Las leyendas urbanas en la música nos encantan. Desde los Rolling Stones en Colombia hasta la verdadera identidad de Katy Perry, existen decenas de historias alrededor de nuestros artistas y bandas favoritos. The Beatles ya cumplió su cuota en el tema con la teoría que afirma que Paul McCartney en realidad fue reemplazado por un impostor hace varias décadas. Pero otra historia de la banda británica afirma que 2 de sus integrantes estuvieron en México, y no precisamente para dar un concierto.La leyenda afirma que 2 integrantes de The Beatles estuvieron en México, según quien cuente la historia fueron John Lennon y Paul McCartney o John Lennon y George Harrison. Se dice que el motivo del viaje fue contactar a Maria Sabina, una reconocida curandera y chamana del estado de Oaxaca conocida por trabajar con “hongos curativos”.De acuerdo con el libro Vida de María Sabina de Álvaro Estrada, Lennon llegó a Oaxaca en 1969 en un avión junto con Carlos Ávila Camacho, George Harrison y una antropóloga llamada Brenda. El grupo buscó a María Sabina, pero ella se negó a atenderlos porque estaba muy cansada. Luego acudieron a otra chamana y Lennon, al parecer, no tuvo una buena experiencia, pues vio cómo sería su muerte. Allí les contaron la leyenda de Popocatépetl e Iztaccíhuatl, oriunda del estado de Puebla, así que fueron hacia allá, pero antes se detuvieron en un pequeño pueblo llamado Tepetlixpa. Allí apareció una agrupación llamada La Banda Plástica de Tepetlixpa, que interpretó covers de algunos temas de The Beatles. José M. Silva, director de la banda, reconoció a los miembros del grupo y los invitó a platos típicos como mole y nopales.La historia ganó fuerza con el lanzamiento en 1971 del disco Adiós a Los Beatles, con 10 covers de la agrupación.Hasta el momento, una fotografía en la que aparecen los integrantes de La Banda Plástica de Tepetlixpa supuestamente despidiendo a los integrantes del grupo británico y uno que otro testimonio serían las únicas "pruebas" de esta visita. En todos estos años no ha surgido ninguna evidencia que desmienta o ratifique la versión. Como suele pasar con este tipo de leyendas, nos seguirán atrayendo, sin importar su veracidad.
Paul McCartney afirmó que él quería seguir actuando con los The Beatles cuando la famosa banda se separó en 1970 y que John Lennon instigó la ruptura. Las especulaciones sobre las causas de la separación del grupo de pop más famoso del mundo van desde diferencias artísticas y disputas legales hasta el matrimonio de Lennon con la artista Yoko Ono. En 2013, Ono agradeció a McCartney, pues el músico admitió que ella no había sido la causante de la separación del grupo.En un próximo episodio de This Cultural Life de BBC Radio 4, McCartney, de 79 años, habló de lo que llamó el período más difícil de su vida. "Yo no instigué la división. Ese fue nuestro Johnny", dijo MacCartney. "Esta era mi banda, este era mi trabajo, esta era mi vida, así que quería que continuara". La entrevista se emitirá en la BBC el próximo 23 de octubre. El músico continuó: "John entró en una habitación un día y dijo "me voy de The Beatles". "Y él dijo: 'Es bastante emocionante, es más bien como un divorcio'. Y luego nos quedamos para recoger los pedazos". McCartney dijo que la banda habría continuado si Lennon no se hubiera marchado. "Pensé que estábamos haciendo cosas bastante buenas: Abbey Road, Let It Be, nada mal", dijo el músico. McCartney afirma que después de que Lennon anunció que quería irse, el nuevo gerente, Allen Klein, aconsejó a los miembros restantes del grupo que mantuvieran en secreto su inminente disolución. El 10 de abril de 1970 se conoció que The Beatles se había separado.¿Por qué Lennon deseaba separarse? Esto dijo el músico en The Dick Cavett Show, citado por Farout: “[Yoko] no dividió a The Beatles. The Beatles se estaban distanciando solos ". Luego agregó: "Hace mucho tiempo dije que no quería cantar 'She Loves You' cuando tenía 30, lo dije cuando tenía 25 años". Tras su salida de The Beatles, el músico publicó 5 álbumes en solitario. Fue asesinado en 1980.
Cuando pensamos en Piccadilly Circus, la concurrida y musical calle londinense en donde los Beatles grabaron parte de su película A Hard Day’s Night, pocos nos la imaginamos como el escenario de una de las humillaciones públicas más grotescas y racistas de la historia: la pesadilla de Sarah Baartman. Por Carolina Benitez Baartman era una mujer negra sudafricana. El 24 de Noviembre de 1810 fue exhibida en un espectáculo circense de fenómenos como la “Venus Hottentot”. Allí, en Piccadilly Circus, temblorosa de miedo y frío, fue admirada semidesnuda por la multitud blanca londinense. Sarah Baartman fue secuestrada de Sudáfrica y llevada a Londres por una sola razón: padecía de esteatopigia, una condición común en tribus africanas que hace que se acumule grasa y tejido de manera anormal en las nalgas, dando la apariencia de un trasero gigante.Hoy en día al ver vídeos musicales nos encontramos con una exhibición del trasero negro, que aunque no tiene el mismo carácter terrorífico del zoológico humano al que se sometió a Sarah, comparte la misma naturaleza: una fascinación erótica sobre el trasero negro que raya en el fetichismo y la exotización. Dicha fascinación es simplemente resultado de una elaboración histórica blanca que pinta a la mujer negra como un objeto de deseo y de exhibición. Sus características físicas naturales (los labios carnosos, el trasero grande, los senos grandes, las caderas anchas) son vistas como inherentemente sexuales, y cualquier muestra de ellas en público se interpreta como un atentado al pudor o una invitación a la mirada masculina.Esta perspectiva es tan antigua como la trata transatlántica: Cuando los primeros viajeros europeos llegaron al continente africano, la vestimenta ligera de clima cálido y el carácter voluptuoso de las mujeres africanas fueron motivo de una hipersexualización inmediata. No siempre queremos mover nuestro trasero grande para que ustedes lo miren.El colono William Smith, por ejemplo, describió a las mujeres africanas en sus diarios de viaje como “mujeres de constitución ardiente” y “mujeres que constantemente crean estrategias para conseguir amantes”. Históricamente se utilizó la retórica de la mujer negra como una bestia de apetito sexual indomable para excusar las constantes violaciones a las mujeres negras esclavizadas. Sus cuerpos no podían existir sin ser una invitación a la mirada morbosa del hombre blanco.Fue precisamente esa mirada morbosa la que mantuvo el cadáver de Sarah Baartman en exhibición en el Muséum d'histoire naturelle d’Angers después de su muerte. Una vez falleció de neumonía, presuntamente debido al duro invierno británico al que no estaba acostumbrada, Geoffroy Saint Hilaire, famoso naturalista y amigo personal de Jean-Baptiste Lamarck, pidió sus restos para ser analizados como de interés científico, mencionando específicamente un interés en su esteatopigia. Su cuerpo se exhibió desnudo, de pie y de lado en una vitrina para que los miles de visitantes del museo pudieran, incluso en su muerte, mirar su trasero. Francia no devolvió el cuerpo de Sarah sino hasta 2002, 175 años después, cuando Nelson Mandela pidió personalmente el regreso de los restos de la sudafricana a su tierra, para enterrarla según las costumbres de su gente. Fue enterrada en su pueblo el nueve de agosto de 2002, doscientos años después de su nacimiento.El trasero negro tiene en la actualidad un papel protagónico en la industria del entretenimiento, que espera de la mujer negra un espectáculo erótico, y que se decepciona cuando no lo obtiene. La historia se repite. Las mujeres negras, igual que Sarah, son objetos de consumo. Que sus cuerpos son inherentemente sexuales. Las miradas lascivas a su trasero son justificadas por su mera existencia. Este susurro colectivo no es nuevo, es histórico, y tal vez en memoria de Sarah deberían darnos a las mujeres negras un descanso. No siempre queremos mover nuestro trasero grande para que ustedes lo miren.Anime y afrofuturismo: 3 animaciones japonesas con presencia y música afro
J.R.R Tolkien es, sin duda, uno de los autores más destacados del último siglo. El hobbit y El señor de los anillos, entre muchas de sus obras, acercaron a varias generaciones a escenarios y personajes fantásticos, así como a aventuras épicas. Entre 2001 y 2003 vimos la trilogía de El señor de los anillos que fue un éxito rotundo de taquilla e incluso la última entrega se llevó 11 premios Óscar, incluyendo el de Mejor película. Lo que pocos saben es que antes hubo varios intentos para adaptar El señor de los anillos al cine: uno de ellos involucró a The Beatles y al legendario director Stanley Kubrick. The Beatles crecieron con las obras de Tolkien y se les ocurrió que sería buena idea protagonizar una película basada en El señor de los anillos, y querían que Stanley Kubrick la dirigiera. La película iba a ser un musical y, naturalmente, la banda iba a componer la banda sonora. La historia la narró el director Peter Jackson, quien dirigió la trilogía de 2001-2003, en entrevista con Deadline. Jackson habría hablando con McCartney, quien le confirmó la versión. Paul McCartney iba a ser Frodo y Ringo iba a interpretar a su fiel amigo Sam Gamgee. George iba a ser Gandalf y John Lennon interpretaría a Gollum. El estudio les dio el sello de aprobación y todo parecía marchar bien. El primero en "bajarse del bus" fue Kubrick. Le pareció que la cinta era muy difícil de adaptarse, por lo que rechazó el proyecto. Pero quien se encargó de darle la estocada final fue el propio Tolkien. Tolkien no era precisamente seguidor del grupo y la idea de que su obra se convirtiera en algo como un viaje de LSD no le gustó mucho. El autor era quien tenía la última palabra en todas las adaptaciones de sus obras. Cabe recordar que Tolkien era sumamente detallista con las adaptaciones y rechazó varias de ellas. Habría sido un ejercicio interesante. ¿Creen que hubiera funcionado?
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Sin medir distancias de Juanes.Sin medir distancias - Juanes¿Quién está detrás? Juan Esteban Aristizábal es uno de los hijos más grandes del territorio antioqueño. El solista lleva activo en la música desde los años noventa, era en la que logró fama nacional gracias a su trabajo en la banda Ekhymosis. Con la llegada del nuevo milenio el artista se lanzó como solista y su proyecto se convirtió en uno de los más importantes del pop latino. La camisa negra, Me enamora y Adiós le pido son apenas tres de sus éxitos.¿A qué suena? Sin medir distancias es uno de los temas del álbum Origen, proyecto en el que Juanes hace covers de las canciones que han marcado su historia. El tema es original del fallecido cantante de vallenato Diomedes Díaz, pero en esta versión Juanes le inyecta con mucho éxito su estilo musical.¿De qué trata? La canción compuesta por Gustavo Gutiérrez Cabello habla de desamor, dolor y despecho. Sin medir distancias es esa canción para llorar luego de beber para olvidar un amor fallido.¿Sobre el video qué? El clip es sencillo, pero cumple con la misión que tenía Juanes: homenajear a sus ídolos musicales. Por un lado interpretando el tema más famoso de Diomedes y por el otro haciéndolo vestido como un Beatle. El video fue editado en blanco y negro bajo el formato de un show en vivo para la televisión de los años sesenta.¿Cuándo escucharla? El coro de Sin medir distancia en Colombia es casi tan conocido como el Padre Nuestro, un tema para escuchar en los días de despecho y el corazón roto.En video | Entrevista a Juanes sobre Origen, el disco en el que Juanes muestra sus raíces¡La música nos une!
The Beatles: Get Back, la nueva serie de la banda inglesa, fue dirigida por Peter Jackson (director de la trilogía El señor de los anillos). El cineasta duró tres años restaurando y revisando material inédito de Los Beatles. Aunque se cree que todo está dicho acerca de la banda, The Beatles: Get Back muestra la amistad, la confianza y el poder creativo de icónico cuarteto de Liverpool. El documental recoge más de 60 horas de material inédito rodado en enero de 1969 (por Michael Lindsay-Hogg) y más de 150 horas de grabaciones de audio desconocidas,restauradas de un modo brillante. Peter Jackson es la única persona en 50 años que tuvo acceso a estos archivos cinematográficos privados.Este documental cuenta el momento en que, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr planeaban su primer concierto después de dos años de no estar en los escenarios. También muestra ensayos y composición de 14 canciones que iban a ser parte de esta gira.Un material imperdible para los fans, que podrán ver completo el último show de Los Beatles en la azotea de la calle Savile Row de Londres. The Beatles: Get Back se presentará en tres episodios separados. Cada episodio tiene aproximadamente dos horas de duración. Marque la fecha de una vez en el calendario, serán tres días de beatlemanía, 25, 26 y 27 de noviembre de 2021, por Disney+.“En varios aspectos, el extraordinario material de Michael Lindsay-Hogg capturó múltiples líneas argumentales. La historia como amigos y como personas. Es la historia de flaquezas humanas y una asociación divina. Es un relato minucioso del proceso creativo, con la composición de emblemáticas canciones bajo presión, en medio del clima social de principios de 1969. Pero no es un relato nostálgico: es crudo, honesto y humano. Durante más de seis horas, llegarán a conocer a los Beatles con una intimidad que jamás habrían creído posible” afirmó Peter Jackson.
En diciembre de 1980, John Lennon fue asesinado por Mark David Chapman, quien aún sigue en la cárcel. En 1999, George Harrison por poco se convierte en el segundo Beatle asesinado: un hombre irrumpió en su casa y le propinó varias puñaladas que habrían podido ser mortales.Alrededor de las 3:30 a.m del 30 de diciembre de 1999, un hombre entró a la casa de Harrison rompiendo una ventana con ayuda de una estatua, lo que despertó a Harrison y a su esposa Olivia. El hombre gritaba y tenía un cuchillo en su mano. Harrison intentó desarmarlo, pero fracasó en el intento y recibió varias puñaladas en el pecho. "Recuerdo muy vivamente la deliberada penetración del cuchillo y sentir mi pecho deshincharse y la sangre entrar en mi boca", declaró Harrison. Olivia golpeó al hombre con una lámpara, con lo que logró que soltara el cuchillo. Luego él intentó ahorcarla con el cable de la lámpara, pero ella pudo escapar. Unos minutos después llegó la policía y arrestó al hombre. Los paramédicos cuidaron de Harrison y advirtieron que algunas de las heridas habrían podido ser mortales.Sígannos en Instagram El hombre fue identificado como Michael Abram, un nativo de Liverpool de 33 años y padre de los hijos. No fue un robo común, sino un ataque premeditado contra Harrison. El investigador declaró que Abram creía que The Beatles eran hechiceros que volaban en escobas. Según Abram, fue enviado por Dios para matarlo, pues veía a Harrison como la personificación del diablo. El hombre fue absuelto, y posteriormente internado en un hospital psiquiátrico, en el que se mantuvo hasta 2002. Harrison falleció unos meses antes, el 29 de noviembre de 2001, a causa de un cáncer. “Daría cualquier cosa por no haber hecho lo que hice. Pero al mirar hacia atrás ahora, he llegado a comprender que estaba muy enfermo y no tenía el control de mis acciones. Solo puedo esperar que la familia Harrison de alguna manera encuentre en sus corazones aceptar mis disculpas. Me avergüenzo de lo que hice y lamento profundamente que haya sucedido. Pero no fue mi culpa. Físicamente lo hice, pero no estaba en control de mi propia mente en ese momento“, declaró Abram en su momento.La asociación con Chapman fue inevitable, pues Abram también era fan de The Beatles. La frase de Harrison: "Nos han usado a nosotros como excusa para volverse locos, pero el mundo está loco hace mucho. Y nos quisieron culpar a los Beatles”.
Este 9 de febrero falleció Mary Wilson, uno de los miembros fundadores de The Supremes, una de las agrupaciones femeninas más importantes de la música. El trío fue el grupo más exitoso del sello discográfico Motown Records y lograron doce números uno en las listas norteamericanas. Durante los 60, sus integrantes dominaron los primeros lugares de los listados musicales, con hits como You Can't Hurry Love, Stop! In the name of love y Baby Love, entre muchos más.The Beatles por supuesto era popular en el Reino Unido y el grupo se preparaba para conquistar los Estados Unidos a comienzos de los 60. Por eso se reunió con los artistas norteamericanos Elvis, y The Supremes. El encuentro entre The Beatles y Elvis no salió muy bien que digamos, y al parecer la reunión con The Supremes tampoco, de acuerdo con una entrevista de Wilson en 2014.“Creo que había mucha hierba fumándose. Fuimos a su cuarto de hotel, era oscuro y olía mal. Fuimos con nuestros guantes y nuestros pequeños sombreros y fue muy distinto a lo que esperábamos. Estábamos muy decepcionadas y le pedimos a nuestro manager que por favor nos sacara de ahí”.La primera impresión del cuarteto de Liverpool sobre las 3 mujeres tampoco fue la mejor. “Esperábamos chicas más emotivas y modernas, como The Ronettes. No podíamos creer que 3 mujeres de Detroit podían ser tan aburridas”, dijo George Harrison citado por The Daily News.Aunque su primer encuentro no fue bueno, The Beatles y The Supremes eventualmente se reconciliaron y pasaron tiempo juntos cuando ellas estuvieron de gira por Inglaterra.En la década de los 60, ambas bandas tenían una pequeña competencia de cuál de las 2 acumulaba más canciones en el número uno. Mientras The Supremes tuvieron 12, The Beatles alcanzaron 19. Aunque su primer encuentro no haya sido bueno, sin duda ambas agrupaciones pasaron a la historia de la música.
El británico John Lennon es una leyenda de la música: no solo por su carrera musical con The Beatles, sino también porque su proyecto como artista solista mostró una versión diferente de él mucho más honesta, activista y esperanzadora.Lennon murió en 1980 a los 40 años luego de recibir un disparo por parte de Mark David Chapman, un hombre al que horas antes le había autografiado el disco Double Fantasy. Su muerte conmocionó al mundo y es uno de los momentos más tristes de la cultura pop en el siglo XX.IMAGINEEn 1971, luego del furor de The Beatles, Lennon lanzó como sencillo el tema Imagine. La canción compuesta por él, su esposa Yoko Ono y producida por Phil Spector es un himno de paz y esperanza en el que se invita a soñar con un futuro donde no haya barreras ni nacionalidades. El tema fue #3 en Estados Unidos el año de su lanzamiento y logró ser #1 en el Reino Unido en 1975 y 1980.Su impacto sigue vigente, principalmente cuando ocurren hechos de violencia donde mueren personas inocentes. Imagine también ha recibido importantes reconocimientos por parte de la industria musical: como un Grammy, mención en el libro de los Record Guinnes, entre otros.Varios cantantes han versionado la canción; algunos en vivo y otros con covers de estudio. Repasemos las estrellas musicales que han adaptado Imagine a sus voces.Madonna (2005)Motivo: Recoger fondos para ayudar a los damnificados del tsunami en Tailandia.Elton John en Central Park, Nueva York (1980)Motivo: Celebrar la memoria del recién fallecido John Lennon.Lady Gaga en Bakú (2015)Motivo: Inauguración de los European Games de Azerbaijan.David Bowie en Hong Kong (1983)Motivo: Concierto en el Coliseo de la ciudad; segmento en homenaje a la memoria de Lennon.Shakira en Nueva York (2015)Motivo: Canto en homenaje a la memoria de dos niños refugiados que murieron por la guerra en Siria.Queen en Frankfurt (1980)Motivo: Segmento del concierto en homenaje al ex Beatle.Stevie Wonder en Atlanta (1996)Motivo: Acto de apertura de los Juegos Olímpicos.VERSIONES EN ESTUDIODiana Ross (1973)Track incluido en el álbum Touch Me In The Morning.Avril Lavigne (2007)Cover incluido en el álbum Instant Karma: The Amnesty International Campaign to Save Darfur.Jesse & Joy (2012)Versión incluida en el disco ¿Con quién se queda el perro?Para ver | El día que Elvis Presley grabó una canción de Armando Manzanero¡La Música Nos Une!
El cineasta Peter Jackson, conocido por las trilogías de El señor de los anillos, El hobbit, entre otras, lanzó un adelanto exclusivo de su próximo documental The Beatles: Get Back. “Queríamos darles a los fans de Los Beatles de todo el mundo un regalo navideño, así que preparamos este adelanto de cinco minutos de nuestra próxima película cinematográfica The Beatles: Get Back. Esperamos que traiga una alegría muy necesaria en este momento difícil”. La fecha tentativa de estreno en cines del mundo es el 26 de agosto de 2021. The Beatles: Get Back es una experiencia cinematográfica que introduce a los espectadores en la intimidad de las sesiones de grabación de Los Beatles durante un momento central en la historia de la música, mientras se muestra el afecto, la camaradería y el genio creativo que definió el legado del icónico grupo. Rodado en 1969, The Beatles: Get Back está compilado a partir de más de 60 horas de material inédito (grabadas por Michael Lindsay-Hogg) y más de 150 horas de grabaciones de audio mayormente desconocidas, que han sido restauradas. El documental muestra la historia de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr mientras planean su primer show en vivo después de dos años y trazan la escritura y el ensayo de 14 nuevas canciones, originalmente pensadas para su lanzamiento en un álbum en vivo. La película presenta, por primera vez en su totalidad, la última presentación en vivo de Los Beatles como grupo, el inolvidable concierto en la azotea de la calle Savile Row de Londres, así como otras canciones y composiciones clásicas que aparecen en los dos últimos álbumes de la banda, Abbey Road y Let It Be.The Beatles es considerada una de las bandas más importantes en la historia una la que más álbumes ha vendido. George Harrison, John Lennon, Paul McCartney y Ringo Starr crearon uno de los fenómenos más importantes de la cultura pop.
La Junta de Gobernadores de la Academia aprobó nuevas reglas para la 97ª ceremonia de los Premios Oscar que se celebrará el 2 de marzo de 2025. Banda sonora originalHubo cambiosen la categoría de banda sonora original. Ahora, hasta tres compositores pueden recibir estatuillas individuales del Oscar si todos contribuyen significativamente a la música de una película. Esto marca un cambio con respecto a las reglas anteriores que exigían que los compositores se presentaran como un grupo, como la banda Son Lux para la nominación a mejor película ganadora por Everything Everywhere All at Once. Jon Batiste, Trent Reznor y Atticus Ross, ganadores por la película animada “Soul” (2020), también recibieron una única estatuilla, según recuerda Variety. Los autocines no serán sede calificadaLa Academia ya no reconocerá los autocines como sede calificada para la elegibilidad para los Oscar, una medida adoptada temporalmente en 2020 cuando se cerraron las salas de cine bajo techo. Solo se considerarán para mejor película aquellas películas que cumplan con los requisitos de exhibición ampliados que se anunciaron en 2023. Estos incluyen una exhibición de clasificación de una semana en uno de los seis mercados de EE. UU. seguida de una exhibición de siete días, ya sea consecutiva o no consecutiva, en 10 de los 50 principales mercados de EE. UU. dentro de los 45 días posteriores al estreno inicial.La cuota de inclusiónPara ser consideradas para el premio mayor de los Oscar, las películas deben presentar el formulario de Inscripción a los Estándares de Inclusión y Representación de la Academia (RAISE), cumpliendo al menos dos de los cuatro estándares. Guion En las categorías de guión, la presentación del guión final del rodaje ahora es obligatoria para su consideración como original o adaptado.Mejor película animadaLas películas animadas se pueden presentar simultáneamente a Mejor Película Internacional y Mejor Película Animada. Esto simplificará el método de calificación para este último y ayudará específicamente a las películas animadas internacionales que tal vez no tengan acceso a la distribución en Estados Unidos.Premios del gobernadorTambién se han realizado cambios en los Premios del Gobernador. El Premio en Memoria de Irving G. Thalberg, que reconoce el trabajo consistentemente de alta calidad de un productor creativo, ahora se entregará como una estatuilla del Oscar en lugar del tradicional busto de Thalberg. 2 premios cambian su nombrePor último, se cambió el nombre de dos premios de los Premios Científicos y Técnicos: el Premio Gordon E. Sawyer ahora es el “Premio a la Trayectoria Científica y Técnica” y el Premio John A. Bonner pasó a llamarse “Premio al Servicio Científico y Técnico”.
La serie Shogun, que en Latinoamérica está disponible en Disney +, ha sido un éxito rotundo. La saga épica de guerra, pasión y poder ambientada en el Japón feudal es una adaptación original de la novela best seller de James Clavell. Shogun obtuvo 9 millones de visualizaciones a nivel mundial en su episodio de estreno, lo que la convirtió en el estreno de la serie guionada de entretenimiento general número uno en el mundo. También debutó con un impresionante 100% en Rotten Tomatoes, el portal de calificación de películas. Si bien la serie está basada en un libro, también mezcla elementos de la realidad y la historia de Japón. Repasamos qué es real y qué es ficción. Shogun: ¿Qué es realidad y qué es ficción? La trama central real de Shogun es puramente ficticia. Sin embargo, Clavell se inspiró en gran medida en personajes y acontecimientos reales de la historia japonesa, de acuerdo con Movieweb. Aunque Toranaga es un personaje ficticio, se inspira en gran medida en la figura histórica de Tokugawa Ieyasu, un ex shogun de Japón. Shogun es un jefe supremo militar que ejerce el poder absoluto en nombre del emperador.Durante el período comprendido entre 1467 y 1615, Japón estuvo envuelto en guerras casi constantes. Fue Tokugawa Ieyasu quien encabezó los esfuerzos para unificar Japón y finalmente ascendió a la posición de Shogun en 1603. La asunción del poder de Ieyasu marcó el comienzo del Shogunato Tokugawa, que duró de 1603 a 1868. Los rasgos y antecedentes de Toranaga son muy paralelos a los de Ieyasu. ¿John Blackthorne fue real?William Adams, la contraparte histórica de John Blackthorne, llegó inesperadamente a las costas japonesas junto con un barco lleno de armas de fuego.Adams fue el primer inglés en poner un pie en Japón, y el esquema básico de la historia de su vida refleja fielmente el del personaje ficticio Blackthorne. Se desempeñó como piloto de un barco holandés que transportaba a los pocos supervivientes de un viaje comercial que salió mal, tanto en sentido figurado como geográfico. Al igual que Blackthorne, Adams dominaba el portugués, lo que le permitía conversar con Tokugawa a través de los intérpretes jesuitas que se habían esforzado por difundir el cristianismo entre la población japonesa desde mediados del siglo XVI, de acuerdo con Indiewire. ¿Toda Mariko fue un personaje real?En el episodio 5 de Shōgun, hay un vistazo al pasado de Mariko, que se inspira en la figura real de Hosokawa Gracia.Al igual que la representación en la novela Shōgun de James Clavell de 1975, la Mariko representada en la pantalla está basada en Hosokawa Gracia, una aristócrata japonesa que abrazó el cristianismo.Nacida como Akechi Tama en 1563, era hija de Akechi Mitsuhide, un destacado señor de la guerra y fiel seguidor de Oda Nobunaga (uno de los unificadores clave de Japón durante el período Sengoku, anterior a Toyotomi Hideyoshi, conocido como el Taikō en la serie). Posteriormente, Mariko se casó con Hosokawa Tadaoki, otro señor de la guerra y aliado de Nobunaga, en 1578, y juntos tuvieron cinco hijos.A diferencia de lo que muestra la serie, es difícil que Gracia haya conocido a Adams. De hecho, el improbable romance de Mariko y Blackthorne fue criticado por algunos historiadores cuando Shōgun salió a la luz por primera vez, según reporta Elle. ¿Por qué los portugueses quieren muerto a Blackthorne?Un conflicto central en Shōgun son las diferencias religiosas. No es sólo una cuestión de europeos católicos versus protestantes; También hay conflictos internos entre los cinco regentes, dos de los cuales han abrazado el catolicismo, alineando sus intereses con los portugueses.Este cisma religioso refleja tensiones históricas entre William Adams y Tokugawa Ieyasu. Con la llegada anual del Barco Negro a Japón llegaron los misioneros jesuitas junto con productos comerciales como sedas y armas de fuego."Para los portugueses, el comercio y la expansión del cristianismo estaban entrelazados", explica Frederick Cryns, consultor histórico de la serie, citado por History Extra. "Los daimyos en Kyushu [donde atracó el barco] estaban abiertos a convertirse al cristianismo y que sus seguidores hicieran lo mismo si eso significaba obtener ventajas en el comercio"."En el lado opuesto, figuras como Ieyasu, que una vez escribió al virrey de México afirmando la adhesión de Japón a las deidades sintoístas y budistas, rechazaron firmemente el cristianismo en su dominio".En la historia real, el difunto taiko Toyotomi Hideyoshi compartió este sentimiento, viendo el cristianismo con sospecha debido a la influencia de los jesuitas sobre los señores de la guerra locales. Si bien prohibió oficialmente el cristianismo, su aplicación fue laxa por temor a repercusiones en el comercio portugués.
Jennifer Garner, Mark Ruffalo y Judy Greer, miembros del elenco de Si tuviera 30 (13 going on 30), hicieron una pequeña reunión para celebrar que la icónica comedia romántica cumplió 20 años. La película sigue a la adolescente Jenna Rink (Jennfier Garner). En la noche de su fiesta de cumpleaños número 13, el deseo de Rink de tener "30 años, ser coqueta y próspera" se hizo realidad cuando su personaje se transformó en una mujer de 30 años, aunque su mente sigue siendo la de una niña de 13. "¡Hola! ¡Gracias por ver nuestra película y amarla!” dijo Judy Greer, la actriz, que interpretó a Lucy Wyman en la película de 2004. "#13 llendo a 30. Veinte años. Somos tres Boomers desafiando Zoom, porque queremos agradecerles. 👴👵👵 A todas las personas que han amado esta película junto con nosotros: gracias. Te vemos, te apreciamos y te amamos. ¡Por siempre treinta, coqueta y próspera! 💕”, se subtituló la publicación Los actores también reflexionaron sobre la vida en 2024 y cómo ha cambiado todo desde el estreno de la película. “Hace veinte años, teníamos pocos teléfonos celulares”, dijo Garner. Greer señaló específicamente que en ese momento se trataba de "teléfonos plegables".Ruffalo reflexionó sobre algunos de sus papeles más importantes y dijo que interpretar a Matt Flamhaff en 13 Going on 30 siempre se lleva la palma.“Hay dos tipos de personas en este mundo. Hay gente de Hulk, y hay gente de Si tuviera 30, y yo recibo cantidades iguales”, dijo Ruffalo, quien ha aparecido como Hulk en algunas películas de superhéroes. El elenco no podría celebrar 13 Going on 30 sin la nostalgia adicional de hacer juntos el baile de Thriller, la canción no oficial de la película. Si tuviera 30: historia de la exitosa comedia románticaEstrenada originalmente en 2004, la película fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 37 millones de dólares, recuadó más de 96 millones en y se convirtió en clásico de culto. "13 Going on 30 es una rara comedia comercial que te deja fascinado por lo que sólo puede suceder en las películas", dijo en su momento una crítica de la película. El 28 de septiembre de 2023, se anunció una adaptación teatral de la película en el Reino Unido. El espectáculo incluirá varias presentaciones en talleres públicos en el Battersea Arts Centre de Londres, antes de la inauguración de la producción completa, estimada para 2025.
Desde el estreno de su primer tráiler en el Super Bowl 2024 sabíamos que veríamos a Deadpool & Wolverine en pantalla. El tráiler oficial, ya disponible, nos ofrece un vistazo a lo que podemos esperar de esta épica aventura protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh JackmanEs la la tercera de la trilogía de Wade Wilson/Deadpool, la única película del Universo Marvel basada en un cómic que saldrá este año y el primer reconocimiento explícito de la unión entre los universos Fox y Disney Marvel.A pesar de su papel principal, Wolverine se mantuvo en gran parte oculto en los primeros avances de la película. Sin embargo, el tráiler oficial nos sumerge en la historia del personaje, comenzando con una escena en la que lo vemos bebiendo solo en un bar de su universo. Así es, tendremos una película de multiverso.¿Qué más podemos esperar de 'Deadpool & Wolverine'?Si bien la trama sigue siendo un misterio, el tráiler deja entrever una dinámica cómica entre Deadpool y Wolverine, dos personajes con personalidades diametralmente opuestas pero unidos por un objetivo común. Las bromas sarcásticas de Deadpool y la seriedad feroz de Wolverine prometen una mezcla de acción y humor que cautivará a los fanáticos de Marvel. Deadpool & Wolverine marca el (muy esperado) regreso de Hugh Jackman al papel de Wolverine, junto a Ryan Reynolds.La acción se traslada al Vacío, el mismo lugar desolado que vimos en "Loki". Esta locación parece ser un punto central en la trama, ya que aquí es donde los dos protagonistas se enfrentan. En medio del Vacío, los mutantes han establecido su base de operaciones utilizando el cadáver de Gigant Man, la versión gigante de Ant-Man. Esta guarida improvisada sirve como hogar para una variedad de personajes conocidos, incluyendo a Lady Deathstrike, Azrael, Pyros, Callisto y Toad. Se especula que este podría ser el cuartel general de Cassandra Nova, hermana gemela malvada de Xavier y sus secuaces.Además, este tráiler confirma que Nova será la villana, (o una de ellas) de la película. Así mismo, revela el motivo principal de la película: Deadpool necesita la ayuda de Wolverine para salvar su universo, cosa que el mutante no pudo lograr en su propio universo.Sorpresas en 'Deadpool & Wolverine'Se rumora que saldrán personajes como: Dogpool (versión perruna de Deadpool en otro universo), Doctor Strange, los villanos de X- Men, un guiño a Iron Man y, por supuesto, referencias a Loki.La película llegará a los cines de Colombia el 26 de julio.
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.