?En 2020 se estrenó Girl Like me de Shakira y Black Eyed Peas, una canción que empezaron a hacer en 2007, pero que no había sido publicada porque no terminaba de conocer a los artistas. El tema fue un éxito y se viralizó primeramente en TikTok con el baile de la colombiana. Dos años después de ese suceso finalmente se da la colaboración entre David Guetta y Shakira, luego de que no se autorizara en 2018 la publicación de Mad Love, tema producido por el francés en el que cantaba la barranquillera con Sean Paul.¿A qué suena lo nuevo de Shakira?La más reciente era musical de Shakira ha tenido reggaetón con Me Gusta, electropop con Don't Wait Up y Synth Pop con Te Felicito, este tema es una pista de EDM que recuerda clásicos de Guetta como Play Hard o de los Black Eyed Peas como I Gotta Feeling. ¿De qué trata Don't You Worry de Shakira y Black Eyed Peas?El tema que contiene vocales de la cantante y los tres integrantes del proyecto habla sobre mantener esperanza en momentos de oscuridad. Claramente, fiel al estilo de los BEP, habla sobre dejarse llevar por la felicidad de la fiesta y el baile. Es una canción con un mensaje claro: vivir la vida y disfrutar el proceso a pesar de las adversidades.¿Cómo es el video de Don't Your Worry de Shakira?El clip fue grabado en diferentes países y dirigido por el canadiense Julien Christian Lutz, conocido como Director X. En él se toca una temática extraterrestre en el que los universos se unen para celebrar la vida. Hay adelantos filtrados en Twitter y se estrenará completo el viernes 17 de junio.¡La música nos une!
Aquí estamos en 2022 con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos <u class="rte2-style-underline">un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP)</u> para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo <u class="rte2-style-underline">a lo mejor del 2021 en este especial</u> . Acá les presentamos Una Obsesión de DISHYPE y Ale Zabala.Los invitamos a escuchar nuestra playlist Recarga Local en Amazon Music Colombia.¿Qué es DISHYPE?Es un dúo de Dj y productores colombianos que a través de la música electrónica, y colaborando con otros talentos, fusionan con sonidos propios de la música popular europea y anglo. Uno de sus diferenciadores es que se enfocan en hacer canciones en español, con elementos de la cultura rítmica latinoamérica y los sonidos colombianos. Otto Agustín Orjuela y Nicolás Mantilla Schrader son DISHYPE¿Quién es Ale Zabala?Alexa Zabala nació en Colombia, pero está radicada en Estados Unidos. Su nombre dentro de la industria musical ha tenido un impacto importante como compositora, pero también como intérprete de sus propias creaciones. En 2022 representó al estado de Florida en el concurso televisivo de NBC American Song Contest, una especie de Eurovisión para la tv gringa.¿De qué trata Una Obsesión?Escrita por Zabala, Orjuela, Scharader, Nicolas Mantilla y Juan Daniel Shool, habla sobre lo peligroso que es el estado emocional cuando alguien se obsesiona de los momentos que tiene con otra persona que vive en misterio y toxicidad para al final hacerse daño mutuo.¿A qué suena lo nuevo de DISHYPE?Sus creadores explican que "este sencillo tiene sonidos provenientes del Slap House Anglo, ritmos que se popularizaron en Colombia por el sencillo Don't Be Shy de Karol G con Dj Tiësto". El tema puede bailarse en una discoteca, un festival o escucharse en el bus o en el carro.¿Tiene video oficial Una Obsesión?Sí, está disponible en alta calidad en Youtube. El video clip tiene imágenes de archivo cuando se grabó la canción, pero también muestra a Schrader en Nueva York. Un clip que contó con el diseño, la dirección audiovisual y edición de MAPUARTE.¡La música colombiana nos une!
Above & Beyond acaban de estrenar Screwdriver, es el primer track de lo que viene para el 2022, la primera vez que lo tocaron fue en el Festival Group Therapy 450, en septiembre de este año. Este estreno salió con el anuncio de que tocarán en vivo vía streaming desde la Piedra del Peñon para el mundo. A una altura de 240 metros, y con una vista majestuosa del valle de Guatapé y su represa. Desde la cima de este famoso lugar, se realizará el concierto a 2.135 metros sobre el nivel del mar. Es una maravilla de la naturaleza al que solo se puede acceder a través de 740 escaleras construidas dentro de una grieta.Este show se podrá apreciar detalladamente, tendrán una producción impecable de cámaras y drones. El concierto se transmitirá en vivo en las páginas de Facebook y Twitch de Cercle, y también en Oculus.Después de su presentación el público en línea podrá hacer preguntas, interactuar con los artistas en una entrevista que revelará detalles de sta experiencia.Above & Beyond llevan dos décadas liderando la movida electrónica, fundadores de dos sellos discográficos (Anjunadeep & Anjunabeats), nominados a 2 premios Grammy y presentadores de un programa semanal de radio Group Therapy, emitido todos los viernes que llega a millones de amantes de la música electrónica. Según la revista inglesa Q Magazine, son catalogados como “la banda de culto más grande del mundo".Cercle es un medio francés que produce experiencias únicas, organizando, filmando y transmitiendo conciertos en localizaciones cuidadosamente seleccionadas alrededor del mundo, en ubicaciones inusuales y cuidadosamente seleccionadas.Un evento que se hace cada segundo lunes, un artista toca durante una hora en un entorno único, seguido de una entrevista en vivo. Los eventos ya se han llevado a cabo en múltiples lugares como la Torre Eiffel, el castillo de Chambord en Francia, sobre Capadocia en Turquía o incluso bajo la aurora boreal en Finlandia entre otros.La cuota nacional está a cargo de Levanah y Karim Haas. Levanah, lleva más de 10 años de trayectoria, marcado un estilo propio influenciado por tendencias como el techno de Detroit, el electro-rock y el big beat de las últimas décadas. Ella forma una amalgama sonora con las melodías retro y modernas del Indie y R&B, una puesta en escena llena de energía y luz que libera en la pista de baile.Karim Haas, Dj, Productor y percusionista, inició su carrera musical como batería-percusionista en 1996, tocando en varias bandas de rock y jazz. Su transición a la música electrónica de baile ocurrió dos años después bajo la influencia de la música house y el sonido de la música funk de los 70.
Jean-Michel Jarre es conocido por sus conciertos innovadores y multitudinarios al aire libre. Empezó desde los 70 en la música electrónica y ha vendido más de 80 millones de álbumes en estas décadas. Fue el primer músico occidental invitado oficialmente a tocar en la República Popular China y su concierto en Moscú en 1997 mantiene el récord de uno de los más grandes del mundo, con más de 3.500.000 asistentes. En 2021, el músico francés llamó la atención con una innovadora actuación en vivo desde la catedral de Notre-Dame en realidad virtual. El espectáculo, que combinó imágenes de conciertos realistas en realidad virtual con una actuación real en vivo en el estudio, introdujo un enfoque de medios mixtos que fue el primero de su tipo. Atrajo a una asombrosa audiencia de más de 75 millones de espectadores en todo el mundo. Reconocido por sus conciertos épicos y de alta tecnología en lugares emblemáticos, era apropiado que Jarre continuara esta tendencia a pesar de la pandemia. El músico diseñó, construyó y actuó en el lugar de realidad virtual, que era accesible en todos los formatos disponibles, desde televisión y radio hasta video en línea, plataformas de redes sociales en el este y el oeste, y una experiencia totalmente inmersiva utilizando un auricular VR. "El mundo estaba en confinamiento, todos vivíamos aislados, confinados en nuestros hogares, que se convirtieron en el centro de nuestras vidas y el único espacio que teníamos para mantener alguna forma de normalidad. Donde el trabajo, la familia, el amor, el ocio y el juego estaban contenidos dentro de esas cuatro paredes. Compartimos e interactuamos con el mundo "exterior" a través de nuestras pantallas. Como músico, intérprete y creador de conciertos, como todos mis compañeros, necesitaba crear, actuar y compartir, esa es la única vocación que conozco..."Jarre imaginó un concierto transmitido en vivo al que todos podrían unirse desde sus propias burbujas individuales, y Welcome to the Other Side se concibió como un título, ya que todos necesitábamos esperar el final del túnel del cierre global.El músico francés sostiene que estos tiempos extraños en los que vivimos no solo son creativamente desafiantes, sino también probablemente los momentos más emocionantes para inventar y dar forma al futuro. En lugar de reemplazar cualquier modelo del pasado, abre las puertas para estirar los límites aún más y más. Hablamos con él sobre el futuro de los conciertos y las experiencias musicales y culturales en el mundo después de la pandemia. ¿Crees que la pandemia propició la creatividad en experiencias alrededor de la música?Absolutamente. La pandemia creó desesperación y hubo tiempos muy oscuros para muchos de nosotros, pero al mismo tiempo fue una oportunidad para explorar otras maneras de compartir música y nuevas ideas para expresarnos creativamente. Para mí, la realidad virtual fue una forma de expresión muy interesante de compartir música. Fue una buena oportunidad para enviar un mensaje de esperanza a todo el mundo. Quise vincularlo con Notre Dame porque más allá de lo católico, es un símbolo unión. Notre Dame se ha debilitado como nosotros, me pareció genial crear este puente y celebrar lo que hemos vivido junto al renacimiento de Notre Dame. Me pareció que sería cool hacer un concierto de realidad virtual dentro de la catedral. Tuvimos a millones de personas viendo el concierto en vivo, es increíble, es salvaje.Pienso que es interesante porque en tiempos de pandemia la gente quiere compartir experiencias, y este fue un gran ejemplo. A lo largo de tu carrera te ha interesado explorar nuevas formas de crear y compartir música ¿De dónde viene tu impulso creativo?Soy muy curioso y siempre me han interesado encontrar nuevas formas de expresarme con la música. Han sucedido muchas cosas desde que empecé. Cuando empecé fui un pionero y era como abrir camino en territorios vírgenes.Cuando estaba trabajando en este proyecto, tenía la misma emoción de cuando empecé de explorar nuevos territorios hace varias décadas. Sé que algunos artistas después de 2 o 3 álbumes dicen “estamos muy felices con esto, vamos a revisar lo que hicimos”. A mí no me interesa lo que ya hice, lo que hice lo veo como demos para mi próximo proyecto.Estuviste en las protestas de París 1968. ¿Cómo comparas ese momento con lo que sucede hoy en varias ciudades del mundo?Es interesante porque para la gente joven es algo muy similar. Creo que esta generación quiere sacudir el árbol y cambiar la sociedad. Tras la pandemia, la gente quiere explorar, expresarse y retar al sistema. Sabemos que el sistema no funciona, y tampoco funcionaba en 1968. Todos sentimos que la forma en la que la política está funcionando no sirve, tenemos que pensar diferente. En esencia hay una crisis y estamos claros en que hay una crisis intelectual y es algo que debe cambiar.Durante la pandemia hicimos 2 cosas: salir a comprar comida y escuchar música y ver películas. Así comprobamos que la cultura es algo de primera necesidad. Sin música y películas, la vida sería desesperante. Debemos cambar el paradigma porque debemos considerar la música como el aire que respiramos. Debemos darle valor al disco, a la película, es algo a lo que debemos adaptarnos. ¿Crees que con la facilidad que existe hoy para encontrar música se ha perdido su valor?Internet es una de las mejores cosas que han nacido para compartir nuestra música. Cualquier persona puede producir algo desde su casa, eso me parece muy positivo. En segundo lugar, por eso existen compañías en Internet usando la los autores como productos y los artistas muchas veces no tienen un modo de vida decente. Debemos reajustar y debemos pensar en cuál será la próxima etapa de Internet.Facebook va en declive, les preguntaba a conocidos y los más jóvenes no conocen Facebook. Facebook podría convertirse fácilmente en MySpace. Puede que Facebook no exista en unos años y lo mismo puede ser Instagram o TikTok . Todas desaparecen muy rápido. Las plataformas necesitan contenido, nos necesitan a nosotros y nosotros deberíamos tener una parte importante de lo digital. No hay que olvidar que en un smartphone, lo inteligente somos nosotros.Tu madre formó parte de la Resistencia Francesa en la Segunda Guerra Mundial, ¿Qué tan importante es ella para ti?Ella fue una guía para mí porque fue una mujer extraordinaria, una gran figura en la resistencia francesa y precisamente hace unos días, en su ciudad natal bautizaron una calle en su nombre. Es muy emocionante como hijo pensar que va a haber gente conociéndose y hablando en una calle con el nombre de tu madre. Es muy especial.Ella me dio muchos principios e ideas, una de ellas fue no mezclar las ideas con las personas ni estereotiparlas. Es la razón por la que hice muchos conciertos en todo el mundo, porque pienso que cuando hay un país en donde la gente no tiene tu misma libertad, tienes que ir allá y llevar a cultura. La cultura es para todos.¿Qué crees que pasará con los conciertos luego de la pandemia?Ojalá nos enseñe a respetar más la cultura. Creo que la pandemia fue un acelerador para todo lo relacionado con realidad virtual. Los conciertos, giras, serán muy diferentes.
El show de Nicola Cruz programado para el 2020, finalmente confirma una nueva fecha, será el 4 de diciembre junto a Gladkazuka en Bogotá.Todas las entradas para la fecha de 2020 serán válidas. Esté nuevo escenario permite aumentar el aforo, hay boletas disponibles aquí. Será uno de los shows que inician las fiestas de fin de año.Nico Cruz estrenó el año pasado dos EPs Hybridism y Fuego Nuevo el año pasado, el primero editado bajo el sello Multi Culti, dirigido por Thomas Von Party y Dreems. Y el segundo por Optimo Music Digital Danceforce.Hybridism, contiene cinco canciones que ahondan en ritmos del norte de África, melodías etéreas persas y cantos de culturas distantes e imaginarias. Nasiri y Ayan colaboran en un EP cuyos temas de sónica diversidad fueron compuestos entre 2018 y 2019 bajo una darwiniana influencia, como lo define el Dj y productor franco ecuatoriano.Fuego Nuevo explora formas rítmicas, inspiradas en percusión Afrocubana, acústicos cavernosos y distorsiones variadas. Un diálogo creado principalmente con una Roland 606 como base, siguiendo diferentes combinaciones de claves (instrumentales) convirtiéndolas en la herramienta que organiza el tempo de las canciones.El Dj y productor afirma que la percusión siempre ha sido su voz principal, así que trata de redescubrirla cada vez, sometiéndose a diferentes rituales cuando compone. Para él, los tambores siempre han representado el fuego, que era el guión a seguir para este EP.Gladkazuka es el invitado especial a este evento. Gregorio Gómez tiene una amplia trayectoria como pionero del movimiento electrónico nacional. Desde finales de los 90 y a comienzos del nuevo milenio, Gregorio hizo parte de Panorama un proyecto que abrió las puertas para que muchos hoy en día tengan un espacio para tocar. Sus influencias son claras: The Cure, Love And Rockets, The Charlatans y Brian Eno se encuentran de frente con el sonido clásico del House y del Techno en este proyecto que hoy en día se encuentra bajo el sello Cómeme de Matías Aguayo en Berlín.
Cales & Mr Hyde comenzó este primer trimestre del año con nueva música. Después de juntarse con su amigo y productor Alpha Beats con quien han trabajado en otros proyectos, decidieron cocinar por primera vez algo juntos.Aparato, es un EP con una propuesta estética y musical retro futurista, con sonido house y funk, influenciado por los gustos similares de los productores, una concexión que les permitió armar el concepto de la canción. Este nuevo EP sale bajo el sello Dualism Records. Un sello que se fundó en Miami en el 2013. En la primera etapa del sello, abundaron los sonidos afro house, techno. Es un sello donde la base principal es el house, pero con sonidos del jazz, funk y el acid.Alpha Beats creador del festival virtual Hikikomori a finales del 2020, sumó a Cales & Mr Hyde en la producción del festival, ahí se afianzó la amistad y juntos reunieron un line up de Dj amantes del house, thecno y funk. Para contar la historia de Aparato, Alpha Beats se encargó de la la gráfica y la ilustración, la idea era mostrar, ¿cómo iba a ser el futuro?, ¿cómo sería la música en el futuro?, un trabajo entre ambos, para contar que va a pasar en ese futuro musical creado por ellos.El concepto gráfico es importante en este proyecto, mostrar la relación del arte con la música y complementar perfectamente la historia que se quería contar.Son conscientes de la cantidad de música que sale a diario, hay un trabajo detrás que impulsa la canción y la mantiene post lanzamiento, para tener a la audiencia conectada. “El storytelling mueve el mundo. Una de las luchas como artistas y creadores es darle la mayor longevidad o permanencia en la música” afirma Alpha Beats.Esta unión los dejó con ganas de más música, cada tiene su propio proyecto musical, pero les gustaría continuar trabajando juntos, sus influencias facilitan el trabajo.La definición de Aparato por sus creadores:Alpha Beats: aparato fue una experiencia sonora similar a Back to the future, del pasado al futuro, los sonidos en las versiones, las percusiones, tienen esa onda antigua mirando a futuro.Cales & Mr. Hyde: aparato es la música que seres humanos y robots van a bailar juntos en la pista de baile, este es un ejercicio profético y adivinatorio.
Electronic: From Kraftwerk to The Chemical Brothers es una exposición del Design Museum de Londres que busca representar la tecnología, el diseño, la fotografía, entre otros elementos, que se fueron clave para el desarrollo de la música electrónica. Como parte de la exhibición se tenían programadas varias actividades presenciales, que incluían el show 3D de Kraftwerk y el montaje audiovisual de The Chemical Brothers. Por supuesto, a causa de las medidas para evitar la propagación del COVID-19, estos planes no se llevaron a cabo, así que mientras pueda volver a abrir, el museo habilitó un recorrido virtual por diferentes pasajes de la muestra.El recorrido virtual incluirá entrevistas exclusivas con artistas como Jean-Michel Jarre, Shiva Feshareki, Alan Oldham y A Guy Called Gerald. También se incluyen testimonios de destacados diseñadores y artistas visuales, como Judas, Kate Moross, Pier Schneider yFrançois Wunschel de 1024 Architecture, Yuri Suzuki y Weirdcore.La muestra hace un recorrido histórico por algunos momentos clave de la música electrónica: desde sus comienzos, a principios del siglo XX, hasta hoy. También se mostrará el nacimiento del house y el techno en Chicago y Detroit, la cultura dance en Nueva York y el Second Summer of Love de Reino Unido. La exposición virtual tiene un costo de 7 libras (unos 35.000 pesos colombianos) y puede adquirirse en la web del Museo. Estará disponible hasta mayo de 2021.También incluye un espacio para reflexionar sobre la dimensión política de este estilo de música, y cómo se ha mantenido como una oportunidad de experimentación creativa para grupos marginalizados. El Design Museum es uno de los principales museos dedicados a la arquitectura y el diseño contemporáneos. El museo busca con exposiciones cautivadoras, demostrar la importancia del diseño y su contribución a la economía y la sociedad en general.
Murió un personaje de Los Simpson que existe desde hace casi 35 años. En el episodio titulado Cremains Of The Day, los espectadores vieron la muerte de Larry, cliente habitual de la taberna de Moe, donde cayó muerto. En el episodio, Homero, Moe, Lenny y Carl asisten a su funeral, donde se dan cuenta de que sabían poco sobre él dada la cantidad de años que se conocían, lo que hizo que Homero preguntara si podrían ser "personas terribles".La madre de Larry hizo un homenaje en el funeral, en el que mencionó a los clientes habituales del bar, diciendo: “Mi Lawrence siempre hablaba de sus mejores amigos, los chicos de la taberna de Moe”, antes de animarlos a acercarse y decir algunas palabras sobre él.Luego, los cuatro tienen la tarea de llevar las cenizas de Larry a su "lugar especial", Serenity Falls, después de que la madre de Larry les regalara una fotografía grupal de todos ellos juntos.¿Quién era Larry Barfly en Los Simpson?Si bien es un personaje tranquilo y no es clave para los puntos principales de la trama de la serie, Larry (Lawrence) había estado apareciendo en el bar de Moe desde los primeros episodios de la serie en 1989, lo que hizo que su muerte fuera significativa para algunos fanáticos de Los Simpson.Larry pareció en alrededor de 35 episodios de la serie, aunque no se conocía mucho sobre su vida o personalidad. ¿Qué personajes de Los Simpson han muerto? A lo largo de cerca de 750 episodios en Los Simpson son muchos los personajes que han muerto. Sin embargo, ha habido algunas más emotivas que otras, una de las primeras fue la de Encías sangrantes Murphy, mentor de Lisa en la música. El capítulo de la temporada 22 le enseñó a Lisa sobre la muerte de una manera conmovedora, sin llegar a ser excesivamente sensiblera. Otra de las más recordadas fue la de Maude Flanders, esposa de Ned Flanders. Ocurrió porque Maggie Roswell pidió un aumento para cubrir sus gastos de viaje ya que vivía en Denver y grababa líneas para la serie en Los Ángeles. Roswell renunció luego de que su aumento no fuera aprobado y Maude murió en un accidente. Aunque Roswell fue llamada 2 años después, el perssnaje de Maude siguió muerta. Mona Simpson, la madre de Homero, también falleció. Cada vez que Mona aparecía en episodios anteriores, Homero acababa abandonado por ella. Su muerte finalmente le dio la oportunidad de aceptar a su madre tal como era y seguir adelante.Edna Krabappel, la profesora de Bart, falleció recientemente, debido a la muerte de Marcia Wallace, actriz que le daba su voz en la vida real. Los creadores del programa optaron por matar permanentemente al personaje en lugar de llamar a alguien más. El episodio 3 de la temporada 25, "Cuatro arrepentimientos y un funeral", estuvo dedicado a la memoria de Wallace.
Se dio a conocer Friendly Father (amable padre) es una enérgica pieza de propaganda estatal de estilo pop que alaba al líder dictatorial de Corea del Norte, Kim Jong Un. El vídeo musical que lo acompaña, lanzado al público norcoreano por sus medios controlados por el estado, presenta a docenas de residentes aparentemente extasiados de todas las edades cantando frases pegadizas como: "Que esta noche nunca termine, querida y hermosa noche de Pyongyang. ¡La gente cree en él y lo sigue con un solo corazón. ¡Presumamos de Kim Jong Un, un padre amigo!".La canción también se interpretó en vivo en un lujoso evento, cuyos fragmentos fueron transmitidos por la televisión estatal de Corea del Norte, para marcar la inauguración de un nuevo complejo de apartamentos que se dice contiene 10.000 viviendas en la capital, Pyongyang.Las nuevas viviendas en el distrito de Hwasong forman parte del desarrollo de Rimhung Street, que comenzó en 2022 con la construcción de 10.000 viviendas.Los proyectos forman parte de la promesa que hizo Kim a principios de 2021 de emplear al ejército para construir 50.000 nuevos apartamentos en la capital en un plazo de cinco años.¿Un cambio en la propaganda de Corea del Norte?El vídeo, en el que aparecen soldados vitoreando, niños radiantes, cantantes pop entusiasmados y una banda de música extasiada, fue filmado y editado profesionalmente. Si bien la música pop para exaltar al gobierno ha sido exitosa en Corea del Sur, esto no había sucedido en el Norte. ¿A qué se debe el cambio en su comunicación?Los analistas dicen que es parte de un esfuerzo para recrear y revitalizar el culto al liderazgo en torno a Kim, cuya familia ha gobernado Corea del Norte desde la fundación del país en 1948.La dinastía de la familia Kim ha tratado de fortalecer su control del poder construyendo cultos a la personalidad a su alrededor, de acuerdo con Reuters. El lanzamiento de Friendly Father llega en un momento en que los medios estatales de Corea del Norte cambiaron recientemente el nombre que utilizan para un día festivo, lo que generó especulaciones de que la medida es parte de los esfuerzos para solidificar la posición de Kim.En lugar de llamar "Día del Sol" al feriado público anual que celebra el nacimiento del fundador del país, Kim Il Sung, los medios estatales han comenzado a referirse principalmente a él como el "feriado de abril", más neutral.Tales cambios podrían ser parte de un esfuerzo de Kim por valerse por sí mismo sin depender de sus predecesores, dijo un funcionario del Ministerio de Unificación de Corea del Sur.
El rapero argentino WOS comenzó su carrera en las lonas del freestyle argentino y años después se convirtió en un artista de talla mundial. En 2024 vuelve a Bogotá a presentar 'DESCARTABLE', su más reciente trabajo discográfico, en el Chamorro City Hall de Bogotá.Valentín Oliva ya había visitado el país antes, la más reciente fue en la segunda edición del Festival Cordillera en 2023 y antes de eso había tenido un show en solitario en el Royal Center e hizo parte del cartel del Festival Estéreo Picnic 2022. Pueden conseguir sus boletas en la página de eticket o dando click acá.¿De qué va 'DESCARTABLE'? Este disco fusiona el rock alternativo, el folclore y el pop sintético de los 80s, sin dejar de lado los géneros que ya lo caracterizan como el rap, el rocanrol clásico más propio de la música argentina y el rock latinoamericano de los 90. El sello discográfico del álbum es Doguito Records, un proyecto que WOS tiene junto a Peter Ehrlich, su manager y fue producido por Facundo Yalve, más conocido como EVLAY, quien ya había trabajado con WOS y por ese trabajo discográfico ganó el premio Gardel a Productor del Año.Como adelanto del álbum, WOS ya había publicado varias canciones, entre las que está ARRÁNCAMELO, tema que se convirtió en un himno de la Selección Nacional del Fútbol de Argentina en el Mundial del 2022.El artista presentó el disco, por primera vez en vivo, en el estadio Racing Club de Argentina frente a más de 40 mil personas.De 16 canciones que nos presenta el rapero en el álbum, cuatro son colaboraciones: Gustavo Santaolalla, Natalia Lafourcade, Dillom y el Indio Solari. Si quieren saber más sobre 'DESCARTABLE' les dejamos acá todo sobre el nuevo álbum del argentino.¿Quién es WOS?Nacido en Buenos Aires y con tan sólo 26 años ha tomado elementos del rap y ha logrado crear algo nuevo. WOS comenzó en 2013 su carrera de freestyler en El Quinto Escalón, una competencia que se hace en el Parque Rivadavia en Buenos Aires, de la cual fue ganador varias veces.Es 2018 se convirtió en el campeón de la FMS Argentina y de la competencia internacional de freestyle más reconocida: Red Bull Batalla de los Gallos, luego de que le ganara al rapero mexicano Aczino en una de las finales más recordadas.En 2019 decidió enfocarse en su carrera musical y nos presentó 'Caravana', su primer álbum de estudio que lo llevó a una nominación en los Latin Grammy como mejor nuevo artista y lo convirtió en ganador de tres Premios Gardel en la misma categoría, gracias a su sencillo Canguro: una canción protesta que lo pondría a sonar en varios países en donde se estaban gestando fuertes movilizaciones sociales y que alcanzó las cien millones de reproducciones.Las tardes en el Parque Ruvadavia y las noches en las batallas de RedBull lo llevaron a ser el artista más nominado a los Premios Carlos Gardel 2022. Con 8 nominaciones WOS superó a otras figuras del hiphop argentino como Tiago PZK, Dillom, entre otros.**Les dejamos una entrevista con Wos en la que habla sobre música y política.
Páramo nos dice: ¿Qué puede caber en una toda una noche? Amigxs que son como hermanos, música hecha con el corazón, reencuentros esperados por años, pero sobre todo, el regreso de una banda de la casa a la ciudad que los vio nacer. Diamante Eléctrico estará una vez más en la capital, su ciudad, el próximo 31 de agosto desde el Chamorro City Hall, presentando: Una Noche en Bogotá. En esta ocasión, Juan Galeano y Daniel Álvarez, presentarán su trabajo discográfico más reciente 'LVRBOY', un EP de cuatro canciones con una dedicatoria para la capital en 'Algo Bueno Tenía Que Tener (Bogotá)'.La única información que Diamante quiere que sepan es que será una noche legendaria, pues se trata de su regreso. Por eso, tanto sus fans más antiguos como los nuevos, van a poder disfrutar de este concierto que recogerá los sonidos viejos (de más de 15 años de carrera) y los más recientes.La historia de Diamante EléctricoDiamante Eléctrico nace en Bogotá en 2012. La banda estaba conformada por Juan Galeano (voz principal y bajo), Daniel Álvarez (guitarra) y Andrés Kenguan (guitarra y sintetizadores). Los tres músicos, con experiencias previas en el ámbito musical, se unieron en uno de los proyectos de Galeano y dan forma a lo que sería Diamante Eléctrico.Su debut homónimo, lanzado en 2013, los posiciona en la escena independiente colombiana. El sencillo 'Nos Rompemos Igual' alcanza el número uno en las listas locales.En 2015 llega su segundo álbum, 'B', el cual recibe el galardón a Mejor Álbum Rock en los Premios Grammy Latinos. Su tercer disco, 'La Gran Oscilación', de 2016, marca un nuevo hito al reclutar al reconocido ingeniero de sonido Josh Smith, quien ha trabajado con artistas como Jack White y Beck.En 2018 publicaron 'Buitres', un álbum con el que exploran nuevos sonidos. Al año siguiente, lanzan 'Buitres & Co.', una reinterpretación del disco anterior con colaboraciones de artistas como Monsieur Perret, Andrea Echeverri, Lido Pimienta, entre otros.Su más reciente trabajo de largo aliento, 'Mira Lo Que Me Hiciste Hacer' (2021), les otorga su cuarto Grammy Latino a Mejor Álbum Rock Latino o Alternativo. Recuerden que si quieren ir 'Una Noche En Bogotá' de Diamante Eléctrico pueden comprar sus boletas e la página de eticket. El 31 de agosto en el Chamorro City Hall.
“¿Quien te va a conocer sino yo?”, Luis Carlos Reyes, director de la DIAN, también conocido en redes sociales como Mister Taxes, citó a Taylor Swift en un video reciente. "Who's gonna know you? If not me" (quién te va a conocer si no yo) fue la frase que usó Reyes, perteneciente a The Tortured Poets Department, sencillo del más reciente disco del mismo nombre de la cantante estadounidense. La cita se dio en el contexto de la información exógena que conoce la DIAN de los contribuyentes. "La DIAN conoce a través de la información exógena, cosas como los pagos que te hace tu empleador, la facturación electrónica que se hace a tu nombre, y muchas cosas más, así que tranquila, nosotros sabemos", explica Reyes en el video. Sus comentarios ingeniosos y muy divertido han hecho que Reyes sea un éxito. Al inyectar humor en su presencia en las redes sociales, "Mister Taxes" ha logrado que las discusiones sobre impuestos sean más atractivas y accesibles para una audiencia más amplia. ¿Qué es la información exógena en la declaración de renta?Es la información presentada por personas jurídicas y naturales, sobre las operaciones realizadas con sus clientes, usuarios u otros que intervienen en el desarrollo del objeto social de la empresa, periódicamente a la DIAN. La información exógena tributaria tiene como propósito efectuar cruces y estudios de información que permitan cumplir con la función de fiscalización, ejercer mayor control de los tributos y contribuir a mejorar el cumplimiento de obligaciones sustanciales y formales, según la web de la entidad. The Tortured Poets Department, el más reciente álbum de Taylor Swift Swift anunció el 4 de febrero de 2024, en la ceremonia de los Grammy, que su onceavo álbum llegaría a todas las plataformas el 19 de abril. 'The Tortured Poets Departments' fue producido por ella junto a Jack Antonoff y Aaron Dessner y fue escrito al poco tiempo de haber terminado de trabajar en su álbum 'Midnights'."Nunca he tenido un álbum en el que haya necesitado la composición de canciones más que en Tortured Poets", afirmó la artista. Así mismo, lo describió como "una antología de nuevos trabajos que reflejan eventos, opiniones y sentimientos de un momento fugaz y fatalista en el tiempo, uno que fue sensacional y doloroso a partes iguales".El estreno fue un álbum doble con 31 canciones en total. En un inicio fueron lanzadas las primeras dieciséis canciones y dos horas después fue liberado un álbum adicional llamado 'TTPD: The Anthology'.