Un grupo de artistas circenses se ven obligados a huir de su circo perseguidos por el Dueño de Todas las Cosas. Y emprenden una aventura por mar y en su travesía recorren distintos lugares del planeta conociendo diferentes personajes, dejando a cada paso una huella imborrable con su música y forma de ver el mundo. Esta historia estará en temporada desde el 12 de mayo hasta el 1 de septiembre. Fotos: katherine Fresneda // @ktfresneda Burning Caravan en su circo, interpreta Benvenuti a Tutti dando inicio a su espectáculo. Durante el número de Matrioska la intrépida clavadista en valde de agua, irrumpe en escena El Dueño de Todas las Cosas, reclamando la posesión del circo. La banda se niega a entregar su circo y se monta en su barco Neptuno, perseguidos por el Barco Acorazado del Dueño de Todas las Cosas, comenzando una persecución por el mar. Llegan a las costas de la Selva Africana y deben escapar de los animales Salvajes. Siguen por el Atlántico con rumbo Norte y llegan a la Costa de Francia, donde conocen a Sam y Gullivier los cocineros, conocen la campiña francesa y al horrible Monstruo más tierno de la región. Llega el Dueño de Todas las Cosas a Francia, la persecución se reanuda. Navegan hacia el sur por el Atlántico hasta atravesar el Portal mágico de Ciudad Faro y llegan a la costa de Chile dónde conocen a Pablo Neruda. Vuelven al mar perseguidos por el Dueño de todas las cosas. Se enfrentan a diversos piratas en el mar caribe, hasta que Neptuno es destrozado por el Acorazado del dueño de todas las cosas. Ellos Naufragan y llegan a Colombia donde son entrevistados en un programa de televisión. El Dueño de Todas las Cosas aparece nuevamente, pero esta vez ha perdido todos sus bienes en la travesía, dando paso a un final inesperado. Las frases célebres de los personajes Matrioska - Diana Osorio “El monstruo, en agradecimiento por haberlo liberado, nos mostró su tesoro: su misterioso Jardín secreto”. Sam- Javier Ojeda “Atravesamos el portal de Ciudad Faro y las ballenas azules nos acompañan durante todo el recorrido por los antiguos mares australes”. Don Pablo- Francisco Marti “Ahora soy un oráculo. Ayudo a los exiliados a pasar de una dimensión a otra, con un sorbo de este caldito”. Mario Romero “Martinez también nos enseñó los ritmos de la costa caribe, como la cumbia. ¿Quieren escuchar?” Pablo Muñoz “Si no tienen memoria van a vivir con miedo huyendo de sus verdugos, escapando por siempre de un dueño o de otro”. Gullivier- Olivier Lestriez “Nuestra desventura de ser prófugos y tener que escapar por el mar, se transformó en una aventura de vida”. Micaela Morello - Director de actores - Entrevistadora “Naufragaron! ¡Que emocionante! ¿Qué se siente naufragar? ¿Tragaron mucha agua? ¿Qué sabor tiene el mar Caribe?”
Una actividad que busca promover y visibilizar la dramaturgia nacional y acercarla a los espectadores. Para lograrlo el público será el verdadero jurado del torneo, que votará por su favorito en un enfrentamiento donde el texto teatral será el único protagonista. Los interesados deben presentar un texto inédito elaborado exclusivamente para el Torneo de Dramaturgia, el cual debe tener una duración de máximo 45 minutos y estar escrito para dos personajes. Los dramaturgos deberán presentar sus propuestas bajo la modalidad de seudónimo, por lo que los textos presentados no deben revelar su identidad, puesto que es causa de descalificación. Un jurado invitado por el Teatro Colón seleccionará los ocho textos finalistas entre todos los participantes. Se enfrentarán por parejas en tres rondas (cuartos de final, semifinales y final), hasta seleccionar el campeón. Los nombres de los ganadores de cada fase se revelarán únicamente al final del torneo y cuando el campeón haya sido seleccionado. Los textos finalistas se darán a conocer el 19 de julio y el Torneo de Dramaturgia se realizará del 30 de julio al 27 de agosto en el Teatro Colón de Bogotá. Este año, los dos finalistas participarán en una clínica de dramaturgia del 28 al 30 de agosto y el ganador recibirá un total acumulado de $14.500.000. Toda la información de la convocatoria aquí. Es importante resaltar que el Torneo de Dramaturgia es una idea original de Jordi Casanovas desarrollada conjuntamente con el Festival Internacional Temporada Alta de Girona (España).
Después de varios meses de arduo trabajo en el estudio, Los Rolling Ruanas presentaron oficialmente su nueva placa discográfica, Sangre Caliente. Aunque durante el 2017 estuvieron ocupados girando, por varias ciudades del país, tuvieron tiempo para trabajar en nuevas canciones y en un álbum que define muy bien su sonido y con el que comienzan nuevamente un viaje musical. El álbum está compuesto por trece tracks, donde sobresalen canciones como Fan Django su primer lanzamiento, Sangre caliente, con pequeños matices de cumbia y música del altiplano colombiano, Rajaleña un ritmo propio del altiplano mezclado con líricas, entre otras canciones, que ya pueden escuchar en todas las plataformas de streaming. En el álbum cuentan con colaboraciones de artistas como Inti. Illimani de Chile, Rap Bang Club, y Fémina de Argentina. El pasado cuatro de mayo el Teatro Colón fue el escenario que recibió a los cuatro hijos de la carranga. Un show memorable, poderoso, con un público que seguramente tenía la sangre caliente, con las nuevas canciones de Los Ruanas. 10 momentos memorables del concierto Fotos: Daniel Álvarez // @daniel.alvarez9 1. El intro animado contaba la historia de cuatro personas que se pierden en el bosque y caen bajo un hechizo de una bruja que les da súper poderes para interpretar instrumentos de cuerda. 2. Las visuales que usaban en cada canción creadas por MireAver, eran un lienzo pintado exclusivamente para cada canción. 3. Lo primeros invitados a subir al escenario fue un grupo andino amigo de Los Ruanas, para interpretar La edad primera, canción que grabaron con el grupo chileno Inti-Illimani. 4. La fuerza de las líricas de Rap Bang Club, se mezclan con la música tradicional andina en el escenario, para interpretar Rajaleña. 5. Juan Diego, mostró todos sus dotes de actor en Mr. Gringo, durante un corto tiempo entretuvo a los asistentes con su papel del gringo encantado de la cultura colombiana o mejor, de la chicha. 6. El ciclismo y sus protagonistas merecían un homenaje en el escenario del Colón, Caballo de acero, es una canción que reconoce a cada uno de nuestros héroes sobre ruedas. 7. Otro de los protagonistas fue el productor del disco Mario Galeano, que fue invitado al escenario para interpretar Ojos de serpiente. 8. Las ruanas también fueron el outfit que predominó, el público acudió al show, vistiendo esta prenda en honor a la banda. 9. Sin duda los covers fueron su carta de presentación, el momento de Toxicity, de System Of a Down logró la euforia del público y un exorcismo de la banda. 10. Al final del show, no queda duda que hay un gran equipo detrás de Los Ruanas, y que el trabajo en conjunto los ha colocado en el radar de las nuevas propuestas de la música colombiana.
El Crimen del siglo, novela de Miguel Torres, narra las situaciones que llevaron a Juan Roa Sierra, presunto asesino de Jorge Eliécer Gaitán, a cometer el magnicidio que cambió la historia política del país en el siglo XX. Esta novela es llevada a las tablas por su mismo autor. La obra, apuesta del Teatro Colón y el Ministerio de Cultura, no intenta resaltar el personaje de Roa Sierra, ni liberarlo de la culpa, busca ahondar en su vida para identificar todas las situaciones que lo llevaron a ser el instrumento de este asesinato. Hablamos con el director, Miguel Torres, acerca de la obra, la violencia colombiana, y tomamos algunas frases clave de sus personajes. ¿Cuál fue el reto más grande de llevar El Crimen del siglo a las tablas? Me metí en la grande. Yo había hecho eso con otro tipo de autores novelistas: García Márquez, Orwell, Kafka y estoy sufriendo en carne propia mi atrevimiento porque creo que es la experiencia más difícil que he tenido. Convertir una novela en una obra de teatro es una transformación fascinante pero muy pedregosa y complicada y lo he sufrido durante los últimos cuatro meses. Sin embargo, el salto es muy lindo y estoy muy contento de haberlo hecho. ¿Por qué cree que a la gente le apasiona tanto las historias de los asesinos? La historia ha hecho un gran mito del asesinato, el arte también ha contribuido un poco a eso. Shakespeare, por ejemplo, creo que debió haber sido una especie de psicótico, en todas sus obras mataba un montón de gente. En el fondo lo que pasa es que los autores, como mucha gente, sentimos deseos de matar a alguien por rabia, o por determinadas circunstancias pero nunca llegamos allá, hay una franja moral que nos lo impide, entonces utilizamos a los personajes para hacer las cosas que no nos atrevemos a hacer, como matar, reclamar, gritar contra el poder, contra la injusticia, contra la iniquidad, contra la corrupción, cosas que por lo general no podemos hacer en la vida porque no tenemos los medios, ni los micrófonos. Entonces tomamos la vocería de mucha gente que no tiene estos medios, las asumimos y las damos en nuestros personajes de las novelas o de las obras de teatro. Después de 70 años de este crimen, ¿Cómo ve la situación política y social de Colombia? Yo diría que está peor: tenemos la violencia de las autodefensas, de la misma guerrilla y del Estado. La corrupción nunca había sido tan alta, y la impunidad cubre todos los hechos que han enlutado a este país. El Palacio de Justicia, por ejemplo: el Estado hizo la retoma, entonces hagámosle, porque cualquier general dice que todo está permitido. Fotos: Jonathan Edery Los personajes y sus frases memorables. Juan Roa Sierra (Julián Román) “Solo tengo que hacer la vida y solo tengo que seguir.” Encarnación Sierra (Carmenza Gómez) “Yo lo único que sé, es que ya la plata no me alcanza para nada.” El Ayudante (Diego León Hoyos) “Si seguimos dependiendo de usted Roa Sierra, ese negro va a llegar primero a la presidencia.” María de Jesús (Isabel Gaona) “Usted cree que el general Santander, dado el caso de que esa vaina de la reencarnación exista, iba ser tan majadero en venir a reencarnar en un pobre diablo como usted.” El Loco (Elkín Díaz) “Un buen fierro no debe valer menos de cien pesos, si se consigue.” Luis / Rafael (Lucho Velasco) “Mientras usted le siga poniendo la plata en la mano, él no va a mover un dedo para conseguir trabajo, de eso puede estar segura." El Mandamás (Ramsés Ramos) “Trato es trato ya sabe, aquí tengo la plata.” Urrutia (Humberto Dorado) “Tienes que esperar a alguien en una esquina con el motor encendido, pero tendrás que estar muy tranquilo y no perder la paciencia.” El pote (Ulises González) “Sabe cuándo se acaba esta vaina, el día que alguien con las "güevas" bien puestas, mande a matar a ese negro presumido.” Umland (Joe Broderick) “Esos grandes destinos, de los que usted habla, no aparecen en las líneas de sus manos.” Lozano (Jorge Herrera) “O es que cree que los muertos se van a despertar cuando oigan el balazo.” Tom (Anton Tarasov) “La operación se realizará muy pronto, en ese sentido no sobra decirle que usted debe seguir guardando silencio en forma indefinida, y le aconsejo que lo haga, ¿estamos?.” Narrador (Diego Trujillo) “La noche del jueves ocho de abril envuelven las sombras a un país convulsionado por la violencia, devastado por las furias de la intolerancia irracional y sumido en el caos, propiciado por la política oficial y oscura y tenebrosas fuerzas guiadas por odios irreconciliables.”
Shakespeare enamorado, la obra, se centra en todos los pormenores que suceden detrás de una de las comedias románticas más recordada de la historia del cine, ahora adaptada al teatro cuenta con todos los recursos de montaje y artísticos, para lograr que el público se sienta parte de la historia. La obra exalta a las mujeres por su búsqueda del amor a través de la libertad y el arte, y hace un homenaje a la literatura y al oficio teatral. La dirección de arte está a cargo de Laura Villegas, quien diseñó una escenografía capaz de trasportar al público a espacios como palacios, balcones, mansiones tabernas y teatros. El vestuario marcado con una influencia Isabelina, servirán como mecanismo para el desarrollo de la historia. El elenco está compuesto por: Kepa Amuchástegui, Carmenza Gómez, Jairo Camargo, Gloria Gómez, Andrés Suárez, Álvaro Bayona, Mario Duarte, Carlos Gutiérrez, Andrés Mejía, Jimmy Rangel y Miguel González. La directora musical del espectáculo es Josefina Severino, y el encargado de la iluminación es el destacado director español Juanjo Llorens. Fotos: Daniel Álvarez // @daniel.alvarez9 Hablamos con Diego León Hoyos, para que nos contara cómo se logró traer la obra a Colombia y el reto que implicaba tener esta obra en el Colón. ¿Cuándo surgió la idea de traer Shakespeare enamorado? Felipe Gamba es un amigo nuestro que maneja desde Disney la gestión internacional de los derechos de las obras y él quería que lo hiciéramos aquí en Colombia sumado a que yo fuera el director, y que el escenario fuera el Teatro Colón. Una vez me propone eso me da mucha felicidad, si algo he amado es Shakespeare in Love, la película, porque el texto es extraordinario de Tom Stoppard ¿Cómo se armó la obra? Primero fue concebir el equipo, yo conocí profesionalmente hace cinco años a Laura Villegas y amé su trabajo, hubo una sintonía muy grande respecto a la adaptación visual, al lenguaje que íbamos a utilizar y estoy convencido que desplegó lujosamente todo su talento. Y de la misma manera la traducción que hicimos con Juan Gabriel Vásquez que es el gran novelista colombiano, joven promesa de la literatura colombiana. ¿Cómo se escoge el elenco para una obra que requiere tanto compromiso de interpretación? La mayoría de ellos son compañeros de mi vida, porque son mis amigos, y como los conozco espero haberlos escogido tratando de que su talento, su físico, sus características emocionales se adapten a la de los personajes y creo que así es. ¿Por qué Shakespeare es tan importante para el teatro? Porque Shakespeare tiene la condición de lo universal, y del clásico, ¿qué es el clásico? Cuando hablamos de clásico, es algo que, trascurrido un mes, cinco o cincuenta años o siglos sigue teniendo vigencia y belleza y eso ocurre con Shakespeare y con Cervantes. El clásico es algo que captura de una manera tan inteligente, tan aguda, tan sensible el momento de su época que esa época deja de pertenecer a un tiempo preciso y se vuelve universal y patrimonio de la humanidad. ¿Cuál cree que es el gran valor de la adaptación de la obra? Yo creo que se reúnen cosas importantes de la comedia romántica, está llena de sentimientos, llena de humor, de equívocos y de belleza. Las frases célebres de los personajes Viola de Lesseps: (Carolina Ramírez) "Yo podría vivir pobre, pero tú no podrías vivir sin el teatro. Sin palabras eres hombre muerto, y yo sería tu asesina. No puedo ser la mujer que le negó al mundo entero las palabras de Shakespeare". Shakespeare: (Nicolás Montero) "He venido a buscar a alguien capaz de hacer que mis palabras fluyan como el río. Ahora encuentro a alguien que me hace enmudecer. Te amo más que todo lo que se ha escrito. Te amo más que a la vida". Nodriza: (Gloria Gómez) "El teatro no es lugar para damas de buena familia. En estos tiempos, ser de familia rica es lo mismo que ser de familia buena, y estar bien casada es mejor que las dos". Reina Isabel I: (Carmenza Gómez) "No tengo nada contra el teatro. Pero los dramaturgos no enseñan nada del amor. Lo vuelven lindo, lo vuelven cómico o lo vuelven lujurioso. Pero no pueden volverlo verdadero". Kit Marlowe: (Andrés Suárez) "No te distraigas, William. Deja el engaño para los que lo hacen mejor. Vete a tu casa y termina la obra. Podrías ser el mejor de todos nosotros". Lord Wessex: (Jairo Camargo) "Necesito una dote y su familia necesita un título. Parece que la fortuna nos quiere unir. Las finanzas y el futuro están unidas inextricablemente". Henslowe: (Álvaro Bayona) "Permítame que le explique cómo funciona el negocio del teatro. La situación natural es una serie de obstáculos insuperables que se encuentran en el camino hacia el desastre inminente. Pero al final, todo sale bien". Burbage: (Mario Duarte) "Si necesito una obra, ahí tengo una que me espera: una comedia de Shakespeare. Que sepan todos que somos hombres de talento. Somos una fraternidad y una profesión seremos". Julieta: (Miguel González) "¿Quién es, nodriza, el caballero aquel? Busca su nombre, si casado está. Mi tumba será mi lecho nupcial".
Hablamos con Jan St. Werner, del dúo alemán de música electrónica Mouse On Mars sobre el caos, la anarquía, y las infinitas posibilidades de trabajar con sonido. Mouse On Mars estará presentándose en Bogotá el próximo 2 de septiembre en el Teatro Colón. Por Lina Cepero // @lamusique Jan St. Werner y Andi Toma, mejor conocidos como Mouse On Mars, vienen trabajando juntos desde 1993. En el 92 se encontraron en un concierto de metal en Alemania y desde entonces han colaborado juntos en la búsqueda de nuevas formas de aproximación al sonido. Ya cuentan con doce álbumes (incluyendo la edición de colaboraciones de 2014) y esperan el lanzamiento de uno nuevo: Lichter, el próximo 2 de septiembre. Sus primeros discos son hoy el testimonio de búsquedas iniciales, y otros son sólo intentos algo ingenuos, como lo ha dicho antes St. Werner sobre Vulvaland, su primer trabajo. Cada uno ha sido una investigación y un estudio juicioso en el tiempo para acercarse a nuevas formas de comprender, disfrutar, y potenciar la composición musical de forma experimental, sin las estructuras tradicionales. Entre composiciones puramente electrónicas y electroacústicas, e improvisaciones caóticas y combinaciones inesperadas, Mouse On Mars ha incluido el ambient a sonidos del dub, siempre intercalando melodías pop, y por momentos, se ha distanciado de cualquier género musical. Al hablar con St. Werner se hace claro porqué Mouse On Mars le ha ofrecido a su audiencia sonidos tan polifónicos; siempre diferentes, cambiantes y complejos. St. Werner es un entusiasta del sonido en todas sus dimensiones, más allá de la música. Ha trabajado desde los 90, en proyectos de música aleatoria y orgánica, en la que se experimentan cambios de frecuencias dinámicos y extremos. En su versión como solista Lithops sacó también dos placas, varios sencillos y diversas colaboraciones. Ha compuesto piezas para ensambles, orquestas, y fue el director artístico para el Instituto de Música Electrónica de Amsterdam. Hoy es profesor de las universidades MIT y NYU. Todo el trabajo de Mouse On Mars es coherente porque St. Werner cree firmemente en que el resultado es libre, en que cada proceso es siempre nuevo, y en la fuerza de la naturaleza de canalizar su propio caos en la creación humana. Su concepción de la música es filosófica y viva, y quizás es eso lo que le permite acercarse con curiosidad a algo que lleva haciendo desde hace más de 20 años. Alguna vez dijo que la música que creaba era pura anarquía, ¿podría desarrollar un poco más esa idea? Así quisiera que fuera. Tendríamos que entender que la mente humana y la naturaleza están conectadas, son una fuerza creativa, y hacer música no es más que la naturaleza creándose a sí misma. Incluso si creamos algo sólo en nuestra mente. La música como el caos, como la naturaleza, es inherente al ser humano y para mí se asemeja a un sistema anárquico del que somos parte y que hace parte de nosotros. No hay una única forma de organizarla. La música es el alegre resultado de una combinación compleja de movimientos de aire que viajan por ahí. Tan pronto creamos algo valioso solemos querer agarrarnos a ello, pero eso es volverse dogmático y posesivo, y no somos dueños de lo que creamos. Podemos compartir la misma emoción y algo de la experiencia pero la música es diferente para todos. Entre más música creamos, más espacio estamos haciendo para nueva música y para que otros escuchen, especialmente porque todos escuchamos los sonidos diferente. Incluso si lo que creamos es parte de algo organizado, o si creamos certezas, no podemos limitar lo caótico y absurdo de la naturaleza en el resultado, o en la experiencia de los otros. Creo que es algo hermoso en la exploración del sonido, y es lo que yo llamaría anarquía.
Frikstailers y Sonido Gallo Negro presentaron un tremendo cumbión futurista sobre el escenario del Teatro Colón en Bogotá.El primer acto de este ritual sonoro lo dirigieron los argentinos de los Frikstailers. Un par de dj´s que ya tienen un buen recorrido por las tarimas de Bogotá, pero que nunca desentonan con un show luminoso y lleno de juguetes. Como buenos frikis, esta pareja argentina volvió a tocar como en Guitar Hero, a bailar en su tapete de Play Station, y a disparar sonidos con sus controles de Wii. 15 minutos de interludio y la oscuridad se tomó el escenario. El Sonido Gallo Negro, desde México apareció en tarima para meterle misticismo a la cumbia que profesan, una mezcla de la furia rockera combinada con las raíces populares de este ritmo nacido en Colombia. Sus adornos: flauta, theremín y calaveras. Fotos: Santiago Acosta.
Lisando y Rafael son las dos cabezas de un dúo que funciona como imán de almas danzantes. Con lo que ellos llaman “música electrónica tropical extraterrestre” se han paseado por el mundo con la firme intención de crear exorcismos a punta de cumbia digital y otros sonidos que hacen parte de su repertorio experimental. Los Frikstailers son argentinos, hace cinco años se mudaron a México y en el 2014 estuvieron en Rock al Parque, el próximo 5 de agosto tienen la revancha en Colombia y será en el Teatro Colón (Toda la información del concierto aquí) Por: Nadia Orozco @Cornfake Hablamos con Rafale antes de su llegada a Colombia Hace cinco años aterrizaron en México y ahí se quedaron. ¿Qué fue lo que los conectó con ese país? En ese momento todavía no existía en México una noción de escena sobretodo en cuanto al público, no habían cosas ocurriendo que hicieran dar cuenta a la gente. Te diría que hace como tres años, empezó a explotar todo acá y no ha parado, creo que muchos artistas han empezadoa venir para México porque han notado que hay potencial de convertirse en un lugar para la cultura latinoamericana más de avanzada. Argentina ha sido un país pionero de la cumbia digital. Fiestas, productores y un sello como ZZK es una bandera en el mund. ¿Cómo está la movida en estos momentos?En Argentina hay como casi una tercera generación, de lo que empezó hace unos 10 años con las fiestas de ZZK y ZZK Records. En esa época empezamos con ocho productores, frikstailers, fauna, chancha via circuito, tremor.. fue como una primera camada y yo estoy viendo ahora que eso mismo se sigue expandiendo y que siguen apareciendo nuevos artistas y productores que son derivados como Barrio Lindo, Calima. Por ejemplo Chancha dio talleres de música y producción y luego varios de sus alumnos se convirtieron en productores. Sigue apareciendo gente que está replanteando a su manera el cruce de sonidos más nuevos y cosas que forman parte de las raíces de América Latina Desde que se presentaron en el Boiler Room han tenido la posibilidad de viajar por todo el mundo. ¿Cómo es el recibimiento de nuevos sonidos en países que tal vez nunca han escuchado algo parecido?Cada lugar es una experiencia muy diferente. Nos ha pasado que visitamos dos veces el mismo sitio y depende del contexto lo disfrutas mucho o lo sufres mucha,. En Suiza tocamos en Paleo que es el festival al aire libre más grande de Europa y nos fue súper bien, nos programamos un buen horario, el público estaba curioso, se bailó todo. Luego volvimos a Suiza a un club, tenía un público acostumbrado a otra cosa, muy tecno de ultraderecha y cosas muy rápidas en velocidad y nosotros llegamos con el bpm mas cumbiero se mal viajaron un poco y de repente nos pasa que vamos a Alemania, donde nos sorprende lo bien que nos reciben en general, uno pensaría que es un público más cuadrado, y están muy curiosos. El último show fue con systema solar en un club que se llama Lido y se llenó de colombianos, hay mucha colectividad latinoamericana, se puso precioso. Si bien la cumbia ha sido una parte importante del proyecto, hay muchas sonidos que también han explorado, muchos influencias africanas. ¿Qué más están explorando ahora? Hay muchas cosas para ver que están ocurriendo; para nosotros Colombia sigue siendo un lugar donde nos nutrimos mucho a nivel musical. Acabamos de hacer el primer remix de nuestra primera champeta y estamos muy felices, estamos muy contento porque es la primera vez que incursionamos con ese género y hace rato veníamos escuchándolo, salió con Palenque records, para hacer un remix de una de las bandas con que trabajan que es COlombiafrica e hicimos el remix y nos fascina lo que quedó. Nos da muchas ganas de seguir incursionando un poco más. la música del Pacífico colombiano siempre tiene una cosa interesante para investigar. Precisamente en ritmos como la champeta el baile es una parte fundamental, al igual que en la cumbia claro y no solo como un baile, sino como una experiencia. ¿Cómo pasa esto en sus shows? Para nosotros es fundamental no solo sobre el ritmo y la sabrosura, sino sobre la profundidad de lo que está pasando en el show. Nos quita el sueño el tema de que la música no solo sea divertida sino que también tenga como un viaje, que la gente que pueda entrar en algo contemplativo también, además del viaje. Y ustedes cómo lo viven… Ahora el sábado pasado tocamos en una festival en México y el público estaba adentro de la idea, de lo que estaba pasando entonces cuando pasa eso, se arma algo muy lindo porque nosotros le ponemos mucho tiempo a esto de que el show si sea como un ritual y que ocurra algo que te hipnotice y te lleva a lugares que están buenos, entonces se da ese intercambio con la gente y terminamos todos energizados, tanto la gente como nosotros. Pero luego cuando no se da, terminamos nosotros destruidos. Ocurre cuando te programan en un sitio que está descontextualizado, que la gente está cerrada a otras cosas es más difícil. Y de ñapa, una playlist especial de Los Frikstailers para Shock.coLas siguientes canciones son una fiel representación de lo que al menos nosotros escuchamos cuando queremos prender la rumba dentro de nosotros mismos. En ella hay canciones nuevas, otras no tan nuevas y otras que ya son clásicos. Sonidos de Argentina, Colombia, Perú y otras partes del mundo que vibran en sintonía con el enorme aporte cultural de África a Latinoamérica, de su mezcla con la herencia indígena y de su forzosa relación con Europa desde su invasión histórica hasta la actualidad.
Y la ñapa: el playlsit de Sonido Gallo Negro para prender hasta una primera comuniónSonido Gallo Negro es una banda mexicana, dos de sus integrantes son argentinos y sus exploraciones los han llevado a viajar a los recovecos de la chicha peruana y la cumbia ecuatoriana. Ser rockeros de corazón no fue ningún obstáculo para convertirse a la cumbia, y es que contrario a lo que la mayoría piensa, estos dos géneros tienen muchas cosas en común. El próximo 5 de agosto llegan al Teatro Colón en Bogotá y prometen un ritual sonoro y bailable de primera mano (Toda la información del concierto aquí)Hablamos con Gabriel López de Sonido Gallo NegroPor: Nadia Orozco Hace un buen tiempo en Colombia se están gestando proyecto como El Frente Cumbiero, Ondatrópica, Meridian Brothers que están haciendo exploraciones sonoras con géneros como la cumbia. ¿Qué está pasando en México?Sí, hay un revival de la cumbia, la gran mayoría con influencia electrónica, retomando y haciendo remixes, desde hace un tiempo vienen saliendo agrupaciones con un tono más fiestero. En México siempre ha habido un sector cumbiero que no es revival, es el sonidero popular que es más de barrio y se ha popularizado mucho. El público está muy pendiente de eso y hay una revaloración de la cultura cumbiera.En el caso de México ¿Por qué creen que hay cierta necesidad por volver a la música tradicional?Pienso que tal vez el terreno musical se agotó, especialmente el rock; nosotros venimos de una escuela rockera, de mucha búsqueda través del rock y de repente en el 2000 como que se estancó un poco y no hubo otra oleada sino que se hizo muy mainstream y eso nos obligó a buscar otros ritmos sobre los cuales experimentar. Por eso muchos músicos como nosotros empezamos a buscar ritmos para plasmar nuestras ideas fuera del rock.¿Cómo llegaron a la cumbia?Llegó a nosotros a través de las fiestas sonideras, de djs que iban a Perú, Ecuador y Colombia y traían vinilos para amenizar todos esos bailes. Así fue como nosotros vivimos y convivimos con la cumbias desde nuestra infancias, nos gustara o no. Luego empezamos a escuchar grabaciones con guitarra eléctrica y órganos y eso nos sonó muy interesantes, incluso como rockeros y ahí fue que se nos abrió todo un mundo.Son mexicanos, tienen integrantes argentinos y han explorado desde la raíz la chicha peruana. ¿Qué conclusiones salen de la cumbia en Latinoamérica?Que es muy diferente, creo que a lo largo de los años por lo menos nosotros hemos ido encontrado un estilo propio a la hora de escribir y también de reinterpretar. Ahora para nuestra tercer disco siento que empezamos a es tener un estilo más sólido y cuando hacemos una reinterpretación ya tiene ese toque Gallo Negro,¿Cuáles son esos sonidos que han explorado y que han ayudado a formar la identidad sonora de Sonido Gallo Negro?Los discos pasados se basan totalmente en la chicha y la cumbia amazónica; ahora estamos trabajando con influencias de la música cubana, el danzón y lo transportamos a nuestro estilo propio. Ese es el resultado de Mambo Cósmico, nuestro nuevo disco.Además de ser un baile ligado con el baile, hay mucho ritual y misticismo detrás. ¿Esto tiene cabida en su show en vivo de alguna manera?Sí, precisamente hemos pensado mucho en eso y es precisamente lo que nos diferencia y le da un toque especial a la manera como la ejecutamos. Nos gusta ser solemnes y también nos gusta que la gente baile. Con todo el tema de la experimentación sonora, en el resultado es un plus lograr sonidos diferentes y que la gente los pueda bailar. Eso es lo que más nos gusta y es algo que investigamos.En todos sus trabajos la psicodelia es casi que la columna vertebral.La psicodelia está implícita en lo que hablábamos de los rituales y esta conexión, es una manera de liberarte y dejarte ir a través de la música ya que hoy en día estamos rodeados de gobiernos, leyes, de economía.. malas noticias- Es una puerta tanto para nosotros dejarnos llevar y hacer música y para la gente que nos escucha, vean la vida de otra manera.A veces se piensa que las letras revolucionarias solo hacen parte de algunos géneros que lo hacen explícito. ¿De qué manera su música también es, de alguna u otra forma, revolucionaria?Sí, lo acabas de decir, nuestra música tiene ese sentido de aportar algo sin ser explícito, parte de las revoluciones es que se comienza desde abajo porque si expresas un grito muy claro o fuerte te llegan a apagar. El mensaje oculto y que la gente lo interprete de diferentes formas es muy importante, estamos muy a gusto, no necesitamos explicarlo, la gente lo entenderá, lo hará suyo o lo reinterpretará.Y por último, canciones influyentes para Sonido Gallo Negro:Chicken y sus comandos - avioncito de guerraOlmedo torres - ponchito de coloresLos Zafiros - Bossa CubanaThe Jokers - El CumbancheroPablo Beltrán Ruiz - Quien SeraMario y sus Diamantes - El Cable Pérez Prado y Carmén Salinas - Cuando calienta el sol
Este lunes 28 de septiembre la banda colombiana presentó su nuevo álbum en el Teatro Colón. Por: Luis Fernando Mayolo @mayolito // Fotos: Daniel álvarez. Nacieron en la época en la que proyectos como la Mojarra Eléctrica y La 33 también despegaron. Cerca de 15 años de historia musical que los catapulta a una de las repisas clásicas de las nuevas músicas colombianas, aquellas que partiendo de nuestras raíces más arraigadas lograron reinterpretarlas dejándose permear por toda una serie de nuevas experiencias musicales del mundo.Así podemos definir a grandes rasgos a Curupira, un sexteto colombiano integrado por artistas de largo recorrido dentro del jazz, el pop y el rock colombiano, que desde hace mucho tiempo decidieron además defender las banderas de nuestro folclor nacional, eso si, desde su propia perspectiva.Por eso es de celebrar el que se encuentren estrenando su sexto álbum: 'La gaita fantástica', luego de un encuentro mágico en Nueva York con algunos de los músicos más importantes del circuito del jazz y una sesión de improvisación que podría definirse como legendaria.Sin pretensiones comerciales radicales y con la experimentación musical bajo el brazo, la banda nos presenta el resultado más contemporáneo de su largo periodo de investigación musical.Ustedes son un parche tan diverso desde el punto de vista musical, que solo así se entiende la riqueza de su propuestaDespués de 15 años de investigación, creación y formación en la músicas tradicionales, grabamos este disco en Nueva York, resultado del proceso evolutivo de nosotros seis como músicos. Cada uno de nosotros tiene una experiencia paralela y diferente en la escena musical, lo que enriquece nuestro trabajo y confluye en este proyecto. Por encima podemos decir que Andrés Felipe Salazar ha sido integrante de varios grupos de jazz y tocaba con Alerta Kamarada; Maria José ha sido percusionista y musicóloga y tocaba con Andrea Echeverri y Maria Mulata; Jorge Sepúlveda, baterista de Antonio Arnedo; Julián Sarmiento, integrante de Pestilencia, Aterciopelados y 1280 Almas; Camilo Velazquez, guitarrista de los Aterciopelados y Juan Sebastián Monsalve, productor musical de Kraken, las Almas y la Filarmónica, etc.Lograron grabar este disco en Nueva York con un dream team de músicos bastante interesante, definitivamente un escalón más arriba en su carrera musicalSin pretensiones comerciales hemos estructurado un proyecto en el que este es el sexto disco. Depronto terminamos grabando con la plana mayor del jazz neoyokino, lo cual no es gratuito, porque hemos venido improvisando e interactuando durante estos 15 años con los mejores. Conocimos acá en Bogotá a los músicos de Chick Corea. Nos hicimos muy amigos de Jeff Ballard el baterista en ese momento, Juan Sebastián grabó un disco como solista en NY con él y otros músicos muy importantes como Anat Cohen y Jason Lindner, que participan en este nuevo disco de Curupira.Asimismo la otra cuyuntura fundamental para este disco fue la interacción con el músico de vanguardia Johm Zorn, que de cierta manera fue el padrino de este proyecto, porque fue él quien nos recomendó a los demás músicos del proyecto que exploraban las músicas étnicas con relación la vanguardia. Por ejemplo nos guío hacia Shanir Blumenkranz, quien toca gimbri africano y Oud del medio oriente; con el bombardinista israelí Rafi Malkiel, y también con una cantante virtuosa de vanguardia que se llama Sofía Rey de Argentina. Quedamos asombrados con su virtuosidad. Un momento culminante para nuestra carrera.Por qué dicen que en este disco se amplificó su búsqueda musicalNosotros empezamos a investigar el folclor tradicional colombiano y marcó cierta pauta acá, hay muchos amigos y gente afín que siguieron ese camino. Nosotros nacimos al tiempo de la Mojarra Eléctrica, con La 33 y gente que se tomó en serio ese cuento de explorar las raíces tradicionales para hacer música moderna y urbana. Hemos interactuado con músicos de Guapi, del Golfo de Urabá, Islas del Rosario y con músicos internacionales. En este disco se amplificó esta búsqueda con Diego Obregón, marimbero de Guapi, y con Will Pantoja, un bullerenguero del Golfo de Urabá. Todo esto hace parte de una obra musical para orquesta sinfónica y gaita, en la que está inspirada el repertorio de La Gaita Fantástica. Queremos seguir interactuando con músicos del mundo y con los más tradicionales de nuestros autores.Siempre que se habla de nuevo folclor, es como si apenas hubiera surgido hace dos años ¿Curioso que esto suceda no, conociendo tanta tradición?Las fusiones no son algo de ahora, la salsa, la cumbia y el son cubanos son fusiones que se van estandarizando, eso es un proceso natural de las músicas vivas, nosotros nos consideramos parte de ese proceso. Curupira se caracteriza por no crear música para complacer a cierto perfil del mercado, sino con mucha libertad estética y experimental. Esta ha sido nuestra aproximación a la fusión.¿Cuáles han sido las conclusiones a las que han llegado con su investigación y experimentación con la música tradicional?Hasta este momento Colombia está construyendo conocimiento a partir de sus músicas tradicionales. Es un momento que inicia de acuerdo a la investigación y producción desde la academia. Otra es que hace parte de nuestra tradición tanto la cumbia de Soledad Atlántico, como Pearl Jam o Nirvana. Pertenecemos a un mundo globalizado y la influencia externa es una realidad en nuestros conceptos. Por eso no podemos excluir o negarlo. Nuestra búsqueda no va con banderas nacionalistas, sino sobre una reflexión como seres humanos habitantes de este planeta, rompiendo fronteras. Eso nos hace falta, aprender a tolerar nuestras diferencias.¿Cuáles fueron sus consideraciones para elegir como sencillo 'Suavecito'?Es difícil para un grupo que transgrede géneros e improvisa dentro del jazz el encontrar el promocional. Escogimos una de las canciones vocales del grupo, porque es más digerible y además tenía un mensaje con nuestra manera de ver la vida, con una estructura cercana a los temas radiables. Igual sigue siendo experimental (risas).Para terminar cuéntenos los momentos claves para entender la evolución de la banda.La historia de la banda se sigue a través de nuestras grabaciones. El primero más instrumental, el segundo con el aporte de Malpelo, bien cartagenero, dedicado a Encarnación Tovar, más vocal. Nos sumergió en la exploración de la música afrocolombiana, el tercero en donde ya interactúa el Cholo Valderrama, Gualajo, Sixto Silgado. Luego volvimos al formato de sexteto, luego de todos estar cada uno en su proyecto en el cuarto disco, para posteriormente hacer un recopilatorio o compilado hasta llegar a este.
Del 25 al 28 de abril y del 2 al 5 de mayo, el público del Festival de Jazz de Nueva Orleans, podrá ver a artistas colombianos como el Grupo Niche, Bomba Stereo, Jacobo Vélez y La Mambanegra, Los Cumbia Stars, Kombilesa Mi, Matachindé, Rancho Aparte, Agrupación Changó, Gregorio Uribe, Cimarrón y Gaita Loop. El Festival de Jazz de Nueva Orleans es una fiesta cultural de 10 días en la que miles de músicos, cocineros y artesanos dan la bienvenida a cerca de 400.000 visitantes cada año. La Feria del Patrimonio de Luisiana presenta música inolvidable en múltiples escenarios, cocina tradicional de Luisiana en dos grandes áreas de comida y artesanos de la región y de todo el mundo que demuestran y venden su trabajo. Colombia, descrita por el Festival como ‘la potencia cultural de América Latina’, lleva a Nueva Orleans una celebración musical de salsa, cumbia, champeta, vallenato, chirimía y currulao acompañada, además de las presentaciones en los 14 escenarios del festival, desfiles diarios en honor a Colombia, sumadas a experiencias culturales inmersivas junto a artesanos indígenas y afrocolombianos, así como lo mejor de la cocina tradicional de Colombia, según un comunicado del Ministerio de Cultura. "Nos complace anunciar que Colombia es el país invitado al Festival de Jazz y Patrimonio 2024, con artistas y artesanos excepcionalmente talentosos que mostrarán la rica diversidad de nuestra cultura. En el festival, celebraremos a Colombia: el País de la Belleza y compartiremos nuestra pasión por la música con la gente de Nueva Orleans y de los Estados Unidos", expresó el Embajador Daniel Ávila, Encargado de Negocios de la Embajada de Colombia en los Estados Unidos.Además, se propone un intercambio cultural binacional entre dos formatos instrumentales: Chirimía Chocoana y New Orleans Brass Band, un encuentro entre dos culturas centrado en un lenguaje común: la improvisación.Este enfoque se basa en el formato instrumental derivado de las bandas militares europeas establecidas durante la conquista de América, que consta de percusión y vientos, un elemento que ambas culturas comparten. El resultado de este proceso es una producción musical que consta de dos piezas musicales integrando los dos formatos instrumentales, que serán publicadas en EP y en las diferentes plataformas de difusión musical, además, será la memoria que refleja el paso de Colombia por el Festival.La participación de Colombia en el festival en 2024 fue posible gracias al apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores, el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y la Embajada de Colombia en los Estados Unidos.
Sean “Diddy” Combs ha sido objeto de varias demandas civiles en los últimos meses. Hoy hay una investigación federal en su contra. Agentes federales realizaron registros en las propiedades de Combs, donde se encontraron armas, y sus teléfonos fueron incautados en un aeropuerto como parte de una orden emitida por el Tribunal de Distrito de Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York, según dijeron fuentes policiales.Desde noviembre, Combs ha sido objeto de varias demandas en Nueva York acusándolo de agresión sexual, tráfico sexual y participación en otras actividades delictivas. Combs ha negado todas las acusaciones y las calificó de repugnantes.Al menos cuatro personas han sido entrevistadas sobre acusaciones de tráfico sexual, agresión sexual y solicitud y distribución de narcóticos y armas de fuego ilegales, según declaró una fuente familiarizada con el asunto a NBC News. Repasamos la lista de demandas de abuso sexual contra el rapero y productor: Marzo de 2024La casa de Combs fue allanada como parte de una investigación de tráfico sexual en curso en Nueva York. Febrero de 2024Diddy fue acusado de agredir sexualmente al productor de The Love Album Rodney “Lil Rod” Jones. El hombre acusó al rapero de "participar en actividades ilegales graves", incluida agresión sexual. Diciembre de 2023Una acusadora anónima presentó una demanda en diciembre alegando que Combs, el ex presidente de Bad Boy Entertainment, Harve Pierre, y un tercer agresor anónimo la violaron en grupo cuando tenía 17 años, en 2003.En ese momento, Combs publicó un comunicado en el que afirmaba: "BASTA, ES SUFICIENTE", dijo. "Durante el último par de semanas, me he sentado en silencio y he visto a la gente intentar asesinar mi personaje, destruir mi reputación y mi legado. Personas que buscan un día de pago rápido han hecho acusaciones repugnantes en mi contra". "Permítanme ser absolutamente claro: no hice ninguna de las cosas horribles que se alegan. Lucharé por mi nombre, mi familia y por la verdad", continuó Combs.Noviembre de 2023Joi Dickerson-Neal alegó que Diddy la drogó y agredió sexualmente. La mujer presentó una demanda contra Combs que alegaba que fue víctima de "pornografía de venganza".Combs grabó en video el asalto de enero de 1991 y distribuyó la cinta a otros en la industria de la música, según la demanda. Noviembre de 2023Cassie Ventura, expareja del artista, acusó a Diddy de violación y tráfico sexual antes de llegar a un acuerdo. La exnovia de Combs, la cantante Cassie Ventura, acusó a Combs de violación, tráfico sexual y abuso físico en una demanda civil. Combs y Cassie llegaron a un acuerdo por una cantidad no revelada un día después.Cassie alegó en la demanda que Combs le ofreció excesivas cantidades de drogas y alcohol, abusó físicamente de ella y " tomó el control" de su vida, desde su atención médica hasta sus oportunidades profesionales. Combs también supuestamente la habría violado en 2018, y la habría obligado a tener encuentros sexuales con otros hombres. Noviembre de 2023 Una demandante anónima alegó que Diddy y el cantautor Aaron Hall se turnaron para violarla a ella y a una amiga en la ciudad de Nueva York en los 90. Junio de 2019Gina Huynh alega que Diddy abusó de ella durante una relación de cinco añosHuynh, le dijo a la bloguera de YouTube Tasha K en junio de 2019 que el magnate de Bad Boy supuestamente abusó físicamente de ella y una vez le "pisoteó" el estómago."Estaba abusando de mí mental, emocional y físicamente. Siempre me comparaba con Cassie y me decía que yo soy la mala y ella la buena", dijo Huynh, añadiendo que el círculo íntimo de Combs "permitió" que el abuso continuara.
El Animé Sinfónico Orchestral Openings rendirá homenaje al hombre que hizo parte de nuestra historia, al crear miles de aventuras: Akira Toriyama, creador de Dragon Ball y fallecido el 1 de marzo de 2024. La cita será el próximo 21 de abril en el Teatro Universidad de Medellín a las 5:00 p.m. Las entradas estarán disponibles en la web eticket.com y los precios oscilan entre $154.000 y 220.000 en la web eticket.com. Akira Toriyama dejó huella en todo el mundo, con 18 mangas de historia, más de 17 historias de mangas cortos, un programa de televisión y una obra maestra llamada Dragon Ball,. El Animé Sinfónico Orchestal Openings presenta canciones que nos llevarán a aquellas series japonesas que nunca nos podríamos olvidar y que aún hoy en día las llevamos en nuestro corazón. Se interpretarán temas de series como Dragon Ball, Saint Seiya, Digimon, Pokémon, Evangelion, Sailor Moon y muchos más unto a La Orquesta Sinfónica del Valle de Aburrá acompañados con más de 35 músicos en escena, las voces de la cantante antioqueña Miranda (primera ganadora de La Voz Colombia) y Áleran de Adularia (Darknees), Ana María Cerón y Alexander Ordoñez (Rojal Proyect- Banda de Rock) dirigido por Daniel Santiago Plazas Duarte."Siempre hemos creído que la infancia, la adolescencia o la juventud son un tema de momento, que los años pasan y que nunca volveremos a escuchar aquellas canciones que nos recuerdan las series que han pasado por nuestros ojos, por nuestros odios, por nuestros sentidos. Creemos que el cielo resplandece a nuestro alrededor, siempre tomamos el camino de la verdad y la justicia lunar, pensamos en vencer a todo el mal y llegaremos hasta el final con el poder del cosmos y solamente queremos con todo nuestro calor brindar una canción y viajar hasta ser maestros Pokemón para vencer a los titanes con nuestras voces", dice en un comunicado Matrix Entertainment, empresa organizadora del evento. ¿Quién fue Akira Toriyama?Nacido en Nagoya, Aichi, primero ganó reconocimiento por la exitosa serie de manga Dr. Slump, antes de crear Dragon Ball y trabajar como diseñador de personajes para varios videojuegos populares como la serie Dragon Quest, Chrono Trigger, y Dragón Azul.Toriyama fue considerado como uno de los autores que cambió la historia del manga, ya que sus obras son muy influyentes, en particular Dragon Ball, que muchos artistas citan como fuente de inspiración.El artista falleció a la edad de 68 años el pasado 1 de marzo. El querido creador de manga deja un enorme legado y será recordado por miles de fans.
El ministro de Cultura de Colombia, Juan David Correa, le pidió al cantautor cubano Silvio Rodríguez, venir a realizar un concierto en nuestro país. El pedido se hizo a través de una carta. “Millones de colombianos crecimos con sus canciones como usted lo ha podido atestiguar a través de sus visitas a nuestro país. Hoy quisiera pedirle, a título personal, ciudadano e institucional, y en nombre del señor presidente, que nos acompañe una vez más, que nos permita oír su voz en un concierto que podemos organizar allí donde usted lo considere (…)”, señala el Ministro en la misiva. La propuesta del Gobierno es que dicho concierto se realice en un municipio del Caribe colombiano, por cuenta de los posibles problemas que la altura de Bogotá podría acarrear en la salud de Rodríguez. “Parte de mi tarea, ahora como ministro, a admirado Silvio, es proponer espacios colectivos que signifiquen nuestras vivencias atávicas y nos permitan, a través de los símbolos, creer que es posible derrotar el miedo y la pura y abrazar la esperanza de una sociedad que pueda superar la idea de venganza”, continúa la carta. ¿Cuándo fue la última vez que vino Silvio Rodríguez a Colombia?Silvio Rodríguez, uno de los mayores exponentes de la canción social y la Nueva Trova cubana, no viene a Colombia desde julio de 2010, cuando realizó una presentación en Medellín, como parte del Tercer Congreso Iberoamericano de Cultura. En esa jornada, Rodríguez compartió escenario con otros cantautores como Jorge Drexler, León Gieco, Fito Páez, el Quinteto Suárez Paz, Susana Baca, Rosario, Antonio Carmona, Zoe, Rodolfo Mederos, Aterciopelados y Alfredo Gutiérrez.En Bogotá, fue una estancia de tres días en 1995, que lo tuvo por universidades, teatros y centros culturales. En mayo de 1993, tuvo una gira llamada ‘Canciones urgentes 93′ que lo llevo por Medellín, Cali y la capital colombiana. A sus 77 años, es considerado como el mejor cantante folklórico de Cuba y posiblemente uno de los mejores cantautores de América Latina.Conocido por sus letras intelectuales, altamente elocuentes y simbólicas, sus canciones son elementos icónicos de la cultura popular latinoamericana de izquierda. Ojalá, Playa Girón, Unicornio, Sueño con Serpientes, Vamos a andar o La maza son algunas de sus canciones más conocidas. Rodríguez es un símbolo de la izquierda latinoamericana. Silvio Rodríguez es considerado líder de la Nueva Trova Cubana, movimiento conocido por sus letras, que intentaban escapar de las banalidades de la vida concentrándose en el socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo y el racismo.
(Sobre)vivimos otra edición del Festival Estéreo Picnic 2024 que, en términos generales, suplió y sobrepasó las expectativas del cambio del venue y de un cartel que parecía anacrónico.Las mudanzas traen consigo una lista de pendientes que se van ajustando con el tiempo, adecuarse a un lugar nunca es fácil. Sin embargo, como un mueble viejo que se rehusa a botar, el acoso nos persigue sin importar a qué casa nos pasemos. Y, peor aún, nos persigue el arquetipo de la “victima perfecta” a donde sea que vayamos.Cada año se habla de paridad de género en el cartel, se incorporan organizaciones (como la Secretaría de la Mujer o la Línea Púrpura trabajando de la mano con Échele Cabeza) y se repite el estribillo de que el espacio en el que estamos es seguro para nosotras. Pero la realidad es diferente.Si bien hay rutas de acción que antes no estaban claras antes, la ejecución sigue siendo insuficiente. El tercer día del Festival Estéreo Picnic 2024 un grupo de mujeres que estaba disfrutando del concierto de Feid fueron acosadas por un hombre que consumió sustancias de forma irresponsable.Vamos por partes para entender lo problemático de lo sucedido, además de lo obvio.Aunque la entrada de sustancias psicoactivas esté, en teoría, prohibida en este tipo de festivales, el consumo es un hecho y por eso están organizaciones como Échele Cabeza que buscar proteger al consumidor y cuidar de él.¿Quién cuida de nosotras?Si les parece que jodemos con el enfoque de género no es de gratis. Los espacios sin este son peligrosos para nosotras e incluso los que están intentando tenerlo, en el proceso de prueba y error, resultan violentos.La gestión de riesgos y los protocolos de cuidado de los consumidores siempre van a estar cojos si quienes consumimos, las instituciones y los organizadores no entienden que las mujeres somos agredidas por ser mujeres y es un hecho que debe ser considerado y priorizado en la creación de protocolos y/o rutas de acción.El caso de las mujeres que fueron acosadas por un hombre intoxicado nos plantea más preguntas que respuestas. ¿Cómo garantizar un espacio de consumo responsable que al mismo tiempo sea seguro para nosotras? ¿Qué rutas de acción existen para este tipo de situaciones y cómo se ejecutan? ¿Por qué esperan empatía de nuestra parte cuando nadie la tiene con nosotras?En el comunicado publicado en Twitter, y ahora eliminado por partes, desde la cuenta de Échele Cabeza, precisan sobre lo ocurrido y hacen un llamado a la empatía con el hombre que consumió de más, se desnudó, persiguió mujeres y las orinó.Claro, que dentro de los acuerdos sociales tácitos que como consumidores de sustancias tenemos, está (o debería) la empatía con el malviajado o con el que se le fue la mano. Pero la balanza de la empatía no se puede poner en la misma escala de valores que la del acoso.Pasamos a diario suficientes situaciones para saber, incluso corporalmente, cuando estamos en peligro. Para nosotras no es un caso aislado, es nuestro día a día.En el FEP fue un hombre que consumió de más, en la calle es un desconocido y en las fiestas puede ser un amigo.En un mundo ideal podríamos repartir empatía para los dos lados, pero vivimos en una sociedad twittera que al mismo tiempo que exige pruebas, también juzga a las mujeres por grabar a un hombre “en estado de inconsciencia”.Y volvamos a esto por un momento. Los hombres nos acosan en cualquier estado de consciencia y nosotras nos tenemos que defender en todos, porque nadie nos garantiza espacios totalmente seguros.Para las mujeres acosadas las rutas de acción tomadas por el equipo de logística del festival fueron insuficientes, para la logística y para Échele Cabeza fueron las necesarias para cuidar, principalmente, de la persona que estaba intoxicada.La decisión de la organización de eliminar algunos de los tweets que hacían parte del comunicado, dan cuenta de que es una conversación que en muchas ocasiones termina siendo unidireccional. La discusión no puede excluir las experiencias de las mujeres que han sido violentadas y no pueden existir rutas de acción claras sin entender lo que estas situaciones significan para nosotras, como consumidoras y como asistentes a eventos de música.Si bien este caso en particular agitó conversaciones necesarias sobre el consumo responsable de sustancias también puso sobre la mesa que aunque la logística del festival parece estar tomando una forma ya clara, no va a estar completa hasta que no se plantee desde un enfoque por y para las mujeres.El consumo de sustancias psicoactivas y la logística del festivalPor Daniela TrujilloDurante la presentación de FEID, en el escenario Jhonny Walker, un hombre completamente desnudo, quien se encontraba en un estado muy alterado debido al consumo, se estimuló frente a varias de nosotras y luego, posterior a ello, procedió a orinarnos. Otras mujeres que se encontraban ahí, en otras ubicaciones, denunciaron a través de X e Instagram que este hombre las persiguió o las golpeó. La logística tardó en reaccionar, junto con la policía, quienes no tenían claros a los pasos a seguir. Su respuesta tras lo que nos había sucedido fue que “no podían hacer nada porque estaba drogado” y se quedaron un buen rato detrás del sujeto mientras él se movía libremente por el lugar. Después de que sus compañeros pidieran que no lo sacaran del parque, pues él no sabía lo que estaba haciendo.Es necesario decir que no fue el único caso, pues tras haber realizado la denuncia pública, más mujeres se quejaron de que en otros lugares del parque, otros hombres alcoholizados, también habían ejercido acoso hacia ellas.Si bien a la mañana siguiente el equipo de festival se comunicó conmigo y también lo hizo la Secretaría de la Mujer, junto a la Línea púrpura, quienes me dijeron que el hombre, de nacionalidad francesa, fue trasladado al espacio de Échale Cabeza para ser sedado y sacado en ambulancia.Considero necesario que esta experiencia sea un llamado no solo a la rápida acción, pues gran parte de lo sucedido pudo haber sido evitado, teniendo en cuenta que este sujeto estuvo corriendo a través del escenario durante al menos diez minutos antes de que llegara el 911, sino también al consumo responsable.Gran parte de los comentarios que recibí decían que este evento poco o nada tenía que ver con una sesgo de género, puesto que solo era una persona en un estado vulnerable y aunque esto último es cierto y concuerdo con que necesitaba ayuda urgente, las personas afectadas fueron directamente mujeres. Queda entonces el sinsabor de que el estado de desinhibición de muchos es una justificación para ejercer acciones violentas contra otros y que esto, a los ojos de algunas personas, sigue siendo normal.Sí, la logística debe tener una mejor capacitación, eso es un hecho, pero que este proceso de formación respecto a cómo debemos vivir los festivales también sea para los asistentes.