Blur subió al escenario de Coachella en el segundo día del festival. Los íconos del britpop tocaron un set de 13 canciones con clásicos y temas de su álbum más reciente The Ballad of Darren. Era la primera vez que Blur estuvo en Coachella desde 2013 (aunque Damon Albarn (vocalista de la banda) ha hecho algunas apariciones sorpresa en los últimos años). La banda interpretó algunas de sus canciones más queridas. El público del festival ha sido criticado en redes, porque, cuando llegó el momento de la conocida Girls & Boys, Damon Albarn invitó al público a cantar con él, y se encontró con silencio. "El público de Blur en Coachella fue tan vergonzoso, Damon, lamento mucho no haber estado allí", escribió una persona en X.“ESTO ES DOLOROSO”, se quejó otro usuario de redes.“Coachella parece lo peor. Pobre Blur”, dijo un fan. “Estoy convencido de que Coachella tiene las peores vibraciones y personas posibles. ¡Es el maldito Blur, muestra algo de respeto! escribió otro.Otros cuestionaron si Albarn realmente podía haber esperado que el público joven de Coachella conociera su música. “¿Quién contrató a Blur para Coachella en 2024 y esperaba que los niños conocieran estas canciones?” preguntó una persona.¿Blur se tomará un descanso? “Nunca nos volverán a ver, así que mejor canten esto”, dijo Albarn con una mano en el bolsillo, indicando que Coachella 2024 bien podría ser la última vez que Blur toque en el festival. En diciembre de 2023, Albarn anunció que Blur se tomará otro descanso. "Esto es demasiado para mí", afirmó el artista. Hablando con la revista francesa Les Inrockuptibles para su edición de diciembre de 2023, Albarn admitió que es hora de “concluir esta campaña”, ya que afirmó que publicar música tanto para Blur como para Gorillaz ha sido agotador. "Es increíble tener dos bandas enormes, te permite hacer las cosas dos veces", dijo. “Pero es hora de concluir esta campaña. Es demasiado para mí. Fue lo correcto y un inmenso honor volver a tocar estas canciones, pasar tiempo con estos muchachos, hacer un álbum... No digo que no lo volveré a hacer, fue un hermoso éxito, pero estoy no insistir en el pasado”.
Este no es un listado producto de la sistematización y el debate, como lo hacemos cada año en nuestra selección de los mejores discos y las mejores canciones colombianas (acá los pueden ver en nuestro especial).No nos interesa ser prescriptores de lo que “deberían” o no escuchar. Pero acá están los discos que cada uno de nosotros cree que vale la pena, cuanto menos, compartir.Por Paula Ricciulli 'Rush'- ManeskinDesde hace un par de años, la banda italiana ha estado en todas partes: desde Eurovisión hasta el listado de las más populares de TikTok. A comienzos de 2023, Maneskin presentaron su tercer álbum con 22 canciones que retratan su corta pero vertiginosa carrera. En Gossip, junto a Tom Morello, la banda le habla a los chismosos y al sueño americano. En Kool Kids incursiona en el post-punk y en Feel, se burlan de la "cocaína en la mesa", en referencia a su escándalo de 2021, cuando se acusó a Damiano de inhalar cocaína en el marco de Eurovisión. Es un disco sumamente divertido en el que el grupo no se toma a sí mismo demasiado en serio. 'The Ballad of Darren'- BlurThe Ballad of Darren es el noveno álbum de Blur y el primero en casi 8 años. Son 10 canciones concisas en las que el grupo explora la pérdida, la nostalgia y la melancolía. Aunque todos los miembros de Blur han tenido proyectos independientes, definitivamente es innegable la fuerza cuando se reúnen los cuatro integrantes: cada uno encaja en un perfecto rompecabezas. En palabras de Damon Albarn a Consequence of Sound: “claramente hay algo de magia ahí que no podemos aprovechar a menos que seamos nosotros cuatro en una habitación. Es como tener una solución mágica. Tienes pequeños viales, tomas una pipeta y dejas caer ciertas cosas en ella y solo con la combinación correcta se vuelve del color Blur”.'Data'- TainyConsiderado uno de los mejores álbumes latinos del año, Data nos presenta un viaje por el trabajo de una de las mentes maestras del reggaetón. En momentos en los que este género es uno de los más escuchados mundialmente, llega la pregunta: ¿Qué viene ahora? La respuesta, según el reconocido productor, está entre referencias al sci fi o al anime, y una fusión de electrónica, pop, R&B y afrobeats. Son 19 canciones con artistas y propuestas diferentes, pero una cosa en común: el ímpetu creativo de Tainy y su capacidad inagotable de crear hits. 'GUTS'- Olivia Rodrigo Con Sour, su álbum debut, Olivia Rodrigo evocó a Paramore, que fue determinante para el feminismo pop-punk de las millennials. Ahora con GUTS, su segundo trabajo, la artista de tan solo 20 años sigue dejando huella en la biblia de mujeres rabiosas del rock, al mejor estilo de Courtney Love, Gwen Stefani o Alanis Morrisette. En inglés, la palabra GUTS tiene varias acepciones: tripa o vísceras, y también valentía o coraje, y el álbum reúne las 2: la rabia de sobrellevar las altas expectativas que se tienen de las mujeres y las decepciones amorosas, y las agallas para hacer un trabajo que cautiva y emociona a todas las generaciones. Por Fabián Páez López'Lahai'- Sampha Nos dijo Sampha en entrevista para Shock que convertirse en padre lo hizo sentirse parte de una cadena que no sabe hacia dónde va, pero que tranquiliza el miedo existencial que le provoca su propia finitud. Quizá por eso ‘Lahai’, el segundo álbum de este artista nacido en Londres fue lanzado seis años después de su genial debut con ‘Process’. Quizá por eso habla insistentemente de la conexión con las personas, de la permanencia en el tiempo (Lahai no solo es su nombre, sino el nombre de su abuelo), de los sueños y la espiritualidad. Y quizá por eso también su voz se desliza entre la calma más profunda y el desgarro existencial. Sampha, que ha acompañado a SBTRKT, Kendrick Lamar, Travis Scott, Beyoncé o Drake, volvió a ponerse en el centro con un álbum terapeútico, impresionista y reflexivo; una producción que experimenta con secuencias acústicas programadas y nos enseña, sin querer, sobre la paciencia y otra de las inquietudes de Sampha: volar.'Venus & Blue'- RubioVenus & Blue es el tercer álbum de la chilena Fran Straube con su proyecto solista Rubio. Son 10 canciones en las que aparecen ritmos impredeciblemente, van desde el pop experimental, pasan por el new wave, el dembow, la música clásica y el rap. Los temas están dispuestos de tal forma que Fran no es la protagonista, sino una traductora de estados emocionales, aunque sus letras vengan de vivencias personales; quiso jugar con la idea de los dos personajes, por eso Venus y Blue representan dos estados de ánimo encontrándose. Es un disco que te lleva de arriba a abajo y de abajo a arriba en una misma canción. Te infla el pecho con arreglos de música clásica mientras te pone nostálgico o te pone a bailar un perreo lagrimeando. Sobre este disco hablamos con ella, aquí encuentran la entrevista completa.'Timeless'- DavidoHace rato que la música pop bebe a chorros de los afrobeats. Y ya son bien conocidos en la industria los nombres de los nigerianos Burna Boy, WizKid o Rema. El impacto ha sido tal que hasta Burna Boy y Rema, por ejemplo, colaboraron con J Balvin y Feid, respectivamente. Por constancia y capacidad de hacer himnos tan bailables como virales, David Adeleke (Davido), que también es de origen nigeriano y es uno más en la lista, demuestra que los afrobeats se instalaron en el mapa de la popularidad. Timeless es su cuarto álbum de estudio y fue lanzado después de un trágico accidente en el que murió su hijo de tres años. Por eso empieza este álbum con canciones para sobreponerse y pararse firme. En el proceso, se anotó su canción más popular hasta la fecha: ‘Unavailable’ (feat. Musa Keys). 'Sundial'- NonameEn 2016 y 2018 Noname sacó dos de los mejores álbumes de rap de los últimos tiempos (en 2018 acá reseñamos Room 25). Desde entonces, poco se escuchó de ella. Si la siguen en Instagram sabrán que le hastían las lógicas de la industria de la música. Grabar en medio de la desigualdad y las contradicciones. Le hastían el racismo, el capitalismo, la desigualdad, el capacitismo y, sobre todo, la falsa solidaridad y la condescendencia. Noname tiene inevitablemente un modo de rapear que suena intelectual. Pero detrás de la mordacidad y la profundidad de sus palabras este álbum suena, sobre beats jazzeros, como una ráfaga de barras plácidamente irónicas y punzantes. 'Kaytraminé' - Aminé, Kaytranada El dj haitiano-canadiense Kaytranada y el rapero de Portland Aminé tienen tanta química que combinaron sus nombres para trabajar en este álbum conjunto. Fue una fusión afortunada. Una fiesta que se salió de control y se fue de largo, haciendo beats grooveros, uptempo, e invitando a uno que otro amigo: Pharrell Williams, Snoop Dogg, Freddie Gibbs, Big Sean y, en mi canción favorita (‘Sossaup’) a Amaarae. Son 11 canciones y un poco más de media hora de pura diversión. Esperemos que lo vuelvan a hacer. 'Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)'- Yves TumorSean Lee Bowie nació en Miami pero se crió en Knoxville y ahora vive en Italia. Los medios lo han descrito como un genio enigmático que creció en un lugar consevador y restrictivo, sobre todo, para ser un adolescente negro y queer. Desde que adoptó el alias de Yves Tumor ha lanzado cuatro álbumes. Todos han sido aclamados por la crítica. Su mayor mérito ha sido, a mi juicio, incluir elementos del noise (que a veces suena pretencioso) en medio de una especie de rock alternativo y popero cuidado hasta el mínimo detalle. Yves Tumor armó un proyecto coherentemente extravagante. Este álbum, además, le agrega gospel a una ecuación indescifrable y fascinante. Por Valentina Alfonso 'The Record'- boygeniusEl trío que no sabíamos que necesitábamos sacó su álbum debut. Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker demuestran que la amistad y la colaboración musical pueden resultar en un disco que suena perfectamente armonioso de comienzo a fin (no por nada comienza con 'Without You Withuout Them'). 'The Record' se siente como sentarse a hablar con las amigas sobre amores y sobre lo bueno y malo de la vida, mientras se toma vino en un día frío.'New Blue Sun'- André 3000Tal vez es raro que un álbum completamente instrumental esté en los mejores del año, pero así de genio es André 3000. Aunque sus fanáticos tal vez esperábamos otra cosa, recibimos 'New Blue Sun' como un abrazo meditativo de ambientnjazz para parar un momento. En una época donde (casi) todo lo sobreproducido, lo rápido y lo cargado es lo que alcanza lo mainstream, el rapero nos lleva por un camino de 87 minutos de exploración musical, al fin y al cabo: ‘I swear, I Really Wanted To Make A «Rap» Album But This Is Literally The Way The Wind Blew Me This Time’'The Land Is Inhospitable and So Are We'- MitskiLa melancolía siempre ha estado presente en la música de Mitski Miyawaki, sin embargo, este disco es, probablemente, el más oscuro de su carrera. Con la soledad como protagonista la cantante armó once canciones existenciales, tristes y vulnerables que nos cuentan historias que parecen agarrarse las manos unas con otras hasta armar un sólo relato en el que, al final, se ve algo de luz.'Súper terror'- El mató a un policía motorizadoLa nostalgia por los 80 y la costumbre de sufrir por amor es lo que contiene el décimo álbum de la banda argentina. Inspirado en la post pandemia, las canciones retratan la incertidumbre, los finales y los nuevos comienzos apostándole todo al synthpop y alejándose del indie rock al que nos tienen acostumbrados. Relatos que pueden parecer lugares comunes pero que son, más bien, historias de las que nos sentimos parte.Por María Camila Dávila'Endless Summer Vacations' - Miley Cyrus Cuando Flowers salió, a principios de enero, Miley Cyrus levantó a la crítica. En marzo, Endless Summer Vacations se publicó completo y Flowers quedó de últimas en la lista de canciones del álbum. La artista dejó atrás cualquier identidad que la atara al pasado y nos demostró cómo el tiempo nos obliga a crecer y a sanar, por supuesto. Aunque el amor es, sin duda, el hilo conductor del disco, Cyrus es la protagonista total de sus canciones. 'Snow Angel (Deluxe)' - Renée Rapp En el 2022, Renée Rapp publicó Everything To Everyone, un EP en el que la artista y actriz demostró su habilidad para las letras y su destreza para cantar notas altas. Sin embargo, Snow Angel (Deluxe) da la sensación de que Rapp actuó con timidez en sus primeros pasos como artista, ya que con este álbum arrasa como una de las nuevas cantantes pop posicionadas en Estados Unidos. Con canciones que hablan del amor y la identidad, algo así como las letras de Taylor Swift pero mezclado con el nuevo aire rockero de Olivia Rodrigo, Snow Angel (Deluxe) propone a una nueva artista, no solo por su talento músical, sino por su personalidad tremendamente arrolladora.'Grey - EP' - Emily JamesLo que más resalta en el proyecto musical de Emily James es su voz. Es un susurro lo suficientemente alto y dulce para ser escuchado. Grey, su EP lanzado a mediados del 2023, tiene 6 canciones que, aunque cambien de ritmo, siguen la línea del pop suave, perfecto para corear en vivo. Así como ella misma lo escribe en su perfil de Spotify: todo lo que hay que saber de ella está en sus canciones y en la capacidad de contar historias desde la dulzura de su voz y su música.Por Nicolás Pava 'Desire, I Want to Turn into You' - Caroline PolachekAl universo le faltaba una estrella pop neoyorquina que pudiera cargar y proyectar caos como lo hace Caroline Polachek. Una modernización de lo gótico para el mainstream que gravita alrededor del canto hipnótico de la artista, permitiendo la disposición ante el mundo sonoro, gráfico y dramático que propone el proyecto. La portada sirve como puerta de entrada al universo que el álbum presenta, abordando el deseo y suscitándolo. Lo grandioso del álbum es el protagonismo compartido entre el canto y el diseño sonoro. Una producción con una amplia gama de elementos de la electrónica que abre el espacio para una de las voces más hermosas del momento.'This is Why' - ParamoreEn un mundo donde ya no se hacen clásicos, las bandas de la generación de MTV subsisten gracias a la melancolía, anhelando el efímero mundo que vimos surgir y desvanecerse. Esta forma de consumo fue la condición de existencia para el “pop punk” o “punk rock”. Haley Williams comprendió que ya no existían condiciones para ello e introdujo un tono "indie"/ “art rock”, fusionando la energía de su música con figuras rítmicas y melódicas más sofisticadas. Un álbum para escuchar en streaming pero cuya presentación en vivo es impactante. Lo vimos este año y lo tendremos el próximo en el FEP. El disco que sacaron de remakes “This is why: RE” con bandas invitadas sobre las mismas canciones es maravilloso y comienza con Foals, imperdible. 'Ultrakunst' - Brutalismus 3000La música electrónica nunca experimentó una aceleración tan pronunciada como después de la pandemia del 2020. El ritmo de las generaciones que cumplieron sus 18 años en confinamiento es un fenómeno notable. Las fiestas en todo el mundo se han visto invadidas por esta misma generación en busca de hard techno que se ajuste a la velocidad de su mundo saturado de sobreinformación digital. Con este álbum, el dúo berlinés está llevando a cabo una vanguardia dentro de la fórmula actual del mainstream. Rescatan el componente político del techno y de otros movimientos como el punk y el gabber, brindando una esperanza para que la nueva generación comprenda los principios éticos del techno y lo politice según su propio lenguaje. Un sueño: Brutalismus 3000 en rock al parque 2024. 'Eulo Cramps' - Call SuperUna semana después de su presentación en Bogotá (un despliegue sin igual de UK garage), Call Super lanzó su álbum "Eulo Cramps". Un disco de música electroacústica que cuestiona las fronteras de eso mismo. Cuerdas, vientos, voces y percusiones dialogan con efectos y sintetizadores, construyendo un paisaje profundamente habitado pero increíblemente sencillo. Cuando se habla de electrónica experimental, surge un imaginario de dificultad en la apreciación. Este disco podría ser una gran introducción amable al braindance. El artista londinense hizo una exposición con una serie de dibujos con los que construyó el universo de "Eulo Cramps", una obra que trascendió lo musical. Con la reciente apertura de nuevos espacios para la música apreciativa, Ambie-ton (el nuevo subsello de Tratratrax) en el planetario, el 2024 puede ser un gran año para encontrarnos de diferentes formas en torno a la música electrónica. ¡La música nos une!
De The Beatles y The Rolling Stones a Biggie y Tupac, la historia de la música ha estado llena de rivalidades mediáticas entre propuestas con elementos comunes. Pero pocos enfrentamientos entre bandas fueron tan representativos como el de Blur y Oasis a mediados de los 90. La pelea incluso tuvo nombre propio: la batalla del britpop.Más allá de una simple rivalidad mediática entre dos bandas, la batalla del britpop fue un reflejo de la política y sociedad inglesas. El britpop surgió como una respuesta al grunge estadounidense. Su inspiración fueron las bandas inglesas de los 60 como The Beatles o The Kinks y, a diferencia de la rudeza del grunge, el britpop buscaba ser más ligero y pegajoso, con muchas referencias a la vida en Inglaterra. Aunque varias bandas fueron etiquetadas dentro del britpop, hoy se consideran cuatro las principales: Blur, Oasis, Pulp y Suede.A mediados de los 90 Blur y Oasis estaban en su mejor momento y eran de las bandas más importantes de Reino Unido: Blur tuvo éxito en 1994 con Parklife, que los consolidó como una de las principales bandas de Gran Bretaña después de un período incierto en los primeros años de la década. Mientras tanto, había expectativa por el lanzamiento de un segundo álbum de Oasis, luego del enorme impacto de su debut, Definitely Maybe (lanzado también en 1994).Hasta 1995, Oasis y Blur habían sido razonablemente respetuosos el uno con el otro. Pero cuando Oasis alcanzó el número uno con Some Might Say en abril de ese año, las cosas cambiaron. Damon Albarn, líder de Blur, dijo a NME: "Fui a su fiesta de celebración, ya sabes, solo para decir 'Bien hecho'. Y Liam Gallagher se acercó a decirme "¡Número uno!", justo en mi cara. Así que pensé, 'Está bien, ya veremos...'”“Noel Gallagher solía molestarme constantemente y realmente me dolía mucho en ese momento. Oasis eran como los “bullies” que tenía que soportar en el colegio", dijo alguna vez Albarn en el documental No Distance Left to Run.En el momento en el que Oasis debutó, Blur ya llevaba varios años tocando y consolidando un público. “Para mí que Damon Albarn sintió: “llegan estos 'manchesterianos', nuevos, que no hicieron 'la fila' para volverse tan importantes, a hablar mal de nosotros”, opina Manuel Carreño, profesor y autor de Por culpa de los Ramones. La actitud desafiante era muy representativa de Oasis: “Los de Blur practican actos sexuales entre ellos, no tienen las bolas suficientes para ser los número 1”, dijo alguna vez Liam Gallagher. Días después de “la batalla”, Noel Gallagher expresó su agrado hacia el baterista Dave Rowntree y al guitarrista Graham Coxon, mientras afirmó “Odio a Damon y a Alex. Espero que contraigan sida y mueran”. Luego se disculpó por el comentario.La disquera de Blur decidió que lanzaran su sencillo Country House exactamente el mismo día en el que Oasis presentaba Roll With It. La expectativa era alta y el mundo se dividió entre el “team Oasis” y el “team Blur". “A los ingleses les encanta el escándalo y cuando se supo que iban a lanzar el mismo día se armó una pelea con la gente y los medios. La noticia fue muy importante y aunque en ese momento no había Internet, recuerdo ver MTV News y que hablaban todo el tiempo de eso”, agrega Carreño.No solo los medios musicales registraron “la batalla del brit pop”. Hasta los noticieros más tradicionales se unieron al cubrimiento y tomaron su lugar en la batalla.Blur ganó la batalla del britpop: Country House vendió 274.000 copias mientras Roll With It vendió 216.000. Pero Oasis ganó la guerra: Aunque The Great Escape, álbum al que pertenecía Country House, tuvo éxito en ventas y con los críticos, (What's the Story) Morning Glory? se convirtió durante mucho tiempo en el segundo disco más vendido del Reino Unido.Como premio por la victoria, Blur se presentó en el recordado programa británico Top of the Pops, y Alex James, bajista del grupo, usó una camiseta de Oasis durante el show. Una rivalidad más allá de la músicaEl enfrentamiento entre Blur y Oasis fue la representación de una gran pugna social y política que sigue fuerte en Inglaterra: el sur vs. el norte. Blur es de Londres (sur) y Oasis es de Manchester (norte). “Ahí había una vieja rivalidad entre la capital y la ciudad industrial, entre “los gomelos” y la clase trabajadora. De fondo había algo más que lo musical”, opina Carreño.Ninguno de los miembros de Oasis fue a la universidad y antes de su carrera musical pasaron un tiempo como trabajadores de la construcción. Oasis apodó a Blur como "idiotas de escuela de arte", mientras que la prensa consideró a Oasis como héroes de la clase trabajadora. "El problema no era que cualquiera de las declaraciones fuera más o menos cierta, sino que el público parecía estar interesado en esta visión unidimensional de las bandas", escribe la poeta y autora Rose Harmon. La lucha entre el norte y el sur ha sido una constante entre la política y la cultura inglesas durante una gran parte de su historia. De acuerdo con Katie Burton en Geographical, la rivalidad data de 1066, cuando Guillermo el Conquistador arrasó el norte con "una furia loca" (sus propias palabras) para controlar las partes difíciles de manejar de su nuevo reino. Desde entonces, cuenta la historia, el Norte ha sufrido más que el Sur, un fenómeno que inevitablemente ha llevado a una serie de estereotipos, como que los del norte son más amables y extrovertidos, mientras que en el sur son más educados. Expertos consideran que la división entre el norte y el sur de Inglaterra sí refleja diferencias profundas, más allá de lo cultural. Según cifras de la Oficina Nacional de Estadísticas de Reino Unido, el sur de Inglaterra tiene mejores indicadores de expectativa de vida que el norte. Las personas también tienen una mayor probabilidad de morir prematuramente (definida como la muerte antes de los 75 años) en el Norte que en el Sur. Luego de analizar las tasas de mortalidad durante 50 años, en el Norte siempre fueron al menos un 15 por ciento más que en el Sur, lo que equivale a un promedio de 38.000 muertes en exceso en el Norte cada año.Si bien es posible encontrar diferencias de desarrollo entre regiones en todos los países, las del Reino Unido parecen particularmente arraigadas. El informe State of the North 2019 de Thinktank IPPR North indicó que "el Reino Unido está más dividido regionalmente que cualquier economía avanzada comparable".Aunque la rivalidad entre Blur y Oasis quedó atrás, fue clave para evidenciar una división que sigue vigente en la sociedad inglesa. Vean también | Blur, liderada por Damon Albarn, viene por primera vez a Colombia
Hay canciones que podemos no recordar el nombre pero, definitivamente, nos llevan a una película que vimos algún domingo con nuestras mamás o nuestros novixs. ¿Cuántas canciones de Oasis aparecen en películas? ¿Cuántas veces sonó 'Stop Crying Your Heart Out' al final de una película mientras se hacía un zoom out en carretera? ¿Será que los directores de 'American Pie' son fans de Sum 41?Podrá ser la nostalgia de los 90 la razón por la que tantas canciones de es época son utilizadas en comedias románticas estadounidenses o quizá la relación entre los éxitos de los 2000 con el público objetivo de las producciones.El estilo musical de las bandas y artistas de los 90 y earlys 00 tendía, en su mayoría, hacia el pop rock y el pop punk que encajaban con el tono ligero de las comedias clásicas y lo enérgico de los romances que nos presentaban. Sin embargo, las comedias no son las únicas películas que han utilizado varias veces canciones de artistas que tuvieron su auge en esas décadas.Canciones de los 90s y earlys 00 que sonaron en nuestras películas favoritasNo podríamos comenzar con otra banda que no fuera Sum 41. Esta agrupación de rock canadiense, que anunció su separación luego de 27 años, ha sonado en la banda sonora de más de una película. American Pie no tiene una si no cuatro canciones de ellos dentro de su saga. En American Pie 2 (2001) suenan 'Fat Lip' (2001) y, el clásico de ellos, 'In Too Deep' (2001); en 2003 aparecieron en American Wedding también de la saga con 'Hell Song' (2002); en 2009 'Makes No Difference' (2000), su sencillo debut, en American Pie Presents: The Book of Love (2009) y, finalmente, en American Pie: Reunion (2012), aparece 'Walking Disaster' (2007).Sum 41 también hizo parte de la banda sonora de películas como Los Fantasmas de mis ex (2009), protagonizada por Matthew McConaughey y Jennifer Garner.Oasis puede estar superando a Sum 41 tan sólo con la aparición de 'Stop Crying Your Heart Out' (2002), el segundo sencillo de su quinto álbum, en películas como Quiero robarme a la novia (2008), Efecto Mariposa (2004), protagonizada y producida por Aston Kutchner; Goal II: Living the Dream (2007), Big Daddy (1999), entre otras. Otras canciones de Oasis que aparecen en el soundtrack de algunas películas son: Wonderwall (1995), probablemente la canción más conocida de los Gallagher, en Fever Pitch (1997), Efecto Mariposa (2004) y Click (2006) con Adam Sandler y 'Don´t Look Back in Anger' (1995) en películas como "The Family Man" (2000), "About Time" (2013), y "The Secret Life of Walter Mitty" (2013).La música de Aerosmith ha dejado una marca significativa en la industria del cine. La voz de Steven Tyler ha aparecido en películas de distintos géneros. Desde Varsity Blues de 1999, con 'Sweet Emotion' (1975); pasando por comedias románticas como Clueless (1995), con Crazy e incluso en películas animadas como Shrek 2 (2004) y Happy Feet (2006) con 'Walk This Way' (1986), canción que fue regrabada por la banda de hip hop Run-DMC.De hecho, 'I Don`t Want to Miss a Thing' (1998), el único sencillo de la banda en alcanzar el primer puesto en el Billboard Hot 100, fue grabada específicamente para ser la banda sonora de la película Armageddon (1998). Que tiene, además, tres canciones más de Aerosmith: 'What Kind of Love Are You On' (1998), 'Sweet Emotion' (1975) y 'Come Together' (1978).La banda liderada por Chris Martin ha aportado muchas de sus canciones para los soundtracks de distintas películas. Coldplay ha estado presente en películas como Crazy/Beautiful (2001), The Holiday (2006) y Boyhood (2014) con 'Yellow', uno de los éxitos más importantes de los 2000 en el pop.'Clocks' (2002), 'Fix You' (2005), 'Viva la Vida' (2008), 'A Sky Full of Stars' (2014) son otros tracks que han aparecido en más de dos películas.Finalmente, cerramos con Vanessa Carlton, una cantante y compositora estadounidense, reconocida por su canción 'A Thousand Miles' (2002) que ha tenido una presencia bastante destacada en el cine, convirtiéndose en parte de la cultura pop. A pesar de que ¿Y dónde están las rubias? (2004) fue la película que volvió famosa esta canción con la escena de "and I miss you...", también apareció en otras películas como Legalmente Rubia (2001) y Mujeres al ataque (2014).¡El lado b de la música!
Blur viene por primera vez a Colombia. La legendaria banda británica liderada por Damon Albarn se presenta en el Movistar Arena el próximo 21 de noviembre en un concierto que muchos soñaban desde hace décadas. Los precios de las entradas oscilan entre $209.000 + servicio y $599.00 + servicio en primera etapa. Se pondrán a la venta desde el próximo 4 de mayo en tuboleta.com. (Información de precios y localidades más abajo). La historia de BlurNacida en Londres en 1988, Blur fue determinante para el rock alternativo en los 90 y el llamado britpop. Leisure fue su disco debut lanzado en 1991, y desde entonces lanzaron otros 7 álbumes. The Magic Whip (2015) es su más reciente álbum. La carrera de Blur está cargada de hechos históricos que han adoquinado el camino del indie rock, del indie pop y de las nuevas distorsiones post post punk: Song 2 fue una broma a la escena grunge de los 90 que se convirtió, sin quererlo, en su mayor hit (Robbie William, Imagine Dragons y Avril Lavigne han hecho covers de este himno). La portada del disco Think Tank de 2003 fue ilustrada por Banksy y en 2007 la obra fue subastada por más de 500 millones de pesos colombianos; el disco Parklife (1994) está en las listas del Top 100 Albums of the 1990s de Pitchfork, del 100 Best Albums Ever de NME, y los 500 Greatest Albums of All Time de la revista Rolling Stone. “Tengo muchas ganas de volver a tocar con mis 'Blur Brothers' y volver a escuchar todas esas grandes canciones. Los shows en vivo de Blur siempre son increíbles para mí: una buena guitarra y un amplificador al máximo y muchas caras sonrientes”, le dijo el guitarrista Graham Coxon a NME. Coxon y Albarn junto a Alex James (bajista y fromelier) y Dave Rowntree (baterista y ex diputado del Partido Laborista) tocarán juntos en el Corazón de Bogotá en una gira que iniciará en Europa con shows en el Primavera Sound de Barcelona y el Estadio de Wembley (sí, en un estadio) entre otras ciudades.
Después de lanzar al mercado su nuevo trabajo discográfico 'The Magic Whip', que salió a la luz después de 12 años de ausencia, Blur presentó el video de su más reciente sencillo ‘Ong Ong’.El audiovisual fue dirigido por Tony Hung, quien fue el encargado de hacer el artwork de su trabajo discográfico. En este vemos a la agrupación bailando en un universo retro como sacado del mundo de los videojuegos donde Damon Albarn es un cono de helado gigante, Graham Coxon es una cucaracha, Davie Rowntree está disfrazado de mosca, y Alex James es un luchador de sumo.
Es un hecho: el lanzamiento del nuevo disco de Blur va a ser sin duda unas de las gratas sorpresas musicales más importantes del 2015. Luego de haber anunciado The Magic Whip compartieron un documental que explica todo el proceso del disco. The Magic Whip: Made In Hong Kong, es un viaje visual a través de los ojos de Blur que incluye entrevistas, videos, imágenes del viaje y toda clase de matiral certificado para amantes de la banda. Aquí va.
Faltando pocos días para el esperado lanzamiento de su placa discográfica 'The Magic Whip', que verá la luz el próximo 27 de abril, luego de 12 años de espera (leer entrevista), Blur reveló su sencillo ‘My terracotta heart’.Este tema fue estrenado en el show de Jools Holland, en Londres, y cuenta con un sonido romántico amenizado siempre por una guitarra acústica que trae al recuerdo aquellas baladas noventeras.‘My Terracotta Heart’ es el cuarto sencillo que conocemos de esta nueva placa después de ‘Lonesome Street’, ‘There Are Too Many of Us’ y ‘Go Out’.¿Cómo les parece?
The Magic Whip' saldrá al mercado el próximo 27 de abril. Hablamos con Graham Coxon, guitarrista de la banda.Por: Diego Bolaños. En el año 2013 Blur volvió a los grandes escenarios con energía renovada, tras un descanso que vino bien y con ganas de seguir haciendo lo que los llevó a ser los máximos exponentes del britpop de los 90's.Fue durante su visita a Hong Kong que sucedió algo que muchas bandas pierden en el camino y nunca vuelven a recuperar: la chispa. Esa chispa los llevó a un pequeño estudio, y sin la parafernalia de las grandes producciones, Albarn y su combo se convirtieron en lo que nunca debieron dejar de ser, un combo de músicos con muchas ideas para compartir.Para fortuna de todos Blur está de vuelta y tuvimos la oportunidad de hablar con Graham Coxon, -para muchos la gran ausencia de la última entrega de la banda 'Think Thank'(2003) por su valor para el espíritu y la identidad del grupo-,sobre todo lo que rodeó ese momento que desencadenó el regreso de Blur con su nuevo disco 'The Magic Whip'.Diego Bolaños: ¿Por qué tanto secretismo?Graham Coxon: Creo que porque no le concernía a nadie y era una gran forma de castigar a todo el mundo por molestarnos tanto con la idea de hacer un nuevo disco. En verdad no queríamos ser tan formales al respecto, queríamos mantenerlo casual y entre nosotros. De haber permitido que la gente lo supiera habría presión y no queríamos ninguna. Era algo tan frágil que no lo queríamos arruinar, porque entre más gente se involucra empiezas a tener la presión de la disquera y de los fans; no queríamos nada parecido. Damon ni siquiera había escrito letras y grabó las voces hasta las etapas finales. Terminamos el trabajo hasta hace unas semanas y no le dijimos a nadie hasta el ultimo minuto, porque todo tenía que ser algo concreto y solo resultaría bien siguiendo ese proceso.DB: ¿Cómo terminan entrando al estudio en Hong Kong? ¿Considera que fue un momento especial?GC: Sí, lo fue. Íbamos a hacer una presentación en un festival de Japón y, para ser honesto, estábamos un poco mal humorados al respecto. Pero sorpresa, sorpresa, empezamos con las fechas y llegamos a Hong Kong. La presentación en Japón no se dio. Todo lo que podíamos hacer era regresar a Inglaterra para después viajar de nuevo a Yakarta y eso sí que iba a ser una molestia. Así que por qué no quedarse en Hong Kong cinco días y tener un tiempo libre. Yo pensé que eso nos caería bien y entonces alguien dijo -creo que Damon-: “¿Por qué no buscamos un estudio? Vamos un rato y solo tocamos unos acordes. Si nos gusta deberíamos ir y tocar, no lo hacemos en años, solo vamos a ver que pasa”. Dije "Ok, no tiempo libre, en vez de eso vamos al estudio". Encontramos uno y cada mañana durante mas de cinco días desayunamos camino al metro, hacíamos un pequeño viaje bajo el agua -creo que a china continental- y visitamos un pequeño estudio. Yo me encargaba de mi guitarra, normalmente lo hace un técnico y Damon se encargaba de los teclados. No teníamos staff, así que solo tocamos. Tratamos de pasar un buen rato pero con mucha intensidad, eran siete horas al día tocando, tocando y tocando.DB: Cinco días grabando se pueden considerar un maratón. ¿Ese material fue suficiente, fue el catalizador, o las ideas venían de otros encuentros durante la gira?GC: No realmente. Creo que lo que hace en verdad especial al álbum es que fue algo muy relajado, no hubo ninguna clase de tensión, ni preocupación por la interpretación: “Ahora estás grabando, debes tocar perfecto”, no hubo nada de eso. Solo tocábamos y Damon gritaba “¡Ahora ve a Mi bemol! Cambiemos esta secuencia ahora, voy a cambiar esto”. Grabábamos hasta gastar todas nuestras ideas y después pasábamos otra cosa. Él usaba un conjunto de sonidos locos, ritmos y material que tenía en Garageband, grabábamos eso y tocábamos encima. Pero realmente se trataba de hacer sonidos raros mientras entre los acordes Damon usaba palabras como “Estábamos en la estación, blah, blah, blah”, realmente eran solo cosas acerca de lo que había pasado durante esos días, contando lo que nos pasaba en Hong Kong y en el estudio.DB: Muchos consideran que usted tiene una idea muy clara acerca de cómo espera que suene la banda. ¿Es por esto que decidió compartir el material con Stephen Street?GC: No estoy muy seguro de haber tenido una idea muy clara. Sabía que parte del material sonaría muy familiar, lo que grabamos en Hong Kong se interpretó con instrumentos que no eran inusuales para nosotros. Busqué a Stephen para tratar de recrear el sonido clásico de Blur. Él no estuvo en Hong Kong, no tuvo nada que ver con la grabación de esas sesiones, pero si hay algo en lo que él es brillante es en organizar esa clase de material. Es como si alguien decidiera escribir sus memorias y tuviera 200 diarios, toda una mezcla de retazos. Tienes que llamar a alguien para que trabaje con eso y hacerlo algo manejable. Por eso involucré a Stephen. Así que él tuvo toda la música por unos días, se familiarizó con las grabaciones y se encargo de clasificarlas. Había material que se extendía por más de media hora, podían ser sesiones o canciones pero eran muy largas. Él depuró el material y después empezamos juntos a estructurar las canciones.DB: Durante el anuncio del álbum, usted comentó que había sonidos característicos de Blur y otros que no. Claramente están satisfechos. ¿Cómo llegaron a determinar que podía entrar en este disco? ¿Cómo se realizó la selección?GC: Todo lo que hicimos en Hong Kong está de cierta forma en el trabajo. No se desperdició nada. El disco tiene un sonido familiar porque algunas canciones lo son, como ‘I Broadcast’ y ‘Lonesome Street’. Allí hay una conexión mas clara hacia lo que Blur ha sido en el pasado, lo que la gente ama y odia de la banda. Es ese sonido. Y todo es por la forma en que cada uno de nosotros toca, es un proceso muy familiar. Los fans dirán que eso suena a Blur inmediatamente. Hay otras canciones en las que en verdad quería agregarle algunas cosas en el estudio, pero no se me ocurría que ponerle, o si la guitarra era el instrumento adecuado, así que tomé algunos sintetizadores, loops y cosas como esas. Lo que resultó de nuestro trabajo en esas grabaciones es algo muy bonito.
Blur sigue dando adelantos de su nuevo álbum 'The Magic Whip', con el que luego de 12 años quieren reconquistar a sus fanáticos y pisar duro en la escena del rock mundial. Esta vez presentan un video mucho más elaborado que el de su sencillo 'There are too many of us' (ver video), de la canción 'Lonesome Street'.Sin el tumbao del protagonista de 'Lonely Boy' de Black Keys, la banda británica pone a bailar durante casi todo el video a un hombre oriental para terminar en una coreografía grupal con tintes tradicionales.El esperado álbum saldrá al mercado el próximo 27 de abril.
El maestro del vallenato Iván Villazón presentó Apagando focos, en la que critica a las distribuidoras de energía eléctrica que operan en la región Caribe colombiana, Air-e y Afinia. Como veremos, es una de las canciones que muestra su inconformismo con los cobros de enería. “Ni siquiera puedo disfrutar de una bebida, y esto es una carga para mí ya que todo lo que gano se destina a pagar la factura de la luz. Vivo apagando luces y la factura sigue aumentando”, canta Villazón en el sencillo. Canciones sobre la electricidad en el Caribe colombianoLa canción de Villazón no es la única que muestra el sentir generalizado de los costeños con los altos precios de la electricidad. El compositor y escritor Julio Oñate Martínez compuso el tema El apagón, que se hace viral cada cierto tiempo en redes, “Qué servicio tan malo/ eso es cosa terrible/ Qué servicio tan malo y caro el de Electricaribe”, resalta en el coro de la canción que cierra con: “El guayabo de aguardiente me da dolor de cabeza, pero una fresca cerveza siempre me aclara la mente/ por tomámela caliente se me subió la presión/ porque un maldito apagón nos dejó sin energía y no había cerveza fría del Valle pa' Fundación”.¿Qué pasa con las facturas de electricidad en la costa Caribe colombiana?La región del Caribe enfrenta las tarifas eléctricas más altas del país y sufre las interrupciones del servicio más frecuentes. Las facturas de electricidad pueden consumir una cuarta parte de los ingresos de las familias más pobres, afectando a los hogares de ingresos medios y disminuyendo la calidad de vida de los residentes de la región.La tarifa de energía incluye diversos costos como la compra de energía, el uso del sistema de transmisión nacional, el uso del sistema de distribución local, los costos de comercialización, los costos de compra, el transporte, la reducción de pérdidas y el costo de las restricciones.El gobierno está considerando ajustes temporales al modelo de reconocimiento de pérdidas en la región del Caribe para reducir este componente de la fórmula tarifaria, de acuerdo con Forbes. Además, se propone separar los cargos de alumbrado público y seguridad ciudadana, ya que estos impactan significativamente en el costo total de la factura eléctrica.
Los X-Men están de regreso en X-Men '97, la serie de Marvel estrenada el pasado 20 de mazo en Disney +. El icónico grupo de mutantes de serie animada de 1992 continúa su historia en X-Men ’97, una producción con todos los guiños, la nostalgia y la impronta inconfundible de la saga original de los 90. ¿Cómo se relaciona X-Men '97 con la serie animada original?El productor ejecutivo Brad Winderbaum, aclara que los nuevos episodios no retocan la historia original, sino que toman el final y siguen adelante en el camino. “Verán que es más que una serie, es una máquina del tiempo. No transcurre simplemente en los años noventa, respira los años noventa". Aunque es una serie que lo millennials recuerdan de su infancia, perosnas de todas las edades van a disfrutarla. “Si viviste en esa época y viste los dibujos animados de los sábados a la mañana como yo, te produce una nostalgia increíble. Si eres un fan joven que está descubriendo este mundo por primera vez, te sientes transportado a una época y a un lugar que es totalmente único y diferente a cualquier historia de Súper Héroes que se esté contando en la actualidad”, concluye Winderbaum en un comunicado de prensa. El espíritu de los episodios originales no solo recorre la nueva serie en cuanto a las temáticas y el estilo visual (está animada en 2D para rendir homenaje al estilo de la serie original). Los creadores lograron, además, convocar a la mayoría de las voces originales en inglés para el reparto, enriqueciendo la serie gracias al conocimiento profundo que estos talentos tienen de los personajes. En combinación con algunas voces nuevas, regresan a sus roles Alison Sealy-Smith como Tormenta, George Buza como Bestia, Lenore Zann como Rogue y Cal Dodd como Wolverine. ¿Un dato extra? Los diálogos se grabaron en el mismo estudio de la serie original.A lo largo del proceso de producción, el equipo creativo también contó a su vez con el valioso asesoramiento de Eric Lewald, Julia Lewald y Larry Houston, los productores de la serie original que se desempeñaron como consultores en el nuevo proyecto. ALERTA SPOILERS En los siguientes párrafos hay detalles de la trama de X-Men '97, si no quieren enterarse les recomendamos no seguir leyendo¿De qué trata X-Men ‘97?Los nuevos episodios encuentran a los X-Men en un período de transición, lidiando con la pérdida del Profesor X. Y aunque su mundo está en un tenso estado de calma en cuanto a las relaciones entre mutantes y humanos, todos saben que lo más probable es que sea algo temporario. En las entregas estrenadas hasta ahora, la audiencia ya siguió a Cíclope en la búsqueda de una tecnología anti-mutante amenazadora, a Jean en el nacimiento de su hijo y a Jubilee en una aventura a través del tiempo dentro de un videojuego.En cada subtrama, X-Men ‘97 combina los elementos de acción y aventura que los fans buscan en las historias de Marvel, y a su vez incorpora otro ingrediente que es un sello de la saga: el abordaje de temas serios. “La serie original tenía acción, telenovela y temas serios en igual medida, y nosotros también. Es todo eso todo el tiempo. Esa es la magia que hace que la serie sea tan entretenida”, sostiene Vásquez-Eberhardt.
Taylor Swift es la reina por excelencia en agitar las redes sociales con cada movimiento que hace. Todo lo relacionado a The Eras Tour y las Taylor's Versions se fueron virales en twitter y pusieron a más de uno (incluyéndonos) a analizar sus canciones en TikTok e Instagram, su último álbum no es la excepción.Swift anunció el 4 de febrero de 2024, en la ceremonia de los Grammy, que su onceavo álbum llegaría a todas las plataformas el 19 de abril. 'The Tortured Poets Departments' fue producido por ella junto a Jack Antonoff y Aaron Dessner y fue escrito al poco tiempo de haber terminado de trabajar en su álbum 'Midnights'."Nunca he tenido un álbum en el que haya necesitado la composición de canciones más que en Tortured Poets", afirmó la artista. Así mismo, lo describió como "una antología de nuevos trabajos que reflejan eventos, opiniones y sentimientos de un momento fugaz y fatalista en el tiempo, uno que fue sensacional y doloroso a partes iguales".El estreno es un álbum doble con 31 canciones en total. En un inicio fueron lanzadas las primeras dieciséis canciones y dos horas después fue liberado un álbum adicional llamado 'TTPD: The Anthology'. Analizamos las referencias dentro de su nuevo disco.Referencias en 'The Tortured Poets Department' de Taylor SwiftTaylor Swift vuelve a hacer referencia a Peter Pan pero con una frase distinta. En 'cardigan' la artista dice "Traté de cambiar el final. Peter perdiendo a Wendy, yo te conocía". Ahora, en 'Peter' dice: "Dijiste que ibas a crecer y ahí vendrías a buscarme".Aunque hay muchas especulaciones (como siempre) sobre quién inspiró el disco, esta es una de las veces que más certeza se tiene. Su relación con Joe Alwyn y su ruptura, enumerar todas las indirectas para él sería eterno pero 'So Long, London' lo explica más claro.Aunque poco específicos (pero muy personales) Swift explica a lo largo del disco que su relación terminó porque ella quería casarse y tener una familia, pero -él- no.En 'The Tortured Poets Department', la canción homónima, menciona a la madrina del punk Patti Smith y a Dylan Thomas, un poeta británico de los años 30 conocido por tratar la muerte de forma recurrente en sus obras.Quizá una de las referencias que más sorprendió a sus fans, por lo directa, fue la de Kim Kardashian con una canción que lo dice todo con las mayúsculas en su nombre: 'thanK you aIMee'. Pero, como si no fuera poco, lo remata con la frase "y un día, tu hija llegará a casa cantando una canción que sólo nosotras dos sabremos que es sobre ti.North West, hija de Kim y Kanye, ha salido en varios videos cantando distintas canciones de Taylor.'The Alchemy' es una declaración de amor a su novio Travis Kalce, en la que le agradece por hacerla volver a creer en el romance.Durante todo el disco la cantante se autoreferencia con letras de sus discos pasados en canciones como 'loml' vs. 'invisible string' y 'The Black Dog' vs. 'Daylight', entre otros.Finalmente, en su canción 'Clara Bow', hace referencia a la actriz estadounidense de cine mudo, muy famosa en los años 20, y que tuvo que lidiar con la presión de la fama (dejó su carrera diez años después) y una serie de relaciones conflictivas con los hombres. Incluyendo su padre, quien abusó sexualmente de ella cuando era niña.En palabras de una de mis mejores amigas: este disco es, seguramamente, el más unhinged y delusional de la carrera de Taylor Swift. En mis palabras, el más personal de una mujer entusada que se permite la rabia.**Lean acá: No es sólo Taylor Swift: 5 artistas que tienen sus propias clases universitarias
Colombian Power es la playlist perfecta para poner en una buena noche de rumba y baile. No solo tiene canciones de varios géneros musicales, como salsa, vallenato, folclórica e instrumental, sino que varios de estos sencillos seguro los reconocerán porque aparecen en algunas de las novelas icónicas de Caracol Televisión. Por ejemplo, Colombian Power comienza con Colombia Caribe canción que hizo parte de La Selección, el juego de la vida en la que actuaron Omar Murillo, Édgar Vittorino, Antonio Jiménez y John Alex Castillo. Una canción que nos recuerda al homenaje que le rindió la serie a estos futbolistas. De la clásica telenovela Pedro el escamoso, está los vallenatos El Zarandeao y Pedro el Escamoso y dos canciones de salsa: La viuda y Con Sentimiento. Rodrigo Candamil, Flora Martínez y Margarita Muñoz protagonizaron Entre sombras, una historia que sigue a Julia y a Magdalena resolviendo crímenes mientras lidian con sus vidas personales. De esta producción de Caracol Televisión están las canciones: 23 de Abril, El Gran Salón, La Salsa y Me Hipnotizaron. La playlist no podría dejar de lado la ranchera Se Fue Mi Ángel de la novela Arelys Henao, Dale Cepillo, la salsa lenta de la telenovela protagonizada por Enrique Carriazo y Verónica Orozco y la icónica canción La Última Bala de Pablo Escobar el patrón del mal en donde cantan: "mi patria no cae, tropieza o resbala, se pone de pie, se limpia la cara...". Las canciones en Colombian Power "Déjate llevar por la energía de la música colombiana mientras exploras las diversas culturas y tradiciones que la hacen tan especial. ¡Prepárate para bailar, cantar y disfrutar de lo mejor de Colombia en cada melodía". Les dejamos acá la lista de las 37 canciones para que vayan reconociendo sus favoritas:Colombia CaribeEl Fuego e Mi Tambor23 de Abril El Zarandeao Dale CepilloBoquita de CarameloTinoMujeres BonitasLa ViudaVecinosTan Bella y Tan PresumidaHiguita Mango Pedro el EscamosoQuien es el Patron?No Perdonamos el TiempoTino Circunstancial Suplicar un BesoCon SentimientoEl Gran Salón RumberaHiguita Nueva MelodíaEres la LuzDécimas del Viejo MiguelLa SalsaCosa Pa´ PeligrosaLa TierraLeonardoSe Fue Mi Ángel Me HipnotizaronEl Amor de Mi TierraAmar y Vivir La Última BalaAFROTURRO KOORA #ROMINAPOWERFolclorQué Manera de QuererteInfiel