Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Cinco a Cero de TIMØ. Cinco a Cero - TIMØ¿Quién está detrás? Alejandro Ochoa, Andrés Vásquez y Felipe Galat se conocieron en los salones de la Universidad Javeriana mientras estudiaban la carrera de música. Luego de unas clases empezaron a hacer canciones que compartían por WhatsApp y empezaron a viralizarse por el voz a voz en varios sectores de Bogotá. Se pusieron las pilas, le invirtieron al proyecto, grabaron videos, estrenaron sencillos y se volvieron un fenómeno. Universal Music se dio cuenta de su talento, los firmó y Cinco a Cero es el primer tema que conocemos de esta nueva era para el trío de pop.Para leer | ‘Algo diferente’, el EP de TIMØ para cerrar un año de trabajo maratónico¿A qué suena? TIMØ empezó como un proyecto que homenajeaba el tropipop, pero ha evolucionado en su sonido y encontrado nuevos elementos musicales que son la fusión de muchos géneros. Esta canción dista mucho de sus hits fiesteros Se escaló, Juernes o Bebamos, pero en la evolución está la clave del éxito.El toque reggaetonero de este tema, que los pone a sonar mucho más internacional y menos local, es producto del trabajo de TIMØ con los productores Andrés Torres y Mauricio Rengifo quienes han estado detrás del éxito de canciones como Despacito, Ruanway o A dónde vamos, entre otras.¿De qué trata? Cinco a Cero es un término futbolero que representa una goleada poderosa. En el tema se habla de las ganas que tiene una persona de lograr una relación en serio con alguien sabiendo que tiene muchas oportunidades de triunfar, a pesar de que el objetivo “está con otro man”.¿Sobre el video qué? Sobre el clip la banda cuenta que “para nosotros era importante mostrar la esencia musical de esta banda, siempre nos imaginamos el video con nuestros instrumentos para que la gente sepa lo que puede vivir en uno de nuestros conciertos”. Fue dirigido por JASZ, quien ha trabajado en videos musicales de Dylan Fuentes y Mau & Ricky.¿Cuándo escucharla? La canción tiene vibras ideales para una tardeada de sábado. Hay que estar atento a los próximos lanzamientos para entender (y disfrutar) de esta nueva era musical de TIMØ.En video | Morat se le mide a nuestro reto ‘¿Quién es quién?’¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les presentamos Aunque sea mentira de Wamba.AUNQUE SEA MENTIRA - WAMBA¿Quién está detrás? Wamba es insignia del tropipop. Aparecieron por primera vez en la Revista Shock de 2006, su música empezó a sonar con fuerza en la radio nacional y luego llenaron todos los venues del país. Compadre, Por ti, Canción del mes y Compadre son sus canciones insignias e himnos del género que marcó a una generación. La composición de este nuevo sencillo es de Aníbal de Los Reyes, Efraín Ardila y José Baquero.¿De qué trata? El baterista del quinteto, José Baquero, cuenta que este tema “habla de una tusa, del dolor que causa ser reemplazado y de cómo uno, como método de supervivencia, trata de borrarlo todo”. La canción mantiene la esencia de ese Wamba de principios de 2010 y el ADN de esta canción recuerda mucho a temas como Condenado.¿A qué suena? La canción tiene el sello único e inconfundible de la voz de Salo, sobre una base de pop rock fusionada con elementos tropicales como la percusión de Migue, que siempre ha estado vigente en las canciones de Wamba. El coro tiene todos los elementos para ser un himno de bares y de amigos.¿Sobre el video qué? Es una producción de Zapata Fonnegra, la productora audiovisual del bajista de Wamba. Al inicio del clip se lee que el clip es dedicado a Migue que tuvo un accidente cuando iba de camino al rodaje. En él se ve a la banda tocando con pasión sus instrumentos de la misma forma que lo hace cuando están en tarima conectando con el público. Sobre el accidente de Migue, Jose cuenta que él ya se encuentra bien y que está en proceso de recuperación, “fue un momento muy duro para nosotros porque hace mucho no estábamos todos juntos y además con una canción que nos tiene muy emocionados”, agrega Baquero.¿Cuándo escucharla? Esperamos que pronto podamos ver la versión en vivo, pero por ahora la idea es quemar la canción. Adueñarse de ella, de su historia y de la interpretación que Wamba nos regala.Para ver | Jorge Oñate: El vallenato tradicional contra las fusiones¡La música nos une!
Para muchos 2020 ha sido un año en el que los planes que tenían se fueron al carajo, pero para otros ha sido una época llena de trabajo donde se consolidaron muchos sueños. Ese es el caso de Alejandro, Andrés y Felipe, los integrantes de TIMØ quienes han tenido unos meses bastante intensos, pero que los han dejado con una satisfacción gigante. Para empezar a cerrar el año la banda lanza Algo Diferente, su primer EP y el resultado de lo que ellos llamaron ‘Maratón de canciones’, un proyecto de tres meses en los que cada quince días estrenaron canciones con videoclips, retos de TikTok y estrategias para llegarle a más gente. Por: SebasNews - @SebasNews Si aún no saben qué es TIMØ los invitamos a ver el perfil que les hicimos a inicio de 2020 cuando fueron anunciados como una de las Apuestas Shock del año. En ese momento los mostramos como un trío de amigos que representaban la nueva escuela del Tropipop, pero a lo largo de estos meses nos han demostrado que son mucho más que eso. Antes de que llegara el coronavirus a Colombia estrenaron el sencillo Adiós, Adiós, después se encerraron en un apartamento no habitado del Norte de Bogotá para aprovechar el aislamiento, no contagiarse de COVID-19 y crear mucha música. Fue así como lanzaron Me Gustas, una creación musical de cuarentena. Luego de que cada uno se fue para su casa, empezaron a reunirse a distancia y a cranear en equipo las acciones para hacer crecer el proyecto. Fue así como pusieron sobre la mesa la idea de hacer una maratón de TIMO en la que estrenarían cada 15 días las canciones que forman su primer EP. El anuncio de este primer proyecto discográfico fue por todo lo alto con un concierto sin público en el imponente Movistar Arena. Fueron el primer acto musical en ofrecer un show virtual desde ese Coliseo, considerado el mejor escenario para conciertos en Bogotá. Para TIMØ fue “una experiencia maravillosa, una locura inimaginable” y sueñan con que pronto puedan repetir esa presentación, pero con púbico. Este EP viene con la mano de dos jugadores conocidos en la industria de la música en español: los productores Nabález y Mango (Juanes, Aitana, Morat). “Para nosotros fue increíble poder trabajar y aprender de ellos, juntarsnos con ambos es gratificante y tenerlos en este EP aportó bastante a nivel artístico”, añade Felipe. ALGO DIFERENTE El EP debut de la agrupación muestra dos personalidades de TIMØ: la fiestera y la sentimental. La primera contiene temas para hacerlos himnos de rumba, temas para saltar eufórico y cantar a todo pulmón. La segunda es un poco más personal, romántica e intima para dedicar e ilusionar. TRACK BY TRACK - PASE LO QUE PASE Un himno a la amistad que habla sobre el paso del tiempo y la importancia de brindar por la vida de esas personas que nos acompañan a crear historias. Es el primer video de la maratón y muestra el inicio de un viaje por carretera donde el protagonista es un carro que fue intervenido ‘artísticamente’ por la banda. - DESPIERTO Tres enfermos de amor que no pueden dormir por estar pensando en alguien. La canción perfecta para dedicar en esa etapa de coqueteo de la relación. Una balada para no cortarse las venas, sino para soñar con los ojos abiertos e ilusionarse. - BAILA SOLA Tercera para del viaje y donde aparece un cuarto personaje: una chica que le baila a la luna. Una pieza que recuerda mucho clásicos de tropipop como La Mona de Bonka, Compadre de Wamba o Usted me encanta de Majua. - DEJA VU Una de las pistas más destacadas del EP y que tiene pinta para sonar en series juveniles. Una canción de amor que muestra la faceta más romántica del trío. - SE ESCALÓ Vuelve el homenaje a la fiesta. Una pista para esas fiestas que terminan siendo algo ‘cero tranqui’. Un clip divertido que muestra cuatro manes divirtiéndose y gozándose la juventud. - ALGO DIFERENTE Con este track termina una etapa de arduo trabajo. Esta canción refleja el avance de TIMO y la consolidación del proyecto en la escena musical colombiana. El concepto de la canción habla de salir de la rutina, experimentar y ser diferentes. Para ver | Las mejores excusas para decirle ‘adiós, adiós’ a alguien, por TIMØ #LaMúsicaNosUne
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También puede echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2019 en este especial. No estoy listo - Wamba ¿Quién está detrás? Wamba es insignia del tropipop. Aparecieron en Revista Shock, su música empezó a sonar en radio y luego llenaron todos los venues del país. Compadre, Por ti, Canción del mes y Compadre son parte de las canciones que los identifican. La composición de No Estoy Listo es de Jose Baquero y Efraín Ardila, bajo la producción de Sergio Orejuela y María Elisa Ayerbe. ¿De qué trata? Para Jose Baquero, baterista de la banda, esta “es una canción que invita a valorar a los que amamos en vida, a honrar el recuerdo de quienes se fueron y a entender que nuestro tiempo tiene una fecha y una hora; es una canción que nos invita a pedir perdón si hemos fallado, a no dejar un te quiero guardado y de valorar cada minuto que tengamos con los que amamos”. ¿A qué suena? Es una balada de pop-rock poderosa donde la interpretación nostálgica es protagonista absoluta. Viene acompañada de unos coros que logran erizar la piel y seguramente a algunos los llevará hasta las lágrimas. ¿Sobre el video qué? Es un clip bellísimo en el que la banda desnuda su alma y donde se proyectan imágenes de sus familias y amigos. “La canción fue concebida de manera tan real y sin ninguna pretensión, que creemos que el video tenía que honrar eso. Es un video donde cada uno reacciona a la canción en frente de la cámara mientras se proyectan imágenes de nuestra vida”, añade Jose. El video fue dirigido por Camilo Zapata, integrante de Wamba ¿Cuándo escucharla? Es una canción que tiene como bandera el amor por aquellos que conforman nuestra vida. Sabemos que la pandemia se ha llevado muchas vidas y seguramente esta canción servirá para refugiar la tristeza y recordar con amor a aquellos que ya no están. Para ver | Un canto x Colombia vuelve a unirse contra las masacres #LaMúsicaNosUne
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2019 en este especial. Pedacito E' Mar - Marenka ¿Quién está detrás? Marenka es la unión de las palabras “mar, arena y vodka”, pero también es el proyecto musical de cinco estudiantes universitarios de Bogotá. Oficialmente debutaron en 2019 con canciones originales y, de la mano de agrupaciones como TIMO, están escribiendo una nueva página en la historia del tropipop rolo. Lea también: El tropipop y la importancia del fenómeno musical colombiano de la decada del 2000 ¿De qué trata? La composición de Juan Cadena, Daniel Villegas y Sergio González habla de esos momentos de soltería, despecho e introspección en los que uno quisiera estar acompañado por un amor, ya sea fugaz o eterno para sacarse de la mente a un amor que terminó. ¿Sobre el video qué? La idea de Mateo Caldas, Daniel Villegas, Santiago Palma, Pedro Vásquez y Sebastián Caldas era grabar este video en un pedazo de mar de las playas de Barú, Cartagena, pero la pandemia frustró los planes de rodaje, pero en medio de una reunión decidieron que iban a llevar esos deseos de costa caribe a sus casas en Bogotá. El divertido muestra a los integrantes en sus casas celebrando planes cancelados. ¿Cuándo escucharla? Ojalá pueda escucharla en medio de una pool party o en una fiesta de playa, pero si no la logra lleve todas esas ganas de bailar y cantar a la sala de su hogar. Recomendado: Las mejores excusas para decirle ‘adiós, adiós’ a alguien, por TIMØ #LaMúsicaNosUne
En la década del 2000 hubo un boom de agrupaciones colombianas que fusionaban el pop y el rock con ritmos caribeños. Todo ese movimiento dio paso a la creación de un género musical netamente colombiano que marcó a una generación de amantes de la música que empezaban a enamorarse más del producto nacional y dejando a los proyectos internacionales en segundo plano de importancia. Una de las bandas que lideró el boom del tropipop en Bogotá fue Wamba, un proyecto que nació cuando sus integrantes eran estudiantes de colegio y que los llevó a recorrer gran parte del territorio nacional con su música y proyectos sociales. Para celebrar el decimoquinto aniversario de su creación, la banda decidió hacer público un documental en el que recopilan los momentos más importantes de su historia musical. Este proyecto audiovisual tiene una duración de 26 minutos y en esa casi media hora los integrantes de Wamba cuentan lo que significa la banda para ellos y cómo ha evolucionado el proyecto. En este documental Wamba recuerda cuando fueron ganadores del Premio Shock a Mejor Agrupación de Pop en 2010, un galardón que los ingresó a los libros de la historia musical colombiana. En el video también se resalta la labor social que la banda ha tenido con proyectos infantiles y sociales. Luego de separarse en 2015, la banda anunció un regreso en el marco de la campaña Tropipop Is Back. Desde ese momento han lanzado sencillos por el simple gusto de hacer música sin la presión de ser #1 en la radio o en plataformas digitales. En medio del aislamiento obligatorio para evitar el contagio del coronavirus, Wamba lanzó la versión en casa de Canción del Mes, uno de los temas favoritos de los integrantes de la banda. #LaMúsicaNosUne
En octubre de 2018, apelando a la nostalgia y recordando temas que marcaron la infancia de una generación, hicimos un listado de canciones que deben sonar sí o sí en una rumba casera de fin de semana. El artículo, que incluía varios de los títulos de tropipop que más sonaron en su momento, circuló durante un buen tiempo en Internet a punta de recompartidos y agitó varias fibras emocionales en los usuarios: unos comentaron con demasiada pasión recordando el género y otros le hicieron fuertes críticas. Sin duda, el tropipop fue y sigue siendo un asunto de amores y odios. Meses después, en radio, prensa, redes sociales y hasta en las vallas publicitarias que se alzan sobre las maltrechas calles de Bogotá, vimos el nacimiento de la campaña Tropipop Is Back, apoyada por artistas del género y financiada por Sony Music Colombia y Carlos Vives. Todos tenían el propósito de revivir un género que, aparentemente, estaba en el olvido. ¿Finalmente podemos decir que regresó el tropipop? Foto: Javier Quintana Hablamos con gente involucrada en el mundo del tropipop para tratar de responder si, a fin de cuentas, la campaña tuvo éxito temprano y el tropipop volvió en 2019, o si su impacto se vislumbra para el 2020. Para entrar en contexto: ¿Por qué murió (y ahora resucita) el tropipop? Para Alejandro Jiménez, presidente de Sony Music Colombia, el balance que puede hacer del “regreso del tropipop” es positivo. Según cuenta, se volvió a abrir una conversación en el país sobre la música nacional más allá del reggaetón, que ha sido el rey desde el 2010: “Muchos artistas que habían estado quietos vieron en la campaña una plataforma para mostrar de nuevo su música. La audiencia de Alejandro Gonzalez, artista de la disquera, se triplicó; logró lanzar nuevas canciones y tener colaboraciones importantes para su carrera como Hasta Viejitos con Carlos Vives”. Jiménez cree también que el regreso del tropipop ayudó a que Carlos Vives decidiera relanzar su sello discográfico GML, Gaira Música Local, que tiene como misión firmar artistas nacionales que representen lo que el artista samario considera “el nuevo sonido de Colombia”. Tras su relanzamiento, GML, que cuenta con el apoyo de Sony Music y The Orchard, firmó en 2019 tres nuevos artistas: la banda de Rock Distrito Especial, el dúo Pacific Brother y al cartagenero Esteban Nieto, este último es una fusión entre el pop urbano y el tropipop. En su canción Me Muero Por Tenerte está presente el acordeón, la caja vallenata, la guacharaca, también hay una fuerte presencia del estilo de Carlos Vives, quien fue compositor y productor de la canción. El plan de GML es firmar más proyectos de este estilo en los próximos meses y promocionarlos en todo el territorio nacional por medio de la radio y las plataformas digitales, agrega Alejandro. Pero más allá de los planes de los sellos discográficos, los artistas que hicieron parte del primer boom del tropipop lanzaron música nueva sin pretensiones radiales, para mostrarle al público que los conocen que siguen haciendo música y, de paso, para engordar su catálogo en streaming: Salo abrió una nueva etapa con Wamba y lanzó las canciones Fue por tu amor y Segunda Parte; Mauricio y Palodeagua estrenó un par de sencillos; Tejeiro (exintegrante de Majua) mostró su proyecto en solitario y dio a conocer los temas Si la vieran y Volver a Enamorarte y Gusi, que ha sido de los pocos constantes con la nueva música, estrenó varias pistas que serán incluidas en su próximo álbum de estudio, que verá la luz en el 2020. Samper, Sebastian Yepes, Salo, Mauricio Palodeagua, Gusi y Tejeiero, quienes frenteaban la campaña Tropipop Is Back, se montaron en tarimas multitudinarias como la del Festival de la Leyenda Vallenata en Valledupar y acompañaron a Carlos Vives en los 5 conciertos consecutivos que este ofreció en el Movistar Arena en Bogotá. ¿Qué tiene de bueno o malo tanto tropipop en el Festival Vallenato? En paralelo a ese movimiento, que venía acompañado de una fuerte campaña publicitaria, nombres como Jerau, José Matera de Los de Adentro, Donny Caballero, Quarto Aparte y Tinto, de la mano de la empresa Villalón Entretenimiento, formaron Caribbean Tropipop. Un colectivo integrado por artistas que aparecieron en el marco del auge del género, pero que no tienen sus raíces musicales en Bogotá. Juan Arbeláez, mánager del proyecto en representación de Villalón, afirma que “el tropipop nunca se fue porque los artistas siguieron con sus carreras y su vida musical. Perdió relevancia, porque el reggaetón llegó a opacar todo en la música, pero el género no es una moda, es una expresión de lo que vivimos y sentimos. En este año, 2019, se reafirmó la importancia de esa fusión y ahora cobra vigencia por una cantidad de esfuerzos de varios artistas, aprendiendo que las colaboraciones y el trabajo en equipo puede dar muchos frutos”. Christian Pachón, label manager de la empresa de la distribución digital Believe, cree que el tropipop clásico fue rentable porque sus artistas ofrecieron por cuenta propia muchos conciertos en diferentes ciudades del país y en algunos casos lograron boletería agotada, pero analiza que la música nueva de los artistas no ha tenido un impacto importante entre los consumidores de canciones: “el tropipop tiene muy difícil volver como una tendencia musical porque no están ofreciendo algo fresco, sino que se queda enfrascado en lo que hicieron hace más de diez años”. Precisamente, Believe, es la agregadora que gestiona la música en streaming de TIMØ, una nueva banda de tres estudiantes de música de la Universidad Javeriana que se perfila como la nueva sangre del tropipop y que, en el primer año de su historia musical, ha logrado captar la atención de un público importante, principalmente bogotano. La agrupación es conformada por dos rolos y un cartagenero; todos cantan y todos tocan instrumentos. Además, componen sobre los temas que siempre identificaron al género: la parranda, el despecho con aguardiente y los amores juveniles. “Hace mucho no aparecía en el mapa musical una banda emergente con ese tipo de sonidos y, en cierto modo, estamos refrescando un poco lo que es el tropipop con las canciones que hacemos y con las que vamos a mostrar en el futuro”, agrega Andrés Vásquez, bajista de TIMØ. Este trio ha logrado reconocimiento por la fusión de tropipop con elementos urbanos; es una especie de agrupación masculina similar a Morat, que mezcla pop, rock, vallenato y algo de reggaetón, y que además tiene como gran aliado las redes sociales y la conexión directa con sus seguidores virtuales. A la defensa del tropipop Hay varias cosas que son innegables. El tropipop hizo ruido en 2019 porque tuvo un respaldo gigante de una disquera y de Carlos Vives, que trabajaron de la mano con los artistas que se habían apagado durante un tiempo. En la era del streaming, los intérpretes del género seguirán beneficiándose, sobre todo, de la nostalgia y sus esfuerzos, por ahora, tocaron al público que cultivaron hace casi 15 años; conseguir nuevas audiencias con un sonido que ya tuvo su momento, que consume en masa otro tipo de música y a una velocidad diferente, es otro cuento. El tropipop, de alguna u otra forma, siempre estuvo presente. Pero los nuevos artistas (como TIMØ en Juernes o Nabález en El Viajero) están explorando con nuevos sonidos que lo alejan del ritmo clásico del paru-paparu-paru y lo acercan más a la fiesta moderna, con beats cercanos al reggaetón; algo que podría definirse como tropipop urbano, que viene siendo el híbrido del híbrido y que, a fin de cuentas, ante la emergencia de nuevas formas en el pop, todavía busca campo en una nueva categoría menos amplia y difusa que la de la “fusión de lo tropical con el pop”. Muchos individuos de la industria musical colombiana han hecho un esfuerzo grande para que la gente se reapropie del tropipop y, al parecer, en términos económicos, los resultados son positivos. Pero es casi seguro que el éxito del género no va a volver a repetirse; o por lo menos no con la misma lógica que hace 12 años. No se tratará de una gran camada, sino de ciertos proyectos. Los tropipoperos nostálgicos lo entienden, reconocen que ya no son un fenómeno masivo y que su música ahora va dirigida a un público más específico. Todos los nombres mencionados hasta acá fueron parte de la industria musical por un largo tiempo, han visto cómo esta ha evolucionado y, ahora, casi todos mayores de 30 años, con una mirada más industrial de la música, reconocen que no hay que ser un fenómeno gigantesco para poder encontrar en su trabajo artístico rentabilidad y sostenimiento. Para muchos de ellos la misión del tropipop ahora es poder lanzar sencillos y ofrecer recitales sin la pretensión de ser #1 en los listados, sonar en radio cada media hora o tener multitudinarios conciertos agotados. #LaMúsicaNosUne
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. Quiero saber - TIMØ ¿Quién está detrás? TIMØ es una agrupación colombiana integrada por dos rolos y un costeño que se conocieron en la universidad mientras estudiaban música. Los tres componen, producen e interpretan sus canciones que vienen enmarcadas en el tropipop, un género netamente colombiano que tuvo su furor en la primera década del 2000 y que está buscando volver a meterse en el corazón de las personas en el país. El trio se creó en 2019 y en su primer año han logrado compartir tarima con Carlos Vives y abrir un concierto de Mau y Ricky. ¿A qué suena? Tropipop moderno. Las canciones de TIMØ y, sobre todo, Quiero saber suenan a tropipop, no el mismo de hace 15 años sino uno fresco, con elementos más electrónicos, pero manteniendo la esencia de la fusión del pop, rock y la música tropical. ¿De qué trata? Quiero saber le canta a esos amores que son obvios y evidentes, pero que son difíciles de aceptar. Una canción más romántica y menos parrandera que las anteriores que ha lanzado la agrupación. ¿Sobre el video qué? El clip oficial del nuevo track de TIMØ muestra cómo los tres integrantes de la banda intentan lograr la atención de una chica en un hotel. Además de eso, logra transmitir la buena onda de los chicos, los muestra cómicos, queridos y sencillos. ¿Cuándo escucharla? Añádala a su playlist de tropipop. Es perfecta para escucharla antes de La Mona de Bonka y después de Barman de Sanalejo. Recomendado: Tropipop, la importancia del fenómeno musical colombiano de la decada del 2000 #LaMúsicaNosUne
Llega septiembre y empieza la cuenta regresiva para despedir el 2019 y darle la bienvenida a una nueva década en la que, esperamos, la música hecha en Colombia tenga un valor mayor y se le dé el lugar que se merece. La diversidad de sonidos, propuestas alternativas y fusiones coherentes es lo que queremos consumir para que la industria musical sea equitativa para todos los géneros. Aquí venimos con una nueva tanda de estrenos musicales y, posiblemente, entre estos lanzamientos esté la que sea la canción más relevante del año en curso. Hasta viejitos - Alejandro González, Carlos Vives ¿Quién está detrás? Alejandro fue el líder de Bonka y de paso el rostro más conocido del famoso movimiento tropipop. Luego de camellarle duro al grupo, empezó a hacer ranchera y se olvidó del género que había hecho en el colegio. Ahora, en sus treinta y pico, se volvió a conectar con el género que lo hizo famoso y ha lanzado par de track en el marco de la campaña “Tropipop is back”. En este tema lo acompaña Carlos Vives, uno de los que más le ha apostado al regreso del género. ¿De qué trata? Hasta viejitos habla de ese momento de la vida en que uno está seguro de sus sentimientos por otra persona. Con esa canción el artista decidió proponerle matrimonio a su novia y, por supuesto, hacer de este tema la canción que define su historia sentimental. ¿Sobre el video qué? El video fue dirigido por Sergio De Ávila y grabado en una casa en Yerbabuena, a las afueras de Bogotá. Cuenta precisamente la historia de una pareja enamorada, que está junta desde joven hasta volverse viejitos. ¿Cuándo escucharla? Póngala cuando vaya a pedir matrimonio. #LaMúsicaNosUne
En 1997 se formó en Miami una banda de pop latino internacional que tenía talentos de Colombia, Brasil y Puerto Rico llamada Bacilos. Esas tres fuerzas lograron darle un nuevo aire a la música del nuevo milenio; lanzaron varios álbumes y lograron pegar en la radio varias canciones. Una de las más importantes es Caraluna, perteneciente al álbum del mismo nombre, y que se convirtió en uno de los hits más importantes de la historia del pop latino. Jorge Villamizar quería hacer un tema que eliminara los regionalismos en Colombia. La canción fue compuesta entre 1997 y 2003 por Jorge Villamizar y segundo sencillo promocional del segundo álbum de la banda. En Detrás de la canción los integrantes de Bacilos nos cuentan cómo fue el proceso creativo para darle vida y sonido a este tema. #LaMúsicaNosUne
Así como varios festivales fueron inolvidables y marcaron a una generación (Woodstock en 1969, por ejemplo), otros dejaron huella por las razones equivocadas: está Woodstock 99, que dejó varios heridos y hasta violaciones, Altamont Speedway Free Festival en 1969 con un asistente fallecido y el Love Parade (2010) en el que murieron 21 personas por una estampida humana. A pesar de estos ejemplos, otro evento tiene el “honroso” título del peor festival de música de la historia: Bull Island, ocurrido en 1972.Tom Duncan y Bob Alexander eran 2 promotores con algo de experiencia en conciertos que querían hacer algo "más grande que Woodstock", así se les ocurrió armar el Erie Canal Soda Pop Festival, que incluía en su cartel a bandas como The Eagles, Fleetwood Mac, The Allman Brothers, Black Sabbath, Carlos Santana, Joe Cocker, Cheech & Chong, entre otras. Era cerca de 30 las bandas que participarían. Todo sonaba muy bien salo un pequeño detalle: se empezó a hacer publicidad y vender la boletería sin antes pedir los permisos necesarios para llevar a cabo el evento, que se realizaría en Evansville (Indiana). Una semana antes del festival, tras la presión de los habitantes de Evansville y cuando ya se habían vendido cerca de 9.000 entradas, se prohibió su realización en la ciudad, así que los organizadores tuvieron que buscar una nueva ubicación.Un día antes (ya cuando bandas como Rod Stewart o Black Sabbath estaban cancelando) decidieron hacerlo en Bull Island, una franja de tierra pantanosa en Illinois pero en el lado de Indiana del río Wabash (allí cambió el nombre del festival). Cuando llegaron cerca de 200.000 personas, casi 4 veces más personas de las que esperaban, se hizo un trancón de 48 kilómetros. Muchos abandonaron sus carros y fueron caminando. Es conocido un reporte periodístico que decía que los hippies caminaron al festival “como un ejército derrotado”. Al ver la masa de gente, los organizadores declararon el evento gratuito y abierto para todo el mundo, para evitar un posible motín.“Quisimos tocar, sin importar las circunstancias. Bob Hite, nuestro líder en esa época, quería que lo intentáramos, así no nos pagaran. Estábamos tan drogados que no me acuerdo si nos pagaron o no”, declaró Fito de la Parra, de Canned Heat, a Loudersound.Cuando llegaron los miles de asistentes se encontraron con un escenario a medio construir y un espacio lleno a más del triple de su capacidad en el que era más fácil conseguir drogas que comida. Algunos de los artistas lograron llegar, otros redujeron su show a unos pocos minutos, como fue el caso de Cheech & Chong, y otros prefirieron cancelar, lo que dejó grandes espacios sin nadie en el escenario. Eso sin mencionar la lluvia torrencial que convirtió al lugar en un pantano gigante. Dado el poco tiempo que tuvieron para adecuar el sitio, no había inodoros, por lo que el público hacía sus necesidades en cualquier lugar. “Tratamos de dar un buen show y así lo hicimos, pero podíamos ver que mas allá de las primeras filas de chicos que estaban disfrutando la música, las cosas estaban mal. Cuando un helicóptero nos llevó al hotel, había una chica con nosotros que estaba totalmente fuera de sí. No tenía idea de dónde estaba o sus amigos. Claramente había tomado algo que no le sentó bien y daba lástima verlo”, dijo Dan McCafferty, de la banda Nazareth.Los elevados precios de la comida ocasionaron la rabia del público que se enfrentó a los vendedores. El último día, variso de los asistentes quemaron el improvisado escenario. Dos personas murieron: alguien que se ahogó en el río y otra sufrió una sobredosis. Otra persona fue atropellada por un camión, hubo varios golpeados e incluso una mujer dio a luz.Algunos artistas como Santana o Ravi Shankar lograron hacer shows inolvidables, y muchos, a pesar de los inconvenientes, lograron pasar un momento que nunca olvidarían. Sus organizadores, miles de dólares en demandas después, se convertirían en ejemplo de todo lo que no hay que hacer para un festival.
Por estos días, una de las películas más populares por estos días en Netflix Colombia es Paternidad, protagonizada por Kevin Hart. La cinta narra la historia de un padre viudo que debe criar a su hija solo, luego de que su esposa fallece horas después del parto.La película está inspirada en la historia real de Matthew Logelin, quien perdió a su esposa y crío solo a su hija. Matthew y su esposa Liz parecían la pareja perfecta: eran novios desde el colegio, tenían un matrimonio feliz y esperaban a una niña. Pero todo cambió cuando un día después del parto de su hija Maddie, Liz sufrió una embolia pulmonar y falleció. “Siempre pensé que iba a ser un buen padre junto a Liz, nunca se me ocurrió que iba a hacerlo solo, declaró Matthew a The Guardian.Para sobrellevar su pérdida, Matthew creó un blog en el que documentó cada parte de su proceso de duelo y de la crianza de su hija. Miles de personas se conectaron con la narración de su blog y le enviaron consejos. El blog se convirtió en un éxito rotundo y atrajo hasta 50.000 usuarios por día. Éste se volvió un libro, titulado Two Kisses for Maddy: A Memoir of Loss and Love, que narra desde cómo conoció a su esposa hasta de cómo honró su legado, al crear la The Liz Logelin Foundation, una fundación que ayuda a familias de personas que han enviudado.“Cuando leí el guion para esta película, me conmoví hasta las lágrimas” declaró en un comunicado Kevin Hart, quien interpreta a Matthew en la cinta de Netflix. La crítica lo ha elogiado por su versatilidad, pues tradicionalmente lo hemos visto en papeles de comedia. Logelin declaró que para su hija Maddie la historia de su madre siempre será parte de ella. “Aún hablo de ella todos los días. No conozco todas las respuestas, pero para nosotros ha funcionado muy bien. Ella se ve muy feliz”, dijo a Star Tribune.
A menos que hayan vivido debajo de una piedra o en otra dimensión espaciotemporal, seguramente, habrán escuchado el popular patrón rítmico medular del reggaetón: el dembow. Repasamos su historia desde el culto religioso en Jamaica. Por David LujánEl dembow, originario de la isla de Jamaica y que ha influenciado gran parte de los ambientes discotequeros del planeta, tiene una historia especial que se remonta a mucho antes de su llegada a Puerto Rico y a los circuitos internacionales del EDM.En la Cali de los 90 escuchábamos tempranamente, en cassettes y LP, la música proveniente del Caribe. Entre ella se destacaban la música jamaiquina, puertorriqueña y cubana. Los discos caribeños entraban al país gracias a los viajeros oriundos de Buenaventura y a los caleños que tenían familia en el exterior. La historia portuaria del ingreso de esos discos es bien conocida. El origen religioso del dembowLo que poco se conocía era que el sonido que por ese entonces inmortalizó el dancehallero Shabba Ranks con el famoso sencillo Dem Bow, en sus aspectos rítmicos, hacía parte también de una religión de Jamaica conocida como pocomania o pocamania.La pocomania es una especie de revival o avivamiento jamaiquino, un sistema de adoración afrocristiano fuerte a nivel poblacional en Jamaica. En el perfomance religioso, como sucede con muchas otras religiones de matriz africana en América y el Caribe, la gente se reúne al terminar la tarde. Los hombres se sitúan en posición circular haciendo un ritmo con los pies y moviendo las manos a modo de exclamación. Las mujeres, en ocasiones, se sientan aparte y aplauden manteniendo el ritmo y cantando alabanzas. Todos alcanzan un agotamiento físico y emocional que los puede llevar a hablar en lenguas. Estos cultos también se realizan en iglesias de esta orientación religiosa, que cuentan con un pastor o líder de las congregaciones. El origen remoto del dembow está, en últimas, en la práctica ritual africana. Pero en Jamaica, sin duda, tradujeron eso al lenguaje moderno: las canciones. Steely y ClevieFue a los productores Wycliffe 'Steely' Johnson y Cleveland 'Clevie' Browne, conocidos como los líderes de la era digital en la música jamaiquina, a los que se les ocurrió la idea de hacer canciones discotequeras a partir del ritmo propio del ritual del pocomania. Ritmo descrito también, a manera de onomatopeya, como el "tum pa, tum pa" (lo dijo El Chombo en YouTube). Para su disco recopilatorio Poco In The East (1990-1991), en el que incluyeron la canción instrumental Fish Market y el éxito internacional Poco Man Jam de Gregory Peck sobre la misma base rítmica, que el dembow saltó del pocomania al mercado de hits radiales. Steely hacía los teclados y Clevie la batería del ritmo. Ambos cortes fueron la base que originó el controversial Dem Bow de Shabba Ranks. Como se puede observar en algunas grabaciones de campo realizadas en Jamaica, tanto el patrón rítmico del culto pocomania como las canciones Poco Man Jam o Fish Market y el hoy conocido reggaetón son increíblemente similares. Coinciden en los acentos del bombo y en las cajas, que, con algunos redobles fantasmas (o ghost snares) y hi-hats de batería, un bajo constante y algunos acordes (o skankies) de piano con reverberaciones crean una atmósfera dub clásica. Pero, en definitiva, el patrón rítmico base se mantiene.De Jamaica a Puerto Rico En Puerto Rico fuimos testigos del uso de esa misma base rítmica (o por lo menos una con una variación mínima) en la naciente escena rapera. El estilo, conocido en su época como underground o melaza, era parte fundamental de los conciertos que sonaban en nuestras estruendosas bocinas y grabadoras ghetto blaster en Cali. Los Dj de la vieja escuela boricua estaban creando algo diferente a partir del clásico sonido que inmortalizaron los jamaiquinos. No era ni raggamuffin, ni dub ni el reggae en español de los panameños. Vale la pena recordar que, en 1991, el panameño Nando Boom versionó el Dem Bow de Shabba con Ellos Benia, tema producido por Dennis 'The Menace' Thompson, quien le añadió a la fórmula el sonido de un timbal en un intento de latinización del patrón rítmico. Ese mismo año, el artista de la isla de Guadalupe, King Daddy Yod, grabó en francés una versión titulada Delbor.Adelantados a su tiempo, Steely & Clevie, habían trabajado en el estudio homónimo del productor King Jammy, a quien se le atribuye, erróneamente, haber hecho el primer ritmo enteramente digital de dancehall: el clásico Sleng Teng Riddim. Fue el mismísimo Steely quien manifestó que el primer ritmo digital del reggae jamaiquino fue el So Jah Seh de las leyendas Bob Marley and The Wailers, realizado con una caja de ritmos Roland junto con Lee 'Scratch' Perry. Clevie encontró en esas canciones la fuente de investigación que lo llevaría a las máquinas y, posteriormente, a posicionar el sonido de la producción musical jamaiquina en la cúspide. La máquina de éxitos En el año 2000, al escuchar la palabra reggaetón una y otra vez a cargo de DJ Blass y demás exponentes boricuas, no sospechamos que pronto tendría a su disposición toda la difusión que nunca tuvieron los artistas de Jamaica. En sus primeros años, la mayor sorpresa que me llevé fue que no apareciera por ninguna parte en el vínculo directo del reggaetón con el dancehall jamaiquino. El legado de Steely & Clevie es simplemente increíble y no ha sido lo suficientemente reconocido. Fueron ellos los creadores de una fórmula casi infalible y un estilo de producción clave en el desarrollo de la música contemporanea. Su catálogo abarca, entre otros riddims, la creación de los hoy famosos Taxi, Punaany, Street Sweeper o Bagpipe, grabados por artistas como Baby Wayne, Beres Hammond, Mr. Vegas, Junior Tucker, Garnett Silk, Dawn Penn, General Degree, Buju Banton, Beenie Man, Heavy D, Billy Ocean o Sean Paul.***El 1 de septiembre de 2009 falleció Steely a la edad de 47 años después de sufrir complicaciones a causa de la diabetes. Junto a su gran amigo y socio Clevie, por más de 25 años, llevaron la música jamaiquina a los principales escenarios musicales del planeta. Clevie hoy es el presidente de la Asociación de la Industria Discográfica de Jamaica. Solo nos queda él. “El ritmo le dio al dancehall su propia identidad. Fuimos minimalistas. Lo hicimos deliberadamente para los artistas que no poseían una llave para tener la oportunidad de ganarse la vida. Es una forma de retención africana”, dijo hace unos años.Lean también: Reggaetón: la historia no oficial de su llegada a Colombia
Backstreet Boys y Nsync son 2 de las boybands más exitosas de los 90. Recientemente, sus integrantes estuvieron compartiendo en redes algunas imágenes de miembros de ambas bandas ensayando una coreografía de Bye, Bye, Bye, clásico de Nsync. En el video se observa a Nick Carter y AJ McLean, de Backstreet Boys, junto a Lance Bass y Joey Fatone de Nsync. Los 4 se unieron para un concierto en Los Ángeles a favor de la comunidad LGBTIQ+. En otro video publicado por Nick se observa que están cantando el hit de Backstreet Boys I Want it That Way La publicación está acompañada del hashtag #BackSync. No se sabe si fue algo de una sola vez o habrá algo más alrededor de la unión Por el momento, esto declaró Nick a varios medios: "No podemos revelar demasiado. Básicamente, Lance, Joey, yo y AJ solo vamos a decir que vamos a hacer algo especial. Lo anunciaremos en la próxima semana ... Y será enorme. Será realmente grande y estamos muy emocionados". No es la primera vez que surgen rumores de una reunión entre ambos grupos. A comienzos de 2020, en una entrevista con Good Morning America, los Backstreet Boys no descartaron una gira junto a Nsync. "Tal vez en el futuro podamos hacer una gira con Backstreet y Nsync, tal vez como una gira de paquete", declaró Carter en ese momento. Durante varios años existió el rumor de la rivalidad entre ambos grupos, pues los 2 fueron creados por el empresario Lou Pearlman, quien incentivó la competencia entre los 2. A finales de los 90, miembros de las 2 bandas descubrieron que Pearlman los estaba estafando. El hombre fue arrestado en 2008 por fraude y lavado de dinero y falleció en la cárcel en 2016. Ahora que la rivalidad entre Backstreet Boys y Nsync es cosa del pasado, parece que es el mejor momento para la reunión de ambos. ¿Qué opinan?
Los Rolling Ruanas regresan a los escenarios de manera presencial, para estrenar Nueva Tierra, su quinta placa discográfica. La banda presentará sus nuevas canciones y sus éxitos en dos conciertos en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.Los Rolling Ruanas se reencontrarán con el público el miércoles 23 y el jueves 24 de junio con dos conciertos muy importantes para ellos. Convencidos de que estamos viviendo un momento único, difícil y coyuntural en el país. Los Ruanas han decidido dejar ver, a través de su nuevo disco, la responsabilidad artística que asumen los actuales tiempos turbulentos.Nueva Tierra llega después del álbum La casa de la abuela, un álbum homenaje a la matriarca del hogar, a la unión y la cohesión familiar. En este álbum reunierón versiones de villancicos, música tropical decembrina, y rock.El mensaje de Nueva Tierra se para frente a una problemática social, humana, ambiental y cultural, retratando entre textos y sonidos las realidades que caracterizan a Colombia y que necesitan ser observadas a través de fotografías sonoras precisas. De esta manera, los temas dejan una huella en la memoria histórica del país y motivan a la transformación y a la toma de decisiones de todos quienes siguen a los cuatro ‘enruanados’.Nueva Tierra muestra la evolución de la banda en la música y sus composicciones. Un álbum que cuenta con colaboraciones especiales, con diferentes artistas de la escena nacional colombiana.El proceso de estudio de composición que ha realizado Juan Diego Moreno, cantante de la agrupación, bajo la dirección del maestro y amigo Edson Velandia, quien ha sido una gran influencia artística para la banda y, por supuesto, para la construcción de varias canciones del disco.El disco fue grabado, producido y mezclado por Fernando Cely, requintista de la banda en su estudio, y masterizado por Julián Guerrero. La ilustración de la carátula fue hecha por Ataul. Consigas las entradas aquí.
