"Después de 50 años, 10 giras mundiales y tocar para más de 100 millones de fans... ¡Es hora de un último intento!" Con una publicación en su cuenta de Instagram la banda Aerosmith anunció su gira de despedida Peace Out Tour. La banda de rock estadounidense, formada en 1970, se despide de los escenarios luego de 50 años de carrera musical. El Peace Out Tour no incluye fechas en Latinoamérica, solo en Estados Unidos. Comenzará el 2 de septiembre en Filadelfia y en total serán 40 presentaciones. Algunas de las ciudades que visitará la gira son Los Ángeles, Nueva York, Toronto, Chicago y Boston. La gira de despedida terminará el 26 de enero de 2024 en Montreal.Esta gira sucede en un momento donde sus integrantes tienen entre 70 y 75 años, y la banda es consciente de ello. “Creo que ya es hora”, dijo el guitarrista Joe Perry en entrevista con The Associated Press. En este tour de despedida estarán el líder original Steven Tyler, el guitarrista Joe Perry, el guitarrista Brad Whitford y el bajista Tom Hamilton. El batería fundador del grupo, Joey Kramer, no estará presente. Sobre la ausencia de Joey, según el diario The Guardian, la banda dijo en comunicado "Aunque Joey Kramer sigue siendo un querido miembro fundador de Aerosmith, lamentablemente ha tomado la decisión de no participar en las giras programadas actualmente para centrar toda su atención en su familia y su salud". Por otro lado, The Black Crowes serán la banda que servirá de teloneros durante todas las fechas de la gira.Aerosmith ya venía de un ritmo de shows en vivo. En 2019 empezaron una residencia en Las Vegas, pero tuvieron que cancelar shows el año pasado, ya que su vocalista Steven Tyler entró en un programa de tratamiento luego de una cirugía en uno de sus pies. Retomaron nuevas fechas en septiembre, sin embargo, cancelaron sus dos últimos conciertos del año por consejo de los médicos de Tyler.Con esta noticia, la banda se suma a la ola de conciertos de despedida de bandas legendarias de rock. Aerosmith ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2001, ha vendido más de 150 millones de álbumes ,ha ganado cuatro premios Grammy, ha realizado 10 giras mundiales y ha alcanzado éxitos pop entre los que destacan I Don't Want To Miss A Thing, Walk This Way, Dream On, Jaded y What It Takes.
En un par de meses Shakira cumplirá 30 años de carrera artística, pues su primer disco con Sony Music titulado Magia fue estrenado en junio de 1991. A lo largo de estas tres décadas de vida artística la cantante barranquillera ha girado por todo el mundo con cuatro giras mundiales y múltiples eventos de promoción. Además ha logrado ser #1 en países que, según cuenta ella, no sabia que existían. Para leer | 'Pies Descalzos’ de Shakira cumple 25 años: cuestión de tiempo y fe Shakira constantemente asegura sentirse inspirada por el trabajo de sus colegas y les ha rendido homenaje interpretando sus canciones en vivo. Aunque en muchas ocasiones ha sido atacada, principalmente por sus versiones de canciones de bandas de rock, la artista hace caso omiso y sigue prestándole su voz a temas que la inspiran. Vale la pena decir que hay seguidores de esas bandas que también reconocen el poder escénico e interpretativo de Shakira cuando se mete en el papel de rockstar.}Esta selección incluye covers de Metallica, AC/DC, Aerosmith, John Lennon, Mercedes Sosa, Joe Arroyo, Elvis Presley, Lady Antebellum, Madonna, Gotye, Fun, entre otros y logra demostrar lo camaleónica que es Shakira y lo hábil que es su voz para pasar de géneros folclóricos como el merengue y trova a rock pesado o country. GRANDES COVERS DE SHAKIRA Nothing Else Matters de Metallica Te Olvidé de Joe Arroyo Imagine de John Lennon Dude Looks Like a Lady de Aerosmith Alfonsina y el mar de Mercedes Sosa A'atini El Nay de Fairuz Back in black de AC/DC Boig Per Tu de Sau Je L'aime A Mourir de Francis Cabrel Always on my mind de Elvis Presley De Música Ligera de Soda Stereo El Perdón de Nicky Jam País Tropical de Sergio Mendes Boys Round Here de Blake Shelton Need You Know de Lady Antebellum La Isla Bonita de Madonna Somebody That I Used To Know de Gotye & We Are Young de Fun. En Barranquilla me quedo de Joe Arroyo Para ver | Jennifer López & Shakira: Detrás de los vestidos que usaron en el show del SuperBowl #LaMúsicaNosUne
Aerosmith informó que cancelará varios de sus shows en Las Vegas. El líder de la agrupación, Steven Tyler, se registró voluntariamente en rehabilitación luego de una recaída reciente.“Como todos ustedes saben nuestro querido hermano Steven ha trabajado en su sobriedad durante muchos años. Después de que lo operaran de un pie y por la necesidad de controlar el dolor durante el proceso recayó”, escribió la banda en el comunicado publicado en su cuenta oficial de Instagram. “Estamos devastados por los inconvenientes que pudimos haber causado a varios de ustedes, en especial para nuestros fans más leales que viajaron grandes distancias para estar en nuestros shows”, dijo la banda estadounidense.Aerosmith está programada para regresar al escenario en septiembre para los espectáculos principales en Maine Savings Amphitheater en Bangor, Maine, y Fenway Park en Boston, Massachusetts. Luego se dirigirán a Las Vegas para finalmente comenzar su residencia en Park MGM, con fechas hasta diciembre. Tyler ha luchado contra las adicicones desde hace varias décadas. En 1988, el artista completó la rehabilitación de drogas y se mantuvo sobrio hasta 2009, cuando ingresó nuevamente en rehabilitación para manejar el dolor."Creo que no había bandas que supieran lo que era estar sobrio", dijo Tyler a GQ en 2019. "Nunca era suficiente". "Aerosmith lo hizo del 72 al 79, no necesariamente drogados, pero hermoso... después todos nos pusimos muy jodidos", afirmó el músico a Haute Living en 2019. "Hubo un momento en el 88 en el que la gerencia y la banda me hicieron una intervención. Pensaron: "Haz que el cantante principal esté sobrio y todos nuestros problemas terminarán'", dijo Tyler al medio."Entonces, me puse sobrio, y me tomó muchos años superar la ira de que me enviaran a rehabilitación mientras ellos se iban de vacaciones", continuó. "Pero hoy por ese momento... estoy agradecido y les debo un agradecimiento por mi sobriedad".
Steven Tallarico nació en Manhattan hace más de 70 años, pero nadie en su barrio imaginaria que sería el rostro del glam metal y el rock de gran parte de los siglos XX y XXI. Inicialmente su lugar era en las baterías de las bandas de rock en las que participó, pero luego de se dio cuenta del potencial que tenía su voz de las habilidades de frontman. En 1970, luego de ver la fuerza de la banda de Joe Perry, le propuso formar una nueva agrupación en la que él sería el líder: ahí nació Aerosmith, el grupo de rock ganador de cuatro premios Grammy y varios #1 en la radio norteamericana. A lo largo de su vida y carrera Steven ha sido condecorado por su indudable talento, pero también ha sido el protagonista de momentos épicos que han entrado a los libros de historia de la cultura pop. Estos son algunos. En los Simpson Steven y los Aerosmith se presentaron en la taberna de Moe para cantar Walk This Way, el capítulo es inolvidable y fue hecho en 1991. Steven y Liv El líder de Aerosmith es padre de la actriz Liv Tyler y en muchas ocasiones han compartido tarima. Este video fue de un concierto en Nikon Jones Beach en julio de 2014, allí juntos cantaron Living on the Edge. ¡Se imaginan ser hijo de un rockstar como él! Pelea con Joe Perry Tener una banda debe ser MUY tedioso y eso se ha visto inclusive en las tarimas. En este concierto Steven se molesta con Joe por negarse a darle un beso en la mejilla. ¡ÉPICO! Locura por Shakira En 2002 Shakira se abría paso en el mercado gringo con sus primeras canciones en inglés. Por su impacto fue invitada al MTV Icon de Aerosmith donde cantó el hit Dude, Looks like a lady, pero el momento más recordado de ese homenaje fue cuando la barranquillera se acercó a Steven y lo dejó loco con su show. Steve Tyler y su condición sexual En su biografía autorizada Does the Noise in My Head Bother You? de 2011, Tyler salió del armario como persona de género no-binario, asegurando: “me han citado erróneamente diciendo que soy más mujer que hombre, déjenme dejar las cosas claras: es más bien mitad y mitad, y me encanta”. Especial en National Geographic Steven fue protagonista del documental La Increíble Máquina Humana donde se estudia la garganta del músico. Además se mostró cómo fue su operación de cuerdas vocales para poder seguir cantando. El SuperBowl y Britney Spears Steven cantó Walk this way en el SuperBowl de 2001 y bailó con Britney y N’sync. Un momento inolvidable para la música norteamericana. En Two and a half men El rockstar participó de la comedia protagonizada por Charlie Sheen. Su participación fue uno de los momentos más recordados de esa temporada. Sí, en Lizzie McGuire Steven se metió en la piel de un Papá Noel rockero en la serie de Disney Channel. Rock para los niños de esa era. Recomendado: Cuando Jorge Drexler co-escribió ‘Loba’ de Shakira #LaMúsicaNosUne
Que están viejos. Que ya habían venido. Que hace rato no sacan nada interesante. Todas esos reparos se cayeron en la noche del 29 de septiembre en el Parque Simón Bolívar de Bogotá cuando Aerosmith inició la fase latinoamericana de su gira Rock N' Roll Rumble Style 2016, con el primero de diez shows que harán por la región. Por Alfred Lord @AlfredLord // Fotos: Daniel Álvarez @daniel.alvarez9 Asistir a un concierto de Aerosmith es hacer un repaso por la historia del rock comercial de las últimas cuatro décadas. Solo ese hecho pagó la boleta. Se trataba de oír en vivo canciones que cimentaron el camino para que miles de nuevas bandas nacieran, imitando esa mezcla de rock, blues, pop y funk. Se trataba de revivir el impacto de himnos imperecederos como Crazy, Walk This Way, Jaded o I Don’t Wanna Miss A Thing. Se trataba de estar ante una leyenda como Steven Tyler, quien a pesar de sus años sigue moviéndose como culebra, tirándose al piso y haciendo el show que el mundo conoció en sus videoclips. Con un “hola Bogotá, ¿cómo estamos?” de Steven Tyler todo comenzó. Back in the Saddle fue la canción que rompió la espera por la banda amenizada por los teloneros colombianos Stayway y Revolver Plateado (quienes están estrenando álbum Luz de San Telmo). A continuación Love In An Elevator sirvió para que Tyler se erigiera como el rockstar dueño del escenario. A pesar de los problemas técnicos del sistema de retorno en tarima, que hizo que Tyler no pudiera esconder su molestia con su propio ingeniero de sonido, los éxitos no paraban. Cryin’, Jaded y Crazy, la canción de dedicar en pareja, fueron coreadas al unísono. Cuando Aerosmith interpretó Living On The Edge, Steven Tyler bajó al público y se paró al lado de una desafortunada asistente que se veía sufriendo en pantallas porque no lograba que le funcionara el celular para la selfie. Dude (Looks Like A Lady), Same Old Song And Dance y Rag Doll continuaron con un show que tuvo una breve pausa en la que “Mr. Guitar”, o Joe “Fucking” Perry como lo nombraba Tyler, interpretó un blues en homenaje a Bogotá. Este momento, uno de los más emotivos del concierto, estuvo acompañado en las pantallas con imágenes de Perry en el plan más turista de todos, paseándose por Monserrate y la Plaza de Bolívar. A los momentos protagónicos de Tyler y Perry se sumó el solo de bajo que Tom Hamilton interpretó en el intermedio entre Come Together y Walk This Way. El guitarrista Brad Whitford y el baterista Joey Kramer prefirieron el bajo perfil y solo aparecían en las pantallas. Sin embargo todo giraba en torno a Steven Tyler. Con un look engallado con un sombrero apareció en tarima para cantar I Don´t Wanna Miss A Thing confirmando que era el inevitable centro de atención de la banda. Sus movimientos eran para el público que tenía en frente en la localidad de platino, pero también para las cámaras, consciente que, ante todo, Aerosmith es un rutilante show de entretenimiento. Come Together, Walk This Way y Train Kept A Rollin’ cerraron el primer bloque, antes que la banda regresara con uno de esos detalles que siempre compran al público colombiano: ondear la bandera tricolor en la mano. El regreso de Tyler y sus colegas fue para tocar Dream On en una versión que sonó nostálgica y que confirmaba que se estaba presenciando la despedida de la banda. Sweet Emotion cerró el adiós a los escenarios de uno de los últimos representantes del hard rock y el glam.
Aunque el público festivalero tiene la mayoría de estas normas claras, nunca está demás una breve guía para dummies, en la que la organización del concierto promueve una serie de tips de convivencia, recomendaciones y prohibiciones, para que no tenga un mal rato con la gente de logística y pueda disfrutar el concierto con tranquilidad este jueves 29 de septiembre en el Simón Bolívar. Foto: Gettyimages.
Steven Tyler podría ser el papá que muchos quisieron o el tío divertido que siempre llega con regalos para los sobrinos y para entretener a la familia. Pero siendo realistas, lo que se anuncia como gira de despedida de Aerosmith, es una manera de decir que es hora de que las nuevas generaciones tomen la iniciativa de representar aquella música que no se quiere acomodar pero que tampoco quiere sentirse vieja: el rock. Por: José “Pepe” Plata // @owai El bebé que llegó al mundo el viernes 26 de marzo de 1948 en Yonkers, Estados Unidos, no sería un bebé más. El hijo de Susan y Victor llegaría en una fecha en la que se supone hay que ser muy callado y guardar respeto: un Viernes Santo. Una fecha que el calendario asume como el día de la muerte de Jesucristo, pero en el que Steven Tallarico, nombre de pila de Steven Tyler, dejaría atrás. Sus últimos cincuenta años de vida los ha entregado devotamente a algo que se conoce como industria de la música o industria del entretenimiento. Y todo lo que eso conlleva ha estado rodeado de canciones, discos, escándalos, reconocimientos, quebrantos de salud y hasta jurado de concurso de talento. Justo hace cinco décadas, siendo adolescente, tuvo sus primeras bandas. En ellas escupía blues y armaba una carrera. El mundo tenía como banda sonora a The Beatles y The Rolling Stones. Pero ya se estaban cocinando los sonidos fuertes y las distorsiones lanzadas que harían eco con Black Sabbath y Led Zeppelin en los 80. Steven Tyler se divertía con sus amigos en bandas que se llamaron The Strangeurs, Chain y William Proud. El mito comenzó rápido. Cuando apenas tenía 17 años creó el primer gran clásico de Aerosmith: Dream on. Su afición por los Rolling Stones lo hizo perseguirlos y hasta aparecer en una foto de la banda durante una presentación en Nueva York. A sus 21 años, conoció a Joe Perry y a Tom Hamilton con quienes armaría al año siguiente una banda. Los setenta comenzaban y ya se habían acabado los Beatles. La psicodelia estaba sumergida en el recuerdo y era el momento de los riffs fuertes y de un rock más duro. Justo es aquí el momento en el que Tyler entra al mundo para decirle cosas fuertes sobre la vida y el amor, al mejor estilo de quien se sumerge entre las aguas de un pantano o quien al barro entra para sentir algo. Y ese algo fueron las drogas. Los sueños hippies se habían desvanecido y lo duro ahora tenía lugar. En 1973 Tyler demostró su poderío vocal en el primer disco de la banda. Luego vino Get your wings de 1974 y un año después un disco que quedó tatuado en el mundo musical: Toys in the Attic. El mismo que vendió ocho millones de copias en el momento en el que el mundo empezaba a considerar al rock como algo raro. Venían los momentos del punk, el postpunk, el disco y hasta el aire del new wave. ¿Y si Aerosmith podía ser de la década, Tyler sobreviviría a los embates de la industria? La respuesta es sí, pero fue a través de la música y con situaciones que luego el cuerpo cobró. La adicción a las drogas hizo que por años se tuviera el rumor del fin de la banda y de la imposibilidad de sus integrantes de hacer algo coherente. Si bien la banda llenaba estadios, sonaba en la radio y estaba tocando de lo mejor, los excesos formaban parte del día a día. En 1978 se desquitaron con una grabación en vivo en Texas y en la que Tyler dio gala de su mejor despliegue histriónico con rock y blues. Pero el daño ya estaba hecho. Un año después apareció un discreto disco llamado Night in the Ruts. Para colmo de todo, no solo las drogas hacían de las suyas en su cuerpo. Un accidente en motocicleta sufrido en 1980 lo inhabilitó e impidió estar con la banda en todo 1981. El declive estaba vivo. Aerosmith ya sonaba a pasado y Tyler seguía con las adicciones que le carcomían el cuerpo. Existía de milagro en un mundo musical que ya tenía a Mtv y a los discos compactos. Un mundo en el que llegaban bandas como Anthrax, Megadeth, Metallica o Slayer (con un sonido thrash) y en el que se sobrevivía o se pasaba a mejor vida. La resurrección llegó en 1986, cuando los hiphoperos de Run DMC grabaron una versión de Walk this Way y grabaron un video en el que incluso Tyler hizo su aparición (Vean también: ¿Cómo creó Aerosmith una de las canciones más adictivas del rock?). Steven Tyler volvía a ser el hombre cool que hacía movidas grandes en vivo y del cual ya dos generaciones sentían aprecio. Y un año después, con la llegada del disco Permanent Vacation, el mundo los redescubrió y se enamoró de nuevo de su voz. Y, quién lo creyera, la gira de presentación de este disco tenía como banda telonera a unos jóvenes con una banda llamada Guns n’ Roses. Las lecciones del desmadre ahora tenían unos alumnos sin par. Luego de haberse sometido a un programa de rehabilitación el mundo estuvo listo para su regreso. Y sí, aquel disco de 1987 logró mostrar a Aerosmith como una banda de éxitos. De ahí se recuerdan clásicos como Rag Doll y Dude looks like a lady. La década se cerró con un Tyler empoderado y con un disco que partiría en dos la historia de la banda: Pump (1989). Pump fue un disco del cual dos generaciones han heredado éxitos que sonaron en radio, que establecieron a Aerosmith como una banda de referencia de los nacientes noventa y que aún hoy siguen vigentes en tanto playlist por ahí: Love In An Elevator, Janie's Got A Gun, What It Takes y The Other Side. Siete millones de copias vendidas son la garantía de este éxito. Pero así como Steven bien salía adelante con su vida musical, había un motivo adicional para recordarlo. Su hija Liv comenzaba a hacerse notar en el medio cinematográfico. Sí, la misma mujer que estuvo en las comedias adolescentes de los noventa como Belleza robada, Empire Records o Eso que tú haces. La pequeña Tyler había nacido en 1977 y solo hasta 1987 su padre roquero la reconoció. Su madre, Bebe Ruell, había decidido ocultar la paternidad porque Tyler estaba hundido en las drogas y el alcohol cuando la bebé nació. Ese reencuentro entre padre e hija tuvo especial recordación en un mítico video de 1994, Crazy, sencillo del disco Get a grip (1993). Sonreía la vida para Tyler. Se reconciliaba con su hija y este disco vendía 20 millones de copias. Y hasta ahora comenzaba la era de internet. Los éxitos alcanzaron para estar en listas unos meses más. Aerosmith presentó cuatro años después el disco Nine Lives (1997), y si bien fue una declaración de continuidad, no tuvo la misma respuesta del público. El nuevo milenio le dio a la banda una entrada triunfal a algo que todo Estados Unidos aprecia: la presentación en el intermedio del Superbowl. Además, en aquel 2001, la banda entró a formar parte del Hall de la Fama del Rock y Tyler se consagró como un buen gringo: cantando el himno de su país en la competencia automovílistica de Indianápolis. Quienes pensaban que el rock no daba para recibir títulos académicos, tuvieron que tragarse sus palabras al ver cómo en el 2003 le entregaron a este cantante un título honorífico en la Universidad de Berklee. Y si los años dieron esta dicha, también volvieron a pasarle una factura a su salud. Una operación en sus cuerdas vocales en el 2005 y terapia en sus piernas en el 2008, lo alejaron de nuevo de los grandes escenarios. Y si bien hubo discos y recopilaciones de Aerosmith, estos se tuvieron como un momento de llegar a las nuevas audiencias. A pesar de especulaciones sobre el fin de su carrera, Tyler no ha perdido su entereza y entró a formar parte del grupo de jurados del concurso American Idol, confirmándose como una figura clave del universo del entretenimiento que da material hasta para crear atracciones en parques de diversiones. Su figuración en el reality musical lo conectó con las nuevas generaciones y además fue un trampolín para las nuevas aventuras musicales de Aerosmith como lo fue el disco Music from Another Dimension (2012). A sus 68 años, parece que no le falta mucho o por hacer. O si le falta, es justamente seguir siendo ese personaje que a la industria le da canciones, discos, giras, videos y sonrisas. El que cayó y se levantó. El que se presenta en Bogotá el 29 de septiembre y que listo está para mostrarnos que el rock sigue siendo parte de la industria.
Desde videos de todo el gusto pop de MTV hasta bandas sonoras de todo tipo de películas (¿quién se puede olvidar de Armageddon?), y pasando por documentales que hablaban sobre su relación con las drogas, la presencia de Aerosmith en pantalla ha sido amplia y abundante. Acá un repaso. Por: José “Pepe” Plata // @owai // Foto: Gettyimages Hay artistas que bien ha madurado apareciendo en las pantallas y se han adaptado a los diferentes formatos. En el caso de Aerosmith, son una de las pocas bandas que tienen una relación con el mundo audiovisual que ya casi completa cuatro décadas. Justamente en 1978, en plena época punk, disco, new wave y también de hardrock, la banda es invitada a formar parte de la película del Sargento Pimienta. El resultado es justamente una interpretación bien rockera de Come Together que suena así: En esa prolífica década de los setenta, la banda presentó además de disco, una primera grabación de sus presentaciones. El famoso Texxxas Jam de 1978 nos ofrece a la banda en plena época de aquel rock y aquel heavy que acaparaba los oídos y las estaciones de radio. Un recuerdo de este momento, justo nos los trae así. Esa misma década que los llevó al éxito y reconocimiento, también fue un momento de excesos y de no conocer límites. Entre giras y discos el grupo casi sucumbe a problemas de alcoholismo y drogas que al entrar en los ochenta los desdibujaron. Los seis discos que grabaron en ese tiempo, fueron ampliamente recordados. Los ochenta fueron una década de altos y bajos. Solo fueron cuatro discos. Pero dos de ellos fueron definitivos en la segunda parte de ese decenio. En 1982, presentaron Rock in a Hard Place y tres años más tarde, Done with mirrors. Con Permanent Vacation (1987), la banda se engancha de nuevo al engranaje del rock. Fue el momento para sacar la casta y presentar videos de canciones como Dude looks like a lady (que hasta fue versionada por Shakira) Y también de Rag Doll. Permanent Vacation resucitó a la banda, de eso no hay duda, Por eso, cuando en 1989 apareció Pump, la máquina estaba aceitada y los sencillos, los videos y las ventas gigantes no se hicieron esperar. Fue el momento para ver videos de canciones como Love in an elevator y Janie´s got a gun que los hicieron favoritos de MTV. Esa misma década les permitió formar parte de un documental dedicado al rock que se hizo en 1988, como segunda parte de uno de 1980 llamado El declive de la civilización occidental. Aqui hablan sobre su relación con las drogas. Ya en los noventa, su presencia en las pantallas da para formar parte de la legendaria película Wayne´s World, donde aparecen en vivo: Justo en 1993, presentan Get a Grip, otro exitoso disco con siete sencillos y siete millones de discos vendidos. El mismo que nos trajo canciones como Crazy, Livin´on the edge o Love in an elevator. Una vez más, el mundo sucumbía a sus sencillos y a sus videos. Con Nine Lives, disco de 1997, el mundo volvió a aclamarlos con videos como Falling In Love (Is Hard On The Knees), Hole in my soul y Pink. Sin duda, un momento clave para una banda que se acercaba a sus treinta años. El siglo XXI, nos trajo una banda que no perdió el encanto entre sus discos y sus videos. Con Just Push Play (2001) la generación que compartía gustos musicales por Napster y que tenía messenger, se deleitaba con videos como Jaded. El rock no había muerto. Solo se había transformado y en el 2004 presentaron un box set con videos, música y experiencia interactiva bajo el nombre de You Gotta move. Un compendio aclamado por traer ya una banda de tres décadas de vida. Y también presentaron Honkin on´ Bobo. Un disco de once versiones de blues y rock y una canción nueva: The Grind. Era una manera de tomar una pausa y de hacer un homenaje a sus influencias. Cuatro años atrás, su última producción de estudio fue Music from Another Dimension! Ese 2012 nos trajo su decimoquinto disco. El mismo con el cual terminaron su contrato con Sony Music. Un disco que superó la operación en las cuerdas vocales de Steven Tyler y que además se presentó en versión sencilla y doble. De él nos queda el video de Legendary Child, con el cual dejan en claro que son una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos. La filmografía de la banda incluye 37 videos y siete recopilaciones de sus obras para la pantalla. Si a eso le sumamos la aparición en bandas sonoras de películas como Armageddon, Last action hero, Los ángeles de Charlie, El hombre araña, Rugrats, Starsky y Hutch o Sex and the City, tenemos en si a una banda que sabe aprovechar su talento a cual más. Que entre discos y apariciones en televisión, se ha hecho partícipe de una parte de la historia que si antes se veía en la pantalla grande o chica, ahora tiene su continuación en YouTube. No en vano tiene 700 millones de vistas en su canal de Vevo. Si hay dudas, mejor será verlos en vivo el jueves 29 de septiembre.
Comenzamos a hacer cuenta regresiva para el regreso a Bogotá de una de las bandas más espectaculares, en todo el sentido de la palabra, del mundo roquero. Un lugar que se han ganado por el brillo incandescente de Steven Tyler y por ser dueños de clásicos como la pegajosa Walk This Way. Por: José “Pepe” Plata // @owai ¿Cómo puede una canción reinventarse o llegarle a una nueva generación justo cuando ya tenía una historia? La fórmula no está escrita y así como algunos apuestan por versiones estilizadas o también versiones que convierten a la original en otra cosa, hay algunas que logran salir adelante con un vigor llamado colaboración. Aerosmith bien lo sabe. Mientras en los años setenta Aerosmith labraba su camino mostrándose como una banda de rock que tenía como epicentro a Boston, paralelamente las calles de Nueva York y Chicago iban viendo cómo una cultura musical de ghettos emergía. Se trataba del hip hop. El quinteto de Steven Tyler ya presentaba discos y ganaba popularidad en los listados de ventas, pero también vivía una faceta oscura de drogas y alcohol que por poco opacan los esfuerzos musicales. Justo en 1975, con la publicación de su tercer disco Toys in the Attic, apareció una canción mítica no solo dentro del repertorio de la banda sino para las culturas pop y rock en general. Se trataba de Walk this Way, una poderosa consecución de riffs y juegos vocales que nunca ha de faltar cuando se hace referencia a la banda. La idea de ella nació en diciembre de 1974 cuando la banda se encontraba en Hawaii. Una pequeña improvisación dio la idea para una canción que se grabaría en Nueva York en 1975. Fue lanzada como sencillo y alcanzó buenos registros de popularidad en 1977. Aerosmith continuaba con una sinuosa carrera musical de discos, drogas y escándalos. Pero en las calles, el hip hop comenzaba a reinar. Nueva York se daba cuenta del poder de los tornamesas, el baile, el scratch y todos los elementos de esta cultura. El sonido que salía no tenía guitarras, bajos o baterías. Era una combinación de beats, voz y mucha descarga e improvisación. En los ochenta la banda tan solo lanzó dos discos entre 1980 y 1985: Rock in a Hard Place (1982) y Done with Mirrors (1985). Mientras tanto, el naciente canal MTV tenía las riendas de la difusión musical con un producto de consumo de alto impacto: el videoclip. Siendo lanzado en agosto de 1981, el canal se convirtió en la vitrina de exposición más rápida de la industria. Así fueron apareciendo Madonna, Michael Jackson, Toto o Billy Joel. Pero en ese universo Aerosmith poco aparecía. La música de Aerosmith, si bien había sido un estandarte de los setenta, no se acoplaba a las tendencias de los ochenta. Ya existían otras maneras de entender el heavy metal con grupos como Metallica o Iron Maiden. Ya existían etiquetas como thrash o speed metal. ¿Y entonces cómo se podía llegarle a una nueva audiencia con algo que les fuera creíble y consumible, pero a la vez divertido? La respuesta fue, justamente, con un video. Rick Rubin, productor del disco Raising Hell de Run D.M.C, le mostró a la banda aquel legendario disco de Aerosmith, Toys in the Attic. Los hoppers se sintieron reticentes a ese sonido, pero poco a poco fueron cediendo. No era para menos. La calidad de la canción hizo que hubiera una atracción hacia el sonido y su posibilidad de expansión. Run D.M.C. relanzó Walk this Way y contó con la participación de Joe Perry y Steven Tyler. El video muestra una especie de confrontación entre el rock y el hip hop. Pero luego se ve que se complementan perfectamente. Salía a flote una relación musical que no ha parado. No en vano la canción daba para cosas de ese tipo y la vida sonora de Aerosmith tuvo un nuevo impulso. Al año siguiente lanzaron su disco Permanent Vacation y dos años después, Pump. La década se cerraría con un repunte en la carrera de la banda de Boston y con la consolidación del hip hop como parte de la industria musical. Esa unión sonora abrió espacio para la presencia del hip hop en el rock, el metal y otras formas sonoras. No en vano, se escuchó y vio en los noventa con la película Judgement Night (en la cual grupos de rock se unen con proyectos de hip hop para hacer canciones), con Rage Against the Machine, Limp Bizkit o hasta con Britney Spears. De seguro, un repaso sonoro del impacto de esta canción vale la pena. No solo gustó en los setenta, ochenta y noventa. También en este milenio gusta...y le gusta hasta a los pitufos.
Antes de que Steven Tyler se dedique a sus proyectos como solista y termine la historia de Aerosmith, van a pisar tierras colombianas para despedirse. Confirmamos precio y locación. Será, definitivamente, la última vez que los chicos malos de Boston visiten Colombia. La primera fue el 20 de mayo del 2010 ante más de 30 mil personas. El 03 de noviembre de 2011 regresaron a la capital y demostraron en el escenario porque Aerosmith es una de las grandes bandas del mundo con el poder de la doble actuación Tyler y Perry.Ahora vuelven 5 años después, con la gira “Rock N’ Roll Rumble Aerosmith Style 2016” que trae de regreso a Colombia a todos los miembros originales de la banda: Steven Tyler, Joe Perry, Joey Kramer, Tom Hamilton y Brad Whitford, alineación cuya esencia se ha mantenido durante 46 años.Será la última vez que los veamos interpretar sendos temas como “Love in a elevator”, “Janie’s got a gun”, “Don’t wanna miss a thing”, “Dude looks like a lady”, “Walk this way”, “Dream on” y “Sweet emotion”. Aerosmith, sigue siendo parte viva de la historia del rock mundial; ha vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo y ha sido incluido en el Rock and Roll Salón de la Fama. Además han recibido ya innumerables premios, entre ellos cuatro Grammy, ocho American Music Awards, seis premios Billboard y 12 MTV Video Music Awards, entre muchos otros honores.Las boletas estarán disponibles el Lunes 16 de mayo a través de Tu Boleta.Las primeras 1500 boletas en Localidad Platino tienen un costo $430.000 + servicio y las primeras 1500 boletas en en Localidad General tienen un costo de $205.000 + servicio. El precio de las boletas restantes es de $480.000 + servicio en Localidad Platino + servicio y de $230.000 + servicio en Localidad General.
Del 25 al 28 de abril y del 2 al 5 de mayo, el público del Festival de Jazz de Nueva Orleans, podrá ver a artistas colombianos como el Grupo Niche, Bomba Stereo, Jacobo Vélez y La Mambanegra, Los Cumbia Stars, Kombilesa Mi, Matachindé, Rancho Aparte, Agrupación Changó, Gregorio Uribe, Cimarrón y Gaita Loop. El Festival de Jazz de Nueva Orleans es una fiesta cultural de 10 días en la que miles de músicos, cocineros y artesanos dan la bienvenida a cerca de 400.000 visitantes cada año. La Feria del Patrimonio de Luisiana presenta música inolvidable en múltiples escenarios, cocina tradicional de Luisiana en dos grandes áreas de comida y artesanos de la región y de todo el mundo que demuestran y venden su trabajo. Colombia, descrita por el Festival como ‘la potencia cultural de América Latina’, lleva a Nueva Orleans una celebración musical de salsa, cumbia, champeta, vallenato, chirimía y currulao acompañada, además de las presentaciones en los 14 escenarios del festival, desfiles diarios en honor a Colombia, sumadas a experiencias culturales inmersivas junto a artesanos indígenas y afrocolombianos, así como lo mejor de la cocina tradicional de Colombia, según un comunicado del Ministerio de Cultura. "Nos complace anunciar que Colombia es el país invitado al Festival de Jazz y Patrimonio 2024, con artistas y artesanos excepcionalmente talentosos que mostrarán la rica diversidad de nuestra cultura. En el festival, celebraremos a Colombia: el País de la Belleza y compartiremos nuestra pasión por la música con la gente de Nueva Orleans y de los Estados Unidos", expresó el Embajador Daniel Ávila, Encargado de Negocios de la Embajada de Colombia en los Estados Unidos.Además, se propone un intercambio cultural binacional entre dos formatos instrumentales: Chirimía Chocoana y New Orleans Brass Band, un encuentro entre dos culturas centrado en un lenguaje común: la improvisación.Este enfoque se basa en el formato instrumental derivado de las bandas militares europeas establecidas durante la conquista de América, que consta de percusión y vientos, un elemento que ambas culturas comparten. El resultado de este proceso es una producción musical que consta de dos piezas musicales integrando los dos formatos instrumentales, que serán publicadas en EP y en las diferentes plataformas de difusión musical, además, será la memoria que refleja el paso de Colombia por el Festival.La participación de Colombia en el festival en 2024 fue posible gracias al apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores, el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y la Embajada de Colombia en los Estados Unidos.
Sean “Diddy” Combs ha sido objeto de varias demandas civiles en los últimos meses. Hoy hay una investigación federal en su contra. Agentes federales realizaron registros en las propiedades de Combs, donde se encontraron armas, y sus teléfonos fueron incautados en un aeropuerto como parte de una orden emitida por el Tribunal de Distrito de Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York, según dijeron fuentes policiales.Desde noviembre, Combs ha sido objeto de varias demandas en Nueva York acusándolo de agresión sexual, tráfico sexual y participación en otras actividades delictivas. Combs ha negado todas las acusaciones y las calificó de repugnantes.Al menos cuatro personas han sido entrevistadas sobre acusaciones de tráfico sexual, agresión sexual y solicitud y distribución de narcóticos y armas de fuego ilegales, según declaró una fuente familiarizada con el asunto a NBC News. Repasamos la lista de demandas de abuso sexual contra el rapero y productor: Marzo de 2024La casa de Combs fue allanada como parte de una investigación de tráfico sexual en curso en Nueva York. Febrero de 2024Diddy fue acusado de agredir sexualmente al productor de The Love Album Rodney “Lil Rod” Jones. El hombre acusó al rapero de "participar en actividades ilegales graves", incluida agresión sexual. Diciembre de 2023Una acusadora anónima presentó una demanda en diciembre alegando que Combs, el ex presidente de Bad Boy Entertainment, Harve Pierre, y un tercer agresor anónimo la violaron en grupo cuando tenía 17 años, en 2003.En ese momento, Combs publicó un comunicado en el que afirmaba: "BASTA, ES SUFICIENTE", dijo. "Durante el último par de semanas, me he sentado en silencio y he visto a la gente intentar asesinar mi personaje, destruir mi reputación y mi legado. Personas que buscan un día de pago rápido han hecho acusaciones repugnantes en mi contra". "Permítanme ser absolutamente claro: no hice ninguna de las cosas horribles que se alegan. Lucharé por mi nombre, mi familia y por la verdad", continuó Combs.Noviembre de 2023Joi Dickerson-Neal alegó que Diddy la drogó y agredió sexualmente. La mujer presentó una demanda contra Combs que alegaba que fue víctima de "pornografía de venganza".Combs grabó en video el asalto de enero de 1991 y distribuyó la cinta a otros en la industria de la música, según la demanda. Noviembre de 2023Cassie Ventura, expareja del artista, acusó a Diddy de violación y tráfico sexual antes de llegar a un acuerdo. La exnovia de Combs, la cantante Cassie Ventura, acusó a Combs de violación, tráfico sexual y abuso físico en una demanda civil. Combs y Cassie llegaron a un acuerdo por una cantidad no revelada un día después.Cassie alegó en la demanda que Combs le ofreció excesivas cantidades de drogas y alcohol, abusó físicamente de ella y " tomó el control" de su vida, desde su atención médica hasta sus oportunidades profesionales. Combs también supuestamente la habría violado en 2018, y la habría obligado a tener encuentros sexuales con otros hombres. Noviembre de 2023 Una demandante anónima alegó que Diddy y el cantautor Aaron Hall se turnaron para violarla a ella y a una amiga en la ciudad de Nueva York en los 90. Junio de 2019Gina Huynh alega que Diddy abusó de ella durante una relación de cinco añosHuynh, le dijo a la bloguera de YouTube Tasha K en junio de 2019 que el magnate de Bad Boy supuestamente abusó físicamente de ella y una vez le "pisoteó" el estómago."Estaba abusando de mí mental, emocional y físicamente. Siempre me comparaba con Cassie y me decía que yo soy la mala y ella la buena", dijo Huynh, añadiendo que el círculo íntimo de Combs "permitió" que el abuso continuara.
El Animé Sinfónico Orchestral Openings rendirá homenaje al hombre que hizo parte de nuestra historia, al crear miles de aventuras: Akira Toriyama, creador de Dragon Ball y fallecido el 1 de marzo de 2024. La cita será el próximo 21 de abril en el Teatro Universidad de Medellín a las 5:00 p.m. Las entradas estarán disponibles en la web eticket.com y los precios oscilan entre $154.000 y 220.000 en la web eticket.com. Akira Toriyama dejó huella en todo el mundo, con 18 mangas de historia, más de 17 historias de mangas cortos, un programa de televisión y una obra maestra llamada Dragon Ball,. El Animé Sinfónico Orchestal Openings presenta canciones que nos llevarán a aquellas series japonesas que nunca nos podríamos olvidar y que aún hoy en día las llevamos en nuestro corazón. Se interpretarán temas de series como Dragon Ball, Saint Seiya, Digimon, Pokémon, Evangelion, Sailor Moon y muchos más unto a La Orquesta Sinfónica del Valle de Aburrá acompañados con más de 35 músicos en escena, las voces de la cantante antioqueña Miranda (primera ganadora de La Voz Colombia) y Áleran de Adularia (Darknees), Ana María Cerón y Alexander Ordoñez (Rojal Proyect- Banda de Rock) dirigido por Daniel Santiago Plazas Duarte."Siempre hemos creído que la infancia, la adolescencia o la juventud son un tema de momento, que los años pasan y que nunca volveremos a escuchar aquellas canciones que nos recuerdan las series que han pasado por nuestros ojos, por nuestros odios, por nuestros sentidos. Creemos que el cielo resplandece a nuestro alrededor, siempre tomamos el camino de la verdad y la justicia lunar, pensamos en vencer a todo el mal y llegaremos hasta el final con el poder del cosmos y solamente queremos con todo nuestro calor brindar una canción y viajar hasta ser maestros Pokemón para vencer a los titanes con nuestras voces", dice en un comunicado Matrix Entertainment, empresa organizadora del evento. ¿Quién fue Akira Toriyama?Nacido en Nagoya, Aichi, primero ganó reconocimiento por la exitosa serie de manga Dr. Slump, antes de crear Dragon Ball y trabajar como diseñador de personajes para varios videojuegos populares como la serie Dragon Quest, Chrono Trigger, y Dragón Azul.Toriyama fue considerado como uno de los autores que cambió la historia del manga, ya que sus obras son muy influyentes, en particular Dragon Ball, que muchos artistas citan como fuente de inspiración.El artista falleció a la edad de 68 años el pasado 1 de marzo. El querido creador de manga deja un enorme legado y será recordado por miles de fans.
El ministro de Cultura de Colombia, Juan David Correa, le pidió al cantautor cubano Silvio Rodríguez, venir a realizar un concierto en nuestro país. El pedido se hizo a través de una carta. “Millones de colombianos crecimos con sus canciones como usted lo ha podido atestiguar a través de sus visitas a nuestro país. Hoy quisiera pedirle, a título personal, ciudadano e institucional, y en nombre del señor presidente, que nos acompañe una vez más, que nos permita oír su voz en un concierto que podemos organizar allí donde usted lo considere (…)”, señala el Ministro en la misiva. La propuesta del Gobierno es que dicho concierto se realice en un municipio del Caribe colombiano, por cuenta de los posibles problemas que la altura de Bogotá podría acarrear en la salud de Rodríguez. “Parte de mi tarea, ahora como ministro, a admirado Silvio, es proponer espacios colectivos que signifiquen nuestras vivencias atávicas y nos permitan, a través de los símbolos, creer que es posible derrotar el miedo y la pura y abrazar la esperanza de una sociedad que pueda superar la idea de venganza”, continúa la carta. ¿Cuándo fue la última vez que vino Silvio Rodríguez a Colombia?Silvio Rodríguez, uno de los mayores exponentes de la canción social y la Nueva Trova cubana, no viene a Colombia desde julio de 2010, cuando realizó una presentación en Medellín, como parte del Tercer Congreso Iberoamericano de Cultura. En esa jornada, Rodríguez compartió escenario con otros cantautores como Jorge Drexler, León Gieco, Fito Páez, el Quinteto Suárez Paz, Susana Baca, Rosario, Antonio Carmona, Zoe, Rodolfo Mederos, Aterciopelados y Alfredo Gutiérrez.En Bogotá, fue una estancia de tres días en 1995, que lo tuvo por universidades, teatros y centros culturales. En mayo de 1993, tuvo una gira llamada ‘Canciones urgentes 93′ que lo llevo por Medellín, Cali y la capital colombiana. A sus 77 años, es considerado como el mejor cantante folklórico de Cuba y posiblemente uno de los mejores cantautores de América Latina.Conocido por sus letras intelectuales, altamente elocuentes y simbólicas, sus canciones son elementos icónicos de la cultura popular latinoamericana de izquierda. Ojalá, Playa Girón, Unicornio, Sueño con Serpientes, Vamos a andar o La maza son algunas de sus canciones más conocidas. Rodríguez es un símbolo de la izquierda latinoamericana. Silvio Rodríguez es considerado líder de la Nueva Trova Cubana, movimiento conocido por sus letras, que intentaban escapar de las banalidades de la vida concentrándose en el socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo y el racismo.
(Sobre)vivimos otra edición del Festival Estéreo Picnic 2024 que, en términos generales, suplió y sobrepasó las expectativas del cambio del venue y de un cartel que parecía anacrónico.Las mudanzas traen consigo una lista de pendientes que se van ajustando con el tiempo, adecuarse a un lugar nunca es fácil. Sin embargo, como un mueble viejo que se rehusa a botar, el acoso nos persigue sin importar a qué casa nos pasemos. Y, peor aún, nos persigue el arquetipo de la “victima perfecta” a donde sea que vayamos.Cada año se habla de paridad de género en el cartel, se incorporan organizaciones (como la Secretaría de la Mujer o la Línea Púrpura trabajando de la mano con Échele Cabeza) y se repite el estribillo de que el espacio en el que estamos es seguro para nosotras. Pero la realidad es diferente.Si bien hay rutas de acción que antes no estaban claras antes, la ejecución sigue siendo insuficiente. El tercer día del Festival Estéreo Picnic 2024 un grupo de mujeres que estaba disfrutando del concierto de Feid fueron acosadas por un hombre que consumió sustancias de forma irresponsable.Vamos por partes para entender lo problemático de lo sucedido, además de lo obvio.Aunque la entrada de sustancias psicoactivas esté, en teoría, prohibida en este tipo de festivales, el consumo es un hecho y por eso están organizaciones como Échele Cabeza que buscar proteger al consumidor y cuidar de él.¿Quién cuida de nosotras?Si les parece que jodemos con el enfoque de género no es de gratis. Los espacios sin este son peligrosos para nosotras e incluso los que están intentando tenerlo, en el proceso de prueba y error, resultan violentos.La gestión de riesgos y los protocolos de cuidado de los consumidores siempre van a estar cojos si quienes consumimos, las instituciones y los organizadores no entienden que las mujeres somos agredidas por ser mujeres y es un hecho que debe ser considerado y priorizado en la creación de protocolos y/o rutas de acción.El caso de las mujeres que fueron acosadas por un hombre intoxicado nos plantea más preguntas que respuestas. ¿Cómo garantizar un espacio de consumo responsable que al mismo tiempo sea seguro para nosotras? ¿Qué rutas de acción existen para este tipo de situaciones y cómo se ejecutan? ¿Por qué esperan empatía de nuestra parte cuando nadie la tiene con nosotras?En el comunicado publicado en Twitter, y ahora eliminado por partes, desde la cuenta de Échele Cabeza, precisan sobre lo ocurrido y hacen un llamado a la empatía con el hombre que consumió de más, se desnudó, persiguió mujeres y las orinó.Claro, que dentro de los acuerdos sociales tácitos que como consumidores de sustancias tenemos, está (o debería) la empatía con el malviajado o con el que se le fue la mano. Pero la balanza de la empatía no se puede poner en la misma escala de valores que la del acoso.Pasamos a diario suficientes situaciones para saber, incluso corporalmente, cuando estamos en peligro. Para nosotras no es un caso aislado, es nuestro día a día.En el FEP fue un hombre que consumió de más, en la calle es un desconocido y en las fiestas puede ser un amigo.En un mundo ideal podríamos repartir empatía para los dos lados, pero vivimos en una sociedad twittera que al mismo tiempo que exige pruebas, también juzga a las mujeres por grabar a un hombre “en estado de inconsciencia”.Y volvamos a esto por un momento. Los hombres nos acosan en cualquier estado de consciencia y nosotras nos tenemos que defender en todos, porque nadie nos garantiza espacios totalmente seguros.Para las mujeres acosadas las rutas de acción tomadas por el equipo de logística del festival fueron insuficientes, para la logística y para Échele Cabeza fueron las necesarias para cuidar, principalmente, de la persona que estaba intoxicada.La decisión de la organización de eliminar algunos de los tweets que hacían parte del comunicado, dan cuenta de que es una conversación que en muchas ocasiones termina siendo unidireccional. La discusión no puede excluir las experiencias de las mujeres que han sido violentadas y no pueden existir rutas de acción claras sin entender lo que estas situaciones significan para nosotras, como consumidoras y como asistentes a eventos de música.Si bien este caso en particular agitó conversaciones necesarias sobre el consumo responsable de sustancias también puso sobre la mesa que aunque la logística del festival parece estar tomando una forma ya clara, no va a estar completa hasta que no se plantee desde un enfoque por y para las mujeres.El consumo de sustancias psicoactivas y la logística del festivalPor Daniela TrujilloDurante la presentación de FEID, en el escenario Jhonny Walker, un hombre completamente desnudo, quien se encontraba en un estado muy alterado debido al consumo, se estimuló frente a varias de nosotras y luego, posterior a ello, procedió a orinarnos. Otras mujeres que se encontraban ahí, en otras ubicaciones, denunciaron a través de X e Instagram que este hombre las persiguió o las golpeó. La logística tardó en reaccionar, junto con la policía, quienes no tenían claros a los pasos a seguir. Su respuesta tras lo que nos había sucedido fue que “no podían hacer nada porque estaba drogado” y se quedaron un buen rato detrás del sujeto mientras él se movía libremente por el lugar. Después de que sus compañeros pidieran que no lo sacaran del parque, pues él no sabía lo que estaba haciendo.Es necesario decir que no fue el único caso, pues tras haber realizado la denuncia pública, más mujeres se quejaron de que en otros lugares del parque, otros hombres alcoholizados, también habían ejercido acoso hacia ellas.Si bien a la mañana siguiente el equipo de festival se comunicó conmigo y también lo hizo la Secretaría de la Mujer, junto a la Línea púrpura, quienes me dijeron que el hombre, de nacionalidad francesa, fue trasladado al espacio de Échale Cabeza para ser sedado y sacado en ambulancia.Considero necesario que esta experiencia sea un llamado no solo a la rápida acción, pues gran parte de lo sucedido pudo haber sido evitado, teniendo en cuenta que este sujeto estuvo corriendo a través del escenario durante al menos diez minutos antes de que llegara el 911, sino también al consumo responsable.Gran parte de los comentarios que recibí decían que este evento poco o nada tenía que ver con una sesgo de género, puesto que solo era una persona en un estado vulnerable y aunque esto último es cierto y concuerdo con que necesitaba ayuda urgente, las personas afectadas fueron directamente mujeres. Queda entonces el sinsabor de que el estado de desinhibición de muchos es una justificación para ejercer acciones violentas contra otros y que esto, a los ojos de algunas personas, sigue siendo normal.Sí, la logística debe tener una mejor capacitación, eso es un hecho, pero que este proceso de formación respecto a cómo debemos vivir los festivales también sea para los asistentes.