El músico boyacense Jorge Velosa, fundador de Los Carrangueros de Ráquira y artista durante más de cuatro décadas, recibió a los 73 años un nuevo reconocimiento académico que destaca su labor artística y cultural.Para leer y escuchar | El homenaje de Los Rolling Ruanas al campesinado colombianoEl coplero, escritor, intérprete, maestro y actor, aceptó el título de Doctor Honoris Causa en Lenguaje y Cultura por parte de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia. El reconocimiento lo recibió en el departamento de Tunja.En su discurso de aceptación destacó que este reconocimiento tiene su nombre, pero es directamente un homenaje al campo, a los campesinos y a todos aquellos que aportan un grano de arena para mantener vivas las tradiciones culturales.Velosa agradeció al campo y le dijo a los medios de comunicación "que vivan los campesinos y que los dejen vivir, que el campo sin campesinos existe sin existir, pero también resumiendo un poquito lo que dije es de no haber vivido en el campo, entre ellos, que me dieron la vida y todo lo que soy como también lo dice la canción, buenos días campesinos, pues no existiría lo que estoy haciendo".‘Las diabluras’, ‘La china que yo tenía’, ‘La cucharita’ y ‘Julia Julia’ son algunas de las canciones más exitosas de la carrera musical de Jorge Velosa.Durante la década de los 70 el artista ingresó a la Universidad Nacional de Colombia y terminó sus estudios como médico veterinario. Velosa no ejerció su carrera profesional, pero sí creó un programa en Radio Furatena que fue vital para transmitir las tradiciones populares de la región. Más adelante empezó a hacer música denominada carranguera y el resto es historia de la música colombiana.En video | Thalia sobre inspirar a Shakira y Karol G en sus inicios musicales - Entrevista Shock¡La música colombiana nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020 . En esta oportunidad les presentamos Qué pena con mi vecina de La 33 y Los Rolling Ruanas.Qué pena con mi vecina - La 33, Los Rolling Ruanas.¿Quién está detrás? La pantera mambo, Soledad, Bye, bye y Gózalo son algunas de las canciones más importantes de la historia musical de La 33, una orquesta que lleva vigente más de dos décadas y que ha llevado el sonido de la salsa fusión colombiana a diferentes partes del mundo. Por su parte Los Rolling Ruanas son un cuarteto que tienen como misión mantener fresca y vigente la carranga cundiboyacense para no dejar morir su legado.¿De qué trata? Qué pena con mi vecina es una canción escrita por el maestro Jorge Velosa y grabada con su grupo Los Carrangueros en 1996. La letra surgió de un dicho popular utilizado en gran parte de las zonas campesinas de Colombia.En este video subido a instagram, el cantante Velosa reflexiona sobre esta sátira hecha canción.¿A qué suena? Es una fusión de varios elementos rítmicos, un experimento arriesgado que por fortuna salió muy bien. Se mantiene viva la carranga, pero con una dosis alta de salsa y sabor. Un aplauso de pie por este tipo de exploraciones que resultan mejor de lo que se podría esperar.¿Cuándo escucharla? Invitaríamos a bailarla en sus rumbas caseras con la tía, la mamá, el primo y los vecinos, pero en estos tiempos de virus es mejor disfrutarla en la comodidad de su habitación y bailando solito.Bonus: Recordemos la versión original publicada a mediados de la década de los noventa.Para ver | Hotel Cecil: el lugar de Los Ángeles que lleva décadas asustando con historias muy raras¡La música nos une!
La música campesina llegará a todos los hogares para que, a ritmo de carranga, torbellino, coplas y un costal de historias del campo se celebre la decimotercera versión del Convite Cuna Carranguera, un espacio independiente que surge con el objetivo de conservar y promover las músicas campesinas, y que este año se transmitirá por canales digitales como Facebook, Instagram y el canal de YouTube del Convite; emisoras comunitarias y locales de la región y a nivel nacional. El Convite ha continuado año tras año, desde el 2008, con el compromiso de gestionar y hacer posible una plataforma para que artistas con nuevas propuestas, escuelas y grupos infantiles e históricos del campo, sigan apostándole y reproduciendo la música campesina con el fin de expandir esta valiosa manifestación cultural que dignifica al campesino y narra la vida en el campo a través de la música, expresada también como un acto de resistencia. En esta primera versión digital, además de poder llevar la música carranguera de distintas regiones de Colombia como Boyacá, Nariño, Santander, y Cundinamarca a todos los hogares colombianos, habrá también conversatorios antes de cada presentación musical dedicados a hablar sobre la música campesina, entre ellos “Copla, Campo y Carranga” a cargo del Maestro Jorge Velosa. También se presentarán videos y fotos sobre las artes y oficios campesinos, todo esto conducido y presentado por Santiago Rivas, quien a lo largo de la presentación del Convite compartirá con el público información y datos sobre la Carranga, el campo y su cultura. Los artistas que participarán en esta versión digital del Convite son agrupaciones del género Carranguero, como base de la programación, todos de diferentes regiones, estilos; de diferentes edades y con distintas maneras de aproximarse a la música. Este año el cartel del Convite Cuna Carranguera está compuesto por 16 artistas, entre ellos Grupos Legendarios con artistas como El Son de Allá y Los Alegres de Genoy; Grupos Campesinos con El Cachano y Pulido Son; Nuevas Propuestas como Los Carrangomelos y El Son del Frailejón y Escuelas o Grupos infantiles como Amor Karranguero, Las Vecinas, entre otros. Aunque desde sus inicios la financiación del festival ha sido compleja por ser un festival independiente, durante este año hubo aún más dificultades por la coyuntura que se vive a nivel mundial y además por la falta de apoyo por parte de instituciones al sector cultural. Es por eso que el festival lanzó para esta versión la campaña de crowdfunding Una vaca por el convite, una invitación para que las personas y distintos sectores hagan un aporte económico y pueda ser realidad este espacio que busca mantener vivo el canto y las tradiciones campesinas. Para sintonizar el Festival pueden conectarse el próximo sábado, domingo y lunes festivo (15, 16 y 17 de agosto) a partir de las 4 p.m. a través de las páginas de Facebook, Instagram y el canal de YouTube del Convite @Cuna.Carranguera o sintonizar en emisoras comunitarias y locales de la región y a nivel nacional que próximamente anunciaremos en nuestras redes sociales. Para ver | Eduardo Cabra se despide de Visitante ¡La Música Nos Une!
Muchos colombianos se enfrentan en el exterior a estereotipos sobre su nacionalidad. Con esta idea en mente, Los carrangomelos lanzó su videoclip El pasaporte. Este trabajo hace una crítica sobre la realidad de la imagen de los colombianos desde el exterior. “Queremos que quien lo ve piense en no juzgar antes de conocer la historia de quien tiene al lado por simple prejuicio como sucede en el exterior con un sinnúmero de colombianos que, aunque no tengan nada que ver con el tráfico de drogas, llevan este estigma pegado a su pasaporte”, dicen los integrantes del grupo. La inspiración para componer El Pasaporte “vino de la impotencia que da ver la imagen que se tiene de nuestros compatriotas en el exterior a causa del estigma de la droga y del trato del que muchas veces somos víctimas por este prejuicio. Historias de este tipo de maltrato hay muchas entre nuestros conocidos.” El próximo 25 de octubre, Los Carrangomelos lanzan su primer álbum Animalario Carrangomelo con un concierto en Matik Matik. Es un álbum surge de la idea de retratar la “fauna” que se ve en el entorno urbano. “Nuestras burras tienen ruedas y pedales, nuestras mulas son las que se les acusa de llevar droga a otros países y nuestras bestias son los políticos que nos gobiernan” dice su Director, Nicolás Sadovnik. Este tipo de metáfora se reitera a través de todas las canciones del disco que se valen de estos recursos para dar vida al entorno de la fauna urbana, que en mucho difiere de la campesina. Los Carrangomelos se formó en 2012 y su propósito es difundir los sonidos de la carranga. Del proyecto hacen parte Iván Pérez en el tiple, guitarrista clásico de la Universidad Javeriana; Jorge Cucaita en el bajo, bajista de jazz de la Universidad Javeriana; Helberth Meléndez, guitarrista clásico de la universidad javeriana y requintista de otras agrupaciones carrangueras como el Superson Frailejónico y Pa la Tierrita y Nicolás Sadovnik en el requinto y la voz, productor musical de la Universidad Javeriana y cantante, guitarrista y compositor de la banda de metal capitalino Tras Las Púas.
Juan Diego Moreno, Fer Cely, Luis Guillermo González y Jorge Mario Vinasco, son los protagonistas del nuevo documental musical del Canal Trece. Su música no solo logró fusionar muy bien la carranga con el rock, sino, que logró que llegaran a escenarios que no tenía previstos, como el festival rock al parque, el Teatro Colón, y escenarios y festivales en todo el país. Las nuevas generaciones han caído rendidas ante la carranga y el público tradicional aplaude su interpretación magistral del requinto, el tiple, la guitarra y la guacharaca. Un verdadero homenaje de la música tradicional campesina del altiplano boyacense y su gran influencia rockera. El domingo 04 de noviembre a las 5:00 p.m. durante una hora los televidentes podrán conocer más acerca de Los Ruanas, su propuesta musical, los orígenes y la historia alrededor de su música. Acompañados por la voz de expertos de la industria musical. “Los Rolling Ruanas son un resumen de las experiencias musicales y de la vida de cada uno”, afirma el vocalista y guacharaquero, Juan Diego Moreno. Pero ¿cuál ha sido su trayectoria?, ¿cuáles fueron esos ejercicios de prueba y error, o mejor, prueba y crecimiento personal y profesional para llegar a lo que hoy son? Desde Juan y Fer, hasta el lanzamiento de su tercer disco Sangre caliente, el documental nos muestra el crecimiento de este “ensamble de cuerdas muy característico” como los define el productor Mario Galeano, más conocido por su proyecto Frente Cumbiero, que ha sabido amplificar el rango de las sonoridades nuevas del país. Los Rolling Ruanas, nuevos sonidos de la montaña es un documental lleno de anécdotas, dirigido tanto a quienes han seguido la trayectoria ascendente de esta agrupación como para quienes quieren explorar nuevos sonidos y nuevos proyectos musicales, como esta atrevida propuesta que ha tenido una exitosa evolución
¿Qué tienen en común uno de los grupos más importantes de vallenato en la historia colombiana y los nuevos guardianes de la carranga cundiboyacense? A primera vista muy poco, pero el bajista de Rolling Ruanas encontró un inesperado punto de conexión proveniente de un libro que escribió –Análisis para la interpretación del bajo eléctrico en seis obras del Binomio de Oro–, y que presenta a continuación. Por: Luis Guillermo González // Bajista y guitarrista de @rollingruanas Cuando salía de vacaciones del colegio en Bogotá tomaba camino al municipio de Vélez, Santander. En esos viajes comencé a tener un acercamiento a distintas músicas colombianas y de otros países latinos, de ámbito popular y tradicional, como rancheras, boleros, pop de los 90, baladas, torbellinos, guabinas, cumbias, porros, raspas y vallenatos, que escuchaba en casetes y discos LP en un equipo Shimasu que tenía mi abuela y que era de mucho cuidado. Pero sin duda alguna la música más importante y la que más llamó mi atención en el conocimiento de todos estos artistas, fue la del Binomio de Oro. Mi abuela tenía un LP del grupo del año 1989, De exportación, cuya contraportada tenía una imagen del Binomio en el Madison Square Garden y los créditos de los músicos participantes; entre ellos los del bajista y el guitarrista del grupo, Rangel “El Maño” Torres y Luis Ángel “El Papa” Pastor, respectivamente. Cuando estaba culminando el pregrado de Artes Musicales con énfasis en interpretación de bajo eléctrico, y tenía que hacer la monografía me encontré de nuevo con ese disco y con esos nombres. Ahí decidí investigar sobre la vida de estos personajes y su aporte a la inclusión del bajo eléctrico a la música vallenata. El conjunto típico vallenato estaba conformado por caja, guacharaca y acordeón. Más adelante el bajo acústico llegó al conjunto de música popular de la sabana, dejando atrás la época en la que los bajos eran interpretados por tubas y eufonios, para dar paso al ya conocido contrabajo y posteriormente al “bajo electrónico” (como lo llamaban en la época) de la mano de Antonio Fuentes de Discos Fuentes y Alfredo Gutiérrez de Los Corraleros de Majagual. Cuando Alfredo decide hacer su conjunto solista con la ayuda de Antonio, agrega al grupo al guitarrista caribeño Cristóbal “Calilla” García quien impondría un estilo de interpretar el bajo en el vallenato, llamado “acalillao”. En el Binomio de Oro se resalta la importancia del bajo eléctrico en el vallenato por la complejidad melódica, armónica y rítmica de los patrones que componen cada una de las líneas de acompañamiento en los diferentes subgéneros (paseo, puya, merengue, son, chandé y entre otros) y sus variaciones. Fueron veinte producciones discográficas las que vieron la luz durante los 16 años que duró la unión de Orozco y Romero (de donde viene la palabra “Oro”, del nombre de la banda) y las cuales tuve el privilegio de escuchar canción por canción. Identifiqué cuáles tenían guitarra acústica y/o eléctrica y cómo era la interpretación del bajo, tanto en las que contaban con el instrumento acompañante como en las que no, y realicé un catálogo para mi libro Catálogo de obras grabadas con guitarra acústica y eléctrica por el Binomio de Oro. Ahí entendí que la interpretación del bajo es distinta, más tranquila, más sumisa, más cadenciosa, cuando hay otro instrumento acompañante. Así fue el estilo de interpretar el bajo y la guitarra de los cuatro intérpretes con los que contaba el Binomio: Rangel “El Maño” Torres, José Vásquez, Alcides Torres y Luis Ángel Pastor. Luego de escuchar cerca de doscientas canciones escogí seis de ellas a las cuáles les transcribí la línea de acompañamiento del bajo para analizar la interpretación de los elementos técnicos e interpretativos y características generales en cuanto a la forma, tempo, ritmo, armonía y melodía, así como las técnicas aplicadas a la interpretación del instrumento en ambas manos. Las canciones escogidas fueron La candelosa, La parranda es pá amanecé, Juro que te amo, Olvido y amor, Colombia y el parrandón, repertorio con el cual conocí más profundamente la manera de hacer música de estos grandes e influyentes. Todo este proceso está en mi libro Análisis para la interpretación del bajo eléctrico en seis obras del Binomio de Oro: una mirada al proceso de inclusión del bajo eléctrico al conjunto típico y sus grandes exponentes” con el que me otorgaron el título de Maestro en Artes musicales con Énfasis en la interpretación del Bajo eléctrico en la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, y además recibió mención meritoria. Se puede conseguir en la página de la Editorial Académica Española. Luego de salir de la universidad y tener la fortuna de compartir con varias personas la música en géneros como jazz fusión, rock, salsa y música tropical, y poder aplicar todo lo aprendido durante mi investigación, comencé el camino de Los Rolling Ruanas en donde he tenido la oportunidad de aplicar de forma indirecta todos los conocimientos adquiridos, pero desde la guitarra 7 cuerdas: un instrumento que siempre ha estado presente en mi formación. Acepté este reto con el mayor de los gustos, por lo que representa este instrumento en nuestra cultura. En él he podido implementar varias de las técnicas de la interpretación del bajo vallenato en la guitarra carranguera por su similitud en la posición de la mano derecha en ambos estilos musicales, formas de acompañamiento en los compases ternarios 3/4 - 6/8, uso del recurso percutivo del “bombo” que produce la mano derecha en el puente, entre otros. Es clara la influencia del Binomio de Oro en mi propuesta interpretativa para la guitarra de Los Rolling Ruanas a lo largo de nuestras tres producciones: Origen (2016), La balada del carranguero (2017) y Sangre Caliente (2018). En este momento de mi historia me encuentro de lleno con la ruana al hombro recorriendo el país y otras latitudes con mis hermanos musicales, explorando diariamente en el sonido que tenemos en nuestras manos. Una gran oportunidad para reivindicar tantos años de poca atención y olvido a nuestra música del altiplano, siempre con nuestro estilo, con el formato tradicional que nos caracteriza y sin olvidar de dónde venimos ni las músicas que nos han influenciado por tantos años. Como en mi caso, un rolo en ruana amante del Binomio de Oro.
Maleza, muestra una nueva faceta de Los Rolling Ruanas en la que se introducen sonidos progresivos y envolventes, propios de la cordillera de los Andes. Este, es el primer sencillo de su próximo álbum, que contará con diez nuevos temas y que será publicado en marzo de 2017. Así, Los Rolling Ruanas avanzan en su exploración sonora que promete trascender fronteras. “Una amalgama que puede ser desconcertante, pero que definitivamente pide ser escuchada”. Leila Cobo – Billboard
Directamente desde el Rakamandaka Films, salió un nuevo video de los pioneros de la Carranga Rock, Velo de Oza. La canción que acompaña el clip se titula Alguien, sencillo que aparecerá incluido en el compilado Colombia Roots & Beats Vol. 3. Y que pronto circulará en la rueda de negocios Womex.El rodaje fue en Ráquira, Villa de Leyva y Sáchica (Boyacá) bajo la dirección de Frank Forero. Los protagonistas de la pieza fueron la actriz María Camila Porras y Doña Carmen y Don Miguel, quienes elaboran piezas características de la región. Ella es la artesana y él su ayudante.
Los Rolling Ruanas no son de esas bandas a las que les sonó la carranga y ahí se quedaron. El lanzamiento de su EP Origen es su presentación oficial al mundo de la música tradicional y el rock, las dos grandes influencias que han acompañado durante más de diez años a Juan Diego Moreno, Fer Cely, Luis Guillermo González y Jorge Mario Vinasco: cuatro músicos que hablan apasionadamente de los sonidos que los inspiran. Hablamos con ellos. Por: Alfred Lord @AlfredLord¿Cómo fue la producción del EP?Consideramos que este es el paso a seguir en la formación de nuestro proceso artístico y en el reflejo de nuestra identidad musical. Es un buen momento para contarle a las personas que nos siguen y a quienes tanto agradecemos, que los Ruanas son tan capaces de adaptar un clásico del rock a las tradiciones campesinas, como también son capaces de proponer un nuevo estilo de música con una identidad auténtica desde el sonido hasta su estética. Decidimos entonces sentarnos a sacar lo que las raíces del rock y de la carranga representaban para nosotros. Nos enfrentamos al proceso ya no de "adaptar", sino de "crear y componer" nuestra música, tratando de equilibrar la naturaleza de la carranga con los elementos musicales típicos del rock como sus armonías y melodías. El proceso de encuentro del músico con su propia esencia requiere de mucho trabajo. Por eso mismo hay que empezar temprano, sin titubear, aunque no sea fácil.Ustedes son un proyecto independiente ¿Quiénes colaboraron para hacer posible Origen?En este proceso, nuestra agencia de management Ragg Sound ha sido una motivación inagotable, ya que desde un principio han creído en nuestra capacidad para crear y componer. Además pusieron a nuestra entera disposición tanto sus salas como sus estudios, donde hemos trabajado muchas horas en equipo para lograr resultados como este. Trabajos como el de Pablo Awad en la mezcla y Felipe López y Camilo Silva en el máster, también han sido una importante contribución a consolidar el sonido de los Rolling Ruanas. Además hubo una muy buena amistad con Tigo Music, un gran aliado que ya se ha puesto también la camiseta de los Rolling Ruanas para brindar todo su apoyo. Y bueno, qué mejor intervención que la de nuestra familia: el motor incansable de nuestros sueños en todo momento.Con el material en el estudio, ¿qué cambios surgieron?Básicamente el cambio es ahora apostar a los procesos creativos. Hay un desarrollo más contundente de las influencias melódicas del blues y del rock clásico, así como también de los acordes y las armonías de varias vertientes del rock, como el de los sesentas y noventas, entre otros. De todas formas la esencia campesina está siempre presente, hagamos lo que hagamos, porque allí yacen los orígenes y motivaciones de nuestro proyecto. Por ello su instrumentación, algunos de sus textos y por supuesto, sus ritmos nos acompañan, nos definen e influencian.¿Qué viene para los Ruanas en este resto de año?Lo que viene para los Ruanas es la consolidación y difusión de su propuesta. Decimos "difusión" porque sin tanto amor de la gente que nos sigue y que se identifica con lo que hacemos, nada de esto estaría sucediendo. Igualmente queremos salir a pisar fuerte los diferentes escenarios, a rockear y carranguear a nuestro estilo, compartiendo con todo aquel que nos necesite, para cabecear, poguear o bailar, para que como dice en el disco, "podamos alegrar el espíritu del que nos sigue". Hay mucho material que estaremos lanzando en redes y para el cual ya nos encontramos trabajando a diario, sorpresas como las que le gustan a los fans y como las que hemos aprendido a entregar con la mejor expectativa del caso.Las canciones de Origen en una frase para los Rolling RuanasLos Rolling Ruanas: Raíz y tradición. Dueña de mi Historia: Recuerdos, el regreso al lugar amado.Paraiso desconocido: Una buena razón para despertar.Ruanas On: La fiesta del Rock y la Ruana.
La popularidad de Los Rolling Ruanas no se debe solo a sus versiones de clásicos del rock como: Paint It Black de Rolling Stones o I Was Made For Loving You de Kiss convertidos en éxitos virales en sus redes. Son músicos consagrados que quieren que la carranga tenga el matiz del rock sin perder la esencia. Los Rolling son: Juan Diego Moreno, Voz y Guacharaca, Fer Cely, Requinto y Coros, Luis Guillermo González, Guitarra y Coros, Jorge Mario Vinasco, Tiple y Coros.Precisamente estrenaron su primer sencillo Ruanas On, una canción que mezcla los sonidos del rock con la música tradicional campesina del altiplano cundiboyacense y que hace un homenaje a esta prenda típica artesanal. Grabada y mezclada por Camilo Quintero y Pablo Awad en Raag Sound y masterizada por Camilo Silva. El video clip fue dirigido por Simón Vallejo y José Malagón. Con todo este éxito están invitados a ser parte del Jingle Bell de Radioactiva.
La serie Shogun, que en Latinoamérica está disponible en Disney +, ha sido un éxito rotundo. La saga épica de guerra, pasión y poder ambientada en el Japón feudal es una adaptación original de la novela best seller de James Clavell. Shogun obtuvo 9 millones de visualizaciones a nivel mundial en su episodio de estreno, lo que la convirtió en el estreno de la serie guionada de entretenimiento general número uno en el mundo. También debutó con un impresionante 100% en Rotten Tomatoes, el portal de calificación de películas. Si bien la serie está basada en un libro, también mezcla elementos de la realidad y la historia de Japón. Repasamos qué es real y qué es ficción. Shogun: ¿Qué es realidad y qué es ficción? La trama central real de Shogun es puramente ficticia. Sin embargo, Clavell se inspiró en gran medida en personajes y acontecimientos reales de la historia japonesa, de acuerdo con Movieweb. Aunque Toranaga es un personaje ficticio, se inspira en gran medida en la figura histórica de Tokugawa Ieyasu, un ex shogun de Japón. Shogun es un jefe supremo militar que ejerce el poder absoluto en nombre del emperador.Durante el período comprendido entre 1467 y 1615, Japón estuvo envuelto en guerras casi constantes. Fue Tokugawa Ieyasu quien encabezó los esfuerzos para unificar Japón y finalmente ascendió a la posición de Shogun en 1603. La asunción del poder de Ieyasu marcó el comienzo del Shogunato Tokugawa, que duró de 1603 a 1868. Los rasgos y antecedentes de Toranaga son muy paralelos a los de Ieyasu. ¿John Blackthorne fue real?William Adams, la contraparte histórica de John Blackthorne, llegó inesperadamente a las costas japonesas junto con un barco lleno de armas de fuego.Adams fue el primer inglés en poner un pie en Japón, y el esquema básico de la historia de su vida refleja fielmente el del personaje ficticio Blackthorne. Se desempeñó como piloto de un barco holandés que transportaba a los pocos supervivientes de un viaje comercial que salió mal, tanto en sentido figurado como geográfico. Al igual que Blackthorne, Adams dominaba el portugués, lo que le permitía conversar con Tokugawa a través de los intérpretes jesuitas que se habían esforzado por difundir el cristianismo entre la población japonesa desde mediados del siglo XVI, de acuerdo con Indiewire. ¿Toda Mariko fue un personaje real?En el episodio 5 de Shōgun, hay un vistazo al pasado de Mariko, que se inspira en la figura real de Hosokawa Gracia.Al igual que la representación en la novela Shōgun de James Clavell de 1975, la Mariko representada en la pantalla está basada en Hosokawa Gracia, una aristócrata japonesa que abrazó el cristianismo.Nacida como Akechi Tama en 1563, era hija de Akechi Mitsuhide, un destacado señor de la guerra y fiel seguidor de Oda Nobunaga (uno de los unificadores clave de Japón durante el período Sengoku, anterior a Toyotomi Hideyoshi, conocido como el Taikō en la serie). Posteriormente, Mariko se casó con Hosokawa Tadaoki, otro señor de la guerra y aliado de Nobunaga, en 1578, y juntos tuvieron cinco hijos.A diferencia de lo que muestra la serie, es difícil que Gracia haya conocido a Adams. De hecho, el improbable romance de Mariko y Blackthorne fue criticado por algunos historiadores cuando Shōgun salió a la luz por primera vez, según reporta Elle. ¿Por qué los portugueses quieren muerto a Blackthorne?Un conflicto central en Shōgun son las diferencias religiosas. No es sólo una cuestión de europeos católicos versus protestantes; También hay conflictos internos entre los cinco regentes, dos de los cuales han abrazado el catolicismo, alineando sus intereses con los portugueses.Este cisma religioso refleja tensiones históricas entre William Adams y Tokugawa Ieyasu. Con la llegada anual del Barco Negro a Japón llegaron los misioneros jesuitas junto con productos comerciales como sedas y armas de fuego."Para los portugueses, el comercio y la expansión del cristianismo estaban entrelazados", explica Frederick Cryns, consultor histórico de la serie, citado por History Extra. "Los daimyos en Kyushu [donde atracó el barco] estaban abiertos a convertirse al cristianismo y que sus seguidores hicieran lo mismo si eso significaba obtener ventajas en el comercio"."En el lado opuesto, figuras como Ieyasu, que una vez escribió al virrey de México afirmando la adhesión de Japón a las deidades sintoístas y budistas, rechazaron firmemente el cristianismo en su dominio".En la historia real, el difunto taiko Toyotomi Hideyoshi compartió este sentimiento, viendo el cristianismo con sospecha debido a la influencia de los jesuitas sobre los señores de la guerra locales. Si bien prohibió oficialmente el cristianismo, su aplicación fue laxa por temor a repercusiones en el comercio portugués.
Jennifer Garner, Mark Ruffalo y Judy Greer, miembros del elenco de Si tuviera 30 (13 going on 30), hicieron una pequeña reunión para celebrar que la icónica comedia romántica cumplió 20 años. La película sigue a la adolescente Jenna Rink (Jennfier Garner). En la noche de su fiesta de cumpleaños número 13, el deseo de Rink de tener "30 años, ser coqueta y próspera" se hizo realidad cuando su personaje se transformó en una mujer de 30 años, aunque su mente sigue siendo la de una niña de 13. "¡Hola! ¡Gracias por ver nuestra película y amarla!” dijo Judy Greer, la actriz, que interpretó a Lucy Wyman en la película de 2004. "#13 llendo a 30. Veinte años. Somos tres Boomers desafiando Zoom, porque queremos agradecerles. 👴👵👵 A todas las personas que han amado esta película junto con nosotros: gracias. Te vemos, te apreciamos y te amamos. ¡Por siempre treinta, coqueta y próspera! 💕”, se subtituló la publicación Los actores también reflexionaron sobre la vida en 2024 y cómo ha cambiado todo desde el estreno de la película. “Hace veinte años, teníamos pocos teléfonos celulares”, dijo Garner. Greer señaló específicamente que en ese momento se trataba de "teléfonos plegables".Ruffalo reflexionó sobre algunos de sus papeles más importantes y dijo que interpretar a Matt Flamhaff en 13 Going on 30 siempre se lleva la palma.“Hay dos tipos de personas en este mundo. Hay gente de Hulk, y hay gente de Si tuviera 30, y yo recibo cantidades iguales”, dijo Ruffalo, quien ha aparecido como Hulk en algunas películas de superhéroes. El elenco no podría celebrar 13 Going on 30 sin la nostalgia adicional de hacer juntos el baile de Thriller, la canción no oficial de la película. Si tuviera 30: historia de la exitosa comedia románticaEstrenada originalmente en 2004, la película fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 37 millones de dólares, recuadó más de 96 millones en y se convirtió en clásico de culto. "13 Going on 30 es una rara comedia comercial que te deja fascinado por lo que sólo puede suceder en las películas", dijo en su momento una crítica de la película. El 28 de septiembre de 2023, se anunció una adaptación teatral de la película en el Reino Unido. El espectáculo incluirá varias presentaciones en talleres públicos en el Battersea Arts Centre de Londres, antes de la inauguración de la producción completa, estimada para 2025.
Desde el estreno de su primer tráiler en el Super Bowl 2024 sabíamos que veríamos a Deadpool & Wolverine en pantalla. El tráiler oficial, ya disponible, nos ofrece un vistazo a lo que podemos esperar de esta épica aventura protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh JackmanEs la la tercera de la trilogía de Wade Wilson/Deadpool, la única película del Universo Marvel basada en un cómic que saldrá este año y el primer reconocimiento explícito de la unión entre los universos Fox y Disney Marvel.A pesar de su papel principal, Wolverine se mantuvo en gran parte oculto en los primeros avances de la película. Sin embargo, el tráiler oficial nos sumerge en la historia del personaje, comenzando con una escena en la que lo vemos bebiendo solo en un bar de su universo. Así es, tendremos una película de multiverso.¿Qué más podemos esperar de 'Deadpool & Wolverine'?Si bien la trama sigue siendo un misterio, el tráiler deja entrever una dinámica cómica entre Deadpool y Wolverine, dos personajes con personalidades diametralmente opuestas pero unidos por un objetivo común. Las bromas sarcásticas de Deadpool y la seriedad feroz de Wolverine prometen una mezcla de acción y humor que cautivará a los fanáticos de Marvel. Deadpool & Wolverine marca el (muy esperado) regreso de Hugh Jackman al papel de Wolverine, junto a Ryan Reynolds.La acción se traslada al Vacío, el mismo lugar desolado que vimos en "Loki". Esta locación parece ser un punto central en la trama, ya que aquí es donde los dos protagonistas se enfrentan. En medio del Vacío, los mutantes han establecido su base de operaciones utilizando el cadáver de Gigant Man, la versión gigante de Ant-Man. Esta guarida improvisada sirve como hogar para una variedad de personajes conocidos, incluyendo a Lady Deathstrike, Azrael, Pyros, Callisto y Toad. Se especula que este podría ser el cuartel general de Cassandra Nova, hermana gemela malvada de Xavier y sus secuaces.Además, este tráiler confirma que Nova será la villana, (o una de ellas) de la película. Así mismo, revela el motivo principal de la película: Deadpool necesita la ayuda de Wolverine para salvar su universo, cosa que el mutante no pudo lograr en su propio universo.Sorpresas en 'Deadpool & Wolverine'Se rumora que saldrán personajes como: Dogpool (versión perruna de Deadpool en otro universo), Doctor Strange, los villanos de X- Men, un guiño a Iron Man y, por supuesto, referencias a Loki.La película llegará a los cines de Colombia el 26 de julio.
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.
Murió un personaje de Los Simpson que existe desde hace casi 35 años. En el episodio titulado Cremains Of The Day, los espectadores vieron la muerte de Larry, cliente habitual de la taberna de Moe, donde cayó muerto. En el episodio, Homero, Moe, Lenny y Carl asisten a su funeral, donde se dan cuenta de que sabían poco sobre él dada la cantidad de años que se conocían, lo que hizo que Homero preguntara si podrían ser "personas terribles".La madre de Larry hizo un homenaje en el funeral, en el que mencionó a los clientes habituales del bar, diciendo: “Mi Lawrence siempre hablaba de sus mejores amigos, los chicos de la taberna de Moe”, antes de animarlos a acercarse y decir algunas palabras sobre él.Luego, los cuatro tienen la tarea de llevar las cenizas de Larry a su "lugar especial", Serenity Falls, después de que la madre de Larry les regalara una fotografía grupal de todos ellos juntos.¿Quién era Larry Barfly en Los Simpson?Si bien es un personaje tranquilo y no es clave para los puntos principales de la trama de la serie, Larry (Lawrence) había estado apareciendo en el bar de Moe desde los primeros episodios de la serie en 1989, lo que hizo que su muerte fuera significativa para algunos fanáticos de Los Simpson.Larry pareció en alrededor de 35 episodios de la serie, aunque no se conocía mucho sobre su vida o personalidad. ¿Qué personajes de Los Simpson han muerto? A lo largo de cerca de 750 episodios en Los Simpson son muchos los personajes que han muerto. Sin embargo, ha habido algunas más emotivas que otras, una de las primeras fue la de Encías sangrantes Murphy, mentor de Lisa en la música. El capítulo de la temporada 22 le enseñó a Lisa sobre la muerte de una manera conmovedora, sin llegar a ser excesivamente sensiblera. Otra de las más recordadas fue la de Maude Flanders, esposa de Ned Flanders. Ocurrió porque Maggie Roswell pidió un aumento para cubrir sus gastos de viaje ya que vivía en Denver y grababa líneas para la serie en Los Ángeles. Roswell renunció luego de que su aumento no fuera aprobado y Maude murió en un accidente. Aunque Roswell fue llamada 2 años después, el perssnaje de Maude siguió muerta. Mona Simpson, la madre de Homero, también falleció. Cada vez que Mona aparecía en episodios anteriores, Homero acababa abandonado por ella. Su muerte finalmente le dio la oportunidad de aceptar a su madre tal como era y seguir adelante.Edna Krabappel, la profesora de Bart, falleció recientemente, debido a la muerte de Marcia Wallace, actriz que le daba su voz en la vida real. Los creadores del programa optaron por matar permanentemente al personaje en lugar de llamar a alguien más. El episodio 3 de la temporada 25, "Cuatro arrepentimientos y un funeral", estuvo dedicado a la memoria de Wallace.