Las expectativas de un nuevo trabajo eran altas, pero Diamante Eléctrico acaba de lanzar el que podría ser el disco más importante de su carreras (sí, incluso más que el que les dio el Grammy) "Queríamos hacer un disco que nos representara, ahora estamos pasando por una época totalmente distinta a la de hace dos años" , dijo Juan Galeano hace algún tiempo cuando lanzaban el primer sencillo de este disco. Placebo fue la primera pista que hace unos meses escuchamos. La prueba de que lo se venían tenía toda la identidad eléctrica, pero al mismo tiempo le daba la vuelta. Y hoy a la medianoche lanzaron sin previo aviso La gran oscilación, porque como uno de sus integrantes escribió en las redes “el grito se da solo”. La estrategía fue mejor, dejaron copias escondidas en lugares claves de diferentes ciudades de Colombia, que volaron en poco tiempo. Para algunos, este nuevo álbum podrá ser percibido como más experimental y conceptual, saltando por tiempos y ritmos, como en su momento lo hicieron sus héroes Led Zeppelin, Black Sabbath y algunos otros. Unas horas previas al lanzamiento del disco, Billboard lanzó en exclusiva Déjala Rodar, otro de los sencillos del disco, un track con infusiones de blues listo para destrozar en una buena pista de baile. Sí señores, porque el rock también se baila. Después de ganarse un Grammy, de abrir los conciertos de Foo Fighters y los Rolling Stones, las ganas de que un nuevo disco de Diamante viera la luz eran muchas. Sin duda podemos decir que nos dieron lo que queríamos; una dosis evolucionada de Diamante Eléctrico, un nuevo universo musical, nuevos elementos, experimentos, ritmos y poder. Seguros de que esta nueva grabación totalmente análoga realizada en Bogotá con el ingeniero de Third Man Records Joshua Smith -conocido por su trabajo con Jack White, Beck y The Dead Weather- va a dar mucho de qué hablar. Le damos la bienvenida a la Gran Oscilación del Diamante Eléctrico. Foto: Gustavo Martínez
¿Qué sonaría en la recepción de un viejo hotel japonés que no recibe huéspedes desde hace décadas? Devendra Banhart se sintió atraído por ese concepto estético y comenzó a forjar las canciones de su noveno disco, al que, sin aviso ni previa invitación, se asomó la sombra de la muerte insistentemente. "Fui a demasiados funerales en los últimos dos años... Ese sufrimiento es una experiencia muy específica", reconoce en una charla con Efe en Madrid este músico y artista plástico, que en el proceso de componer y grabar "Ape in pink marble", su nuevo álbum, padeció las muertes de su amigo y colega Asa Ferry y la de su padre biológico. Sin embargo, para Banhart este este un disco sobre la muerte. "No es un álbum que procesa la pérdida, pero la muerte inevitablemente informó las canciones", afirma sobre sus más recientes composiciones. Explica en ese sentido que "Middle names", el sencillo que anticipó y que abre este trabajo, es en efecto un tema sobre Ferry, pero que empezó a componerlo antes de que le sobreviniera la parca. Sobre "Mourner's dance" (el baile del doliente, en español), aparentemente más obvio en su relación con la muerte, cuenta que lo que lo motivó fue su relación con la esposa coreógrafa de su amigo el músico brasileño Rodrigo Amarante y la curiosidad en torno a esta disciplina, a su capacidad para conmover. "¿Cuál sería la música en un funeral?", se preguntó a la hora de crearlo. Reconoce a su vez que, de la misma manera que la muerte, también California y el barrio predominantemente mexicano en el que se grabó el disco lo maleó de alguna manera no explícita. Desde su debut con "The Charles C. Leary" (2002), Banhart -hijo de estadounidense y venezolana- es uno de los grandes representantes del nuevo folk anglosajón. Con "Ape in pink marble" (Warner Music) cierra tres años de silencio musical desde su predecesor, "Mala". El título del nuevo álbum, por ejemplo, bebe tanto de la imagen que evoca (un mono de mármol rosa) como de la metáfora que encierra, una doble alusión al mundo masculino ("el mono, muy impulsivo y físico") y al femenino ("el mármol, sofisticado, a la vez muy bello y muy fuerte"). "La dirección de los discos ahora tiene mucho que ver con lo que intento evocar. No me planteo las canciones en función de los instrumentos, sino más bien del tipo de película que quiero proyectar", revela. En este caso, el escenario era "un hotel imaginario en una parte de Japón que nadie visita, en un Oriente imaginario y desvencijado que hace 20 años que no recibe ninguna visita, pero que sigue siendo muy misterioso". A partir de esa premisa, decidió incluir un koto (instrumento tradicional japonés), pero también sintetizadores que, como el papel rasgado que imaginaba en las paredes de ese hotel, agonizaran. Para ello recurrió a teclados de pequeño tamaño, casi de juguete, y con las baterías a punto de agotarse. "Creo que voy hacia un tipo de música en el que no hay agresión ni ataque", valora sobre sus últimos pasos en la música, que le encaminan en una dirección opuesta a aquella canción de Daft Punk, "Harder, better, faster, stronger". Por: EFE // Foto: Gettyimages
Hoy, 20 de septiembre, a las 4 de la mañana Gorillaz posteó la primera foto en su cuenta oficial de Instagram. Por supuesto sus seguidores entraron en una euforia colectiva porque esta puede ser la pintada definitiva de que pronto estaremos ante nuevo material de una de las bandas más poderosas de los últimos tiempos. Las fotos son una especie de travesía cronológica a través de la historia de la banda y la conclusión de esta seguidilla de post puede ser precisamente el material sonoro fresquito. Aunque desde hace mucho tiempo hay varios comunicaciones que apuntan a que la banda está dentro de estudio, hace mucho no sentíamos tan cerca este momento. Véalo por sus propios ojos: Instagram.com/Gorillaz
Justo cuando están por comenzar una nueva gira por escenarios europeos, nos damos a la tarea de escuchar lo que Systema Solar nos ofrece como su tercer golpe sonoro. Por:José "Pepe" Plata // @owai Imaginemos que al mundo cae un meteorito cuyo impacto no está ligado al fatalismo, la destrucción o la extinción de la raza humana. Más bien imaginemos que ha llegado para esparcir la buena onda y hacer que en todo el orbe haya felicidad y se tenga la posibilidad de bailar, pero también la noción de lo que sigue es tomar partido sobre aquello que pasa en este planeta que llamamos tierra. Imaginemos además que ese impacto vendría acompañado de una banda sonora. Y es hecha con entrañas de felicidad que sale de los barrios de Barranquilla, Cartagena, Medellín, Cali o Bogotá a los escenarios del mundo. Es una expresión sonora que tiene amigos en Argentina con la cumbia villera, en Perú con los tecnohuaynos, en Venezuela con la Changa Tuki, en México con las cumbias sonideras, en Brasil con la technobrega, en República Dominicana con el mambo o en Panamá con el reggaetón. Se trata justamente de una música que no deja a nadie quieto. Y que no puede ser mejor manera de mostrarnos cómo se puede llevar un mensaje de esperanza y gozo sin ser doctrinario. Así es como llegamos a la tercera producción de Systema Solar que va justo Rumbo a Tierra. Un golpe de gracia y alegría que nos confirma cómo tras diez años de existencia, ellos se quedaron dentro de nuestros corazones. Y además dentro de nuestras necesidades sonoras y humanas para sobrevivir. En esta tercera placa, hay una obra completa que se ha dado a la tarea de invitarnos al mundo fantástico de la Berbenautika, pero también de darnos necesarias muestras de reflexión. Y es hora de desmenuzar un disco que nos tenía ansiosos. Las dudas han sido resueltas y así es como suenan sus once canciones: Tumbamurallas: Un himno directo, una llamada a la tribu para que se levante y combata. Un himno a la llavería, a la libertad y a todo lo que significa soñar. Rumbera: Su clásico grito de “Este es el Systema pa´que sepa” es una invitación champetera a bailar y a estar en la verbena. Y el que no acuda a ese llamado, no sabrá qué es el gozo. Aguzaero (Con Pedro Ramaya): Una plegaria, un llamado a la lluvia y al agua que bien necesitamos. Y si además le añadimos unos scratches, tenemos bien formada la plegaria para que nos caiga el agua. “El aguacero me tiene loco….” con unas gaitas de fondo, nos hacen sentirnos en casa. ¿Qué pasó?: Esa es la gran pregunta de estos tiempos. Y es la que Systema nos invita a reflexionar entre referencias a los sonidos balcánicos y toques jamaiquinos… Aló? (Con Abelardo Carbonó): Una canción que nos llama a la acción. Con un sonido hipnótico mezclado además con una llamada telefónica de aquellas que enamoran o decepcionan. Pa´Sembrar: Sin la agricultura no somos nada. Sin semillas mucho menos..y el que se las quiere llevar pone en duda el futuro de la humanidad. Una trópico-reflexión divertida con un flow que justamente nos habla de esa base necesaria para la vida y la alimentación. ¿Nacimos o no pa´semilla? Somos la tierra: Un acordeón vallenatero nos introduce a una de las canciones más poderosas disco. La misma que nos invita a reflexionar acerca de la destrucción que se ha generado con la minería, la extracción o otras formas de explotación que ponen en vilo a la humanidad. Y además con un coro de niños que si en el futuro sobreviven, de seguro estarán en la capacidad de esparcir el mensaje. Mi Caribe: De nada sirve tener raíces si no se siente ser parte del mundo. De nada sirve ser alguien del mundo si no se tienen raíces. Y el caribe es la base de este combo galáctico sonoro. El que come pescado, saluda con el dedo gordo, dice bacano, usa sombrero y baila sin par pedir perdón. Champe Tablúo: Una sofisticada manera de decir que el barrio es el que manda la parada. Lo ha hecho por años y Systema bien lo sabe. ¿Es house, es disco, es un blues de estos tiempos? Mejor escuchar y gozar. La Plata (Con La 33): Nunca está demás colaborar con la gente que se aprecia. Aquí el juego de palabras es justo un llamado de atención sobre el dinero, el billete, las lucas, la plata como se le quiera dar el nombre a los billetes y las monedas. La plata hace de las suyas en este tiempo; pero se puede salir airoso de ese conflicto. El Wuere: Revisar este lanzamiento previo no está demás. Una canción fiestera y divertida que tiene bases champeteras que llaman a la pista de baile. Sea en la discoteca o en el suelo. Se baila porque se baila. La invitación está hecha. ¡A gozarrr! Lea además: Los regalos de Systema Solar antes de su lanzamiento
El próximo 15 de julio, Systema Solar lanzará su nuevo disco Rumbo a Tierra. Desde ya nos preparamos para uno de los discos nacionales más esperados del 2016.Esta constelación de genios musicales lleva desde el 2007 surfeando la cima de aquella ola de nueva música colombiana que está invadiendo al mundo; ya nos han envuelto en su universo con dos discos: uno homónimo y el otro, más reciente, La Revancha del Burro. Mañana la nave del Systema Solar despega nuevamente con Rumbo a Tierra y lo hace para llevarnos a uno de esos viajes que ya nos tienen acostumbrados. Lleno de misticismo, magnetismo y sin duda de mucho ritmo.Rumbera, fue el nombre del primer sencillo y el primer bocado de lo que se nos viene pierna arriba con un nuevo disco. Una canción con una invitación directa a dejarlo todo en la verbena, como para bailar en una sola baldosa, con mucha melodía, movimiento y ese toquecito vacilado al que nos tiene acostumbrados el Systema.Partiendo de ahí, no podemos esperar más del nuevo disco de esta constelación que una pieza construida para el exorcismo bailable. Y mientras llega el momento de poder escuchar/bailar esta nueva placa discográfica, nos regalan tres sorpresas: la carátula del disco, una playlist curada por ellos mismos para echarle gasolina a la hoguera y el disco y la preventa del disco en Itunes a precio ganga.Como lo prometido es deuda, aquí va. 1. La Portada2. El link para comprar Rumbo a tierra a precio especial: ¡Clic aquí para comprarlo!
Después de una joya sonora como Móntate en el viaje, el Cero regresa con un trabajo palpitante y listo para dejarlo todo en el baile.Dicen que a los 16 años este productor de herencia costeña tuvo su encuentro con una guitarra y desde ahí decidió invocar a la música por el resto de sus días, amén. Y aunque se ha fortalecido gracias al consejo de maestros como “Teto” Ocampo o Edgardo “El Mono” Moscote, su aprendizaje ha sido empírico y su código sonoro, nutrido tanto de la mística tropical del Caribe colombiano como de la electrónica experimental, es la conjura entre el pasado y el futuro. La sangre fría y la sangre caliente. Entre el caminar sin rumbo y el carnavalear a muerte. Ya hace algunos años que los remixes firmados con el pseudónimo Cero39 (el más popular es uno de Fuego de Bomba Estéreo, aunque también ha remezclado a artistas como Lido Pimienta o los argentinos del sello ZZK: Tremor o El Remolón) o temas propios como Estate cumbia se toman los playlists de los más fervientes neocumbieros del globo, articulando ese sonido que él mismo ha bautizado como “chucu chucu advance”. Nómada por naturaleza, el Cero es un alma que ha vagado por Europa y por México, que ha realizado expediciones musicales por el Magdalena Medio, investigaciones en las profundidades psicodélicas de Barranquilla y producciones monstruosas en Cali, Medellín y Bogotá. Hace varios años estuvimos presentes en el lanzamiento de Móntate en el viaje (una joyita musical a la que aún seguimos dándole play) y por eso esta vez no nos podíamos bajar del bus de un nuevo lanzamiento. Esta vez conformado por Yei Dari, Fredo, Victor y Yu Hee, el proyecto presenta su nuevo trabajo Moni, Moni, El próximo 7 de julio lanzará oficialmente su disco en el Teatro Lumiere. Acá toda la información
Adele confirmó a través de Facebook que '25' saldrá al mercado el mismo día en el que llegará a las salas de cine 'Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 2'.Los seguidores de Adele han esperado cuatro años para escuchar lo nuevo de esta artista británica que irónicamente nos enamoró con sus canciones de desamor. Este jueves, la autora de temas como ‘One and Only’, ‘Rolling in the Deep’ y ‘Don’t You Remember’ explicó en un comunicado publicado en Facebook y Twitter que su nueva placa discográfica explora a la perfección su nueva yo y deja al descubierto la madurez que ha adquirido con los años. (LEA TAMBIÉN: Adele reveló un corto adelanto de su nueva canción)Así mismo, la cantante reveló que el próximo 20 de noviembre es el día que escogió para publicar su nuevo disco y admitió que ‘21’ fue un disco dedicado a la ruptura, pero que ‘25’ “es más un álbum de reconciliación”. Hello es el video del primer sencillo del álbum '25' que nos presenta Adele. El clip recrea los momentos pretusa de una relación.
'Adiós' fue el sencillo con The Mills abrió la puerta de "De cierto", el nuevo álbum que presentaron ayer en Bogotá. Ante un Theatron lleno de todos esos seguidores que han sido sus fieles acompañantes y otros que que se han ido sumando, expusieron un repertorio de esas canciones que componen la nueva placa discográfica y esas otras que se han convertido en clásicos para quienes los escuchan.Acompañados de amigos como Pedrina y Río, Armandito, Jack N' Brothas y djs de Radioactiva, The Mills supo cómo hacer un show poderoso. Aquí las mejores fotos de su presentación.
Por: Jenny Cifuentes @Jenny_CifuDesde hace más de una década Chocquibtown viene enganchando al público. Acudiendo a la riqueza musical del pacífico y aliándola con sonidos del hip hop despegaron, ascendiendo a punta de trabajo y garra, llegando a ser en la actualidad una de las agrupaciones nacionales más relevantes. Pasaron de independientes a estar bajo una discográfica grande, han contagiado escenarios fuera del país con su estilo, son apetitoso plato bajo los focos para audiencias locales y han reclutado miles de adeptos que en la actualidad hacen parte de una gigante comunidad: la Chocquibnation. El grupo, ganador de varios Premios Shock y del Grammy Latino en 2010, tras el éxito obtenido con su anterior placa Behind The Machine (2013), hoy viene con toda y lanza su quinto álbum titulado El Mismo, bajo la producción Andrés Castro y Slow Mike, y la coproducción de Goyo y Tostao. El grupo nos reveló todos los detalles de su nuevo trabajo.¿Qué es lo que más destacan de este nuevo disco?Es un álbum que tiene mucho de Behind The Machine, por su sonido puro y por todo lo que aprendimos en ese trabajo anterior. Reincorpora elementos de Behind The Machine, como los arreglos de los vientos, de las percusiones, pero tiene muchísima más exploración que todos los discos pasados. Tocamos ritmos que nunca habíamos tocado e hicimos cosas que nunca habíamos hecho.¿Como cuáles?Por ejemplo, es la primera vez que hacemos una electrónica neta, la armamos con toda su base de levanta polvo y la bautizamos Nadie Dijo. Hace rato estábamos en mora de realizarlo, tiene beats hechos por nosotros. Nos cocinamos ahí algo bien chévere. También incluimos una canción titulada Una Raza Llamada sabor en la que grabamos un clarinete. Nunca habíamos usado este instrumento en nuestra música. El clarinete es algo que pertenece mucho a la chirimía, es como el rey de la chirimía y estuvimos muy contentos de hacerlo. Esa canción habla sobre lo que somos nosotros: una raza a la que tildan de sabor. Entonces la desarrollamos por ese lado con un beat de hip hop, que no tiene nada de tropical, ni nada de bailable al estilo convencional, sino que es más cercana al rap. Tiene un traqueteo de hip hop y guitarras típicas, una mezcla muy bonita.Otra innovación en nuestro nuevo trabajo es que hicimos un tema cercano a la salsa choque, y es que el álbum también tiene sonidos latinos. Siempre nos ha gustado mucho la salsa y en el pacífico es muy fuerte. En general para la gente afro latina, la salsa es el pilar de todo.Entonces quisimos hacer una canción muy pegada a la salsa choque en el sonido, se llama Salsa y Choque. Para ella invitamos a Ñejo, un artista urbano, que viene de los más calle pero siente lo latino. Para este tema lo sacamos un poco de lo que estaba acostumbrado a hacer, aunque él también ha realizado colaboraciones con Andy Montañez y varias figuras de ese tipo. Nos encanta el ritmo de la salsa choque. Nos parece que es un gran paso para el movimiento de la salsa urbana, y chévere que haya existido porque nos inspiró para hacer esa canción para el disco. Supe que también hicieron una canción corta venas…Sí. Este es el primer álbum en el que escribimos una canción de desamor, corta venas. Se llama Desde el día en que te fuiste. Es un tema como alterno con algo de rock. Baladoso. Batería, bajo, guitarra y marimba. Es una canción súper pop de esas que suenan en España y México todo el día, pero con guitarras roqueras. La letra es algo como: se fue este man, ¿y no tuvo ni cómo llamar o qué? ¿No le alcanzó la plata? ¿No tenía minutos? Cuando te veo también marca diferencias con su anterior material, cuéntennosClaro. Cuando te veo (que es el tema que abre el álbum), muestra la parte romántica del grupo. La parte más melódica. Es una canción 90 % cantada. Quedaron muy presentes en ella las voces de Slow y Goyo. Es una composición muy bonita y nos gusta hablar de ella porque la gente que no conoce bien la música del pacífico, no sabe que desde el principio, el sonido del bombo suena mucho al aguabajo y al bambazú chocoano. Un dato muy importante es que la percusión fue grabada por Kae un amigo y familiar nuestro. Lo que es algo bonito e innovador de este trabajo. Siempre tuvimos el sueño de coger lo típico del Chocó y plasmarlo en un disco. Nunca lo habíamos hecho, y ahora lo traemos a él, que es uno de los salvajes de la chirimía en el Chocó, pupilo de Alexis Lozano. Kae “La Malandraye” se hace llamar y es de los precursores de la chirimía callejera. Tiene algo muy particular y es que él mismo creó su set que es completamente callejero, tiene redoblante, jam block y muchas cosas como típicas pero que suena diferente. Es algo a lo que le llaman jazz palo en el Chocó. El toque es típico-callejero.Lo que hicimos con este músico fue ponerle todos los temas para que tocara encima, y eso da un color, porque rellena las esquinas. Es como yo tener un disco listo y decir: “Hey, Carlinhos Brown, vení”, y él coge todo su set de percusión y mete esto y lo otro. Kae le dio mucha riqueza al material. Le dio el cuero, le dio roots, esa raíz. Como que se trajo ese pedacito de San Pacho y lo puso en el disco. Eso nos tiene muy emocionados. ¿Qué otro tipo de exploración con ritmos colombianos hicieron?Recurrimos a la champeta. Hay una canción llamada El Arriendo que tiene champeta, souk, marimba y un pedazo de dubsteap. Es una mezcla, porque en la música no hay reglas, no hay limitaciones. Todo depende de cómo la vea uno en su cabeza y eso lo tiene Andrés Castro, nuestro productor. Él no se limita, hubo mucha libertad de creación en este disco. Hablando de no tener límites grabando, un artista también se hace en el estudio de grabación. A través de todos estos años ¿cómo ha sido su desarrollo y aprendizaje en estudio? A nosotros nos pasó que vivimos el proceso desde lo específico hasta lo general. Antes grabábamos en computador, con micrófono de computador y luego vimos cómo los espacios iban cambiando. Primero trabajábamos en un espacio súper pequeño, más adelante en uno más grande y después éramos asombrados porque llegamos a otro el doble de grade. Y luego uno aquí, más el otro allá. Pero después pudimos romper ese mito que teníamos en la mente sobre el tamaño del estudio o la cantidad de aparatos y aterrizamos en que el problema no es la cantidad de máquinas que hay sino quién las esté manejando y quién puede llevar el material de uno a un mejor sonido. Por ejemplo, antes pensábamos que todo era L y R y resulta que eso era multitrack. Fuimos rompiendo mitos.Es que hay que considerar que venimos del Chocó, y eso es una medio contradicción. Porque somos de zonas rurales y hacíamos música urbana en su máxima expresión pero con historias que no eran de edificios altos ni de avenidas grandes, sino historias que tenían otra dinámica, otra temperatura, por así decirlo. Y eso de andar en los estudios a nosotros nos calibró casi que para saber ya cómo suena en la música pop la marimba de chonta. El proceso es relacionarse uno mismo, con los sonidos de uno, y después de saber a qué suena cada cosa. Poner todo en su lugar sin temor. Porque no tuvimos miedo. Nosotros logramos traer el Chocó a Bogotá, de Bogotá lo sacamos a Paris, Londres, Nueva York, y ahora podemos decir que lo enmarcamos con la música electrónica, con el pop, con el hip hop, el reggae. Sentimos que estamos más tranquilos en cuanto a que ya conocemos los ingenieros que tienen nuestro sonido. Además, ya sabemos los textos que queremos poner, no sólo para que se entienda en Colombia, sino que se entienda en un contexto global. Claro que siempre va a pasar que uno escribe una letra y se la muestra a una persona de otra parte y le preguntan ¿qué es esto? Eso está bien porque quiere decir que aún sigue siendo una cuestión exótica en medio de un lenguaje plural."Nosotros logramos traer el Chocó a Bogotá, de Bogotá lo sacamos a Paris, Londres, Nueva York"¿Hubo alguna vez hubo miedo a que los etiquetaran como pop?No. Cuando por ejemplo preguntábamos por qué nos querían rotular como pop en pasados Premios Shock era más por temor a con quién nos iba a tocar competir. Fue hace mucho tiempo y había nombres muy grandes. Ahora que nos pongan con el que quieran. Háblennos sobre su trabajo con el productor Andrés CastroAndrés nos aporta mucho y nosotros a él. Él ya había trabajado en nuestro disco Behind The Machine (donde viene Calentura que hicimos con Tego Calderón). Andrés nos da mucho en el tema de las melodías y las armonías, y también nos ayuda a ver la música de forma global. Es de resaltar su tranquilidad cuando está en acción. Lo que hacemos con él es complementarnos. Por ejemplo, le llevamos Cuando te Veo, que es una canción compuesta por nosotros de cabo a rabo.Le llegó de una forma y luego del trabajo conjunto, salió de otra. Pero hay cortes que no tienen su mano porque no fue necesario. Esa también es su virtud: soltar. Como la frase que dice que el productor sabio no es el que interviene sino el que sabe qué no quitarle a la obra. Otro aspecto del trabajo de producción fue que ninguna canción salió del estudio hasta que todos estuvimos de acuerdo. La construcción de cada tema fue muy en conjunto. ¿Quiénes son los invitados en su nuevo disco?Ramón Benítez en el trombón, Dante, un peruano en la trompeta, Robert Vilera que es un timbalero tremendo, “Junito” en los pianos, Larry, nuestro habitual percusionista estuvo en las marimbas, Richard Bravo (que es percusionista de Juanes), Ñejo y Alexis Play quien tocó con Chocquibtown en los inicios, cuando éramos cuatro. ¿Tienen alguna entre sus favoritas del álbum?Para este disco pensamos: ahora que tenemos la oportunidad de estar en estudios más grandes, pues aprovechemos y metamos elementos de toda nuestra carrera en un álbum, y así fue. Hay una canción que tiene mucho de lo que hemos hecho: El Mismo, que da título al trabajo y que es funky jazz con folclor y rap. ¡Como para película de Hollywood! Es de nuestras favoritas. Habla sobre la discriminación como si fuera una película. Hay una parte que dice: “dale un poco de agua a los muchachitos, pa que no se atranquen con el plátano frito. Que prueben un poco de otros sabores pa que no se asusten cuando vean otros colores. Sírvale sancocho a los pelaítos….” O sea, habla como que la gente no conoce tanto de nosotros o tanto de uno, que empieza a discriminarlo. Algo así como: al que habla mal del Chocó, sírvale sancocho pa que sepa, pa que se vaya impregnando, dele plátano frito con queso, para que sepa cómo es la cosa. ¿Cuánto tiempo duraron trabajando en el álbum?Desde que terminamos Behind The Machine. Ese lo sacamos el 7 de diciembre de 2013 y el 7 de enero de 2014 ya estábamos dándole a este nuevo. En esas estuvimos como hasta hace un par de meses. ¿En dónde grabaron?En Los Ángeles, Miami, Las Vegas, Nueva York, en Slow Records, en Quibdó, en Medellín en el estudio de Juancho Valencia etc. Como se hacen los discos de verdad, donde vaya saliendo la idea ahí se hace. Mira que en Las Vegas estábamos en los Grammy y pensamos: ah, la melodía debería ser así. Nos buscaron un estudio y grabamos.Esa es la ventaja de estar en una compañía grande. Una disquera te aporta en eso, que cuando se tiene la necesidad de hacer la música se puede hacer realidad. O sea, el recurso, y decimos una disquera ahora, en este momento, porque ellos en la actualidad entienden que lo más importante es la música. Y casi que te están diciendo: mijito si usted nos trae unas buenas canciones, nosotros hacemos el resto. Una de las ventajas de estar en una discográfica grande es poder decir: búsqueme por favor un estudio que necesitamos grabar esto."Una disquera te aporta en eso, que cuando se tiene la necesidad de hacer la música se puede hacer realidad"¿Es un privilegio ante la independencia?Sí. Antes tenías que acomodar una idea a un presupuesto, ahora la situación es: saca tu idea y ellos consideran el presupuesto. Por ejemplo el sueño de hacer Behind The Machine se nos cumplió. Nosotros con ese álbum habíamos pensado: un momento, ¿vamos a hacer un disco de catálogo o un disco nuevo? Y luego dijimos: hagamos un disco nuevo, porque un álbum de catálogo…. eso es de Los Beatles o de gente así súper pesada. Después fue como, ¿vamos a hacer un disco de catálogo de nosotros? Bueno. Hagámoslo que esos manes tienen cómo respaldarnos. Te lo decimos aquí, hablándolo sinceramente, porque ellos saben que eso es lo que opinamos. Siendo independiente no vas a hacer un video con Simón Brand ni por imaginación. Y eso que él y nosotros veníamos con esa idea hace rato. Desde antes de 2012. El plan era que él hiciera el video de Tu Canción. Y hablamos, fuimos y charlamos con compañías de celulares, de iniciativa nuestra con Simón, no había disqueras ahí. Y no se logró.Esta vez fue plantear a la disquera: bueno, vamos a hacer un video, tenemos una ideíta trazada de hacerlo son Simón Brand. Y nos dijeron háganlo. Estamos muy agradecidos, porque hemos trabajado. Es gratificante saber que con lo que hemos hecho en los discos anteriores podamos generar confianza en lo que estamos haciendo. Ustedes han tenido oportunidad de tocar con músicos grandes ligas como John Paul Jones o Carlos Santana. CuéntennosSí. En 2010 estuvimos en Africa Express, un proyecto de improvisación colectiva con los músicos más duros del momento. Donde se juntan africanos y músicos de diferentes países. Ese año invitaron al guitarrista de The Clash, a Amadou & Mariam, a John Paul Jones (el bajista de Led Zeppelin), Eliades Ochoa, Femi Kuti, The Noisettes entre otros, y a nosotros. Tostao salió a rapear con Slow, Mick Jones (guitarrista de The Clash) y Amadou & Mariam. También tocamos con John Paul Jones. Justo hace poco Tostao puso una foto en Instagram de John Paul Jones con nosotros tocando currulao. ¡El bajista de Led Zeppelin tocando currulao con nosotros! Tocamos una canción que se llama San Antonio. Gran experiencia. A eso súmale una vivencia más reciente con Carlos Santana. La esposa de Santana es baterista de Lenny Kravitz…. ¡y nosotros parchados en la casa de esa gente! La historia fue que Santana estaba haciendo su nuevo trabajo y dijo que quería poner algo de rap en ese material, pero diferente. Entonces le mostraron varias bandas, entre esas Chocquibtown con De dónde vengo yo, y nos escogió. Nos invitó a su casa, a su estudio y grabamos. Después de eso, nos hemos encontrado por ahí un par de veces más y logramos estrechar un vínculo importante con él y su familia.Digamos que es importante para nosotros contar con 10 minutos a solas con Carlos Santana porque son cosas que van más allá de la música. Fue muy enriquecedor. La experiencia con Santana nos llenó de mucha fuerza y de más confianza de la que traíamos y nos dio más conciencia de que es importante seguir inspirando a la gente. Eso es muy relevante para nosotros. Poder decirle a la gente y al mundo que Chocquibtown es más que coca, marihuana y café, y más que muchas cosas. Por eso los sorprendemos cuando sacamos canciones como Cuando te Veo, y seguimos sorprendiendo, porque nos seguimos inventando. Es que pensar: esta es la fórmula y vamos a hacerla, sería un error. "Digamos que es importante para nosotros contar con 10 minutos a solas con Carlos Santana porque son cosas que van más allá de la música"Hacer en este momento Somos Pacífico…. que lo haga otro grupo está cool. Pero si nosotros nos devolvemos 15 años a hacer el plin plum plin plum de esa canción, sería como: ¿Y estos qué están haciendo? Creemos que todo en el momento, y el ejemplo más claro son los raperos de Estados Unidos. Ves al rapero Nas diez años atrás, y lo ves ahora y lo desconocés. Pero es que los tiempos cambian. Por ejemplo - dice Slow -, yo hace 10 años no estaba cantando lo mismo. A mí hace 10 años, ni el sonido de la batería me gustaba. Hace 10 años trabajábamos en un estudio tan pequeño que por alguna razón especial, no cuadraba el sonido de la batería con el beat. Uno decía: Bro, quita la batería. Nos tocó llevar varias veces a Richard Blair al estudio y a las pruebas de sonido para que nos dijera: “Yo casi no sé, pero podemos bajarle aquí”. Es algo que ni el mismo Richard tenía claro y que después aprendió.Era una experimentación. Subíamos algo, bajábamos lo otro. Cuadrar eso fue como un secreto que nadie supo (risas). Pero lo aprendimos en el disco Oro. Correr toda la máquina a la batería, y quedó con un sonido más humano. Ese fue uno de los aprendizajes en Oro, en este disco ¿qué aprendieron?En los dos discos pasados aprendimos muchísimo de composición, pero en este hubo algo importante y es que nosotros no habíamos grabado a Kae porque como grabábamos los discos por fuera pensábamos: Ay, ¿cómo lo grabamos acá? En este álbum aprendimos que uno puede estar en Manhattan, en la China, donde sea, el otro, en un estudio en otro lugar y uno lo puede estar grabando en simultánea.Porque una cosa es pedirle a un tercero que grabe un músico y luego darse cuenta de que lo hizo mal. Otra cosa es estar uno ahí en el estudio y poderle decir: no, así no, toca diferente. Pues esta vez lo hicimos. A Kae lo veíamos por Skype pero le estábamos hablando por una consola y él, entre su asombro nos decía: “ahí les metí una malandraya”, que es su expresión para decir que metió un tumbao diferente. Eso fue enriquecedor, divertido y hasta chistoso. Estamos muy contentos con El Mismo, y esperamos que a la gente le guste y que se lo goce tanto como nosotros.
Rihanna dio inicio a un nuevo mes revelando a sus seguidores un pequeño adelanto del video de su más reciente sencillo ‘American Oxygen’.La canción que hará parte del próximo trabajo discográfico de la artista barbadense musicalizó un comercial publicitario y se une a la campaña de expectativa de su nuevo álbum – del que ya se han escuchado cortes de la canción ‘Higher’.
El Tribunal de apelaciones de Nueva York anuló la condena de Harvey Weinstein por delitos sexuales el jueves 25 de abril del 2024. La juez Jenny Rivera, la voz mayoritaria del tribunal, aseguró que la decisión fue tomada porque en el juicio se cometieron errores fundamentales. El veredicto, con cuatro votos a favor y tres en contra, llevó a que se ordenara un nuevo juicio demostrando que en el juicio del 2020, en el que se le dictaminó una condena de 23 años de cárcel, se permitió injustamente que mujeres que no eran parte de los cargos iniciales testificaran contra Weinstein.El abogado del exproductor de Hollywood, Barry Kamins, dijo en una entrevista que Harvey Weinstein se presentará frente a un juez en Manhattan para solicitar la libertad bajo fianza mientras se establece la fecha del nuevo juicio. "Nos complace que el tribunal haya acordado que al Sr. Weinstein se le negó su derecho fundamental a un juicio justo", comunicó Kamis. La juez Rivera resaltó que, el hecho de haber incluido injustamente los testimonios de mujeres que no hacían parte del caso, hacían que se reforzara la posición en contra al exproductor de 72 años por conductas anteriores y no solo por las que estaba siendo imputado. Incluso, podía haberle impedido a testificar en su favor. Por su lado, Barry Kamis y Arthur Aidala, otro abogado de Weinstein, consideran que en el proceso judicial del 2020, el juez "abandonó repetidamente su deber de salvaguardar las garantías constitucionales y los derechos procesales de Weinstein". Por esto, lo dejó "impotente para defenderse de un fiscal incontrolado".La condena por delitos sexuales de Harvey Weinstein en CaliforniaSin embargo, esta no es la única demanda que enfrenta Harvey Weinstein. Actualmente, también está condenado en California a 16 años en prisión por violar a Evgeniya Chernyshova en un hotel de Beverly Hills en el 2013. Por esto, el exproductor deberá seguir en prisión. El caso está ahora en manos del fiscal del distrito de Manhattan, Alvin Bragg, quien aseguró a través de un portavoz que: “Haremos todo lo que esté en nuestra mano para volver a juzgar este caso, y seguiremos firmes en nuestro compromiso con las supervivientes de agresiones sexuales”.¿Un retroceso para el movimiento #MeToo?Ashley Judd, la actriz estadounidense de cine y una de las voces más destacadas detrás de la demanda, consideró esta anulación como una "traición institucional". Asimismo, el abogado de Evgeniya Chernyshova, la mujer detrás de la demanda en California, afirmó que "está obviamente decepcionada" y "se siente mal por las víctimas que soportaron ese juicio y las posteriores apelaciones, sólo para ver cómo se revocaban las condenas".Los abogados también se han manifestado a favor y preocupados por sus defendidas. Por un lado, Lindsay Goldbrum, quien ha representado a seis víctimas, dijo que: "Lamentablemente, la sentencia de hoy arroja una oscura sombra sobre su valentía y, sin duda, disuadirá a futuras víctimas de agresiones sexuales de denunciar". Por el otro lado, Douglas Wigdor, abogado de ocho víctimas, subrayó una de las consecuencias más impactantes y crueles de la anulación. “La decisión de hoy supone un gran paso atrás en la exigencia de responsabilidades por actos de violencia sexual. Anular el veredicto es trágico porque obligará a las víctimas a soportar otro juicio más”. Scott Berkowitz, el fundador y presidente de la organización contra la violencia RAINN, también se manifestó y comunicó que: "Anular la condena de Harvey Weinstein es una decisión horrible que no protege el debido proceso: pone en peligro la justicia para las supervivientes de sus crímenes".
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Caraja dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me réuno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo.
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.