Considerada la mayor exponente del folclore argentino, Mercedes Sosa marcó la historia de la música latinoamericana. Fue activa políticamente durante toda sus 74 años de vida y su voz siempre estuvo a favor del pueblo, por ello, era apreciada especialmente por los simpatizantes argentinos de la izquierda.Para leer | 15 películas latinoamericanas de temática homosexual para ver en casaEn vida publicó de la mano de diferentes compañías más de 35 discos, 13 álbumes en vivo y 12 películas. Fue homenajeada con seis premios Latin Grammy, incluyendo el reconocimiento a la excelencia musical.No tenía miedo de experimentar y aprovechaba cada oportunidad para acercarse a las nuevas generaciones. Colaboró con todo tipo de músicos, de todas partes del mundo y por ello su mensaje llegó a nuevas generaciones.Fotografía de Mercedes Sosa y Gustavo Cerati en 2009 para la grabación de su primer dueto.Oficialmente tiene créditos con más de 66 solistas y agrupaciones. En este listado seleccionamos las canciones en las que colaboró con músicos mainstream y alternativos, artistas de los que siempre hablamos en este portal y que, al igual que la gran Mercedes Sosa, han marcado a generaciones.Para leer | ‘Buena Vista Social Club’ celebra 25 años de la grabación del álbum con reedición de lujoMercedes Sosa: las mejores colaboraciones de la cantora argentinaZona de promesas con Gustavo CeratiCanción Para Un Niño En La Calle con Residente de Calle 13Zamba del cielo con Fito Páez y Liliana HerreroDesarma y sangra con Charly GarcíaBarro tal vez con Luis Alberto SpinettaSea con Jorge DrexlerLa Maza con ShakiraZamba para olvidarte con Diego Torres y Facundo RamírezSabiéndose de los descalzos con Julieta VenegasDeja la vida volar con Pedro AznarParao con VicenticoRazón de vivir con Lila DownsVioletas para violeta con Joaquín Sabina5 contenidos para leer en Shock.coVoguing: el baile que se convirtió en símbolo de resistenciaJon Boogz: “El baile es un potencializador para expresar los sentimientos”Preguntas que los hombres gais estamos mamados de responderOrgullo LGBTIQ+: Ser mujer trans en el Chocó, la historia de la bailarina RhianaCuando el cine y la televisión se la tenían montada a la comunidad trans¡La música nos une!
Desde el 28 de abril de 2021, primer día del Paro Nacional en Colombia, el músico boricua Residente ha apoyado las diferentes protestas. Su primer mensaje en apoyo a las manifestaciones en redes sociales fue “si un pueblo protesta y marcha en medio de una pandemia es porque su gobierno es más peligroso que un virus”.Con el recrudecimiento de la violencia en las calles y el abuso policial en contra de la población civil, el compositor continuó apoyando el Paro Nacional compartiendo imágenes, videos y reflexiones. En la noche del 3 de mayo Residente se conectó por medio de una transmisión en vivo con el fotógrafo JahFrann para entender lo que está ocurriendo en Cali.En video | Flaco Flow & Melanina: “Ya son 20 años de ‘La Jungla’ y en Colombia todo sigue igual”En el live Residente contó que estaba muy impactado con lo que ocurría en las calles de Colombia y expresó su interés de recopilar todos los videos en que se evidencia el abuso policial para enviarlo a la ONU y que la comunidad internacional apoye y proteja de alguna manera a los protestantes.El creador de canciones como Adentro, El Aguante y Latinoamérica confesó que para él “es importante que todo el mundo sepa que las manifestaciones tienen una razón y es que dejen de abusar. Hay varias cosas que hay que solucionar que me las han mandado todas. Mañana voy a hacer un video sobre esto para ver de qué manera ese video le puede llegar a las Naciones Unidas”. Para leer | Músicos colombianos manifiestan su apoyo a las marchas del Paro NacionalLa transmisión, que muestra contenido sin editar del abuso policial que se vivió en esa noche, ha sido vista más de 2,5 millones de veces en Instagram.En video | 'Un canto x Colombia': la música como medio de protesta y unión¡La música nos une!
Desde hace varios días, usuarios han reportado que al intentar ver el video de El Aguante de Calle 13 en YouTube, observan una advertencia que afirma “La comunidad de YouTube ha identificado este contenido como ofensivo e inadecuado para algunos públicos”. En otras plataformas, la canción y el video están disponibles sin advertencia alguna.El propio Residente retuiteó en su cuenta una de las denuncias.Si bien el pasado 2 de mayo, era una advertencia que solo se veía en Colombia, hoy personas de otros países reportan que también pueden verla. Tras hacer clic en la opción “Lo entiendo y quiero continuar” el video se reproduce normalmente. Varios usuarios han subido otras versiones del video en sus canales y se reproducen sin el mensaje. ¿Por qué salió esta advertencia? Una opción probable es que YouTube haya recibido varios reportes de contenido inapropiado en el video. Una de las imágenes del clip muestra a René colgado, lo que podría ser una razón válida para YouTube de remover el clip, pues la plataforma es cuidadosa con el contenido que no sea apto para todo el público, según lo explica en sus lineamientos de comunidad. Igualmente, en un momento se aprecian símbolos nazis, algo que esta web también tiene en cuenta, incluso con razón de crítica o sátira. Sin embargo, llama la atención que suceda justo en estos momentos, en los que muchas personas en Colombia están buscado la canción y el video. Actualización "Cuando un contenido es reportado como ofensivo, pero no viola las políticas de YouTube, en algunos casos se una advertencia a los usuarios antes de la reproducción del video. En este caso se trató se un error, y la advertencia fue removida", dice un comunicado firmado por Tatiana Márquez, gerente de comunicaciones de Google para Colombia y Centroamérica. En el comunicado, la compañía añadió que lamenta los inconvenientes que esta situación causó. "Seguimos trabajando para que YouTube sea un lugar en el que todas las personas puedan expresar su voz". Lanzada en 2014, El aguante, de Calle 13, pertenece al disco Multi Viral. Las letras son de René Pérez y la música de Eduardo Cabra "Visitante". "Aguantamos que Monsanto infecte nuestra comida, aguantamos el agente naranja y los pesticidas, aguantamos el comunismo, el socialismo y hasta el pendejismo", dice la canción que a hoy acumula casi 116 millones de reproducciones en YouTube y ha sido un himno de las protestas en Colombia y toda Latinoamérica.Recientemente, Residente se refirió a las jornadas de protesta en Colombia: “Si un pueblo protesta y marcha en medio de una pandemia es porque su gobierno es más peligroso que un virus”, dijo el músico en su cuenta de Instagram.
“Ahora todos tienen depresión” es una idea que se ha vuelto recurrente en redes sociales y conversaciones cotidianas. Es un hecho que cada vez más personas están admitiendo abiertamente que padecen de algún trastorno mental o que acuden a algún psicólogo, psiquiatra o terapeuta. Esto es una realidad también para músicos y figuras públicas. Por Paula Ricciulli // @ricciup En términos coloquiales, los trastornos mentales “están de moda” y, por supuesto, la música ha sido reflejo de ello. La agencia de marketing Take 5 publicó hace dos años un estudio que concluyó que, en 1958, 24 de los singles del top 100 trataban sobre problemas mentales. En 2017, eran 71 las canciones en las que se mencionaba este tema. Genius, un motor de búsqueda de letras de canciones y referencias en las mismas, identificó que se ha triplicado el número de veces que aparecen las palabras depresión y ansiedad en los temas de hip hop en los últimos diez años. Con los suicidios de Chester Bennington de Linkin Park y Chris Cornell en 2017, entre otros, las enfermedades mentales ganaron más visibilidad y desde entonces cada vez más artistas se han abierto sobre su lucha con la depresión. Músicos como Adele, Zayn Malik o Selena Gómez han admitido que han sufrido de ansiedad. Demi Lovato confesó que ha sufrido trastorno bipolar, mientras que Lady Gaga ha sufrido depresión, al igual que SIA y Christina Aguilera. J Balvin ha hablado en varias ocasiones de su experiencia con la depresión y la ansiedad y ha invitado a tomarse en serio estas enfermedades y buscar ayuda profesional. En una sociedad que nos exige cada vez más para ser competitivos, es un cambio cultural importante que cada vez más personas reconozcan sus problemas mentales y que se cree conciencia del autocuidado, sin que sea vista como signo de debilidad. Hace unos años era difícil que una estrella del pop hablara de este tema. Hoy, Billie Eilish, ganadora de 5 premios Grammy, hace canciones como Bury a Friend (Enterrar a un amigo), sobre pensamientos suicidas. Eilish dice que la canción está escrita desde la perspectiva del “monstruo debajo de tu cama. Cualquier cosa podría ser el monstruo, puede ser una persona que amas mucho y está tomando el control de tu vida”. El rapero Logic lanzó en 2017 una canción titulada 1-800-273-8255, que es teléfono de la línea contra el suicidio en Estados Unidos. Otro aclamado rapero, Kendrick Lamar, se ha referido varias veces a su lucha contra la depresión. En el sencillo u del exitoso To Pimp a Butterfly cuenta: “tus cambios de humor son frecuentes, negro, sé que la depresión descansa en tu corazón por 2 razones, negro”. “Tengo depresión desde que soy adolescente”, dice también en i. En febrero de 2020, Residente lanzó su canción René, en la que habla de su experiencia con la depresión. “Cuando caigo en depresión, mis problemas se los cuento a la ventana del avión. El estrés me tiene enfermo, hace 10 años que no duermo... Estoy triste y me río. El concierto está lleno, pero yo estoy vacío”, rapea el músico. Aunque parezca que “ahora todos tienen depresión”, lo cierto es que estos trastornos no son nada nuevo. Un 25% de las personas del planeta padece al menos un trastorno mental o de comportamiento, según la OMS. Se estima que en el mundo padecen depresión alrededor de 350 millones de personas de todas las edades. Alrededor del 65% de las personas que necesitan tratamiento por depresión en América Latina no lo reciben. En Colombia, un 40% de la población ha presentado alguna vez en su vida algún trastorno mental. Alrededor de 8 de cada 20 colombianos encuestados sufrieron trastornos psiquiátricos alguna vez en su vida, según el Ministerio de Salud. Lo que suele ser difícil a la hora de tratar estas enfermedades es que quienes las padecen suelen ser rechazados y tratados de “locos”. “Evidentemente, ahora existe más información que nunca, pero las personas con enfermedades mentales siguen siendo terriblemente estigmatizadas, empezando porque parte de la estigmatización es que nunca hay suficiente atención en salud mental. Si bien es cierto que es un problema que también afecta a otras especialidades, las enfermedades mentales siempre han sido la cenicienta de la cenicienta”, opina Isabel Cuadros, psiquiatra y directora de la Asociación Afecto. Para ella, es bueno que las figuras públicas muestren que son víctimas de un trastorno mental. “Eso demuestra que son enfermedades más comunes de lo que las personas de imaginan. Finalmente, el cerebro es un órgano como cualquier otro”. Si bien se ha aplaudido que la conversación se abra alrededor de la depresión y demás enfermedades mentales, también ha habido críticas. Ese fue el caso de Kanye West, quien está diagnosticado con trastorno bipolar. En julio pasado tuvo lo que se calificó como un brote psicótico en el que hizo varias declaraciones (hoy borradas) muy extrañas en su cuenta de Twitter. Afirmó, entre otras cosas, que la película Get Out era sobre él, pues la familia de su esposa Kim Kardashian buscaba lavarle el cerebro para convencerlo de que estaba loco y que así abandonara la música. Tras el episodio, West se disculpó y su esposa Kim Kardashian pidió compasión para él. “Todos los que conocen a Kanye, conocen su corazón y entienden que a veces sus palabras no siempre se alinean con sus intenciones”, dijo Kim. Sin embargo, no hubo mucha compasión para Kanye: el rapero recibió burlas, críticas y fue acusado de manipulador. Después de todo, Kanye no es una figura que despierte solidaridad: en una ocasión negó la esclavitud, dijo que las vacunas tenían “una influencia demoníaca” y también defendió a Bill Cosby, encontrado culpable de violación. “Es importante recalcar que, aunque Kanye West experimente los síntomas de trastorno bipolar, sigue siendo responsable. Sus comentarios racistas y misóginos son dañinos y debería responder a la crítica cuando pueda hacerlo. Pero concentrarse exclusivamente en él y exigir que se responsabilice mientras está en crisis es dañino, así como disfrazarlo como un intolerante o manipulador que exagera sus síntomas”, opina en NBC News la autora Nylah Burton. “Las personas diagnosticadas con trastorno bipolar pueden entrar en fases psicóticas. Eso quiere decir que tienen un exceso de energía en el caso de que estén en la manía: están exaltados, no duermen, no comen y tienen errores de juicio muy graves. La mayoría tiene alucinaciones y son ‘grandiosos’, sienten que son muy especiales. Después de eso, pasa totalmente lo contrario: se vuelven depresivos, no tienen energía, sienten que son poco importantes”, nos explica Cuadros. El delirio de grandeza de Kanye en muchas de sus acciones, incluida por supuesto su candidatura presidencial, es precisamente el mayor síntoma de su trastorno mental. Por eso es importante mantenerlo en contexto cuando se habla sobre él. “Por los privilegios de personajes como West, se suelen interpretar los síntomas de su trastorno mental como si estuvieran ‘perdiendo el control’. Como resultado, sus acciones se abordan como espectáculo, y puede dar lugar a un juicio moral en lugar de una reacción empática”, explica en The Insider Jeannette H. Porter, profesora de comunicación estratégica. La depresión no es chiste ni "ganas de joder": Hay que hablar de ella Casos como el de Kanye recuerdan también la estrecha relación entre los trastornos psíquicos y las redes sociales. Tanto para visibilizarlos como para provocarlos. Según el filósofo surcoreano Byung-Chul Han, hoy todos estamos expuestos a la IFS (Information Fatigue Syndrom o cansancio de la información), una enfermedad psíquica producida por el exceso de información. El cansancio de la información, dice Han, incluye síntomas característicos de la depresión. “Conduce a la depresión una relación consigo mismo exagerada y patológicamente recargada. El sujeto narcisista-depresivo percibe tan solo el eco de sí mismo. No hay significaciones sino allí donde él se reconoce a sí mismo de alguna manera. Al final se ahoga en su propio yo, agotado y fatigado de sí mismo. Nuestra sociedad se hace hoy cada vez más narcisista. Redes sociales como Twitter o Facebook agudizan esta evolución, pues son medios narcisistas”. Si bien hoy sabemos más que nunca los trastornos mentales, aún hay mucho que como público nos falta entender sobre ellos y cómo abordarlos. La conversación está abierta y cada vez más son los que están dispuestos a hablar (y escuchar).
Eduardo Cabra o simplemente Cabra, hizo un repaso por lo sonidos que exploró en el pasado, en canciones como, Atrévete-Te-Te, La Cumbia de los Aburridos y Tal Para Cual. Cabra vuelve a reconectar con producciones pasadas, aunque con un sonido más acorde a la actualidad del artista, al tiempo que revela la naturaleza ecléctica de este nuevo proyecto solista. La Ventana es una composición nacida enteramente de la pandemia. “La idea musical inicial llegó en abril y de a pocos le siguió la letra, cuyo coro es un reflejo de los lugares por donde Cabra transitó, experiencias que tuvo y momentos donde hubo oscuridad. Por ello en la letra, escrita por Rita Indiana, menciona que abre la ventana, para que entre la luz” - Cabra. El videoclip estuvo a cargo de Niko Sedano y Cesar Berríos, que se inspiraron en películas de los 90, para darle una imagen diferente a la estética cumbiera. Su trabajo más reciente ha sido detrás del regreso de Rita Indiana, quien estrenó Mandinga Times, un álbum apocalíptico que llega 10 años después del clásico latinoamericano El Juidero, en el que Cabra realizó la producción del álbum completo. “La idea en general de Cabra es como un detox. Con ello, saco canciones en las que trato de ser honesto, pero que también tengan elementos bailables. Es el contraste entre esta temática honesta y lo movido que puede llegar a ser la producción” – Cabra.
En 2019 Benito y René, conocidos globalmente como Bad Bunny y Residente, lograron atención política por ayudar a darle ruido a las protestas en Puerto Rico para exigir la renuncia del Gobernador de la isla Ricardo Rosselló luego de que se conocieran 900 páginas de un grupo de chat en el que el político insultaba a la oposición y se burlaba del físico de algunas personas, a raíz de eso surgió la canción Afilando los cuchillos de Residente, iLe y Bad Bunny. La voz de René y Bad Bunny ayudó mucho a que la gente se decidiera a participar de las protestas, de hecho, su impacto mediático fue registrado en medios de comunicación extranjeros que rara vez hablan de territorios como Puerto Rico. Para 2020 era claro que René y Residente iban a seguir con sus carreras, estrenando música y ofreciendo conciertos. Pero pocos esperaban que ambos lo hicieran en la misma fecha y menos que lograran tanto impacto a nivel mundial con proyectos completamente diferentes. Los números han hablado y demuestran el poder de los nuevos lanzamientos de ambos boricuas. En redes sociales fue recurrente ver tweets con la frase: “el álbum de Bad Bunny está sacándonos de la depresión en la nos metió la canción de René”. Mostrando el impacto que ambos productos musicales tuvo en la audiencia. Desmenucemos un poco cada uno de estos estrenos. René – Residente El 26 de febrero el boricua publicó una foto con su hijo en redes sociales añadió “Mañana me conocerán más personalmente, mañana les presento a Milo”. Ese post, de cierta forma, fue la expectativa para un nuevo sencillo en el que el artista habla de su vida personal, el proceso de divorcio por el que atraviesa, sus problemas de depresión y de soledad. El tema logró impactos digitales muy duros y con el paso de los minutos sigue sumando millones de reproducciones. Pero como no todo es color de rosa, menos con un personaje como René, muchos empezaron a decir que el cantante ahora estaba usando sus problemas personales para lucrarse y seguir vendiendo canciones. Otros por el contrario agradecieron que René se mostrara más personal y dejara ver una parte de él más real y vulnerable. A pesar de que él dice en la canción que “la industria de la música es todo mentira”, el sencillo es distribuido por Sony Music Latin. René logró ser #1 en más de 25 países el día de su estreno en Youtube. En su primera semana se metió en listados de Spotify donde usualmente hay tracks de perreo o anglos. YHLQMDLG - Bad Bunny “Yo hice los mejores temas, ustedes han hecho los mejores memes” fue la forma en que Bad Bunny agradeció el recibimiento del esperado álbum YHLQMDLG que significa Yo hago lo que me da la gana. Este proyecto discográfico de 20 canciones fue lanzado el 28 de febrero y ya ha roto varios records de gran importancia en Estados Unidos y América Latina. De acuerdo con Spotify Data, “Bad Bunny fue el artista # 1 más reproducido en Spotify el pasado 29 de febrero con 78.18 millones de transmisiones de 9.07 millones de oyentes. Esta es la mayor transmisión diaria de un artista este 2020”. Este año Benito ha tenido un gran impacto en Estados Unidos, empezando por haber hecho parte del show del SuperBowl con Shakira donde cantó I Like It y Callaita. Casi 20 días después de su presentación en el show deportivo más visto de Estados Unidos, Bunny fue al show de Jimmy Fallon a hablar de su próximo álbum de estudio. El álbum que tiene colaboraciones con Arcángel, Anuel AA, Daddy Yankee, Duki, Jowel Y Randy, Kendo Kaponi, Mora, Myke Towers, Pablo Chill-e, Ñengo Flow, Sech, y Yaviah logró varios hitos en su lanzamiento: estos son algunos + Marcó el nuevo récord por la mayoría de reproducciones de un álbum latino en su primer día en Apple Music. También, se posicionó #1 en 18 listados globales de los mejores discos y #1 en 72 listados de los mejores discos latinos, incluyendo Estados Unidos y Canadá + Más de 70 millones de reproducciones en Spotify, uno de los artistas con más reproducciones diarias en este 2020 + Se apoderó de las pantallas de anuncios alrededor del mundo, incluyendo sitios como Times Square, Shibuya (Tokyo), y Puerto Rico + Las 20 canciones del álbum “YHLQMDLG” de Bad Bunny están presentes en el top 55 global de Spotify, siendo 4 en el top 10. Además, recibió más de 61 millones de streams en sus primeras 24 horas, convirtiéndose en el álbum más reproducido en solo un día este año. Los memes no se hicieron esperar y más que ser divertidos le dan un respaldo al nuevo álbum de Bad Bunny. Tanto René como Residente se han beneficiado de la viralidad y han hecho que su nombre sea tendencia por el impacto que la música ha tenido en los internautas. Solo el tiempo dirá si estos dos proyectos serán fugaces o si se mantendrán vigentes con el paso de los días. Recomendado | Shakira vs. J Balvin: la batalla de sus bailarines oficiales #LaMúsicaNosUne
Residente, Visitante y PG-13 presentaron a través de Los de atrás vienen conmigo un rompimiento artístico con la etiqueta de reguetón. Este proyecto fue merecedor de 5 premios Latin Grammy en 2009; Álbum del año, Grabación del año, Mejor Álbum Urbano, Mejor Canción Alternativa y Mejor Video musical versión corta. ¿Qué trajo este disco que rompió la forma de hacer reggaetón? Por: José “Pepe” Plata / @Owai En el 2008, el mundo conoció el tercer disco de Calle 13 en un tiempo en el que Myspace era la base de las relaciones entre los artistas y su audiencia y en el que Facebook aún no se había masificado. Cuando se habla y escribe de reguetón, existen ciertos conceptos que aparecen una y otra vez como lo son: cosificación de la mujer, repetición de los beats, videos ostentosos con mujeres y automóviles, hedonismo, evolución de la música de Jamaica y Panamá, letras explícitas y más. Pero cuando se llega a algo llamado Calle 13, definitivamente hay un quiebre. Y esto porque lo que fuera una agrupación que entró a ser parte de una realidad sonora de los tempranos dos mil, poco a poco se fue desligando para dejar una huella propia en la música del siglo veintiuno y a la vez terminó siendo un medidor de la consciencia del continente. Lo que comenzó como un juego de medio hermanos René Pérez (Residente) y Eduardo Cabra (Visitante) creando algunas pistas y liberándolas en la web hacia el 2004, alzó vuelo y se convirtió en el Calle 13 que empezó a armar ruido el año siguiente: Un primer disco homónimo que sirvió además para mostrar que mientras el mundo buscaba diversión en el reguetón, estos personajes buscaron ir más allá de él. Y fue con su tercer disco, el momento para hacerlo. Si bien el mundo había gozado hasta la saciedad a los clásicos de personajes como Don Omar, Daddy Yankee, Tego Calderón entre otros, Calle 13 era, como dicen las abuelas, “rancho aparte”. Había firmado con la multinacional Sony cuatro discos y mostraba un gran interés en aprovechar cada viaje promocional o de presentación para estar en contacto con artistas, más que en fiestas. Los de atrás vienen conmigo fue un disco con el que Calle 13 encontró ya un camino con otras músicas y otras personas. Así fue como llegaron a incorporar cumbia villera, música balcánica y hip hop. Y fue además el momento en el que tuvieron la participación de Juanes, Rubén de Café Tacuba y Rubén Blades. Y tuvo tres miradas musicales tan distintas como claves porque fue grabado en Argentina, Panamá y Puerto Rico. Fue así la oportunidad de darle notoriedad a lo que ellos mismo dijeron que iba a ser Calle 13 en el futuro; algo donde no estaba la palabra límite. Concebido así como un viaje sonoro o la función de un espectáculo, este disco fue producido por Residente y Visitante, de modo tal que se armó su curva sonora como algo que ellos solo comprendieron y que sonó así: Intro - Crónica De Un Nacimiento: La historia de Residente, contada por él mismo. De cómo su nombre se hizo famoso y cómo opacó a René Pérez y cómo la música lo animó. Que Lloren Una clara muestra de cómo se hizo una diatriba contra la industria de la música; donde algunos son tan mezquinos que solo quieren quedarse con la fama y venderse. No Hay Nadie Como Tú Si no se recuerda la declaración de amor con el coro famoso cantado con Rubén de Café Tacuba, no se sintió este disco. Gringo Latin Funk Con un ritmo funky disco se tiene una comparación entre una mujer y el continente. Una manera de decir que hay cosas falsas y cosas que se quieren parecer a las de verdad. Ven y Critícame Una nueva colección de rimas con onda funky swing es una nueva autobiografía de René, diciendo lo bueno y lo malo de él Esto Con Eso Un llamado a la pista de baile, con una onda dancehall con descripción de un cuerpo voluptuoso y lujurioso. La Perla Con el juego de la percusión de la Chilinga y la gran voz de Rubén Blades se tiene un flow latinoamericano sin par. Electro Movimiento A través de unos beats que frenéticamente llaman a la pista de baile y en donde se mezclan el español y el inglés, se hace una descripción del ambiente de una pista de baile. Intro Fiesta De Locos Quince segundos de antelación de una canción que va a estallar. Fiesta De Locos Una inspiración sexual y rockera que es una fiesta sin par. Una que quien vive, no olvida. Los De Atrás Vienen Conmigo Una canción que rinde un homenaje a la historia; a todos aquellos que bien nutrieron la historia y la siguen nutriendo. Tal Para Cual Con un estribillo de una cumbia chicha y con una cadencia sin par, esta canción es una declaración de amor donde cualquiera se da cuenta que se puede amar a pesar de todo. Interlude Irie Rasta Man Otro de los interludios que se usan y que se dedicó a Sean Paul, burlándose de sus rimas y de lo incomprensibles que son. Bienvenidos A Mi Mundo La apología a la diferencia y a la locura, nuevamente con rimas sobre el amor. John El Esquizofrénico Con un ritmo de vals, se narra la historia de un esquizofrénico, de alguien que pide solo amor y comprensión en el mundo. Pero que, si no se cuida, lo peor es la muerte. Outro Ha terminado la función y se acabó el show en el que se gozó, amó, bailó y lloró. Más sería abuso. Después de este disco, se comenzó a hablar de algo que revolucionaría el mundo musical: Una posible colaboración entre Calle 13 y Gustavo Cerati. Pero eso es otra historia. Mientras tanto, algo que sí sucedió quedó así: Recomendado: Residente vs. NK Profeta: la tiraera más brutal de los últimos tiempos
Con la llegada del nuevo milenio la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación empezó a entregar a artistas de habla hispana el galardón a la excelencia musical. Actualmente se premian 42 categorìas y se entrega una estatuilla especial a la “Persona del año” donde se destaca la historia musical de un artista o una agrupación, además de su impacto cultural y labor social. Hay 4 categorías principales que son las más deseadas por los músicos; Mejor Nuevo Artista, Grabación, Canción y Álbum del año. Hasta el momento el país que más premios Latin Grammy ha ganado es México con un total de 175 estatuillas, seguido de Colombia con 171 y en tercer lugar Brasil con 130. Pero, ¿Cuáles son los artistas que más premios han recibido a lo largo de estos 18 años?. A continuación veremos cuál es la banda, la artista femenina y el solista masculino que más reconocimientos han obtenido por parte de la Academia. Calle 13 – La banda más premiada La agrupación puertoriqueña ganó durante sus años activos 22 Premios entre los que se destacan Mejor Artista Nuevo en 2006, Grabación del año en 2009 con la canción No Hay Nadie Como Tú, álbum del año en 2011 por el aclamado Entren los que quieran y Mejor Canción Alternativa en 2014 por El Aguante. Por su parte Residente, como artista solista, ganó en 2017 dos premios en las categorías Mejor Álbum de Música Urbana y Mejor Canción Urbana. Otros grupos con muchos Latin Grammy: Café Tacvba con 7 y Jesse & Joy con 6. Juanes – El hombre dorado Con 23 galardones, Juanes es el artista masculino más premiado en la historia de los Latin Grammy, basicamente es el rey de estos premios. Su primer estatuilla fue en 2001 con el álbum Fijate Bien, ahí ganó tres premios. Entre 2002 y 2003 fue merecedor de 6 Grammy por el disco Un Día Normal. Los álbumes Mi Sangre, La Vida es un ratico, MTV Unplugged, Loco de amor y Mis planes son amarte también han sido homenajeados por la academia. Otros solistas másculinos con muchos premios Latin Grammy son: Alejandro Sanz con 19, Juan Luis Guerra con 15 y Carlos Vives con 14. Shakira – La reina con más gramófonos En toda su carrera la barranquillera ha ganado más de 430 premios, 13 de ellos han sido Latin Grammy. El primero lo recibió en 2000 por el ábum MTV Unplugged que contiene, casi, en su totalidad canciones de ¿Dónde están los ladrones?. En 2006 su álbum Fijación Oral fue el más aclamado por la academia ganando las categorías; grabación, canción y álbum del año. Los álbumes Sale el Sol y El Dorado también han recibido premios. En 2011 la Academia la nombró como La Persona Del Año, y es la artista más joven en obtener este homenaje. Otras cantantes femeninas con muchos Latin Grammy son Natalia Lafourcade con 8 y Julieta Venegas con 6. Este año hay más de 15 artistas o agrupaciones colombianos que apuntan a un gramófono dorado.
Residente llevaba 4 años sin presentarse en Puerto Rico y, por esa razón, ofreció un gran espectáculo en el que habló de temas políticos y justicia social. El recital se realizó en el Estadio Hiram Bithorn de San Juan y allí asistieron más de 40.000 personas para cantar y escuchar al ex integrante de Calle 13 y su banda. Al respecto, Residente indicó estar agradecido con el país que lo vio nacer, “No quiero hablar de números, ni de récords porque no me llena. Nunca me gustaron las matemáticas; por eso soy rapero. Solo quiero hablar de momentos; me sentí querido y eso me hacía mucha falta en mi país. Gracias por regalarme uno de los mejores momentos de mi vida”. Uno de los highlights de la noche fue el momento en que sonó el nuevo sencillo de Residente y Dillon Francis Sexo y la mayoría de las personas hicieron la coreografía que se ve en el video oficial. ♪ Fueron al concierto, porque querían sexo ♪ Wiki Wiki rata tata tá Recomendado: Residente: un artista pop que no es vacío pero que no transgrede
Julián Román, reconocido actor de la pantalla chica colombiana, es uno de los personajes principales del próximo video de Residente. Aún no se conoce cómo es la canción, ni cuando se lanzará, lo que sí se sabe es que cuenta con la participación del Dj Dillon Francis y la cantante puertorriqueña Ile, quien fue por 10 años la voz femenina de Calle 13. El video fue grabado en Bogotá, Colombia, y es dirigido por el propio René Perez. Esta es la cuarta vez que Residente se encarga de la dirección de sus videos musicales. En el trabajo visual el protagonista principal es Julián Román y con él estarán miles de fanáticos de Residente que posaron para las cámaras en ropa interior. Aquí algunas imágenes que se conocen de la grabación en el centro de la capital colombiana:
La Junta de Gobernadores de la Academia aprobó nuevas reglas para la 97ª ceremonia de los Premios Oscar que se celebrará el 2 de marzo de 2025. Banda sonora originalHubo cambiosen la categoría de banda sonora original. Ahora, hasta tres compositores pueden recibir estatuillas individuales del Oscar si todos contribuyen significativamente a la música de una película. Esto marca un cambio con respecto a las reglas anteriores que exigían que los compositores se presentaran como un grupo, como la banda Son Lux para la nominación a mejor película ganadora por Everything Everywhere All at Once. Jon Batiste, Trent Reznor y Atticus Ross, ganadores por la película animada “Soul” (2020), también recibieron una única estatuilla, según recuerda Variety. Los autocines no serán sede calificadaLa Academia ya no reconocerá los autocines como sede calificada para la elegibilidad para los Oscar, una medida adoptada temporalmente en 2020 cuando se cerraron las salas de cine bajo techo. Solo se considerarán para mejor película aquellas películas que cumplan con los requisitos de exhibición ampliados que se anunciaron en 2023. Estos incluyen una exhibición de clasificación de una semana en uno de los seis mercados de EE. UU. seguida de una exhibición de siete días, ya sea consecutiva o no consecutiva, en 10 de los 50 principales mercados de EE. UU. dentro de los 45 días posteriores al estreno inicial.La cuota de inclusiónPara ser consideradas para el premio mayor de los Oscar, las películas deben presentar el formulario de Inscripción a los Estándares de Inclusión y Representación de la Academia (RAISE), cumpliendo al menos dos de los cuatro estándares. Guion En las categorías de guión, la presentación del guión final del rodaje ahora es obligatoria para su consideración como original o adaptado.Mejor película animadaLas películas animadas se pueden presentar simultáneamente a Mejor Película Internacional y Mejor Película Animada. Esto simplificará el método de calificación para este último y ayudará específicamente a las películas animadas internacionales que tal vez no tengan acceso a la distribución en Estados Unidos.Premios del gobernadorTambién se han realizado cambios en los Premios del Gobernador. El Premio en Memoria de Irving G. Thalberg, que reconoce el trabajo consistentemente de alta calidad de un productor creativo, ahora se entregará como una estatuilla del Oscar en lugar del tradicional busto de Thalberg. 2 premios cambian su nombrePor último, se cambió el nombre de dos premios de los Premios Científicos y Técnicos: el Premio Gordon E. Sawyer ahora es el “Premio a la Trayectoria Científica y Técnica” y el Premio John A. Bonner pasó a llamarse “Premio al Servicio Científico y Técnico”.
La serie Shogun, que en Latinoamérica está disponible en Disney +, ha sido un éxito rotundo. La saga épica de guerra, pasión y poder ambientada en el Japón feudal es una adaptación original de la novela best seller de James Clavell. Shogun obtuvo 9 millones de visualizaciones a nivel mundial en su episodio de estreno, lo que la convirtió en el estreno de la serie guionada de entretenimiento general número uno en el mundo. También debutó con un impresionante 100% en Rotten Tomatoes, el portal de calificación de películas. Si bien la serie está basada en un libro, también mezcla elementos de la realidad y la historia de Japón. Repasamos qué es real y qué es ficción. Shogun: ¿Qué es realidad y qué es ficción? La trama central real de Shogun es puramente ficticia. Sin embargo, Clavell se inspiró en gran medida en personajes y acontecimientos reales de la historia japonesa, de acuerdo con Movieweb. Aunque Toranaga es un personaje ficticio, se inspira en gran medida en la figura histórica de Tokugawa Ieyasu, un ex shogun de Japón. Shogun es un jefe supremo militar que ejerce el poder absoluto en nombre del emperador.Durante el período comprendido entre 1467 y 1615, Japón estuvo envuelto en guerras casi constantes. Fue Tokugawa Ieyasu quien encabezó los esfuerzos para unificar Japón y finalmente ascendió a la posición de Shogun en 1603. La asunción del poder de Ieyasu marcó el comienzo del Shogunato Tokugawa, que duró de 1603 a 1868. Los rasgos y antecedentes de Toranaga son muy paralelos a los de Ieyasu. ¿John Blackthorne fue real?William Adams, la contraparte histórica de John Blackthorne, llegó inesperadamente a las costas japonesas junto con un barco lleno de armas de fuego.Adams fue el primer inglés en poner un pie en Japón, y el esquema básico de la historia de su vida refleja fielmente el del personaje ficticio Blackthorne. Se desempeñó como piloto de un barco holandés que transportaba a los pocos supervivientes de un viaje comercial que salió mal, tanto en sentido figurado como geográfico. Al igual que Blackthorne, Adams dominaba el portugués, lo que le permitía conversar con Tokugawa a través de los intérpretes jesuitas que se habían esforzado por difundir el cristianismo entre la población japonesa desde mediados del siglo XVI, de acuerdo con Indiewire. ¿Toda Mariko fue un personaje real?En el episodio 5 de Shōgun, hay un vistazo al pasado de Mariko, que se inspira en la figura real de Hosokawa Gracia.Al igual que la representación en la novela Shōgun de James Clavell de 1975, la Mariko representada en la pantalla está basada en Hosokawa Gracia, una aristócrata japonesa que abrazó el cristianismo.Nacida como Akechi Tama en 1563, era hija de Akechi Mitsuhide, un destacado señor de la guerra y fiel seguidor de Oda Nobunaga (uno de los unificadores clave de Japón durante el período Sengoku, anterior a Toyotomi Hideyoshi, conocido como el Taikō en la serie). Posteriormente, Mariko se casó con Hosokawa Tadaoki, otro señor de la guerra y aliado de Nobunaga, en 1578, y juntos tuvieron cinco hijos.A diferencia de lo que muestra la serie, es difícil que Gracia haya conocido a Adams. De hecho, el improbable romance de Mariko y Blackthorne fue criticado por algunos historiadores cuando Shōgun salió a la luz por primera vez, según reporta Elle. ¿Por qué los portugueses quieren muerto a Blackthorne?Un conflicto central en Shōgun son las diferencias religiosas. No es sólo una cuestión de europeos católicos versus protestantes; También hay conflictos internos entre los cinco regentes, dos de los cuales han abrazado el catolicismo, alineando sus intereses con los portugueses.Este cisma religioso refleja tensiones históricas entre William Adams y Tokugawa Ieyasu. Con la llegada anual del Barco Negro a Japón llegaron los misioneros jesuitas junto con productos comerciales como sedas y armas de fuego."Para los portugueses, el comercio y la expansión del cristianismo estaban entrelazados", explica Frederick Cryns, consultor histórico de la serie, citado por History Extra. "Los daimyos en Kyushu [donde atracó el barco] estaban abiertos a convertirse al cristianismo y que sus seguidores hicieran lo mismo si eso significaba obtener ventajas en el comercio"."En el lado opuesto, figuras como Ieyasu, que una vez escribió al virrey de México afirmando la adhesión de Japón a las deidades sintoístas y budistas, rechazaron firmemente el cristianismo en su dominio".En la historia real, el difunto taiko Toyotomi Hideyoshi compartió este sentimiento, viendo el cristianismo con sospecha debido a la influencia de los jesuitas sobre los señores de la guerra locales. Si bien prohibió oficialmente el cristianismo, su aplicación fue laxa por temor a repercusiones en el comercio portugués.
Jennifer Garner, Mark Ruffalo y Judy Greer, miembros del elenco de Si tuviera 30 (13 going on 30), hicieron una pequeña reunión para celebrar que la icónica comedia romántica cumplió 20 años. La película sigue a la adolescente Jenna Rink (Jennfier Garner). En la noche de su fiesta de cumpleaños número 13, el deseo de Rink de tener "30 años, ser coqueta y próspera" se hizo realidad cuando su personaje se transformó en una mujer de 30 años, aunque su mente sigue siendo la de una niña de 13. "¡Hola! ¡Gracias por ver nuestra película y amarla!” dijo Judy Greer, la actriz, que interpretó a Lucy Wyman en la película de 2004. "#13 llendo a 30. Veinte años. Somos tres Boomers desafiando Zoom, porque queremos agradecerles. 👴👵👵 A todas las personas que han amado esta película junto con nosotros: gracias. Te vemos, te apreciamos y te amamos. ¡Por siempre treinta, coqueta y próspera! 💕”, se subtituló la publicación Los actores también reflexionaron sobre la vida en 2024 y cómo ha cambiado todo desde el estreno de la película. “Hace veinte años, teníamos pocos teléfonos celulares”, dijo Garner. Greer señaló específicamente que en ese momento se trataba de "teléfonos plegables".Ruffalo reflexionó sobre algunos de sus papeles más importantes y dijo que interpretar a Matt Flamhaff en 13 Going on 30 siempre se lleva la palma.“Hay dos tipos de personas en este mundo. Hay gente de Hulk, y hay gente de Si tuviera 30, y yo recibo cantidades iguales”, dijo Ruffalo, quien ha aparecido como Hulk en algunas películas de superhéroes. El elenco no podría celebrar 13 Going on 30 sin la nostalgia adicional de hacer juntos el baile de Thriller, la canción no oficial de la película. Si tuviera 30: historia de la exitosa comedia románticaEstrenada originalmente en 2004, la película fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 37 millones de dólares, recuadó más de 96 millones en y se convirtió en clásico de culto. "13 Going on 30 es una rara comedia comercial que te deja fascinado por lo que sólo puede suceder en las películas", dijo en su momento una crítica de la película. El 28 de septiembre de 2023, se anunció una adaptación teatral de la película en el Reino Unido. El espectáculo incluirá varias presentaciones en talleres públicos en el Battersea Arts Centre de Londres, antes de la inauguración de la producción completa, estimada para 2025.
Desde el estreno de su primer tráiler en el Super Bowl 2024 sabíamos que veríamos a Deadpool & Wolverine en pantalla. El tráiler oficial, ya disponible, nos ofrece un vistazo a lo que podemos esperar de esta épica aventura protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh JackmanEs la la tercera de la trilogía de Wade Wilson/Deadpool, la única película del Universo Marvel basada en un cómic que saldrá este año y el primer reconocimiento explícito de la unión entre los universos Fox y Disney Marvel.A pesar de su papel principal, Wolverine se mantuvo en gran parte oculto en los primeros avances de la película. Sin embargo, el tráiler oficial nos sumerge en la historia del personaje, comenzando con una escena en la que lo vemos bebiendo solo en un bar de su universo. Así es, tendremos una película de multiverso.¿Qué más podemos esperar de 'Deadpool & Wolverine'?Si bien la trama sigue siendo un misterio, el tráiler deja entrever una dinámica cómica entre Deadpool y Wolverine, dos personajes con personalidades diametralmente opuestas pero unidos por un objetivo común. Las bromas sarcásticas de Deadpool y la seriedad feroz de Wolverine prometen una mezcla de acción y humor que cautivará a los fanáticos de Marvel. Deadpool & Wolverine marca el (muy esperado) regreso de Hugh Jackman al papel de Wolverine, junto a Ryan Reynolds.La acción se traslada al Vacío, el mismo lugar desolado que vimos en "Loki". Esta locación parece ser un punto central en la trama, ya que aquí es donde los dos protagonistas se enfrentan. En medio del Vacío, los mutantes han establecido su base de operaciones utilizando el cadáver de Gigant Man, la versión gigante de Ant-Man. Esta guarida improvisada sirve como hogar para una variedad de personajes conocidos, incluyendo a Lady Deathstrike, Azrael, Pyros, Callisto y Toad. Se especula que este podría ser el cuartel general de Cassandra Nova, hermana gemela malvada de Xavier y sus secuaces.Además, este tráiler confirma que Nova será la villana, (o una de ellas) de la película. Así mismo, revela el motivo principal de la película: Deadpool necesita la ayuda de Wolverine para salvar su universo, cosa que el mutante no pudo lograr en su propio universo.Sorpresas en 'Deadpool & Wolverine'Se rumora que saldrán personajes como: Dogpool (versión perruna de Deadpool en otro universo), Doctor Strange, los villanos de X- Men, un guiño a Iron Man y, por supuesto, referencias a Loki.La película llegará a los cines de Colombia el 26 de julio.
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.