Este año la IX Versión del Big Up Reggae Fest se llevará a cabo el 28 de marzo, durante 8 horas de transmisión virtual se presentaran 17 shows, seleccionados a través de un proceso de convocatoria pública que se realiza anualmente para definir el line up oficial del festival.Para esta versión, el line up está conformado por Bukú Bembé, Capitan Rocksteady, School Mc, Ciénaga, La Cordillera, Rasta Boy, La Shory, 3misario, Daro, Dj Pree, Dj Shaka, Dj Senkua, así como 2 grupos de baile: Mulahttaz y Ghetto Dancehall, dos shows nacionales The Makonnen Soul y dj Natural, invitados de Bogotá; y un showcase desde los E.E.U.U. Colombian Riddim, uno de los productores más representativos del Reggae Colombiano.Las bandas de la IX edición del Big Up Reggae FestColombianriddim productora de Reggae fundada en Medellín, con una trayectoria de más de 10 años enfocada en crear sus ritmos respetando sus raíces han producido artistas como, LaTifa, Tarmac, Alkaman, CrickmanJam ha pertenecido a agrupaciones clmo Tarmac, Providencia actualmente se encuentra radicada en USA.Mulahttaz es el proyecto de tres amigas que saben que la danza alimenta la vida y le da sabor: su inspiración es el Caribe. Estas bailarinas, y profesoras fuertemente activas en el sector cultural trabajando con empresas públicas y privadas. Grupo fundado en el 2014 por tres mujeres de la ciudad de Medellín inspiradas por la cultura popular de Jamaica, el Dancehall.Daro, Diego Alexander Rodriguez Ospina, nació el 14 de enero de 1988 en Medellín, es un artista que se desempeña como productor, cantante e instrumentista, desde hace más de 10 años, ha realizado proyectos culturales que han fortalecido a la comunidad e impulsado a los jóvenes de varias comunas sobre todo la seis, a través del grupo juvenil y cultural Poca Compañía del cual es fundador.DJ Shaka, comenzó como selector de música en la ciudad de Armenia en 1998 en Moby Dick. Retoma en 2015 inspirado por Dj Pree de quien ha aprendido que además de saber las técnicas, es muy importante disfrutar la música. Toca en fiestas hasta el día de hoy, su set es fiesta dancehall y urbana. Actualmente está realizando sus propios sonidos para mezclas de una forma artística, espera llevar su proyecto a muchas tarimas en el mundo.3MISARIO a los 7 años de edad llegó al corregimiento de San Antonio de Prado con su madre y sus tres hermanos víctimas del desplazamiento forzado residieron en varias zonas de la localidad. En 2006 empezó a incursionar en el mundo de la música con el rap. Mezcla ritmos africanos como el dancehall y el reggae con la filosofía callejera y subterránea del Hip Hop, intentando mostrar la realidad marginal en la que viven los ghettos de Latinoamérica, especialmente Medellín, Colombia.La Shory nació el 6 de agosto de 1991. Comenzó en la música en el 2002, siendo corista de artistas raperos y bailarinas de reggaetón. Ha trabajado con el productor musical Fer electroliquido (Fernando Urquijo), quien ha producido para grandes artistas como Maria Karey; con FRC Producciones, El Ghetto Records y varias productoras importantes. Su estilo erótico y letras candentes hacen que el público se enloquezca y estallen de emoción.School MC nace en el año 2014 en la ciudad de Medellín, como una asociación musical de jóvenes afro descendientes provenientes del pacifico norte colombiano que combinan habilidades diversas en la creación de obras donde narran vivencias de su pueblo y sus avatares de la vida en la búsqueda de la consolidación de su proyecto artístico. Combinan el Hip-Hop y el Reggae con ritmos afro contemporáneos. Definen su género musical como Soulight (Luz del alma), una mezcla de arte, amor y conciencia.Capitan Rocksteady y La Tripulación (CRYT) es una banda que se conforma en el año 2012 en el Municipio de Caldas, Antioquia por músicos con antecedentes en la escena del Ska del Valle del Aburra, con la intención principal de retomar las raíces jamaiquinas del Ska a mediados de los sesentas, sin dejar de lado las influencias de nuestra tierra y sin desconocer todo aquello que nos da las bases que hoy nos hace músicos.DJ Pree, artista colombiano con un estilo divertido y pegajoso en una mezcla de sonidos caribeños y latinos dance Hall, plena, mombaton, champeta, dub, salsa, reggae, cumbia y reggaetón, con más de 10 años de trayectoria. Ha colaborado en tarima con grandes artistas nacionales e internacionales.Buku Bembé, nace en el municipio de Bello en el año 2014 como una banda influenciada por el Reggae Roots, Dancehall, Ska y Raggamuffin. La mezcla entre el reggae y los ritmos caribeños colombianos han permitido crear un estilo propio en nuestra música, la cual viene cargada de buena vibra, fiesta, alegría y mensajes cargados de paz y armonía. El nombre extraído de dialectos y costumbres africanas se refiere a Buku como ‘Dios del cielo’ y Bembé ‘fiesta con tambores’.La Cordillera, es una propuesta de Reggae fusión iniciada a mediados del 2015 , planteándose como un laboratorio sonoro con el cual buscamos rescatar ritmos autóctonos colombianos y mezclarlos con otras sonoridades como lo son el Jazz, el Funk, el Soul, la Salsa y el Bossa Nova, siempre manteniendo el lenguaje del Reggae.Ghetto Dancehall Crew, es un grupo de Dancehall de bailarinas de la comuna liderado por Laura Murillos que se conforman en 2020 para dar a conocer su talento y desarrollar la cultura del Dancehall en la ciudad y el país.Rasta Boy nació en Medellín y ha dedicado su vida a la música, el arte y la cultura. Después de más de diez años de componer canciones, formar parte de proyectos en su ciudad y realizar colaboraciones con diversos artistas, decide iniciar su carrera en solitario bajo el nombre de Rasta Boy, como es conocido en la escena musical de Antioquia, Bogotá y la región Caribe Colombiana.Ciénaga, es la vibración de sus tambores y cuerdas, es la danza del viento y la tierra… Es su diversidad y su conciencia. Es un ecosistema en simbiosis creativa. Con un característico sonido que proviene del reggae roots caribeño, sus hipnóticos ritmos, cálidas voces y melodías crean sensaciones que se entrelazan para crear un canal que transmite mensajes de paz, reflexión, amor y consciencia.DJ is Natural, empezó la carrera seriamente como selekta a los 17 años en bares shows pequeños. A los 21 conoce los tornamesas, quedando atrapado en el arte de tocarlas. permitiendole asi plasmar un nuevo estilo de Mezclas en Tornamesas con Reggae y sus derivados metiendole un poco de scratch y arreglos en vivo siendo asi pionero en Colombia en hacerlo. Ha trabajado tanto con el HIp Hop y Su cultura, como con el Reggae permitiendole asi Unificar esta Gran Familia que está en lucha de lo mismo la cultura.DJ Senka, es un Deejay formato abierto con 13 años de experiencia, incluso internacional. Dancehall, Afrobeat, Latin, Hip Hop, D&B, House, Techno… Tiene también la habilidad de crear un show con técnicas avanzadas de dj como scratch y juggling. Realizó un tour por Eropa y Asia durante 2018 y 2019 tocando en Berlín y Cologne en Alemania, Bern en Suiza; Lyon, Avignon y Toulouse en Francia; Lisbón y Lagos en Portugal; Seville, Malaga, Valencia y Barcelona en España; Istanbul y Antalya en Turkia; Dubai y Abu Dhabi en los Emiratos Árabes.The Makonnen Soul, agrupación Bogotana con 13 años de trayectoria, entre sus logros está grabar en los estudios del gran Bob Marley en Kingston, Jamaica. Ahí produjeron su disco insignia ‘Inna Jamaica’ producido en 2016 alli en el ‘Tuff Gong studio’ tras ganar la convocatoria mundial ‘Converse Rubbers Tracks. Su másreciente lanzamiento es el disco ‘2020’ de la mano del sello Jamaiquino @truemoveinternational en el que colaboran productores y artistas de: Colombia, Ecuador, Argentina, Francia y Jamaica y con el cual alcanzaron a girar por Ecuador antes de la pandemia.
Bunny Wailer, de la icónica banda de reggae The Wailers, falleció este 2 de marzo a sus 73 años en Jamaica. Neville Livingston, su nombre real, nació en Kingston, el 12 de abril de 1947. No se conoce aún la causa exacta de su muerte, aunque medios locales reportaron que entró y salió del hospital tras haber sufrido un derrame cerebral hace casi un año.The Wailers inicialmente se formó en 1963, con Junior Braithwaite, Beverly Kelso, Bunny Livingston, Bob Marley, Peter McIntosh (posteriormente llamado Peter Tosh), y Cherry Smith. Braithwaite, Kelso, y Smith abandonaron la banda en 1966, dejando el grupo con Livingston, Bob Marley (quien falleció en 1981) y Peter Tosh, fallecido en 1987. En 1967 Livingston fue arrestado por posesión ilegal de cannabis y pasó 14 meses en la c´árcel, lo que inspiró su canción Fighting Against Conviction.The Wailers es considerada una de las bandas de reggae más importantes de la historia. La agrupación ganó reconocimiento internacional gracias al disco Catch a Fire, lanzado en 1973, y la atención se centró en Marley. Pronto Tosh y Livingston abandonaron la banda para enfocarse en sus respectivos proyectos solistas. A Livingston no le gustaba mucho salir de Jamaica y en los conciertos internacionales lo reemplazaba Joe Higgs. Livingston escribió gran parte de su material y regrabó algunas canciones del repertorio de The Wailers, tras la muerte de Marley y Tosh. Se inclinó por el estilo roots reggae, hizo algunos álbumes como solista y ganó el premio Grammy al mejor álbum de reggae en 1990, 1994 y 1996. Igualmente formó su propio selo, titulado Solomonic. Una de sus canciones más conocidas es Dreamland, donde narraba su sueño de volver a África. Su disco Blackheart man, el primero que lanzó como solista, también fue ampliamente elogiado. Según reporta El País, vivía en una casa modesta en Kingston, sin mayores medidas de seguridad. Era frecuente que lo visitaran seguidores de todo el mundo. "Mi gente me quiere", afirmaba.
El sábado 12 de septiembre falleció a los 77 años Frederick Nathaniel “Toots” Hibbert, voz y líder de la legendaria banda Toots & The Maytals. Su muerte ocurrió en Kingston, Jamaica, dos semanas después de haber sido ingresado en un hospital privado por coronavirus. Toots, nacido en 1942, será recordado, entre otras cosas, por ser a quien se la atribuye la invención de la palabra “reggae” para referirse al género musical jamaicano por su popular canción Do the reggay, lanzada en 1968 cuando el ska transitaba al rocksteady y el rocksteady a la explosiva popularización del reggae. Según contó Toots en una entrevista a la BBC, en el slang jamaicano el término “reggay” se utilizaba para referirse a una persona desaliñada. La noticia del fallecimiento de Toots fue confirmada a través de las redes oficiales de la banda. “Es con gran dolor que anunciamos que Frederick Nathaniel 'Toots' Hibbert falleció pacíficamente esta noche, rodeado de su familia en el Hospital Universitario de West Indies en Kingston, Jamaica. La familia y su equipo de administración desean agradecer a los equipos médicos y profesionales por su cuidado y diligencia, y pide que se respete su privacidad durante su tiempo de duelo”. Recientemente, los Toots & The Maytals publicaron un álbum con nueva música después de 10 años sin estrenar material. Got To Be Tough se titula la placa que fue estrenada el 28 de agosto. La reaparición de la banda en 2020 ocurrió con una nueva versión del tema Three Little Birds de Bob Marley, en una versión a la que se sumaron Ziggy Marley y Ringo Star. Si bien Toots no alcanzó el reconocimiento internacional de otras leyendas del reggae, su extensa producción de incluye más de 20 álbumes entre estrenos, compilaciones y lives, entre los que se destaca, desde luego, el que pudo haber sido su mayor éxito: Funky Kingston, tema incluido en un disco homónimo en 1973.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También puede echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2019 en este especial. Victims of Colonization - Job Saas ¿Quién está detrás? Con 40 años de trayectoria musical, el sanandresano Job Saas es considerado uno de los artistas pioneros del reggae en Colombia. También conocido como "The Farmer Singer", fue una de las voces principales de la recordada banda The Rebels, pionera en el país en interpretar, en la década de los ochenta, además del reconocido género musical jamaiquino que hizo famoso a Bob Marley, otros ritmos caribeños como la soca y el calipso. ¿De qué trata? En Victims of Colonization el sanandresano retoma su línea de denuncia social para retratar la realidad de segregación, corrupción y discriminación que vive el Archipiélago de San Andrés y Providencia, un territorio reconocido por su belleza natural y su mar de los siete colores, pero olvidado en muchos aspectos básicos para su desarrollo. ¿A qué suena? El sencillo es un canto de reggae poderoso en el que importa más el mensaje que el mismo sonido. Evidentemente se ve reflejado el conocimiento y la maestría en reggae que tiene Job Saas. ¿Sobre el video qué? No tiene video oficial, sin embargo, hace unos meses se estrenó un documental de 10 minutos donde se puede conocer mucho más sobre su carrera y vida. ¿Cuándo escucharla? Cada vez hay más activismo por parte de las nuevas generaciones. Victims of Colonization tiene todo el potencial para convertirse en una de esas canciones de lucha por mantenernos firmes en lo que somos como habitantes de nuestros territorios. Para ver | Haters: cómo sobrevivir a los 'trolls' sin fallar en el intento #LaMúsicaNosUne
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También puede echarle un ojo a los mejores mejores temas y álbumes nacionales del 2019 en este especial. Apagar la luz - Juan Pablo Vega ¿Quién está detrás? Juan Pablo Vega es uno de los productores de pop y pop alternativo más reconocidos de América Latina. El ganador de premios Latin Grammy y Shock lanzó en 2019 su primer EP con Warner Music y en 2020 ha ido estrenando sencillos que muestra la versión más real y honesta del artista. Apagar La Luz fue escrita por Juan Pablo Vega junto a Camilo Restrepo y producida por Vega en El Desierto Casa Estudio y La Finca Estudios. En este video recordamos el cierre de su gira Conexión. ¿De qué trata? La canción habla de desconectarse de todo, mermar la actividad y reconocerse en la oscuridad con toda la fascinación que conlleva apagar la luz y descubrirse por medio del tacto con la persona que se quiere. ¿A qué suena? Juan Pablo explica que el ritmo de la canción nació del deseo de hacer un stepper, sonoridad muy particular del reggae. El sencillo es una balada reggae que tiene demasiado sentimiento y poder en la interpretación que Juan Pablo hace. ¿Sobre el video qué? El clip dirigido por Mario Rincón y producido por Naked Nation es el segundo capítulo de la trilogía animada que inició con Joderlo Todo. En esta entrega de la saga encontramos a los personajes disfrutando su escapada en medio de playas, recuerdos y tensiones. ¿Cuándo escucharla? Lo ideal sería escucharla al lado del mar, pero el hecho de escucharla con los ojos cerrados logra transportar al oyente a un lugar imaginario lleno de paz y armonía. Para ver | C. Tangana: la cuarentena, la crisis en España y la nostalgia en su EP 'Bien :(' #LaMúsicaNosUne
Con 40 años de trayectoria musical, el sanandresano Job Saas es considerado uno de los artistas pioneros del reggae en Colombia. También conocido como "The Farmer Singer", fue una de las voces principales de la recordada banda The Rebels, pionera en el país en interpretar, en la década de los ochenta, además del reconocido género musical jamaiquino que hizo famoso a Bob Marley, otros ritmos caribeños como la soca y el calipso. The Rebels duró poco menos de 10 años entre los 80 y 90. La banda dejó un gran legado para el reggae y la historia de la música caribeña en el país. Tres trabajos publicados con Codiscos (The Rebels: Made In San Andrés, De San Andrés Con Amor y Caribbean Jam), llevaron su sonido por Colombia, Europa y las Antillas, lugares donde cosecharon un gran número de seguidores, incluido el mismo Jorge Barón, quien les dedicó una entrevista para el programa Embajadores de la música colombiana. Tras independizarse de la banda, Job Saas se mantiene vigente. Roots Prophecy y Roots and Culture son algunas de las agrupciones en las que ha estado. Con la más reciente, The Heart Beat (Caribbean reggae roots), participó en eventos como el Green Moon Fest (San Andrés), el Festival Altavoz (Medellín) o el Sancocho Fest (Tuluá).También estuvo como banda invitada a los 20 años de Rock al Parque. Hoy es uno de los artistas más reconocidos en el Archipiélago, y además un respetado activista raizal. Es líder del RIMM (Raizal Indigenous Musician Movement), un movimiento de músicos y artistas nativos raizales, que busca defender sus derechos y fortalecer la escena cultural del archipiélago. También es defensor de una vida más sostenible, así que él mismo trabaja la tierra en su finca, Paradise Farm, ubicada en El Cove, al sur de la isla de San Andrés, que se ha convertido en atractivo turístico. “Mis padres y abuelos me enseñaron a trabajar la tierra y este trabajo, al igual que la música, hace parte también de mí. La naturaleza siempre ha sido el mejor lugar para componer e inspirarme”, cuenta.
En pasado mes de abril la agrupación capitalina de reggae Alerta Kamarada celebró el lanzamiento de su séptimo disco Love is in da house y sus 22 años de vida artística, dos grandes argumentos para rodearse, tocar y cantar con los mejores de la música colombiana. Fue así como el Teatro Colsubsidio Roberto Arias Pérez se llenó del reggae de Alerta Kamarada, el vallenato y la guaracha de Aníbal Velásquez, la cumbia y el porro de Lisandro Meza, los sonidos del Pacífico colombiano de Nidia Góngora, el calipso y zouk de Elkin Robinson y el hip-hop de Rocca. El ensamble con los ritmos de los artistas invitados resultó en un concierto con una increíble puesta en escena en el que los intérpretes estuvieron acompañados de once músicos en escena y un show de luces que enriqueció el espectáculo. A las canciones de Alerta Kamarada como Deep sky blues, Afrika me come, Levanta tu puño y Mujer, entre otros, se sumaron las colaboraciones de los maestros invitados con las tradicionales Un poquito de Cariño de Aníbal, La cumbia del amor de Lisandro, Historias de pueblo de Nidia la cantaora, Sonido prendido de Elkin y Somos uno del rapero Rocca. Alerta, reggae, cumbia, ritmo y Kamarada, será la oportunidad para que los colombianos puedan apreciar esta gran fiesta que vivió la banda en Bogotá. Prográmese este domingo 18 de noviembre a las 5:00 p.m.
Sonidos Bestiales es nuestra cacería por las historias detrás de los sonidos en Colombia. Esta vez presentamos un parche liderado por el bogotano Richie Bones que ha traído a la cultura bogotana una de las expresiones más insignes de la cultura dub y reggae: el sound system El Gran Latido. Los sound system son consolas de sonido hechas con cajas artesanales que tuvieron su origen en Jamaica, pero que hoy retumban en diferentes partes del mundo logrando que la cultura crezca y demostrando que son mucho más que un arrume de aparatos. En torno al sound system se reúne un sound man, MC (cantantes), box boys, productores y sobre todo, la comunidad que recibe en sus calles esta mezcla de música y mensaje. El Gran Latido nació en Bogotá y ha venido organizando los conciertos más importantes del género y con artistas de primer nivel de todo el mundo. Aprovechamos la presencia del colectivo francés O.B.F. (Original Bass Foundation) para entender todo lo que hay detrás de esta cultura, para palpitar con él y unirnos a su solemnidad. Descubra cómo se sostiene esta movida, de dónde viene, para dónde va y cuál es la mística que ha unificado este sentir en todo el mundo.
Zona Ganjah es una de las agrupaciones de reggae con más convocatoria en Latinoamérica. Fue formada en 2003 por José Gahona y hoy por hoy es una de las bandas de este lado del continente con más recorrido y vigencia de esa segunda generación, inspirada por Los Cafres o Gondwana, que creció al mismo tiempo que Internet, repartiendo discos para descarga gratuita. Con seis discos como carta de presentación, y después de coronar varios de los escenarios más importantes para el género en el continente, Zona Ganjah vuelve a Colombia, a un Jamming, pero esta vez en su versión soleada, el Jamming Summer Fest. Hablamos con José Gahona, que por estos días está construyendo el nuevo disco con la banda, antes de su paso por Colombia ¿Cuál es el momento del reggae latinoamericano? Yo creo que estamos en un buen momento del reggae porque hay bandas consagradas que están disfrutando de esa posición. Una posición que se ve reflejada en festivales grandes. A nivel latinoamericano el reggae está posicionado gracias a esas bandas, pero también noto que no hay un recambio de bandas. Nosotros llevamos unos 15 años, pero hay bandas que tienen más de 25 como Los Cafres o Gondwana que todavía se mantienen. Después de que se posicionaron Los Cafres aparecieron muchos nuevos artistas como Zona Ganjah, pero en este tiempo no noto que estén apareciendo artistas nuevos que vayan a posicionarse. Me gustaría que pasara, por eso trabajo en esto como productor. Hubo como un delay que hizo que faltaran bandas nuevas que se posicionen rápidamente. No sé si fue que nosotros aprovechamos bien el momento en el que salió internet, pero tal vez ahora hubo otro cambio que hizo que se volcara todo a las plataformas digitales. Y capaz que hay muchas bandas nuevas pero el ambiente es más exigente. ¿Y en qué está la música hoy? ¿Cree que está acabándose la música que intenta ponerle mensaje a las letras? Está pasando. Hay géneros que, como decimos en Argentina, “se van al pasto”, que es ya cuando es muy bajo. Yo he escuchado música de la radio pública con letras demasiado bajas, demasiado obscenas. Muy explicitas también. En un tiempo quizá era una cosa de doble sentido, pero hoy está tan explícito que si un niño lo escucha, está en un vocabulario tan claro que va a entender qué se está diciendo. Pero por otro lado, también soy realista y creo que la música que surge es el reflejo de nuestra sociedad. Hay que hacer cambios, primero empezar con uno mismo y quizá la música vaya a cambiar de esa manera, porque fíjate que la música surge cada vez que hay movimientos sociales grandes. Cuando hubo el movimiento hippie surgió mucha música que hablaba de paz y amor, tuvo mucho peso en el reggae y en otras letras bastante tranquilas. Con internet también pasa que puede que se degenere todo con esto del peligro de mal informarte y hace que el contenido de la música termine en cualquier cosa. Me parece una lástima, porque la música es muy poderosa y si la usas mal puede llegar a tener consecuencias muy negativas en la sociedad, por eso los artistas que hacemos reggae hacemos un aporte a la sociedad. No solamente es música, sino que es entregar un mensaje que enriquece a la persona y no la perturba. En Colombia la política antidroga se está endureciendo y ahora que hablamos de las letras de las canciones, ¿cómo explicar en un entorno tan conservador que haya música con letras que hagan referencias recurrentes al uso de la marihuana? El tema se divide en dos partes. Estarían haciéndolo al revés intentando lograr un cambio con mano dura. Pasó con el hip hop. Cuando el rap surge en Estados Unidos las letras eran muy duras, porque hablaban de drogas, de armas, de violencia. El gobierno en ese entonces también pensó que el rap estaba generando esa situación, pero en realidad estaban contando lo que pasaba en la sociedad. Si los gobiernos quieren hacer un cambio creo que deberían educar a la sociedad y la sociedad manifestaría otros tipos de música. El tema de la marihuana es muy relativo. En muchos lugares es legal. Depende del lugar desde donde se vea. Entiendo que en Colombia tienen una situación delicada por la historia de narcotráfico y seguramente está muy estigmatizada. Pero si miras un poco más allá, en otros países como Uruguay, donde ya es legal, están más que demostrados los beneficios medicinales de la marihuana. Verle el lado negativo me parece anticuado. Ya hemos avanzado mucho en ese aspecto. En Argentina, por ejemplo, también se legalizó la investigación científica y gracias a eso se han dado cuenta de los tremendos beneficios que tiene la marihuana, siendo una medicina que es prácticamente la medicina más efectiva y casi la única que no tiene efectos secundarios en enfermedades de niños como la epilepsia o el autismo. En cambio, los medicamentos farmacéuticos generan efectos secundarios y realmente no curan. Las madres se han dado cuenta de cómo sus hijos sanan y vuelven a estar presentes y un poco más normales gracias a la marihuana. Ya hay pruebas demasiado explicitas y empíricas que demuestran el beneficio real de la marihuana. La forma de verla es muy relativa y entiendo que dentro de Colombia sea más delicado por la lamentable historia del narcotráfico, pero entonces meten a la marihuana en el mismo saco de las demás drogas y queda estigmatizada por cosas que no tienen nada que ver. Aunque, de hecho, para combatir el narcotráfico no hay que empezar por hacer cosas como prohibirle a los artistas que hablen de la marihuana, sino al contrario: educar acerca de la marihuana y quizá hasta legalizarla para que la gente tenga un consumo sano y natural y no estén recurriendo al narcotráfico. Es la manera más obvia e incluso está demostrado que en los países de Europa y en todo el resto de los países donde ya es legal. En ese sentido me parece que estarían bastante confundidos. Sobre todo si la música no pudiera hablar de marihuana, porque por ejemplo en el caso de Zona Ganjah, si se adentran un poquito más, se pueden dar cuenta que las letras van mucho más allá de la marihuana. ¿Cuál es la forma de empezar a hablar del consumo? Todo empieza por la educación. Yo la manera que tuve de educar a mis padres y que se dieran cuenta que realmente no estaba drogándome fue buscándolos y mostrandoles información. En ese tiempo, cuando era más chico, Internet no era tan accesible como ahora. Yo tenía un libro que se llama La marihuana medicinal. Era un libro gigante donde salían todos los estudios científicos que se habían hecho con la marihuana. Hoy es mucho más fácil porque abres YouTube y pones: “marihuana, epilepsia, niño” y te salen videos de niños teniendo convulsiones que, segundos después de darle un extracto de marihuana, las convulsiones paran. Ahí tú ves un dato que no puedes negar. Por más miedo o complejo que tengas sobre la marihuana, si ves ese tipo de información empiezas a entender. Eso es educar. Hoy en día es muy facil porque tenemos acceso a toda la información científica que hay, pruebas explicitas y archivos científicos que pueden echar abajo todos los estigmas que tienen. ¿Cómo fue el momento en el que lo habló con sus padres? Yo tenía alrededor de 15 años. Entre los 15 y los 18 fue mi periodo de lucha con mis padres, que creían que yo me estaba haciendo daño, pero creo que en el momento en el que realmente ellos entendieron, más allá de los libros y la información, fue en el momento en el que ellos me vieron fumar. Se terminaron de dar cuenta de que no era lo que se imaginaban, porque ellos pensaban que si yo fumaba me iba a volver loco, iba a ser irresponsable con mi propio cuerpo, iba a perder la conciencia, pero me vieron fumar y vieron que yo tomaba un estado de conciencia alterado positivo, no negativo. Me ponía más conciente de mi mismo, más positivo, menos nervioso. Tenía todos los beneficios de cualquier persona que usa la marihuana en un estado sano. Porque también hay casos particulares en los que la marihuana también puede ser dañina, como lo puede ser una naranja para alguien que tiene una ulcera. ¿Y cree que el público está preparado para empezar a hablar del uso de la marihuana de una forma más informada? Es muy relativo. En la forma de recibir el mensaje hay una gran responsabilidad de cada uno. No se puede hacerle toda la tarea a quien consume. En mi música puedes encontrar canciones en donde te hablo de la marihuana como marihuana, de que tengo ganas de fumar. Y se puede tomar como algo bastante superficial, pero eso también es parte de la libertad de expresión. Así como si quisiera hacer una canción sobre comer una naranja, las hago sobre marihuana porque es algo que me prohíben y es parte de mi libertad. Si bien eso tiene un trasfondo que no es medicinal, tiene un trasfondo acerca de la libertad de expresión y de mi libertad como persona para conectarme con las plantas, que es un derecho innato que deberíamos tener todos: explorar la conciencia. No solamente es lo medicinal físico. Hay un trasfondo de descubrimiento espiritual y de conciencia que te desarrolla la marihuana. La misma canción puede ser escuchada por una persona prejuiciosa y esa persona puede decir que es superficial porque lo único que dice es “fumar y fumar marihuana”. Pero puede ser escuchada por otra persona que no tenga esa visión y que entienda el trasfondo de que ese cantante tiene libertad de expresión, de autodescubrir su conciencia y de explorar su espiritualidad. Depende de la interpretación de cada uno, aunque no podemos obligar a las personas que no sean prejuiciosas.
La explicación más fácil para su nombre artístico, OneChot, es que recibió un balazo en la frente y, evidentemente, sobrevivió a él, pero en realidad se debe a que en Jamaica confundían “Juancho” con “one shot”. Juan David Chacón no es solo uno de los principales exponentes del reggae en Venezuela, sino que además es un conocedor del género (es el autor del libro Regue y Rastafari: dos formas de entender el Caribe), un sobreviviente de la violencia urbana en Venezuela y activista de los derechos humanos. En 2003, Amnistía Internacional lo llamó para que fuera parte de la campaña Basta de Balas. Actualmente es vocero de esa organización, e hizo un álbum que se llama Tu Voz es tu Poder que se estrena pronto y es una campaña en la que cambian el CD por medicinas. Por Jhonny R. Quintero // @JhonnyRQuintero Vino a Colombia por su tour en el que celebra 20 años de vida artística. Pero, a diferencia de la mayoría de artistas venezolanos, al final de la gira volverá a su país, del que se niega a migrar a pesar de que la situación de Venezuela hace que su oficio se haga más difícil. En esas dos décadas le ha cantado a todo, a la violencia, al amor, a la desigualdad, al despecho, a Caracas, y desde diferentes ritmos como el Reggae, el Dub, el Dancehall, entre otros. Su último álbum tiene varias colaboraciones particulares y multiculturales. En él participan Jhoabeat, un beatboxer que hace todos los instrumentos con la voz; la cantante Hanah Kobayashi, venezolana descendiente japonesa; Jerry Wale, y Víctor Cuilca, ambos músicos jazzistas. Shock habló con el artista venezolano sobre su música, su visión de la situación de Venezuela y Reggae. ¿Por qué ritmos como Reggae, Dancehall o Ska han pegado tanto en esta parte de Latinoamérica? En el caso de Venezuela, somos la extensión de Caribe más grande del continente, ni siquiera sumando todas las islas dan una extensión tan grande. Nosotros somos la representación del Caribe en su máxima presencia y más bien no entiendo cómo tardó tanto en que esto pasara. Primero, el Canal de Panamá fue nuestra mayor influencia porque allí fue donde convergieron por primera vez todas las culturas caribeñas en un mismo sitio y de ahí se difuminaron a lo largo de toda Latinoamérica. Somos la semilla del Caribe. En la investigación del libro Regue y Rastafari: dos formas de entender el Caribe, ¿qué es lo más destacado que encontró? Todo viene del Mento, después vienen el Ska, el Ragga Steady, Reggae, y luego viene el Dancehall, y siempre estuvo el Dub que era como el lado B de los discos. Siempre preguntaban “¿qué ponemos en el lado B? Pon lo mismo pero sin la voz”, y ahí los ingenieros se dedicaban a inventar con los efectos y terminaron por crear una cultura que es la del Dub. Jamaica es la Meca de todo esto, pero no se quedó ahí, se expandió. Hoy en día Saint Croix es la isla donde más reggae se hace. Si vas a buscar reggae en Jamaica no vas a encontrar nada. La situación allá es ruff (rough). Con el tiempo no solo ha explorado varios ritmos, sino que sus letras han pasado de ser sociales a románticas, ¿por qué? El tercer álbum (Natural) fue mi clímax de las letras románticas porque acababa de salir de una relación que me dejó marcado y lo solté todo ahí. Compuse ‘No voy a pensar en ti’, ‘Canción bonita’, ‘Eternamente’ que son temas de amor. Pero ya volví a la protesta, no tan fuerte como antes porque siento que hay que llenar de ánimo a la sociedad venezolana en este momento tan único. Yo siento que caer en el mea culpa no es lo que debo hacer. La estamos pasando mal, pero podemos mejorar. Precisamente por ese momento que está pasando Venezuela es que muchas de sus bandas más importantes han migrado del país, ¿por qué usted no se ha ido? Porque siento que mi misión es colaborar con el rescate del rumbo democrático del país. Venezuela me ha dado todo, y ahora que el país me necesita a mí siento que es muy injusto que yo me vaya. No estoy en desacuerdo con los que se han ido, están dejando el nombre del país bien parado donde quiera que vayan. Yo siento que hago más estando en Venezuela que afuera. Y al quedarse, ¿qué retos ha encontrado? La migración de los músicos es cada día más. La clausura de sitios y bares para tocar es muy alta. Hoy en día se han abierto lugares nuevos porque los bares clásicos de la escena del reggae ya no existen, y muchos sitios han ido mutando a tendencias musicales que venden. Pero siempre surgen lados B de gente que se preocupa por la cultura, que quiere hacer cosas, y ahí estoy yo. Y en ese perder músicos por la migración, ¿cómo le ha ido? Tengo la suerte de que en mi banda solo se han ido los guitarristas. Afortunadamente mi guitarrista actual, Dr. Norris, que además es mi DJ y productor, es un ser de luz. Él vino a mi banda a llenarla de vitalidad. De mis anteriores guitarristas, Edgar Rodríguez, que es amigo mío de toda la vida, se fue para España. Luego vino Alejandro García, que se fue para Estados Unidos el año pasado. ¿Se puede crecer musicalmente en Venezuela sin el apoyo del gobierno? Porque se ha visto que muchos artistas tienen que adherirse a la política para encontrar espacios en conciertos, eventos, etc. Yo no toco con el Estado. Para mí, es un régimen y no estoy de acuerdo con ellos en absoluto. Pero hay muchos músicos que respeto y quiero que tocan con ellos. En mi banda hay dos ‘oficialistas’ (adeptos al gobierno) y ellos saben que conmigo no van a tocar con el Estado. Tampoco toco para la oposición porque son más de lo mismo. Yo busco tocar para la gente, y donde me abran tribuna, ahí estaré. Es difícil crecer así, pero se puede. ¿Cómo fue el antes y el después del incidente del balazo en 2012? ¿Cómo lo influyó en su carrera? Siempre he sido una persona muy espiritual, defensor de los derechos sociales, hago parte de Amnistía Internacional, pero a partir de 2012 veo la vida como un regalo, cada día que abro los ojos le agradezco a Dios. Musicalmente lo que he cambiado no tiene que ver con lo del disparo sino por la situación del país. Siento que ayudo más si hablo bien que reforzando las ideas negativas. He hecho canciones como Rotten Town que es muy fuerte, y el vídeo lo censuraron el mismo día que se lanzó. Se sabía que lo iban a censurar porque la semana anterior el diario El Nacional tuvo un problema por publicar fotografías de la morgue de Caracas y desde entonces el gobierno sacó una ley que prohíbe los contenidos explícitos en los medios. Pero lo censurado llama más la atención del público, y la gente igual buscó el vídeo en Internet. Cada vez que hay una mortandad en Venezuela, el vídeo de Rotten Town se convierte en tendencia, lo que no me llena de orgullo porque me gustaría que fuera ficción. Pero con Hernán Jabes, quien fue director del vídeo, planeamos hacer el vídeo de Renacer, el tercer sencillo de mi último álbum. Siento que en Venezuela hay más cosas buenas que malas, entonces no puedo enfrascarme a hablar de lo malo cuando sé que hay cosas buenas. Sí, estamos pasando un momento difícil y eso lo sabe todo el mundo, que la gente se está yendo está a la vista de todos, pero no me puedo quedar en eso. Voy a hablar de las cosas buenas de Venezuela para que la gente sepa que todavía pasan cosas bonitas. ¿Cómo cree que desde su arte ayuda a que la situación del país mejore? Si logro cambiar la visión de una sola persona, estoy haciendo mi trabajo. Si logro cambiar la visión de muchas personas, mi trabajo está llegando a más. Yo lo que busco es trascender, que mi mensaje perdure. Si me reconocen y mi música ayuda a la reconstrucción de un país, ya lo habré logrado.
Blessd se une a una de las leyendas más grandes del futbol mundial, Ronaldinho Gaucho, para jugar un partido de futbol. La cita será el 16 de mayo en el marco del Si Sabe Fest Deluxe en el Coliseo Cubierto Iván De Bedout de Medellín. La entrada es gratuita, hasta completar el aforo. El paisa presenta su nuevo trabajo musical “BLESSDELUXURY” a través del fútbol, una de sus más grandes pasiones. Ya hubo una primera fecha entre los 2 en Miami, así que Blessd espera una victoria en su tierra. “Estamos listos para romper de nuevo, pero ahora en nuestra ciudad, vamos a hacer la revancha y todas las entradas serán gratuitas exclusivamente para los fanáticos del Bendito y del buen futbol Si Sabe … Prometo esta vez ganarle a Ronaldinho y a los cracks que lo acompañan”, dice Blessd. El juego será una exhibición en compañía de una nómina de lujo que contará con dos grandes figuras en la dirección técnica de ambos equipos. Dirigiendo al equipo de Blessd estará una de las glorias del futbol, el portero de la selección Colombia René Higuita y dirigiendo al equipo de Ronaldinho estará Francisco Maturana, uno de los directores técnicos más recordados quienes dejarán toda su experiencia en la cancha en un espectáculo especial para todos los asistentes. Para quienes no puedan entrar, la transmisión estará a cargo de Westcol, unos de los streamers más conocidos del mundo y el #1 de ColombiaAmbos capitanes Blessd y Ronaldinho lo dejarán todo en la cancha. ¿Quién es Blessd?Stiven Mesa Londoño, conocido artísticamente como Blessd, es un cantante y compositor colombiano nacido en Medellín el 27 de enero del año 2000. Desde pequeño, Blessd estuvo rodeado de música gracias a la influencia de su tío rapero, quien lo introdujo al mundo del freestyle y las batallas de rap.Su pasión por la música lo llevó a comenzar su carrera como aficionado a los 15 años, participando en competencias y presentaciones locales. A los 17 años, compaginaba su pasión por la música con el trabajo familiar, vendiendo frutas y verduras en la Central Mayorista de Antioquia.
El Tribunal de apelaciones de Nueva York anuló la condena de Harvey Weinstein por delitos sexuales el jueves 25 de abril del 2024. La juez Jenny Rivera, la voz mayoritaria del tribunal, aseguró que la decisión fue tomada porque en el juicio se cometieron errores fundamentales. El veredicto, con cuatro votos a favor y tres en contra, llevó a que se ordenara un nuevo juicio demostrando que en el juicio del 2020, en el que se le dictaminó una condena de 23 años de cárcel, se permitió injustamente que mujeres que no eran parte de los cargos iniciales testificaran contra Weinstein.El abogado del exproductor de Hollywood, Barry Kamins, dijo en una entrevista que Harvey Weinstein se presentará frente a un juez en Manhattan para solicitar la libertad bajo fianza mientras se establece la fecha del nuevo juicio. "Nos complace que el tribunal haya acordado que al Sr. Weinstein se le negó su derecho fundamental a un juicio justo", comunicó Kamis. La juez Rivera resaltó que, el hecho de haber incluido injustamente los testimonios de mujeres que no hacían parte del caso, hacían que se reforzara la posición en contra al exproductor de 72 años por conductas anteriores y no solo por las que estaba siendo imputado. Incluso, podía haberle impedido a testificar en su favor. Por su lado, Barry Kamis y Arthur Aidala, otro abogado de Weinstein, consideran que en el proceso judicial del 2020, el juez "abandonó repetidamente su deber de salvaguardar las garantías constitucionales y los derechos procesales de Weinstein". Por esto, lo dejó "impotente para defenderse de un fiscal incontrolado".La condena por delitos sexuales de Harvey Weinstein en CaliforniaSin embargo, esta no es la única demanda que enfrenta Harvey Weinstein. Actualmente, también está condenado en California a 16 años en prisión por violar a Evgeniya Chernyshova en un hotel de Beverly Hills en el 2013. Por esto, el exproductor deberá seguir en prisión. El caso está ahora en manos del fiscal del distrito de Manhattan, Alvin Bragg, quien aseguró a través de un portavoz que: “Haremos todo lo que esté en nuestra mano para volver a juzgar este caso, y seguiremos firmes en nuestro compromiso con las supervivientes de agresiones sexuales”.¿Un retroceso para el movimiento #MeToo?Ashley Judd, la actriz estadounidense de cine y una de las voces más destacadas detrás de la demanda, consideró esta anulación como una "traición institucional". Asimismo, el abogado de Evgeniya Chernyshova, la mujer detrás de la demanda en California, afirmó que "está obviamente decepcionada" y "se siente mal por las víctimas que soportaron ese juicio y las posteriores apelaciones, sólo para ver cómo se revocaban las condenas".Los abogados también se han manifestado a favor y preocupados por sus defendidas. Por un lado, Lindsay Goldbrum, quien ha representado a seis víctimas, dijo que: "Lamentablemente, la sentencia de hoy arroja una oscura sombra sobre su valentía y, sin duda, disuadirá a futuras víctimas de agresiones sexuales de denunciar". Por el otro lado, Douglas Wigdor, abogado de ocho víctimas, subrayó una de las consecuencias más impactantes y crueles de la anulación. “La decisión de hoy supone un gran paso atrás en la exigencia de responsabilidades por actos de violencia sexual. Anular el veredicto es trágico porque obligará a las víctimas a soportar otro juicio más”. Scott Berkowitz, el fundador y presidente de la organización contra la violencia RAINN, también se manifestó y comunicó que: "Anular la condena de Harvey Weinstein es una decisión horrible que no protege el debido proceso: pone en peligro la justicia para las supervivientes de sus crímenes".
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Caraja dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me réuno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo.
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).