El domingo 10 de diciembre Bogotá recibió un evento excepcional en el primer Road to Primavera, con la emblemática banda británica The Cure como protagonista. La conmoción colectiva es difícil de describir y genera una intriga profunda sobre cómo alcanzar este nivel de sensibilidad sonora. Este artículo es, para mí, un viaje, una fantasía en la que busco explorar la comprensión estética y técnica del sonido de The Cure, tratando de descifrar la magia detrás de la conmoción.No pretendo hacer una aproximación arrogante al intentar entender la psique de Robert Smith. Tampoco quiero resolver ese misterio porque sé que no lo lograré, y cualquier intento por hacerlo es un acto enorme de soberbia. Me acerco desde mi experiencia. Lo que logró The Cure fue involucrarnos en un sentimiento envolvente, un abrazo de soledad y esperanza. Ese resultado es producto de una fórmula compleja y una historia accidentada.Consolidar la banda: una experiencia difícil que dice mucho sobre la búsqueda de RobertPara desglosar esa experiencia, comienzo por lo técnico. La formación de The Cure es producto de la honestidad y espontaneidad de Robert Smith, que no ha tenido problema en enfrentarse con los miembros que no han conectado con su mundo. La industria de la música tiene mucho por aprender de las decisiones de Robert, quien no fue condescendiente al expulsar de la banda a quien tuvo que hacerlo para lograr lo que logró, algo que, por ejemplo, en Colombia tiene a muchas bandas estancadas.La formación inicial de la banda duró poco. Eran un trío que dio las primeras pinceladas de la obra, pero que requería ser destilado y afinado para lograr la perfección.El primer miembro que llegó para quedarse, con una breve interrupción por una supuesta pelea en un bar, es el bajista Simon Gallup. Es la figura más punkera en el escenario, que evoca arquetipos de las escenas post-punkeras. Para mí, visto desde Bogotá, era imposible no fantasear con el bar Asilo y con la posibilidad de verlo más tarde con alguna otra banda tocando en el templo del post-punk bogotano, que tantas fiestas tributo le ha hecho a The Cure.La incorporación de Jason Cooper fue un golpe de suerte que resultó en un baterista excepcional, capaz de interpretar magistralmente durante más de dos horas a 2600 metros sobre el nivel del mar, sin perder un solo golpe. Reeves Gabrels aportó su habilidad única, perfeccionada durante su trabajo con David Bowie, para fusionarse de manera divina con la visión de Smith. Enigmático y siempre inmutable a la izquierda del escenario, Perry Bamonte añade capas de misterio con sintetizadores y guitarras, completando la alineación que ha logrado mantener viva la esencia de The Cure. El centro de gravedad, un cuerpo que genera unas órbitas complejas, es la figura mítica de Robert Smith: con cuatro monitores, toca guitarra eléctrica, acústica, flauta, canta, tararea, baila y suspira. El líder de la banda británica dibuja perfectamente ese sistema de cuerpos que lo orbitan, se ajustan y corresponden perfectamente a su sentir.En un concierto de más de dos horas, la banda nos dio una cátedra en la que lo único que desentonó fue la camiseta que llevaba Robert. Definitivamente, nuestra bandera no corresponde en absoluto con la estética gótica. No dejo de preguntarme cómo decidió usar esa camiseta. ¿Qué hace que el sonido de The Cure sea tan impactante y maravilloso? La respuesta se encuentra en la construcción de una orquesta en la que cada instrumento emite frecuencias que ocupan el espacio en perfecta afinación y correspondencia. Es la habilidad de ocupar cada rincón del espectro sonoro sin perder la armonía.Las letras se funden con los instrumentos y pierden fronteras entre sí. El sonido logra conseguir un efecto envolvente. Las frecuencias que alcanza la banda generan la conmoción desde la cual las letras de Smith se elevan para dibujar escenarios que continúan la narrativa instrumental. Es inevitable que el efecto de esa interpretación no sea una sensación infinita de capas. De eso se trata lo gótico, ese sentimiento melancólico e infinito. Capas que se sobreponen infinitamente y que logran una figura y una belleza que, en medio del caos y la oscuridad, deslumbra esperanza.La sensación que describe la canción "Lullaby" es una frase sencilla para adentrarse en la estética gótica: "And I feel like I'm being eaten by a thousand shivering furry holes".La imagen de la telaraña, la sensación de estar atrapado en esa ficción donde cada movimiento parece acelerar el devoramiento, nos recuerda que el remedio para el dolor es el dolor mismo. La disposición a atravesar los sentimientos es lo que puede conceder cierta libertad, lo que puede sanar. La imagen es una invitación a dejarse llevar. No combatir lo inminente que es la muerte y las múltiples figuras que esta alcanza durante la vida. La enseñanza es sencilla, resistirse solo genera más dolor. La única forma es atravesándolo.Robert permite un encuentro con lo sensible en el que cada pensamiento, cada interacción y cada vivencia es una extensión de la escena de "Lullaby" que Robert describe.La capacidad para describir esa sensación y construir un mundo es lo que genera una resonancia colectiva: genera ese profundo abrazo en medio de la sombra y la oscuridad y permite el autoconocimiento del sentimiento y la necesidad de confrontarlo.El mensaje que resonó: La cura es la enfermedadRobert condensa una terapia colectiva con la música, permitiéndonos enfrentarnos a lo más profundo de nuestros demonios en imágenes sombrías para confrontarlos y contemplar la esperanza que genera aceptar la locura.Quizá el momento de la sanación total nunca llegue, pero la esperanza que emana del sonido desde lo más oscuro de la existencia es suficiente para dibujar una sonrisa en medio del llanto. En un momento en el que la belleza se manifiesta como una oscuridad profunda y caótica, la existencia se enaltece frente a nosotros en su complejidad.The Cure en vivo trasciende las fronteras de lo sensible. Nos propone un enigma y la posibilidad de aceptarlo. Nos invita a no hacer más preguntas de las necesarias y permitir que el vacío nos atraviese, nos invita a experimentarlo, sentirlo y agradecerlo. Gracias, Robert. Gracias, The Cure. Hoy más que nunca necesitábamos ese abrazo. Necesitábamos contemplar ese infinito.No salgo con respuestas sobre la vida, pero sí con menos preguntas y una disposición esperanzadora.***Para comprender más las situaciones sociales e históricas en las que se enmarca esta banda, pasen a leer: The Cure está más en contra del mundo que de la vida.
En una revelación que podría cambiar por completo la dinámica del Festival Estéreo Picnic, el alcalde electo de Bogotá, Carlos Fernando Galán, publicó un video la noche del jueves 23 de noviembre, sugiriendo que la icónica celebración musical podría mudarse al Parque Simón Bolívar en el 2024. A pesar de la falta de confirmación oficial, la noticia ha encendido la expectativa entre los fanáticos del festival.Si bien la noticia aún no se ha confirmado, la posibilidad de que el Festival Estéreo Picnic abandone su ubicación tradicional en el campo de golf de Briceño y se traslade al corazón de Bogotá ha desatado una ola de especulaciones y emoción entre los seguidores del evento musical más esperado en Colombia.La expectativa está en aumento, y , la atención se centra en Páramo, empresa organizadora del festival, y en cómo responderá ante esta propuesta de cambio de locación. La posibilidad de que el Festival Estéreo Picnic encuentre su nuevo hogar en el Parque Simón Bolívar ha resonado fuertemente entre los fanáticos, y muchos ven esto como un paso audaz y acertado.Sin embargo, no todos están de acuerdo con la idea. Un comentario en Twitter mencionó que parte de la experiencia del festival radicaba en la travesía hasta Briceño. Aunque este punto de vista representa una minoría, refleja la diversidad de opiniones sobre un posible cambio de esta magnitud.De momento, el festival no ha anunciado su ubicación para 2024, así que muchos esperan que una locación dentro de la ciudad se haga realidad.
El festival bogotano Megaland del 2022 tuvo en tarima a Feid, Nicky Jam, Manuel Turizo, Blessd, Ryan Castro Beéle y otros 15 actos musicales. Para 2023, el Parque Metropolitano Simón Bolívar recibirá nuevamente a artistas de diferentes ciudades de América Latina.Contenido recomendado | Primavera Sound: historia de uno de los festivales más importantes de la músicaLa fecha elegida para el evento es el próximo sábado 25 de noviembre desde el medio día y hasta casi las 11 de la noche. Habrá dos localidades: general y VIP, las entradas se venderán por Tu Boleta y se ganarán por medio de emisoras locales.La primera confirmada es la cantante argentina María Becerra, será su primer show oficial en Colombia después de ser parte de un panel en el BIME de mayo. Entre sus canciones más populares están Qué más pues? con J Balvin, Entre nosotros con Nicki Nicole y Tiago PZK, Los del Espacio, Mienteme con TINI, entre otros.El segundo anunciado es Jhay Cortés, también conocido como Jhayco, uno de los compositores e intérpretes más relevantes de Puerto Rico. Algunas de sus colaboraciones son con J Balvin, Bad Bunny y Tainy. Otros anunciados a lo largo de agosto son: Sebastián Yatra, Nico Hernández, Ñejo, Ovy On The Drums y Zion & Lennox. Pronto se dará a conocer los artistas nacionales que abrirán el evento.¿Cómo obtener entradas para el Megaland 2023 de Bogotá?Las entradas para este evento imperdible están disponibles para su compra en el portal de venta de boletos TuBoleta. La entrada VIP tiene un costo de 300.000$ con un aforo para 8.000 personas y el ingreso general valdrá $70.000 con un aforo para 20.000 personas.En ediciones pasadas del festival han estado artistas como Bad Bunny, Feid, Karol G, Pitbull, Morat, J Balvin, Carlos Vives, Maluma, Piso 21, Wisin y Yandel, Chocquibtown, entre otros.¡La música en vivo nos une!
Del Barrio Antioquia en Medellín al Movistar Arena de Bogotá. Blessd anunció su primer concierto en el escenario musical más importante de la ciudad. La gira BLESSD 2023 llevará su show al venue el próximo viernes 6 de octubre. Las entradas estarán disponibles en una venta anticipada exclusiva para clientes movistar preferencial mañana viernes 11 de agosto a las 10 am. La venta al público general se llevará a cabo a partir del Domingo 13 de agosto a las 10:00 a.m hasta agotar el 50% de aforo por localidad.Para el concierto de Blessd se habilitarán dos pisos del Movistar Arena. En preventa habrá precios desde 65.000$ sin servicio hasta los 170.000$ sin servicio. El precio full costará desde 85.000$ sin servicio hasta los 221.000$ sin servicio. Esta es la tabla de precios oficial del concierto de Blessd en BogotáEntre 2022 y 2023 el 'Bendito' ha llevado su música en vivo a diferentes escenarios de Estados Unidos, Centroamérica y Europa. Algunas de sus colaboraciones más memorables son Las Morras con Peso Pluma, El Reloj con Maluma, Medallo con Justin Quiles y Lenny Tavárez, más los juntes que tiene con el cantante del ghetto Ryan Castro; Quién TV, Ojitos Rojos, Niña de mis sueños, Fumando y Lejanía.El concierto es una producción de por DG Eventos, GTS y Stage.En video | Ryan Castro entrevista a Blessd en Medellín - Match ShockAntes de anunciar el concierto en el Movistar Arena de Bogotá, Blessd y uno de sus socios anunciaron el lanzamiento de Dímelojara Company, una empresa de negocios en la música para trabajar con los nuevos talentos de la música urbana. Las dos cabezas de la compañía son amigos desde su adolescencia y empezaron a trabajar juntos para llevar el proyecto musical de Blessd al nivel en el que está hoy en día. ¡La música en vivo nos une!
Diego Manrique y Edgar Marún se conocieron cuando estudiaban música en la Universidad Javeriana de Bogotá. Rizomagic es, por decirlo así, el resultado de un sueño incubado en la academia, pero que involucró sintetizadores y máquinas.Marún cuenta que un día, a principios de 2020, le dijo a Diego "Pille que soñé que teníamos un grupo". Él le respondió "Hagámoslo real". Desde ese mismo día se juntaron en una casa, empezaron a explorar y se fijaron un primer objetivo: hacer un disco. Desde entonces, y con un disco encima, Voltaje Raizal (2021), no han parado de hacer música. Al principio se reunían presencialmente, pero luego la dinámica de construir música se vio forzada a cambiar. La pandemia hizo que cada uno trabajara las sesiones en su casa y se intercambiaran ideas por correo. Después de hacer música, les tocó una tarea que no fue fácil, bautizar el proyecto: "Duramos mucho tiempo escogiendo el nombre y nos pareció interesante la idea del rizoma, que es un sistema de crecimiento que tienen los hongos y este concepto también ha sido utilizado en la filosofía, es una estructura del pensamiento en la que diferentes elementos dialogan, pero no hay jerarquías". Tanto para Marún como para Manrique es importante que, al colaborar con otros músicos, no exista la idea de que alguien está arriba y otro abajo, sino que todo sea muy equitativo y horizontal.De esos primeros meses de pandemia -tiempos aquellos en los que saludar al vecino era peligroso- salieron las canciones del disco Voltaje Raizal que se publicó hasta 2021. El disco fue reseñado por varios medios musicales en Europa, con esa carta de presentación debajo del brazo realizaron sus primeros shows y capturaron audiencias en Berlín, Londres, París, Amsterdam y Sydney, las ciudades que más los escuchan en plataformas digitales.Marimbitiaos, segundo disco de RizomagicEl próximo paso de Rizomagic escarba en la riqueza del Pacífico Colombiano. Será un disco con protagonismo de la marimba, con la colaboración del hijo del fallecido maestro Gualajo. Este proyecto discográfico se publicará completo en octubre de 2023 y tendrá también colaboraciones con Montañera y Bejuco.Y aunque no han publicado el segundo disco ya tienen en mente cómo será el tercer disco: "nos aprobaron un proyecto que pasamos a la Embajada de Suiza y vamos a estar tres meses en El Museo de la Música Electrónica, que es en un pueblo. Allí haremos el tercer álbum y ese lugar será nuestra base en el verano del 2024".Rizomagic se presentará en vivo en En Vivo En El Muelle, la franja de la Fundación Gilberto Alzate Avedaño y Shock. El show será el jueves 27 de julio a partir de las 6 de la tarde con entrada libre hasta completar aforo.Sobre el concepto del show en vivo Diego Manrique adelanta que "Es un concierto que es con máquinas, no es un DJ set. Es tocado en vivo, con mucha electrónica, pero con sintetizadores muy alejado del deejaysismo y en pro del baile. La idea es que las visuales también se amarren mucho a la música, queremos encontrar un equilibrio entre la interpretación en vivo y lo que viene desde la secuencia".¡La música nos une!
Bogotá se prepara para recibir al Festival de Artes Eróticas - AEFEST 2023, un evento que promueve la exploración, el diálogo y la celebración de la sexualidad desde una perspectiva artística y académica. El festival, cuya temática principal es el sexo y la tecnología, se llevará a cabo del 16 al 20 de agosto y contará con una amplia programación en varios escenarios de la ciudad, como el Planetario de Bogotá, el Teatro Jorge Eliécer Gaitán y el Teatro El Ensueño. La agenda incluye talleres, conferencias y performances para todos los gustos. Entre las conferencias destacadas están Putas y feministas –a cargo Georgina Orellano y Amaranta Hank–, y Romper cadenas y construir puentes con Ola Miedzynska (Alemania) el 19 de agosto, y Tecno topías: el cuerpo, territorio como tecnología de Brigitte Baptiste y La dicotomía del placer –en relación a la tecnología sexual– a cargo de Miedzynska el 20 de agosto, ambas fechas en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán.Asimismo, el festival también contará con interesantes performances artísticos como la Gran muestra internacional de shibari –con la participación de referentes mundiales como Hajime Kinoko de Japón– y que también tendrá lugar el 19 de agosto en el Gaitán, espacio en el que también se llevará a cabo el Burdel literario el 20 de agosto a las 2:00 a.m.Por su lado, Gina Quintero presentará Ero lecturas: sexo, tecnología y striptese cyborg el 17 de agosto a las 8:00 p.m. en el Planetario de Bogotá, y Nephila Teatro su obra La Vitrina, una propuesta que expone abiertamente diferentes miradas sobre la prostitución en el Teatro El Ensueño el 18 de agosto a las 7:00 p.m.En el festival también se llevarán a cabo varios talleres que abordarán diferentes aspectos de la sexualidad como: Hablemos de eyaculación femenina el 17 y 18 de agosto; Manual práctico de sexo oral el 18 y 29 de agosto; ¿Cómo hablar de sexo con mis hijos? el 17 y 19 de agosto; e Iniciación a la dominación femenina el 16 y 19 de agosto, por mencionar algunos.En el Planetario de Bogotá también se podrán encontrar conferencias gratuitas como Sexo y discapacidad con Megumi Cardona el 18 de agosto a las 6:00 p.m. y El metaverso y el entretenimiento adulto, a cargo de la Línea Arte, Ciencia y Tecnología del Idartes, el mismo día a las 7:00 p.m.La agenda completa del Festival de Artes Eróticas se podrá encontrar en www.idartes.gov.co/es/agenda/aefest y las boletas se podrán adquir en Tuboleta.¡El lado S de los festivales!
Hace unos meses Christian Nodal visitó Bogotá para promocionar su más reciente lanzamiento. Ahora regresará al país para un concierto especial en el marco de su gira de conciertos FORAJI2. El Coliseo Live de Bogotá recibirá el show de uno de los jóvenes talentos del momento. El concierto está programado para el próximo viernes 28 de julio en la noche. Algunos temas confirmados son "Adiós Amor", "De los besos que te di", "Nace un borracho" y "Amor tóxico". En esta ocasión tendrá no solo una sino cinco invitadas como acto de apertura: Diana Hoyos, Laura Mayolo, Laura de León, Diana Ángel y Adriana Botina; las MUJERES A LA PLANCHA, un cartel que hará de esta noche una velada entre rancheras y algunos de esos clásicos del pop y la balada romántica que conocemos como "música pa' planchar" y que evocan artistas de la talla de Ana Gabriel, Yuri, Selena o Juan Gabriel y que han convertido el formato en un espectáculo que lleva más de 10 temporadas ininterrumpidas en el Teatro Nacional.PRECIOS OFICIALES PARA CHRISTIAN NODAL EN BOGOTÁLa entrada más económica tendrá un costo de 150.000$ sin servicio. Gradería zona 3, 2 y 1 tendrá un costo de entre 200.000$ sin servicio hasta 280.000$. Platea VIP tiene un valor de 300.000$ sin servicio, Palcos Oro 650.000$ sin servicio y Palcos Platino 700.000$ sin servicio.ACTUALIZACIÓNPa' Medallo, el concierto en el que iba a participar Christian Nodal en el marco de la Feria de las Flores de Medellín, fue cancelado por baja venta de boletas. Sin embargo, el concierto del mexicano en Bogotá sigue firme en la fecha estipulada. Los responsables del concierto en Bogotá son CMN Eventos, empresa que ha producido las históricas giras de Bad Bunny, Daddy Yankee, FEID, Ana Gabriel, Marc Anthony, Manuel Turizo y la Banda MS.¡La música en vivo nos une!
El primero de julio, Unísono se une al Colorfest, evento que destaca por tener grandes talentos en un ambiente lleno de música. En esta edición, Amazon Music presenta a artistas como Generación 12, Pescao Vivo, Redimi2, Musiko, Omy Alka, Indiomar y Lau Guerra.Como parte de las actividades del Colorfest, Generación 12, una de las bandas worship más importantes de Colombia, presenta por primera vez en vivo su EP “Tu Amor No Tiene Fin”, un proyecto creado con el colectivo Gateway Worship Español, que reúne voces y canciones de la comunidad de intérpretes hispanos. Este Amazon Original está integrado por cinco canciones y está en la carrera para el Latin Grammy 2023.¿Quién es Redimi2, cabeza de cartel del festival?Willy González Cruz o Redimi2, como lo conocen en la escena del rap o el trap dominicano es el mayor exponente en su país del rap cristiano. Lleva dos décadas en la música y su discografía cuenta con más de diez álbumes. Su sueño de grabar con Vico C lo hizo en el 2014, ahora espera hacerlo con Juan Luis Guerra entre otros artistas. Hace música movido por la fe. Desde niño ha tenido una inclinación por todos los géneros musicales, aunque terminó haciendo rap, porque, según él "Dios usa al hombre en lo que es efectivo". Si hubiera sido su intención, sería la competencia de Luis Miguel, pero en sus palabras "la voz no da ese nivel". Siempre le gustó la música en todos los estilos, su decisión de hacer música venía conjuntamente con algo que tuviese que ver con el arte. Le llamaba la atención la pintura, el teatro, practicó un poco de cada cosa y lo estudié. A los 15 años el rap se convirtió en su género de música favorito. Para él "el gran valor es poder decir muchas cosas en una sola canción y donde caben más palabras que en cualquier otro género musical".¡La música nos une!
En Arte Para Sanar habrá más de 20 artistas nacionales e internacionales se reunirán en un show para todas las edades: Micro TDH, Joey Montana, Pipe Bueno, Ventino, Juan Fernando Velasco, Tostao, Trapical Minds, Sin ánimo de lucro, Lucas Arnau, Agudelo 888, Las Villa, Benji Cordero, Valeria Sandoval, SOG, Nath, Juan Duque y más. ARTE PARA SANAR es un movimiento con responsabilidad país, que tiene como propósito alzar la voz por las cifras alarmantes que actualmente existen en drogadicción en menores, abuso infantil, delincuencia, desescolarización, embarazo en adolescentes y la pocas oportunidades y acceso que tienen nuestros niños, niñas y adolescentes a programas de ámbito cultural y artístico.La Fundación Escuela de Artes Casa Barco es una organización sin fines de lucro fundada por la actriz y presentadora María Laura Quintero en 2010. Desde entonces, ha estado comprometida con el desarrollo humano y social de la infancia y la adolescencia en Colombia, buscando promover la igualdad de oportunidades y mejorar la calidad de vida de las poblaciones más vulnerables. Su tarea principal es fomentar el desarrollo cultural y artístico en estos grupos, todo esto en busca de brindarles oportunidades que les permitan tener un mejor futuro. Valledupar es la segunda ciudad con mayor desempleo en el país y está dentro de las cinco ciudades más pobres de Colombia. Así pues, la Fundación Escuela de Artes Casa Barco trabaja con las familias para disminuir la brecha de pobreza y desempleo, ya que la situación económica y emocional de los padres es una de las principales causas de la deficiencia en la atención de sus hijos.Las boletas para el concierto/donatón de Arte Para Sanar a beneficio de Fundación Casa Barco están a la venta en TuBoleta. El show está programado para inicia a las 3:00PM del domingo 7 de mayo.¡La música en vivo nos une!
A inicios de abril la banda australiana 5SOS anunció los países y las ciudades de su gira mundial 'The 5 Seconds Of Summer Show' en la que se veía una fecha para Colombia. Hoy el misterio se resolvió y se confirmó que la banda debutará en el país en el Movistar Arena de Bogotá.Contenido recomendado | Wu-Tang Clan: "Si haces arte por dinero, entonces vas a poder venderte a un precio bajo"Luke Hemmings, Calum Hood, Michael Clifford y Ashton Irwin informaron que la gira contará con fechas en cinco países: iniciará el 20 de julio en el Estadio Luna Park de Buenos Aires, Argentina, seguirá el 23 de julio en el Vivo Rio de Rio de Janeiro en Brasil, pasará el 25 de julio por el Espacio Unimed de Sao Paulo en Brasil, avanzará el 27 de julio en el Movistar Arena de Santiago de Chile y terminará el domingo 30 de julio en Bogotá, Colombia.Para el concierto en Bogotá, se habilitarán dos pisos del Movistar Arena y la sección platea será con público de pie. En el piso dos habrá tres precios oficiales: $209.000, $309.000 y #349.000 sin servicio. Platea costará $409.000 sin servicio y Tribuna Fan Sur valdrá $449.000 sin servicio.La preventa inicia este 12 de abril a partir de las 10:00 a.m hasta las 11:59 p.m. Las entradas a público general saldrán a la venta el 14 de abril a las 10:00 a.m. ¿Cuáles son las canciones más populares de 5SOS?Actualmente la banda tiene casi 20 millones de oyentes mensuales, solamente en Spotify. Las 10 canciones más populares de los australianos son: Youngblood, Teeth, She Looks So Perfect, Ghost Of You, Amnesia, Who Do You Love, Me Myself & I, Easier, Lie to me con Julia Michaels y Complete Mess. En 2022 la banda lanzó el disco 5SOS5.¡La música en vivo nos une!
Este 12 de julio regresa al Estadio El Campin el Concierto de conciertos, un evento que se convirtió en emblema para Bogotá. En su edición 2024, el Concierto de conciertos contará con la participación de Elefante y Aleks Syntek de México, La Mosca y Enanitos Verdes de Argentina, Juan Fernando Velasco de Ecuador, GIPSY Kings, Rosario y Cómplices de España, Prisioneros de Chile, con Claudio Narea y Aterciopelados. Las entradas están disponibles en Tuticket.com. Los precios oscilan entre 125.000 y 16.700.000 en palco para 10 personas. En 2023, el concierto contó con la participación de Poligamia, Yordano, Comapñía ilimitada, Ekhymosis, Duncan Dhu, Toreros muertos, entre otros. La primera edición de este evento ocurrió en 1988 y marcó una era para la música en vivo en Bogotá. Alrededor de 70.000 personas estuvieron en el Estadio el Campín para ver a bandas como Los prisioneros, Miguel Mateos, Timbiriche, Toreros muertos, José Feliciano, Timbiriche, entre otros.¿Por qué fue tan importante el concierto de conciertos?Tras más de 3 décadas, el evento sigue celebrándose y llamando la atención de los fans. ¿Por qué fue tan importante? Para Elsa Riveros, de la banda Pasabordo, que estuvo en el concierto de 1988: "Nunca antes se había dado un concierto así. Se habían dado otras cosas, pero en Bogotá no pasaban muchas cosas de música.Había bandas que estaban haciendo música en sus casas y en los bares, pero cuando sucede esto fue como "wow en Colombia sí se puede hacer algo así. Hay bandas colombianas que pueden participar, no es solo para bandas internacionales".Eso inspiró a muchas personas a dedicarse a la musica y verla como una opción viable en sus vidas: "Alguna vez alguien me dijo: "yo le pude decir a mi mamá y a mi papá que me dejaran ser músico, gracias a ese concierto", agrega Elsa.El concierto de conciertos se ha convertido en una excusa para la nostalgia y para celebrar la música latinoamericana d elos 70 y 80.
El retrato es un tipo de fotografía en donde buscamos destacar un aspecto de alguien, ya sea algún rasg ode su rostro, su personalidad, sus intereses, entre mucho más. Para lograr una foto de esas "para poner hasta en la cédula", aquí les damos algunos consejos, con el celular. Lente Limpio Un detalle sencillo, pero que puede alterar el resultado de la foto. Varios intentos Tomen varias fotografías de la misma escena y luego elijan la mejor. El modo ráfaga del teléfono es muy bueno para eso. Para los retratos sirven muy bien, ya que cuando el sujeto no es consciente de que es fotografiado se obtiene un resultado más espontáneo. Elijan una buena fuente de luz Una fuente de luz desde arriba, abajo o detrás crea sombras que pueden resultar poco favorecedoras. Una fuente de luz difusa que utiliza luz reflejada en una superficie blanca o a través de una ventana con cortinas ligeras crea una luz sutil. Siempre aprovechen la luz natural. Eliminen las distracciones Tomen nota del entorno y de posibles distractores que puedan quitar atención del protagonista de la foto. Traten de que en la compisición no existan otros detalles que quiten protagonismo al fotografiado. Intenten capturar algo del personaje ¿El personaje es divertido, serio, tímido, extrovertido? No importa, busquemos destacar esos aspectos qur lo hacen único. Válido dirigirlo para que haga alguna pose representativa. Hay que tomarnos el tiempo para lograr una buena imagen ¿Cuál es un buen teléfono para esto?OPPO anunció que ya está globalmente disponible su nuevo smartphone: OPPO Reno11 5G. Este equipo tiene un sistema de cámara para retratos ultranítidos, con una cámara principal de 50 MP con estabilización óptica de imágenes (OIS). Este es un celular El Reno11 5G captura retratos de calidad de estudio con la cámara de retratos con teleobjetivo de 32 MP que posee un zoom 2X equivalente a 47 mm, para capturar retratos de forma parecida a la perspectiva del ojo humano. El sensor Sony IMX709 detrás de esta experiencia 2X no solo captura fotos nítidas y detalladas, también cuenta con una disposición de píxeles RGBW para una fotosensibilidad 60% mayor y ruido 35% menor que los sensores tradicionales.Con unacámara principal ultranítida de 50 MP con OIS, un rápido objetivo f/1.8 y el nuevo sensor LYT600 de Sony, la cámara es versátil. Y para paisajes amplios, la cámara ultra gran angular de 8 MP del Reno11 5G cubre un campo de visión de 112º.Este es un equipo perfecto para retratos, así que si eso es lo que buscan, el OPPO Reno11 5 G es una gran opción.
Nuestra reina del amor, del despecho y de las canciones que algún día soñamos con dedicar, saca álbum después de siete años. Shakira, la misma que escribió Día de Enero, Antología e Inevitable, tituló ese álbum ‘Las mujeres ya no lloran’.Aquí somos creyentes de que cada una vive la tusa como quiere, pero decir que las figuras pop no influyen en cómo musicalizamos al menos los días en los que tenemos el corazón roto sería mentirnos.Shakira le escribió este álbum a Piqué y cogió la fórmula que le funcionó en el BZRP Session y la convirtió en disco. Bien, si queremos escribirle 100 canciones a nuestros ex pues lo hacemos.¿Cuál es el problema entonces?Que la tristeza y la productividad se consideren excluyentes.Yo crecí como la adolescente que fingía que nada le importaba cuando en el bus lloraba escuchando ‘Pienso en ti’ recordando al peladito o peladita que no me paraba bolas. También crecí siendo la única mujer en una familia de hombres. Toda emoción era limitada por frases como “por eso no me caen bien las niñas, lloran mucho”.Recuerdo escuchar los primeros discos de Shakira y pensar “yo nunca podría ser así de vulnerable”, alimentando la idea de que la sensibilidad, la ternura, la emoción eran sinónimos de fragilidad.Las diferentes corrientes del feminismo llevan peleando por años por esclarecer que el movimiento no busca que las mujeres seamos iguales a los hombres, que no se trata de llegar a ser como ellos porque los hombres no son una meta que añoremos alcanzar.Durante años, la sociedad se ha esforzado en fiscalizar nuestros sentires y las formas de expresarlos. El patriarcado y el capitalismo, que al final tienen como consecuencia la alienación de nuestras emociones, han reproducido la idea de que la emoción nos hace débiles.Sarah Amed, teórica feminista australiana, explica en su texto ‘La política cultural de las emociones’ (2004) que estas se utilizan por diferentes estructuras dentro de la sociedad para regular los cuerpos y las relaciones sociales. Las emociones son a menudo usadas para legitimar o deslegitimar ciertas formas de comportamiento.El punto acá es que la forma en la que expresamos nuestras emociones no sólo influye sobre los estados internos.Las figuras pop marcan el ritmo de consumo, pero también van marcando el ritmo de cómo se gestan las emociones. Estemos de acuerdo o no, así parezca una afirmación exagerada, es un hecho.Actuamos por imitación y nuestras emociones no están exentas de eso. Uno de los ejemplos más claros de eso es el hippismo de la década de los 60 y 70: figuras como Jimi Hendrix, John Lennon y Joni Mitchell personificaron el deseo del amor libre, la revolución sexual y el rechazo al materialismo que se vivió en la época.Artistas como Taylor Swift y Olivia Rodrigo priorizan la tristeza y la rabia en sus canciones. Son emociones que, además de ser completamente naturales, han sido históricamente motores de creación de obras artísticas de todo tipo.Negarnos la capacidad de sentir tristeza bajo el discurso del empoderamiento, como el de Shakira, sólo sirve para meternos, nosotras mismas, nuevamente en esa cajita en la que nos metieron los hombres cuando intentaron convencernos que la emoción y la razón son conceptos excluyentes.La filósofa mexicana Rocío Castillo explica que la razón patriarcal ha construido una dicotomía que separa la razón de las emociones, asociando la primera a lo masculino y la segunda a lo femenino. Una dicotomía que ha sido utilizada para subordinar a las mujeres y negar su capacidad intelectual.Uno de los (muchos) problemas del “empoderamiento”, además de ser una palabra maluquísima, está en que lo que se considera empoderante es imitar el modelo masculino; es decir, desprendernos de lo que se ha considerado algo exclusivamente de mujeres: la sensibilidad y la emoción, entendida como algo irracional y carente de razón.Poner en extremos opuestos monetizar la tusa y llorar es caer en el modelo masculino que niega a la emoción por “absurda” e “improductiva”. Ganar plata cuando se tiene el corazón roto no le cae mal a nadie, pero la emoción (incluída la tristeza) hace parte de la experiencia de vivir.Como una mujer que intentó por años ocultar su sensibilidad por crecer bajo el ideal masculino, extraño las letras desgarradoras de Shakira, las que me hacen sentir entusada sin estarlo.A los hombres que llegaron hasta acá: a ustedes también les han negado por mucho tiempo la capacidad de abrazar su sensibilidad. Lloren con sus amigos, canten abrazados, que en este mundo, que cada vez pierde más el sentido, la ternura es lo único que nos queda.A Shak: ojalá vuelvas a escribir canciones con el corazón, o con el bolsillo, pero mientras te permites llorar.Igual te amo.
A la mitad de la entrevista, El Kalvo detiene por un momento sus reflexiones sobre la xenofobia que persiste al interior del hip-hop colombiano y el valor de hablarle a los trabajadores para buscar alitas de pollo a domicilio. Los ensayos para su presentación en el Festival Estéreo Picnic copan su tiempo, por eso llega tarde la entrevista, anda de afán y el tiempo para almorzar se escapa. Pero si hablamos del Kalvo no solo hablamos de un man que lleva veinte años en el rap, un joven veterano que a codazos y paciencia se ha abierto un espacio como un MC único en el país; hablamos también de alguien conocido por su apetito generoso, capaz de hazañas culinarias y connoisseur de la gastronomía callejera bogotana.Así que cuando es hora de comer, todo puede esperar.Después de Algarabías (2022), El Kalvo se dedicó a encontrar territorios comunes con otros artistas. De esta búsqueda colaborativa resultaron temas como “Agencia de viajes”, con La Radio Bembé Orquesta, y la enternecedora “Lero lero”, con La Muchacha. Cuando empezó el 2023, El Kalvo entró en modo álbum y tomó esas canciones para agruparlas y darles un sentido. Así nació Los tres golpes, el disco con mayor número de colaboraciones en su carrera: Kiño, Penyair, Jam Block Jr, Turek Hem y Horus conforman la polifonía. Un secuaz de confianza como Hi-Kymon se encarga de casi toda la producción, que desde el boom bap se extiende en todas las direcciones.Al principio, El Kalvo pensaba llamar a este nuevo trabajo Kalvokalez, para marcarlo como un proyecto más personal, que reflejaba quién era. Sin embargo, Saga Uno —su aliado para crear el extravagante kit de ocio para el trabajador contemporáneo que acompaña al disco e incluye un recipiente para la comida, un cancionero al estilo de los almanaques Bristol, un rascador, un parqués y una riñonera— lo convenció de que Los tres golpes, el nombre de un tema en el que describe al detalle y con apetito jugoso qué se puede degustar en la capital en distintos momentos del día, era un título mucho mejor. Luego de debatirlo, El Kalvo le dio la razón. En todas las canciones del disco hablaba, aunque fuera por un momento, de comida: “Ordinaria elegancia” no solo define bien su encanto, sino que muestra su ojo meticuloso para describir un buen guiso que, a la vez, es una buena letra de rap.A pesar de que no le puso su nombre, El Kalvo sí vuelca en este disco las distintas inquietudes que caracterizan su rap. Ahí están su pasión por contar historias (“Jesucristo de Maracay” o “Radio Casa Grande”), su perspectiva heterodoxa del rap (“Marquillas”) y su gusto por la bareta (“Préndalo). Están las preguntas incómodas y punzantes que suele hacer, como la que le plantea a los raperos colombiano sobre el trato que le dan a los migrantes venezolanos. Y, finalmente, canciones como “Elías”, un homenaje a su abuelo que puede ser la mejor canción del disco; “He sido”, en la que traza sus memorias a través de todos los trabajos en los que se ha rebuscado el salario; o “El rapado”, como pararse frente al espejo y rapear lo que se ve, profundizan en su biografía.Sobre esto y más hablamos con El Kalvo.***¿Cómo llegó al concepto de Los tres golpes?Yo lo quería llamar Kalvokalez, así como los artistas les ponen sus nombres a sus discos más personales, los que los definen. Pero a Saga le pareció que ese título era muy suave, que Los tres golpes tenía una carga conceptual mucho mayor. Luego de reuniones y llamadas que duraban horas y horas, me convenció, porque además de lo del desayuno, almuerzo y comida, en todas las canciones hablo de comida en algún punto, más inconsciente que conscientemente, güevón. Pero al final es más amplio que eso, tiene muchas historias. Ya he hablado mucho de lo social, de lo político, ese tema me había saturado, entonces me pregunté de qué quería hablar. Los tres golpes es mi manera de definirme como MC, cuál es mi tipo de rap. Y es el comienzo de una búsqueda, de otras temáticas a las que me quise como acercar, otras maneras de decir las cosas. Pero no sé si logré definirme completamente, creo que no, todavía le falta. Menos mal no le puse Kalvokalez.Usted ha explorado llevar los álbumes más allá de las plataformas digitales y más allá del CD, ¿cómo ha sido ese aprendizaje? A mí me gusta insistir en formatos físicos porque me permite innovar, entregar la música de manera distinta. Hoy es más fácil escuchar un vinilo que un CD, güevón. Mucha gente compra un CD para tenerlo, pero no lo puede escuchar. Entonces qué lindo tener otra cosa que sí sirva pa’ algo: qué güevonada comprar algo que uno no va a usar. Tenía que ser algo útil. Ya había hecho un libro, que es útil, pero si lo leíste ya queda ahí, ya fue. Pero al final nos dimos garra con Saga, fue un proceso pesado con muchos problemas técnicos. Le dimos rienda suelta a la imaginación y nos montamos en la película de hacer algo absolutamente novedoso. Y Saga sí me dijo que él lo diseñaba, pero yo me ocupaba de hacerlo. Hágale, le dije. ¿Un cancionero? ¡Hágale! ¿Un diorama? ¡Hágale! ¿Un parqués? ¡Hágale! Fue demasiado.Ahora me decía que está un poco cansado de hablar de temáticas sociales, ¿cómo ha sido para usted existir como rapero en el gobierno de Petro?Cuando quedó Petro yo sí sentí alivio: habíamos ganado algo. Por eso me relajé y dije como bueno, ya, me voy a dedicar a hablar de otras cosas y voy a darle la oportunidad a este man para que haga lo suyo, ¿sí me entiende? La inflación va bajando, el desempleo va bajando, el dólar se mantiene bajito. Esas cosas demuestran que se está haciendo bien la vuelta, mejor de lo que estaríamos con Rodolfo Hernández o Federico Gutiérrez, presunto paramilitar. Pero los medios han vendido la idea de que el cambio no es el cambio porque las transformaciones no han sido instantáneas. Y los de siempre, con mucho cinismo, han dicho que todo sigue igual, pero ellos son los responsables de que las cosas estuvieran así. Igual hay muchas cosas que están mal. Hay mucha gente que se coló, como Agmeth Escaf, Benedetti o la vieja esa que tienen paseando por todos los cargos importantes, quién sabe qué sabe de Petro, güevón. La esposa del man tiene una actitud como toda corrupta y se ha gastado un poco de plata viajando y tiene gente ahí enchufada. Feo, feo, güevón. Son cosas que no deberían pasar.Igual ahora que acabé este proyecto sí estoy sintiendo que otra vez necesito hablar de esos temas. Hace falta análisis. No quiero decir que yo soy el único que pueda analizar la mierda, pero sí siento que como hip-hoppers tomamos la misma actitud al tiempo, como listo, ganó Petro, chao, hablemos de otra mierda, a mí no me jodan. Incluso hay unos que se desconectaron tanto que están diciendo que la mala pa’ Petro, repiten el discurso que les dan las noticias. Es el juego de manipulación. Por eso otra vez siento un impulso muy fuerte por analizar y comentar.Vamos ahora sí con los temas más serios: una encuesta rápida sobre comida colombiana. ¿Mejor frito?Yo diría que la arepaehuevo con carne mechada. Es una obra maestra de la comida sumergida en aceite.¿Postre favorito?Quizás el de tres leches o el de natas. O, no sé si es tan colombiano, pero las islas flotantes de Endulza tu Paseo, gonorrea: esa es la misión.¿Sopa favorita?El ajiaco.¿Algo que le guste que nadie espere que le guste?La comida vegana.¿Cómo surgió la idea de “Jesucristo de Maracay”? ¿Tiene que ver con plantear una postura clara frente a la migración desde la comunidad del rap?Hay mucha xenofobia en el rap. He tenido que ver a parceros raperos que hablan despectivamente de los venezolanos como ratas o chirosos. La mala pa’ las ratas, sí, que nadie robe, pero la estigmatización que vive la población migrante venezolana es muy injusta, porque los que hacen cosas malas es una fracción muy pequeña. Es más fácil ver la paja en el ojo ajeno, pero el problema no son los migrantes, sino la pobreza, la falta de oportunidades, la ignorancia, la mala educación, la corrupción que se roba la plata que debería ser para el bienestar de la gente. Por eso cuando canto “Bacatá” el mensaje es que Bogotá es para el que esté en Bogotá, esta ciudad es pa’ muchos tipos de gentes y hay espacio pa’ todo el mundo. Entonces construí esta historia para cagarme en la xenofobia, pero también en la moral católica de los que son xenófobos y aporofóbicos. ¡Mientras tanto en Palestina están bombardeando el pueblo de Cristo! La gente que está sufriendo en todos lados representa eso. Cristo era un desplazado de la violencia. Y pues es de Maracay y no de Barquisimeto porque me rimaba, y me quedaba re bien para homenajear a los raperos de allá, que son de los más ásperos del hip-hop venezolano. De hecho las historias que me inspiraron fueron las del Topo y Vampi, de Piso Ocho, que nos contaron lo duro que les tocó, pero ellos son de Puerto La Cruz, y así quedaba raro.¿Por qué le dedica este kit de ocio al trabajador contemporáneo? A veces me parece que el rap está montado en una burbuja rara, no se tiene en cuenta el diario vivir, como si todos viviéramos en un videoclip de rap, güevón, y solo hubiera ocio y placer. Quería que el álbum fuera para el descanso, está pensado para disfrutarse después de una larga jornada de trabajo. Para una persona normal la música es un escape de la realidad, una anestesia que escucha en el Transmilenio, caminando, lavando loza o haciendo ejercicio. Por eso tampoco quería hablar de temas pesados, sino más bien como toma, disfrútate esta historia de cosas asquerosas que nos inventamos con Penyair, o esta otra de Jesucristo como un migrante venezolano. Pensaba que qué chimba que el rap que yo haga sea óptimo para el que está saliendo de su camello y se quiera relajar. El disco es para dignificar el esfuerzo, como dice el intro, un tributo al esfuerzo.A propósito de “Protagonista estelar”, ¿cómo ha sido para usted rapear sobre el amor? ¿Y cómo ha cambiado con los años?No es mi temática fuerte, pero en cada trabajo discográfico trato de incluir al menos una canción que hable del tema. Siempre es difícil hacer algo tan personal, ¿no? No puedo hablar del amor como hablo de otras cosas, con esa forma arquetípica de tomar los temas, porque el amor es el amor, ¿sí me entiendes? Yo a mi novia no le puedo cantar cualquier cosa, es cuando más real tengo que ser. Me siento vulnerable. Hay gente que puede estar re parchada y escribe una canción re tusa cortavenas, y la novia está al lado, cagada de la risa. Para mí debe ser algo muy personal, y como con mi novia compartimos las artes audiovisuales, “Protagonista estelar” fue una oda a lo que hacemos juntos. Ella me ayuda a hacer los videos, yo edito cosas para ella. Disfrutamos y creamos juntos. De ahí salió lo de “Hagamos ficción y documental”, porque de verdad lo hemos hecho. Es chimba. Cuando más sincero he sido es en las canciones de amorcito.¿Cuál es su tema favorito de rap romántico?“Querer querernos” de Canserbero. La escuché antes de que saliera, porque el man la tocó una vez que vino a Bogotá como en 2011, re caleto. A toda la banda de pirobos se le salió el aire con el último ponche. Fue como mucho malparido, qué gonorrea.***Hace un tiempo invitamos al Kalvo a parodiar una elección rapeando junto a Neck Talese y El mismoperro, este fue el resultado:
Uno de los headliners del Estéreo Picnic 2024 es una de las figuras más destacadas del reggaetón mundial: Feid. Pero no es la primera vez que hay un reggaetonero en el line-up. En 2022, J Balvin fue el primer artista de este género en el festival. Aunque su presentación fue sumamente comentada (por las razones equivocadas) sin duda hizo historia al abrir espacio a un género que durante mucho tiempo fue inesperado en el Picnic. Aunque hoy sean muy normales los actos de reggaetón en Estéreo Picnic, la cosa no siempre fue así. En sus inicios, el festival tenía la fama de ser un evento solo para "hipsters" y efectivamente, estaba dirigido a un público alternativo. El festival tuvo un arranque exitoso con Matisyahuy 2 Many DJS en 2010 y con Calle 13, Bag Raiders y The Presets en 2011, en 2012, con Caifantes, MGMT y TV on the Radio los resultados no fueron los esperados. Reggaetón: el último recurso para salvar en Estéreo Picnic "El tercer Estéreo Picnic, el del 2012, en el que tocaron Caifanes y MGMT. Esa mierda fue básicamente “apague y vámonos", dijo Sergio Pabón, empresario de Páramo Presenta (en ese entonces T310), en entrevista con Vice en 2024. Pabón continúa: "de verdad no habían señales que indicaran que esto podía llegar a funcionar. Todo era paupérrimo. El apoyo del sector privado era pésimo. El de la gente, peor, no vendíamos nada de boletas. En un punto hicimos una votación y se acordó unánimemente, aunque sin mí, porque yo era el único que estaba en contra de la decisión, de nunca volver a hacer Estéreo Picnic. Ya no resistíamos más. Pero lo volvimos a hacer al año siguiente con The Killers como headliner". "Fue justo en ese momento en el que no le encontrábamos la vuelta, incluso con Balvin se habló y teníamos hasta un negocio acordado. Ahí dijimos como “Armemos una tarima con Balvin, Fonseca, Carlos Vives y toda esa gente para ver si vendemos boletas”, porque es que no podíamos desaparecer por seguir obstinados en una movida musical que no nos estaba devolviendo. Pero al final nos echamos pa’ atrás y dijimos “No, seamos fieles a lo que hemos construido”.Al final Balvin sí llegaría a presentarse en el festival, aunque en circunstancias muy diferentes. En ese momento, era difícil predecir cómo el reggaetón iba a irrumpir en la industria musical mundial, al punto de convertirse en protagonista en los festivales de Colombia y todo el mundo.