Por primera vez Latino Music Conference llegó a la arenosa como parte de la programación anual que recorre todo el país. Las conferencias hacen parte de los Latino Music Awards, que se llevarán a cabo el 12 de octubre en Bogotá.La conferencia de Champeta estuvo a cargo de Juan Da Caribe, Jader el Tremendo, Twister el Rey y Junior Récords, reunió a productores, compositores y cantantes de Cartagena y Barranquilla quienes hablaron de la importancia y el crecimiento del género en Colombia.La noche del 25 de mayo en Barranquilla Latino Music Conference, no solo habló de champeta, sino que aprovechó el evento para reconocer la trayectoria de dos leyendas de la música colombiana, Juan Piña y Alci Acosta, un merecido reconocimiento al arduo y constante trabajo de dos grandes artistas colombianos que han marcado generaciones con su música y talento."Me siento muy contento por este bonito homenaje y a la gente nueva les digo que hagan su arte con corazón, con mucho cariño y mucho respeto. Que quieran a la gente que los apoya, consejo de su amigo y cantante Alci Acosta".Por otra parte, Juan Piña concluyo "Cuando el futbolista quiere ser buen futbolista comienza en el potrero, en los barrios y se va puliendo, entonces los cantantes no deben esperar que solamente el reloj, la cadena, lo primero que tenemos que tener es: respetar a la gente, al público y mostrarnos como somos y ojalá siempre con un estilo, pero propio".Latino Music Conference seguirá su gira el 29 de junio en Medellín, el 27 de julio en Miami. El 11 de octubre como antesala a los Latino Music Awards, se celebrará el evento Person Of The Year. El 16 de noviembre en Las Vegas, Latino Shocw Night y 29 de diciembre Latino Musi FestCon una trayectoria de mas de 11 años, Latino Music Awards ha logrado promover y resaltar la industria de la música colombiana, reuniendo agentes importantes de la industria nacional y generando mercados en otros países.
El Bronx Distrito Creativo presenta Vamo´ a Champeteá, la fiesta de la gozadera, con la música de Kevin Flórez y los Reyes de la Champeta, los míticos Ane Swing, Louis Towers y Charles King. Este viernes 20 de mayo, desde las 5:00 p.m., en la carrera 15 con calle 10, entrada libre.Un concierto dedicado al ritmo caribeño para celebrar el mes de la Afrocolombianidad. Música, cartelismo en vivo con una leyenda de la estética champetúa y un taller de danza para que el público conozca y aprenda a disfrutar de este ritmo caribeño. Una fiesta que celebra la multiculturalidad, reconocer la profundidad y la diversidad de nuestras raíces.El púbico también podrá seguir la trasmisión a través de las redes sociales de la FUGA. Vamo´ a Champeteá reunirá a grandes representantes del género caribeño. Al Bronx Distrito Creativo llegan desde San Basilio de Palenque, los Reyes de la Champeta y directamente desde Cartagena, el reconocido Kevin Flórez.Los Reyes de la Champeta regresan a la capital, los hijos ilustres de San Basilio de Palenque, Bolívar, Charles King 'el palenquero fino', Louis Towers 'El Rasta' y Viviano Torres 'Ane Swing'. Pioneros, genios y dioses de la champeta.La programación inicia desde las 5:00 p.m. con talleres donde el público asistente podrá aprender a bailar champeta y pintar carteles, bajo la dirección de Runner, una figura mítica en la escena caribeña que ayudó a construir todo un lenguaje visual que hoy ya es parte de toda la cultura caribe. Posterior a los talleres, arrancará la música con los shows de Cartoon, los Reyes de la Champeta y Kevin Flórez.Vamo ́ a Champeteá es una actividad gratuita que hace parte de la oferta cultural creada por el Bronx Distrito Creativo para este 2022. Un esfuerzo para impulsarla cultura, fomentar la inclusión, conservar la memoria y contribuir al desarrollo social de la comunidad.
Aquí estamos con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores del 2021 en este especial. Acá les presentamos los estrenos musicales de la semana.Contenido recomendado | Las 50 mejores canciones colombianas de 2021Catalina - Mr BlackEl Presidente de la champeta empieza el mes con puro fuego caribe para despedir el año. Una canción que marca el cierre de su 2021 y que tiene todas las opciones de popularizarse en el marco del éxito nacional obtenido por los sencillos Macta Llega de Dj Dever y La Toxi Costeña. Último y primero - Elsa y ElmarCuarta canción del próximo disco de la bumanguesa que verá la luz en 2022. Inicialmente fue producida por Elsa y su colaborador frecuente Julián Bernal, con la producción final de Nico Cotton. Amor de verano - Tribu StarsEl proyecto champetero le apuesta a una canción enérgica, para bailar, pero también para dedicar.Contento - Mike BahiaEl ganador del premio Latin Grammy publica su nuevo proyecto discográfico para despedir un año de éxitos musicales. Maxiolly, Blessd, Llane, Pj Sin Suela, Beéle, Lenny Tavarez, entre otros, participan en este álbum. Una llamada - Totoy El Frío, HozwalEl reggaetón colombiano necesitaba una actualización hace mucho tiempo, esta canción ayuda a que el género se mantenga fresco.Once again - RuztoEs la pista 12 de 'Instumentales, Vol3', el nuevo proyecto discográfico del rapero.Say my name - ArjanUn día después de su cumpleaños el barranquillero salió con este tema que marca el inicio de una nueva etapa musical.Marpersia - Dylan FuentesLa canción llegó a sanar algunas heridas que el barranquillero tenía. Una creación para su actual pareja y musa de sus composiciones.Berembembem - Afro LegendsBajo la producción musical de Cerrero, la agrupación viene con un estreno para encender las fiestas decembrinas y calmar las ganas de rumba que hay en el ambiente. ¡La música colombiana nos une!
Murió Abelardo Carbonó, una leyenda en la música del Caribe colombiano. El músico enfrentaba desde hace varios meses complicaciones de salud a causa del COVID-19. Tenía 73 años. Antes de que estallara la champeta, Abelardo Carbonó, un músico empírico de Ciénaga, Magdalena, estaba sembrando la semilla que conectaría definitivamente al folclor colombiano con los ritmos africanos. Se le considera uno de los músicos más vanguardistas de la música colombiana y del Caribe. Fue padrino de la champeta, guitarrista inusual desde que era un niño y un reinventor absoluto de los sonidos bailables de la Costa Atlántica. En ese camino anotó su nombre en sendas piezas clásicas para el folclor colombiano, como Carolina o A otro perro con ese hueso. Su estilo, cercano a la psicodelia y a la música africana, durante mucho tiempo, fue alabado en Europa y etiquetado como afrobeat, pero a sus manos no había llegado esa música con la que lo emparentan. "Ahora los jóvenes que saben de música africana me preguntan: “¿conoces a tal artista africano? Es que tocas parecido”. O “¿conoces la soca?, es que tienes cosas de soca”. Y les contesto que no. Yo no conozco nada de eso. Hasta hace unos años fue que vine a oír esos ritmos", dijo en entrevista con Shock. Fue cadete de Policía durante muchos años. "Donde yo vivía prácticamente era una selva, con ríos, montañas y carreteras destapadas. Como no había colegios avanzados, un familiar me trajo a Barranquilla para que estudiara, pero no se pudo porque era muy caro. Yo estaba bien pelaito, como de 14 años, se estaba pasando el tiempo y solo hacía mandados. Un día pasé de causalidad por la Escuela de Policía de la región y como no tenía nada que hacer, presenté un examen y pasé. Al otro día me volví policía. Después me presenté uniformado allá en el pueblo, fui donde mi mamá vestido de policía, con revólver y todo, y cuando me vio pegó un grito. Casi le da un ataque. Pero yo necesitaba trabajar, ¿qué hacía ahí desocupado en una casa ajena?". Carbonó sí que ha conocido de primera mano lo ingrata que es la industria musical, pues mientras se defendía y sobrevivía como policía y más adelante como serenatero, desconocía que en Europa se alababan (y se vendían) las perlas fundacionales de la champeta que grabó para sellos como Sonolux o Codiscos. Mientras se rebuscaba en las calles de Barranquilla, en países como Alemania se convertía en una figura de culto de la música caribeña y colombiana.
Disney+, plataforma de streaming y contenidos originales, acaba de anunciar que inició oficialmente en Bogotá y Santa Marta el rodaje de su nueva serie colombiana que llevará por título Champeta, el ritmo de la Tierra y que tiene planeado su estreno mundial para mediados del 2022.Pueden suscribirse a Disney Plus aquí.El dramatizado que contará con 10 capítulos de 40 minutos cada uno gira en torno a dos jóvenes que se enamoran bailando champeta en las calles del Caribe colombiano y descubren que, a través del baile, despiertan poderes sobrenaturales para salvar la Tierra de una peligrosa amenaza de destrucción. La serie contará con música original compuesta y producida por el artista colombiano Mr. Black El Presidente, que además interpreta a Chamo en la historia.Los protagonistas de esta nueva historia son: Keyller de la Hoz (Manodura) en el papel de Duma, Daniela Trujillo (Disney Bia, Disney Channel), quien interpreta a Fatimah, Marlon Moreno (El capo) en el papel de Elías y Bárbara Perea (El galán, La TV cambió, él no), quien interpreta a Alma.¿De qué trata Champeta, el ritmo de la Tierra de Disney+?La nueva serie sigue a Duma (de la Hoz) y Fatimah (Trujillo), un chico y una chica que provienen de universos muy diferentes y se enamoran bailando champeta en las calles del Barrio de la Bahía, en el Caribe colombiano. Allí también vive Elías (Moreno), un anciano enigmático que conoce los poderes de este ritmo autóctono. Cuando los pies de Duma y Fatimah acarician el suelo al ritmo de la champeta, despiertan el poder ancestral de la Tierra, que los ha elegido para protegerla de las fuerzas destructoras de una poderosa corporación. Poco a poco, Duma y Fatimah desarrollarán juntos sus poderes sobrenaturales y, acompañados por sus amigos, harán uso de ellos para salvar al Barrio de la Bahía, a la ciudad y a la Tierra en su totalidad.Champeta, el ritmo de la Tierra tiene a la música y el baile como componentes centrales, presentando diez canciones originales compuestas y producidas por Mr. Black El Presidente, referente del género champeta en Colombia. La fuerte impronta musical de la serie acompaña las distintas situaciones de la trama y el arco de los personajes a lo largo de todos los episodios, presentándose en forma de canciones, en competencias de baile, y en el plano sobrenatural, vinculado con la música.La magia aparece en esta historia a través de elementos que se entretejen en la trama de este relato en particular. También invitan a la audiencia a conocer más sobre las poblaciones afrodescendientes del Caribe colombiano, la cultura palenquera de la zona y cómo ese legado se ve reflejado en las danzas típicas que siguen vivas entre su gente. El relato, además, pone de relieve diversas temáticas inspiradoras, como el valor del empoderamiento, el poder de la autoexpresión, el cuidado del medio ambiente y la importancia de disfrutar de lo que a uno le apasiona.Escrita por Andrés Gelós, Pablo Junovich y Santiago Guerty, la serie está compuesta por diez episodios de 40 minutos. La producción fue beneficiaria del incentivo CINA (Certificado de Inversión Audiovisual), otorgado por el gobierno de Colombia y administrado por Proimágenes.Champeta, el ritmo de la Tierra forma parte de la robusta oferta de nuevas producciones de Disney+, íntegramente desarrolladas en la región y alineadas con el compromiso asumido por The Walt Disney Company Latinoamérica de realizar contenido de relevancia local para el servicio de streaming , en alianza con casas productoras de la región y sumando a talentos locales.¡El lado S del cine y la televisión!
Aquí estamos con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores del 2020 en este especial. Acá les presentamos Champecarioca de Bazurto All Stars.¿Qué es Bazurto All Stars?Es una de las agrupaciones más importantes de la champeta de nuestra generación, creadores de himnos que no solo suenan con fuerza en Cartagena o la Costa Caribe sino que se popularizaron a lo largo de toda Colombia y algunos territorios internacionales. Fueron ganadores del Premio Shock y son líderes del género.¿De qué trata ‘Champecarioca’?La composición estuvo a cargo de Fredy Harel, vocalista de la agrupación quien propone una estrofa en portugués y el coro fue escrito por Hanibal, el guitarrista y director. La canción habla sobre la sensualidad que nace a partir de la danza.¿A qué suena lo nuevo de Bazurto All Stars?Este tema es una fusión entre la champeta y el funky brasilero, ritmo que se ha popularizado de forma internacional gracias a la explosión de varios proyectos brasileños como el de Anitta, Ludmilla, Pedro Sampaio o Pabllo Vittar.¿Tiene video Champecarioca?Sí, fue grabado gracias al apoyo de la comunidad de los barrios San Isidro y Los Cerros en Cartagena. Tiene como concepto mostrar la cultura afrodescendiente de ambas ciudades, fue realizado por la productora audiovisual Cumbia Films y la dirección de Akiro.¿Cuándo escucharla?Champecarioca invita al baile, a la diversión y a la seducción a través del poder de la energía corporal. Es un tema divertido para gozarse en las noches de rumba.Bazurto All Stars se encuentra preparando su próxima gira en Europa y Estados Unidos para el año 2022 y aseguran que el nuevo show en vivo será algo innovador, harán un recorrido por sus éxitos y un homenaje a los más grandes exponentes de la música champeta de todos los tiempos, una combinación de coreografías, luces y mucho sabor,En video | Los verdaderos reyes de la champeta hablan de su revolución - Shock¡La música nos une!
Aquí estamos con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Me enamoré de Criss & Ronny.¿Quién está detrás del proyecto?Criss & Ronny son mellizos idénticos y la conexión entre ellos se evidencia en cada proyecto que ve la luz, tienen el flow cartagenero en sus venas y han contagiado de su vibra a muchas personas a través de las canciones que sacan a la calle. Antes de formalizar su propio proyecto fueron parte de los equipos de trabajo de Mr Black, Any Rivera, Nicky Jam, Ñejo y Dalmata, entre otros.¿De qué trata el nuevo sencillo?Escrita por Alberto Enrique Reinemer, Cristian Antonio Carrasquilla,German Darío Urueta y Ronny Javier Carrasquilla, es una composición que resalta las mieles del amor luego de quedar flechado.¿A qué suena lo nuevo de Criss & Ronny?Bajo la producción musical de La Colectiva Élite y Yander Producer, es un tema que fusiona elementos de la champeta y el soukous. El coro invita directamente al baile cartagenero que se ha popularizado fuertemente a nivel internacional.¿Tiene video oficial la canción Me enamoré?Sí, es un clip protagonizado por Criss & Ronny en el que personifican diferentes personajes. Todo ocurre en un club que tiene un campo de golf en el que el amor está en el aire. A lo largo del video los hermanos gemelos demuestran su gran talento para el baile con una coreografía impecable de champeta.¿Cuándo escucharla?Recomendamos darle play a este tema cuando quiera soñar con estar cerca al mar, pero también para meterle buena vibra a la semana en esos lunes que a veces son tan difíciles.En video | Los verdaderos reyes de la champeta hablan de su revolución - Shock¡La música colombiana nos une!
El Teatro Jorge Eliécer Gaitán presenta una nueva edición de Gaitán Polifónico, dedicado a los sonidos tradicionales colombianos. Cantaoras. Verbena y Picó, celebra la música de las costas colombianas con Ceferina Bánquez, Lina Babilonia, Índigo, Don Alirio, y Monosóniko Champetúo, el 31 de julio.Cantaoras. Verbena y Picó, tendrá como invitados, en la primera parte, a Don Alirio e Índigo en un mano a mano de verbena y picó, mediado por la voz de Monosóniko Champetúo. Y en la segunda, estarán las cantaoras Ceferina Bánquez y Lina Babilonia con los visuales de Eliécer Salazar.La maestra Cefarina Bánquez, conocida como la Reina del Bullerengue, nació en Guamanga, Carmen de Bolívar, es descendiente de una importante tradición de cantaoras y su aporte cultural ha sido reconocido, entre otros, por el Ministerio de Cultura de Colombia con el Premio a Personajes Afro Colombianos, en el 2012.Lina Babilonia, cantaora e investigadora de la música tradicional de la Costa Caribe. La artista, oriunda de María La Baja, Bolívar, ha girado alrededor del mundo representando al Carnaval de Barranquilla. Babilonia comenzó en el grupo Tambó, en el que estuvo cerca de 17 años, y a través del cual se introdujo en el mundo de la música tradicional y ancestral.También se suman a este homenaje Monosóniko Champetúo junto a Carlos Mario Mojica, mejor conocido como Don Alirio; curador, coleccionista e investigador musical, que se ha dedicado a difundir los sonidos de África y las Antillas a través del picó, el soundsystem del Caribe. Junto a él estará Walter Hernández, conocido como Índigo; vocalista de Systema Solar y un conocedor de la música de la diáspora africana quien al frente de Vokaribe Radio ha nutrido un poderoso arsenal musical.Gaitán Polifónico es la franja musical que fomenta la diversidad de géneros musicales, desde la tradición hasta lo contemporáneo. Consiga las entradas aquí.
Faraón Bantú, el soundsystem de Palenque Records liderado por ChampetaMan estrenó un nuevo disco en el que le inyectan gasolina a la propuesta del sello.Con canciones nuevas y remixes y edits de sus clásicos, Futuro Ancestral es un disco que cuenta con la colaboración de varios amigos de la casa Palenque Records, como Pernett, Bleepolar y DJ Rata.Con Futuro Ancestral, el Faraón Bantí, liderado por ChampetaMan, crea sonidos que incursionan en una nueva rama de la champeta que ChampetaMan llama el guarapo, un paso más allá de esa mezcla de champeta, currulao y afrobeat que caracterizan su sonido.Los remixes y las reversiones de estas canciones, algunas ya clásicas del catálogo de Palenque Records como Colombiafrica, la orquesta mística, Las alegres ambulancias o Batata y su rumba palenquera, bien pueden sonar en cualquier picó o pista de baile.Pueden escuchar Futuro Ancestral, que cuenta con la participación de amigos de la casa Palenque Records, en todas las plataformas de streaming.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2019 en este especial. Voy - Kevin Flórez ¿Quién está detrás? Kevin Flórez es uno de los músicos de champeta más importantes del género. Ha sido ganador de varios Premios Shock y año tras año sigue sacando sencillos poderosos que hacen crecer la música cartagenera. Su nombre ya hace parte de los libros de historia de la música colombiana y estamos seguros de que su nuevo álbum tiene toda la fuerza para sonar en todos los rincones del país. ¿A qué suena? Producido por Vic G On The Track y Felo Beat es un tema que fusiona elementos de la champeta y el reggae. Una canción muy isleña que logra llevar al oyente a un nivel de excitación poderoso donde la voz de Kevin es protagonista. ¿De qué trata? Voy es una canción sobre esos amores que empiezan con un baile coqueto y un beso sorpresa. Relata el momento de las relaciones cuando todo es color rosa, deseo y felicidad. ¿Sobre el video qué? Por las publicaciones de Kevin en Instagram podemos intuir que se viene un clip oficial con esta canción. Una fiesta en la costa colombiana, baile y mucha sensualidad. ¿Cuándo escucharla? Vamos a decir que esta canción suena mejor en tierra caliente, pero es tan poderosa que logra llevarnos mentalmente a una playa así se escuche en ciudades frías o sin mar. Para ver | Picó: La Máquina musical del Caribe - Así se arma un soundsystem #LaMúsicaNosUne
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.
Entre todas las tendencias de redes sociales, por estos días hay una que llama la atención: "Mira entre las letras de tu teclado". La idea es dar algún mensaje dentro de las letras en el rango descrito. Uno d elos ejemplos más frecuentes es el de "mira entre la h y la l en tu teclado" para decir "jk" o "just kidding" (solo bromenado en inglés). De momento, los usuarios señalan letras para las iniciales de nombres de personajes memorables, celebridades o figuras públicas, sin embargo, no ha sido del todo claro para muchos. ¿De dónde viene la tendencia de Mira entre las letras de tu teclado?De acuerdo al sitio Know Your Meme, que rastrea los orígenes de memes y tendencias en Internet, un usuario de la plataforma 4 chan posteó el 11 de mayo del 2021 una imagen con la figura de Yui Hirasawa, protagonista del anime K-On!.Esta imagen solo venía acompañada con un texto que decía “Mira entre la t y la o en tu teclado”. Con eso, se forma Yui, el nombre de un personaje.Sin niguna razón aparente, el post volvió a X (Twitter), en referencia a personajes de My Hero Academia: Izuku (Midoriya) y Uraraka (Ochaco). Entre el 17 y el 19 de abril se ven las primeras publicaciones al respecto.El trend también está Reddit, Twitter y otras plataformas y en distintos idiomas. Sobre K-On!K-On! es una serie de manga que comenzó a serializarse en la revista seinen Manga Time Kirara desde mayo de 2007. Una adaptación a serie de anime de 12 episodios se emitió originalmente entre abril y junio de 2009.La serie narra la historia de 4 jóvenes de colegio que buscan hacer su propia banda. El apellido de Yui está basado en el guitarrista de la banda japonesa de techno-pop P-Model, Susumu Hirasawa.
Para los y las que les gusta leer un libro y después verse la adaptación en película o serie, les tenemos el parche. En Netflix muchas de las producciones más populares han sido inspiradas en libros. Producciones que han llegado a ser número uno, como Secuestro del vuelo 601, nacieron de investigaciones o novelas de grandes autores. De hecho, las adaptaciones de Netflix están impulsando las listas de libros más vendidos y, a mi forma de ver, le han dado vida a historias icónicas como lo veremos este 2024 con Cien años de soledad, la novela más reconocida del autor colombiano Gabriel García Marquez. Así como es cierto que muchas adaptaciones no le son fiel a los libros y decepcionan a sus fanáticos, también es un hecho que Netflix ha logrado reconocimientos muy grandes con estas producciones. Por ejemplo, en los Oscar 2024, La sociedad de la nieve, película basada en el libro que cuenta la historia de los sobrevivientes de los Andes, fue nominada a Mejor Película Extranjera. Amantes de los libros, les digo que se pueden llevar gratas sorpresas con esta ola de adaptaciones que está llegando a la plataforma de Netflix. Acá les dejamos seis opciones que sí o sí tienen que leer y ver. SECUESTRO DEL VUELO 601Esta miniserie colombiana de Netflix ha dado mucho de qué hablar. La historia, protagonizada por Monica Lopera, Angela Cano, Valentín Villafañe y Christian Tappan, está inspirada en el secuestro del avión HK–1274 de la Sociedad Aeronáutica de Medellín en mayo de 1973. En cada episodio se deja claro que, aunque la serie está basada en hechos y personajes reales, por efectos de la dramatizaciones, algunos personajes, incidentes, lugares y diálogos son ficticios. Lo que pocos saben es que la serie se inspiró y basó específicamente en Los Condenados del Aire, el libro del periodista italiano Massimo Di Ricco. En este trabajo, Di Ricco reconstruye el fenómeno de aeropiratas que actuaron en Latinoamérica. La historia del secuestro del vuelo 601 no fue única y tampoco está aislada. Como explica el periodista en su libro, entre 1967 y 1973 hubo alrededor de 90 secuestros de aviones en Latinoamérica y cerca de 30 de ellos ocurrieron en Colombia.LA SOCIEDAD DE LA NIEVEA principios del 2024, la película de Netflix La sociedad de la nieve dejó sin palabras a más de uno. Esta es una excelente producción en la que, durante dos horas y veinticuatro minutos, se retrata la experiencia de los 16 sobrevivientes del equipo de rugby que se extravió en los Andes después de un accidente de avión. Los sucesos reales son crudos y desoladores y la película, sin irse por el lado del morbo usando descripciones demasiado gráficas, es fiel al infierno que tuvieron que pasar los sobrevivientes. Esto, además de lograrse gracias a la producción en sí, fue también gracias a Pablo Vierci (escritor, periodista y guionista uruguayo) el autor del libro homónimo publicado en el 2008. Para serle fiel a los hechos, Vierci viajó con un grupo de sobrevivientes a la montaña y escuchó como cada uno recordaba los setenta y dos días que estuvieron a la deriva en la cordillera. La sociedad de la nieve se empezó a escribir desde 1973 y se publicó muchos años después. Un libro que recoge muy bien, no solo los hechos y las batallas que tuvieron que afrontar los uruguayos, sino los sentimientos de cada uno en el limbo. La película fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Oscar 2024. LA LUZ QUE NO PUEDES VEREsta historia está ambientada en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La luz que no puedes ver narra en paralelo dos experiencias. Por un lado, la de una joven francesa ciega que, junto a su padre, huyeron de París cuando los Nazis invadieron la ciudad. Por el otro, la vida de un joven alemán reclutado por el ejército para rastrear emisiones de radio ilegales y así derrocar a la Resistencia Francesa. La producción se basó en novela homónima, escrita por Anthony Doerr, ganadora de un Premio Pulitzer en el 2015. Un libro muy alabado por los jurados del premio ya que, en sus palabras, "“es una novela imaginativa e intrincada sobre los horrores de la Segunda Guerra Mundial, escrita en capítulos breves y elegantes que exploran la naturaleza humana y el poder contradictorio de la tecnología". La adaptación para Netflix de este libro estuvo en manos de Shawn Levy, director, productor y guionista canadiense detrás de producciones como Stranger Things. ORANGE IS THE NEW BLACK Muy pocos saben que serie que revolucionó al público, entre el 2013 y el 2019, con la historia de Piper Chapman, una joven que debe pagar tiempo en prisión por los delitos de su ex novia, Alex Vause, está inspirada en un libro. La trama, que sigue la vida de todas las reclusas en la prisión de Litchfield, Nueva York, explora la violencia, el arrepentimiento, el amor y la importancia de las relaciones. Aunque Chapman y Vause son las protagonistas de la serie, cada capítulo cuenta la historia de una de las reclusas evidenciando como, muchas veces, una vida dura e injusta lleva a malas decisiones. El libro que inspiró la serie es Orange Is the New Black: Crónica de mi año en una prisión federal de mujeres, una crónica en donde Piper Kerman cuenta su propia experiencia con el narcotráfico, el lavado de dinero y, como consecuencia, su condena en una prisión federal de mujeres. Una crónica fiel de la reclusión: los retos que se deben enfrentar a diario y la transformación que conlleva estar privada de la libertad. LA MUJER EN LA VENTANAAnna Fox es una psicóloga infantil que sufre de agorafobia (un trastorno de ansiedad) por una experiencia traumática. Ese pánico la hace vivir sola, en su apartamento en Nueva York, desde donde le toma fotos a sus vecinos y espía sus vidas. Todo cambia cuando escucha un grito que viene desde la casa de los Russell. Anna presencia un aterrador acto de violencia que la hará preguntarse si lo que vio realmente sucedió. Si son amantes de los libros, este seguro lo vieron en los estantes principales de las librerías. La mujer de la ventana fue la primera novela de A.J. Finn que no tardó mucho en convertirse en un best seller. Se publicó en más de cuarenta idiomas y se adaptó a la pantalla con la actuación de Amy Adams, Julianne Moore y Gary Oldman. THE SINNEREsta es una de las mejores series que he visto en Netflix y es muy poco conocida. Cada temporada es un caso de misterio bien bizarro que el detective Harry Ambrose debe resolver. Cada historia es un cuestionamiento que, aunque se exagera por función a la dramatización, nos lleva a pensar en los humanos, las sociedades, las culturas y, sobre todo, los extremos a los que hemos llegado. Petra Hammesfahr escribió la novela homónima de thriller psicológico, que se convirtió en un bestseller internacional, en la que se basó la serie. En una tarde de verano, Cora Bender mata a puñaladas a un completo desconocido en la playa. ¿Por qué lo hizo? Aunque la joven se declara culpable, el policía Harry Ambrose sabe que hay algo detrás de este crimen sin motivo aparente. Por eso, se niega a cerrar la investigación hasta entender por qué Cora mató a alguien enfrente a su familia. Una historia que termina revelando la psique de Cora y su traumático pasado. ***Les recomendamos: Las 30 mejores series para ver en Netflix en 2024