Se cumplen 5 años de una de las muertes más tristes del rock recientemente: el 20 de julio de 2017 ocurrió el suicidio de Chester Bennington, líder de Linkin Park. El 20 de julio también nació Chris Cornell, quien se suicidó meses antes que Chester: el 18 de mayo de 2017. Ambos músicos se convirtieron en símbolo de la lucha contra la depresión y su reconocimiento como un trastorno mental serio. Ambos músicos fueron grandes amigos y luego del suicidio de Chris, Chester publicó un emotivo homenaje en su cuenta de Instagram que cerraba afirmando "Gracias por permitirme ser parte de tu vida". Entre 2007 y 2008, Chris acompañó a Linkin Park en la gira promocional de su tercer álbum, Minutes to Midnight. "Chris es un tipo increíble. Nos hemos hecho muy buenos amigos", dijo Bennington, citado por CNN. "Subo al escenario todas las noches con él y hago Hunger Strike (canción de la banda de Chris Temple of the Dog), y él sale durante nuestro set y canta Crawling con nosotros, y la gente simplemente se vuelve loca".Chester era el padrino del hijo de Chris. Bennington cantó en el funeral de Chris la canción Hallelujah, de Leonard Cohen. Días después, Linkin Park tocó en TV One More Light, una canción sobre la pérdida de un amigo. Según declaró en entrevista Mike Shinoda, fue una presentación catártica para Chester. "Cuando estábamos haciendo una prueba de sonido, Chester ni siquiera podía terminar la canción, estaba llegando a la mitad y se ahogaba. Incluso cuando tocamos toda la canción, y estaba en vivo por televisión o grabada, se detenía hacia el final, como si se hubiera perdido las últimas dos líneas, simplemente no pudo terminar la canción ", dijo Shinoda. Chris y Chester sufrían de depresión y ansiedad, para Chester síntomas de los abusos sexuales de los que fue víctima cuando tenía tan solo 8 años. Hechos que lo marcaron para siempre y que lo hicieron refugiarse en la soledad. "Destruyó mi confianza en mí mismo. Como la mayoría de la gente, yo estaba demasiado asustado para decir cualquier cosa. No quería que la gente pensara que yo era gay o que estaba mintiendo. Fue una experiencia horrible”, confesó el músico que nació en Phoenix, Arizona al hablar sobre el abuso en una entrevista con Kerrang Magazine en 2008.Tras el suicidio de Chester, el 20 de julio tomó un nuevo significado para los fans y es recordado por la unión de 2 grandes del rock que nos dejaron demasiado pronto.
La familia de Chris Cornell celebró el que sería su cumpleaños 56 publicando un cover nunca antes escuchado de Patience, de los Guns N’ Roses. La voz potente y gruesa de Cornell fluye con la calma y serenidad que imprimen la canción. Escúchenla aquí. En el perfil de Facebook del artista la canción se compartió con el siguiente mensaje escrito por Vicky Cornell, su esposa: “Uno de los ingenieros de Chris recientemente me recordó algunas sesiones de grabación de Chris de 2016 que él todavía tenía. Patience era una de ellas. Esa grabación fue inspirada por nuestra hija Toni, que era una gran fanática de los Gun N’ Roses y le pidió a su papá enseñarle a tocarla en la guitarra. Su cover es hermoso, nos trajo una ráfaga de recuerdos agridulces”, escribió Vicky. Y continúa: “Su cumpleaños parece el momento perfecto para compartir esto y celebrar a Chris, su voz, su música, sus historias y su arte. Un hombre no está muerto mientras sea recordado, y a través de su arte, el alma de un artista aún arde y brilla iluminando a aquellos que lo tienen en su memoria. Liberar música que fue especial para Chris mantiene una parte de él aquí con nosotros. Su corazón, su alma. Su amor y su legado”. Puede ver aquí la publicación completa y disfrutar del cover. Cornell, referente del grunge y voz principal de las bandas Soundgarden y Audioslave, se suicidó en mayo de 2017 después de años de sufrir de depresión y lidiar con el abuso de sustancias.
Recientemente la revista Forbes dio a conocer su listado anual de celebridades difuntas qué más ingresos han generado, por supuesto, luego de su muerte. El listado está encabezado por Michael Jackson con 825 millones de dólares reunidos en el último año, la mayor cantidad registrada por una estrella, esto gracias a la compra de parte de Sony del porcentaje de participación de Jackson en la compañía Sony ATV Music Publishing. Los demás músicos que se encuentran en las primeras casillas del listado son Elvis Presley (28 Millones), Prince (25 millones), Bob Marley (21 millones), John Lennon (12 millones), y David Bowie (10 millones). Por: Julio Escovar @julitroescovar / Foto: Getty Los catálogos de estos artistas suelen seguir facturando gracias a su uso comercial, re-ediciones, aniversarios y demás ocurrencias propias del marketing, además del renovado interés que aparece tras la muerte de algún artista, algo que a la hora de la verdad, es natural. De pronto algo de morbo y honesta curiosidad. Hoy en día gracias a los catálogos de estos artistas que están a un click de distancia podemos viajar en el tiempo con tan solo la primera vez que escuchamos sus canciones. Por eso es fácil ponerse melancólico, así no hayamos comprado un disco de ellos hace décadas. Como la mayoría de personas el impacto que los artistas generan en nosotros emerge con mayor fortaleza cuando ya no los tenemos con nosotros, por lo menos en este mismo plano espectral. En diciembre del 2016 tras la noticia de la muerte de George Michael, la reproducción de su música subió en un 525%, y en especial su disco de grandes éxitos Ladies & Gentleman, que ya había sido un éxito en 1998, el año de su lanzamiento. No recuerdo la última vez que escuché música de George Michael antes de la noticia de su muerte, pero el día en que me enteré, inmediatamente busqué sus canciones en streaming y me permití profundizar en un enorme playlist de sus éxitos, cómo muchos de ustedes debieron hacerlo, me sentí algo ingrato, pero el viaje en el tiempo está asegurado con los recuerdos de estas canciones. Más recientemente tras la muerte de Chris Cornell, su disco con Soundgarden, Superunknown, el álbum que disparó la banda a la fama y con el que ganaron los únicos dos premios Grammy de su carrera, volvió a los listados de reproducción, tal cual como el debut de Audioslave. Además, 13 discos de Chris Cornell entraron a la lista de los más escuchados en Australia. El 18 de mayo, día que nos enteramos que Cornell había muerto, Black Hole Sun sonó 537 veces en la radio norteamericana. Con la muerte de Scott Weiland su discografía con Stone Temple Pilots y Velvet Revolver se disparó en ventas, al punto que Core su debut de 1992, llegó a la posición N.145 de Billboard 200, y su compilado de grandes éxitos Thank You, vendió 17.000 copias. Este me dolió en especial, porque además de mi amor por la música de los STP, siento que dejamos que pasara ante nuestros ojos una tragedia glorificada por el espíritu de sexo drogas y rock and roll. Era cómo hacer un viaje hacia el pasado y ver los desastrosos videos de las presentaciones de Amy Winehouse en Youtube. En el caso de Queen, Bohemian Rhapsody fue número 1 en 1975 y volvió a la cima tras la muerte de Freddie en 1991. Al día de hoy esta canción ha vendido más de 2.4 millones de copias y es el tercer sencillo más comercializado en la historia del Reino Unido. Como si fuera poco, Queen ha tenido 20 sencillos en el top 20 desde la muerte de Freddie, así como su compilatorio Queen Forever del 2015, que fue top 5 en el Reino Unido ese año. Tras su muerte, David Bowie tuvo una docena de discos en el top 40, cinco de ellos de manera simultánea en el top 10 en el Reino Unido. Y su disco Blackstar debutó en el N.1 en EEUU, el primer y único álbum en su carrera en alcanzar esa gloria en ese país, además de recibir cuatro premios Grammy de 6 que recibió Bowie en toda su carrera. ¿Habría ganado todos estos premios de no haber muerto? Otro célebre de este listado es Prince, quien al día de hoy ha vendido más de 4 millones de discos en EEUU desde su muerte, el 21 de abril. El día que se conoció la noticia se vendieron 239,000 álbumes y 1.034 millones de canciones. Al día siguiente de la noticia la cifra llegó a 496,000 álbumes y 2.24 millones de canciones, igualmente 5 discos de Prince entraron en el Hot 200 de Billboard y su canción Purple Rain fue número 4 en el Hot 100, y el número 1 del momento era Desiigner con su canción Panda. Probablemente sea Michael Jackson la primera mega estrella que tuvo impacto inmediato en los listados tras su muerte. 11 de sus discos estuvieron en el top 200 y 43 de sus canciones entraron a los listados. Según la revista Forbes en el 2015 Michael Jackson generó 115 millones de dólares y como vemos en la reciente publicación de la revista, Michael sigue en la cima. Las leyendas nunca mueren, y sus canciones menos. Desde todos los puntos de vista.
Esta semana ocurrió un hito histórico para la ciencia. conocimos la primera fotografía de un agujero negro. Este primer agujero negro fue bautizado como Pōwehi, pues 2 de los telescopios más poderosos del mundo, claves para la obtención de la foto, están ubicados en la cima de Maunakea en la isla de Hawái. Sin embargo, los fans del rock tienen una idea mejor: bautizar al agujero negro Chris Cornell (exvocalista de Audioslave fallecido en 2017), según una petición en Change.org que se ha viralizado por estos días. “Era una de las figuras más queridas, no solo en el rock, sino en toda la música, de personas de todo el mundo. Su música, su voz y su personalidad inspiraron, influenciaron, cambiaron e incluso salvaron las vidas de miles de personas”, según dice la petición, que al 12 de abril de 2019 supera las 12.300 firmas. Adiós a Chris Cornell. Canciones para conocer a una leyenda. El documento continúa: "Black Hole Sun (Hoyo negro en el sol) es una de las canciones más representativas de Audioslave. "(Nombrar al agujero Chris Cornell) sería una forma increíble y surreal de honrar su vida y su contribución a la música". La voz de Cornell era inconfundible y lograba llegar a notas muy altas y a su vez interpretar notas graves. El afamado artista fue vocalista de tres importantes bandas para el grunge y el metal alternativo como Sundgarden, Temple Of The Dog y Audioslave. Además, tuvo una carrera en solitario con la que giró por todo el mundo, de hecho, fue uno de los headliners del Festival Almax en Bogotá en diciembre de 2016. Su show en Colombia fue íntimo, corto y ameno. Cantó 9 canciones en 47 minutos y fueron pocas las personas que lograron verlo en su concierto en nuestro país. ¿Creen que Chris Cornell sería un buen nombre para el agujero negro? Firmen aquí.
El 18 de mayo de 2017 el universo del rock quedó impactado con la noticia de la muerte del artista Chris Cornell a sus 52 años. De acuerdo a Brian Bumbery, su manager, el músico fue hallado sin vida en la habitación del hotel en el que se hospedaba después de una presentación en Detroit, Estados Unidos, con la banda Soundgarden. De acuerdo a reportes de la oficina forense de esa ciudad, la causa de muerte de Chris fue ahorcamiento. FOTOGRAFÍAS: ARCHIVO DE SHOCK EN EL FESTIVAL ALMAX La voz de Cornell era inconfundible y lograba llegar a notas muy altas y a su vez interpretar notas graves. El afamado artista fue vocalista de tres importantes bandas para el grunge y el metal alternativo como Sundgarden, Temple Of The Dog y Audioslave. Además, tuvo una carrera en solitario con la que giró por todo el mundo, de hecho, fue uno de los headliners del Festival Almax en Bogotá en diciembre de 2016 del que nos quedaron las fotografías incluidas en este artículo. Su show en Colombia fue íntimo, corto y ameno. Cantó 9 canciones en 47 minutos y fueron pocas las personas que lograron verlo en su concierto en nuestro país. Mientras Chris cantaba lo más adecuado era callar y disfrutar su voz y guitarra. Recordamos a este maestro con esta playlist que podemos escuchar en cualquier momento de la vida. ¡Gracias Chris por estas joyas! Bonus: Chris Cornell cantó en vida junto a Chester Bennington de Linkin Park, tristemente los dos abandonaron este mundo en 2017.
El tema de las biopics está de moda por estos días, tras conocerse el primer tráiler de Bohemian Rhapsody, cinta biográfica de Queen y Freddie Mercury, que llegará a salas de cine en noviembre de 2018. Sabemos que a Hollywood le encantan las biopics y más si son de músicos. Desde Edith Piaf, Ray Charles y Bob Dylan hasta Jimi Hendrix, Selena Quintanilla y NWA, las vidas de los músicos siempre nos resultan fascinantes. Aunque no todas las biopics le “pegan al perro”, lo cierto es que nos motivan a conocer más de nuestros artistas favoritos o a descubrir a otros que probablemente no teníamos en el radar. Por: Paula Ricciulli // @ricciup Aquí algunos músicos que por lo interesante de sus vidas y lo valioso de su legado, merecen tener una biopic (pero de las buenas). David Bowie ¿Necesitamos decir razones? Cantante, actor, icono y Dios en la tierra. Una biopic de Bowie podría explorar muchísimos temas: la androginia, la innovación, la creatividad, la inspiración, la sexualidad, entre otras. El problema es el reto que será hacerle justicia a una de las figuras más importantes de la historia de la música. Prince Esta sería un verdadero reto, pues no es nada fácil capturar el legado musical y cultural de Prince. Sin mencionar que ya está Purple Rain. Pero si se atrevieran a intentarlo, sería un homenaje muy pertinente a una de las figuras más destacadas del pop. Missy Elliot Si hablamos de personajes clave del hip hop, no podemos dejar de lado a Missy Elliot. Missy superó la pobreza y el abuso sexual y se impuso en un género en el que los hombres mandaban la parada y en una industria musical que exige que las mujeres sean 90-60-90. Donna Summer Reina indiscutible del disco. Pero su legado no se limita a un solo género, pues sin Donna no tendríamos a Beyoncé o Rihanna. Aunque Kelly Rowland sonó hace algunos años para interpretar a Summer, el proyecto no continuó. Una lástima, pues Rowland tiene la voz y la actitud para convertirse en esta diva. Michael Jackson Hasta ahora se han hecho un par de películas para TV, pero ninguna que le haga justicia al enorme legado de Michael. Su biopic nos hablaría de su imagen corporal, sus problemas legales y familiares, pero más importante que eso: el recorrido que lo llevó a convertirse en el rey indiscutible del pop. Kurt Cobain Desde hace años se viene hablando de una biopic del líder de Nirvana (en 2008 Courtney Love declaró que Ryan Gosling podría ser una buena opción para interpretar a su exesposo), pero nadie se ha atrevido aún. Kurt Cobain tiene todos los elementos para una biopic interesante: adicciones, conflictos, talento y uno de los legados más importantes en la historia de rock. Lisa “Left Eye” Lopes Lisa lideró TLC, un trío femenino noventero que nos habló de la libertad sexual, lo crueles que pueden ser los hombres y cómo no debemos conformarnos con cualquiera. A los 30 años falleció en un accidente de tránsito en Honduras y nos dejó la sensación de que no terminamos de ver todo lo que tenía para ofrecernos. Frank Zappa Además de su innegable legado como músico, de Frank Zappa también recordamos su irreverencia y sus opiniones ácidas sobre política,cultura y religión. Un genio subvalorado del siglo XX que nos gustaría ver en cine. Beastie Boys Del derecho a la fiesta pasaron a defender la libertad del Tíbet. Una biopic de los Beastie Boys nos mostraría cómo fue su evolución de “chicos malos” a una de las bandas más importantes de la historia del hip hop. Chris Cornell En Soundgarden, Audioslave, Temple of the Dog o como solista, Chris Cornell dejó una huella imborrable en el rock. Su lucha contra las adicciones sería un elemento interesante en esta eventual biopic. Bonus Amy Winehouse y Elton John son otros músicos que creemos deberían tener su propia biopic. Por fortuna, ya están en marcha: desde hace varios años se ha hablado de una biopic de Amy Winehouse protagonizada por la actriz sueca Noomi Rapace, pero hasta el momento no tiene fecha de estreno. Finalmente, en abril de 2018 conocimos que Taron Egerdon fue elegido para interpretar a Elton John en Rocketman, cinta biográfica del músico británico.
Exactamente en siete días (en el 2017) la voz de este gigante volvería a rugir en los escenarios después de una sequía de más de tres años. Sin embargo la conexión de sus tonos llenos angustia, dolor y furia con los que podía privar a miles de personas con tan solo un par de versos decidieron esperar. Esta vez para siempre. Por: Álvaro Corzo V @Corzo360 Los Ángeles / Foto: Getty La depresión, las drogas y mucho alcohol fueron las recetas y religión durante años para este cerebrito que se crió tocando en los chuzos de Los Ángeles. El legendario Wiksy a Go Go lo vio nacer con tan solo 23 años como lo hiciera con grandes como The Doors, Guns N Roses y Mötley Crüe. Su banda Linkin Park terminaría vendiendo más de 70 millones de discos. La noticia del suicidio de Chester a sus 41 años llegó por sorpresa para su familia, pero sobretodo para su banda y su disquera, que veía en su nuevo disco, acompañado de su gira mundial, la vuelta al ruedo de Chester y de paso de toda la banda. “Aunque el disco tiene un ruptura y se reinventa en cada canción el ADN de las letras son las mismas, pura introspección, ese es el corazón de Chester” me dijo Brad Delson hace menos de dos meses cuando nos reunimos en el norte de Los Ángeles para hablar del nuevo disco, la gira y por supuesto del esperado regreso de la banda. No había duda, el esperado séptimo álbum del grupo “One more Light”, el cual llegó rápidamente al número uno del Billboard, tenía todos los toques oscuros y desgarradores con los que la banda revolvió al mundo entero a principios de siglo con discos como Hybrid Theory y Meteora. El video de su primer sencillo “Heavy”, en el que hace dúo como Kiiara, parece más una simulación de la dura batalla que Chester llevó toda su vida contra el alcohol, las drogas y el violento divorcio que casi lo saca de quicio. Un premonitorio aviso de que en el fondo, más allá del brillo de un nuevo look para él y la banda, el dolor de Bennington seguía intacto al igual que el demoledor sonido del grupo californiano. Su suicidio no deja de ser otro punto oscuro más en la historia reciente de la música, sin embargo mas allá del iceberg de la fama, el placer y el dinero se esconde la fragilidad de todas la leyendas. Una pintura tan acida como demoledora que nos arrebató a otro de los grandes. “Escribo sobre lo que no tengo control, sobre lo que me controla como las drogas y el alcohol. Ese es el sentimiento que me permite escribirlo y cantarlo sin filtro, sacarlo de mi sistema” dijo Chester en una entrevista hace diez años al describir la fuerza de Crawiling, uno de los éxitos más bravos del Hybrid Theory, el álbum con el cual romperían las puerta del cielo de la música en el 2000. ¿Suicidio Tributo? Después de todo el 20 de julio no era un día cualquiera ni para Chester ni para muchos discípulos de la historia negra de la música. Este habría sido el cumpleaños número 53 de otro cerebrito y gran amigo de la victima, el cantante de Soundgarden, Chris Cornell, quien hace dos meses también se quitó la vida. Chester era un gran amigo Cornell, no solo en los escenarios, estudios de grabación sino también en el post silencio de fiesta. En su velorio su voz había dejado tullido a los invitados cuando cantó Hallelujah junto al guitarrista de Linkin Park. Los dos cantaron ante una multitud de amigos y estrellas de Hollywood sin saber que dos mes más tarde sería el propio Chester, el que también decidiera arrancarse la vida de la misma forma en que lo hizo Cornell. Con una soga atornillada a su cuello. “Estoy destrozado, lleno de tristeza. No puedo imaginar el mundo si ti, sin tu talento. Tu me haz inspirado en tantas cosas que nunca llegarás a saber. Rezo para que puedas encontrar la paz en el más allá” escribió Chester en Twitter al conocer sobre la trágica muerte de su amigo. Los dos sufrían de depresión y ansiedad, para Chester síntomas de los abusos sexuales de los que fue víctima cuando tenía tan solo 8 años. Hechos que lo marcaron para siempre y que lo hicieron refugiarse en la soledad, la misma que hoy le quitó la vida. "Destruyó mi confianza en mí mismo. Como la mayoría de la gente, yo estaba demasiado asustado para decir cualquier cosa. No quería que la gente pensara que yo era gay o que estaba mintiendo. Fue una experiencia horrible”, confesó el músico que nació en Phoenix, Arizona al hablar sobre el abuso en una entrevista con Kerrang Magazine en 2008. ¿Por qué una soga al cuello como Cornell, por qué en el día de su cumpleaños, qué habrá querido decir con esas palabras en su funeral? De esta forma comienzan a alienarse estas dos historias de genialidad, tortura, talento y sobre todo buena música. La radiografía de dos gigantes que lo entregaron todo hasta el punto que no pudieron más con en el peso sobre ellos mismos. Larga vida para otro gigante que nos deja, cuya voz y tono hizo leyenda acuñando el Nu metal en los cuadernos de la historia. Habrá que esperar lo que se viene para la banda. Muchos seguidores ya les suplican en las redes que realicen el tour como el más grande homenaje a la voz y vida del front-man de Linkin Park, el gran Chester Bennington.
El pasado 16 de mayo, Chris Cornell le dijo adiós al mundo y desde ese día los homenajes no se han hecho esperar, no solo sus fanáticos sino los artistas cercanos han dejado sus mensajes. Sin embargo, uno de los mensajes más sentidos no podría ser de parte de otra persona que de su esposa y compañera de vida. Vicky Cornell, esposa de Chris, reveló a través de Billboard una carta: A mi dulce Christopher, Fuiste el mejor padre, esposo y yerno. Tu paciencia, empatía y amor siempre siempre lo demostraron. Siempre dijiste que te salvé, que no estarías vivo de no ser por mi. Mi corazón se iluminaba por verte feliz, vivo y motivado. Emocionado por la vida. Hacías todo lo que podías por dar. Tuvimos la mejor época de nuestras vidas en la última década y siento mucho, mi dulce amor, que no vi lo que te pasaba aquella noche. Lamento que estuvieras sólo, y sé que ese no eras tú, mi querido Christopher. Tus hijos también lo saben, así que puedes descansar en paz. Estoy destrozada, pero saldré adelante por ti y cuidaré a nuestros hermosos bebes. Pensaré en ti cada momento de cada día y lucharé por ti. Tenías razón cuando dijiste que somos almas gemelas. Se ha dicho que los caminos que se han cruzado volverán a hacerlo otra vez, y sé que tú vendrás a encontrarme, y estaré esperándote aquí. Te amo más de lo que alguien ha amado en la historia del amor y más de lo que alguien más podrá. Por siempre y para siempre. Tu Vicky.
La muerte no espera ni esperará. A todos nos ha de llegar de un modo u otro; es una cita a la cual nadie va a fallar. Y esta vez, quien se fue de este mundo fue Chris Cornell. En la ciudad de Detroit, hace tan solo 24 horas ofrecía un concierto y se despedía con una canción llamada: In My Time Of Dying de Led Zeppelin. Una reflexión sobre la muerte y la tristeza. Por: José “Pepe” Plata // @owai Hay quienes hablan de la muerte del grunge, de la desaparición de una generación y hasta de un agotamiento en la música; pero no se puede dejar aparte la voz de Chris Cornell en los últimos treinta años cuando se le recuerda en agrupaciones como Soundgarden y Audioslave. Pero este nativo de Seattle, la misma ciudad que estuvo en el eje creativo de los noventa cuando este sonido estuvo en boga a través de lo que se conoció como grunge: aquella música que unía rock, punk y metal. Cornell dejó sin duda alguna una serie de canciones e improntas y homenajes que vale la pena recordar. Vea también: Chris Cornell se ahorcó, así lo confirma la oficina del forense Sus inicios se remontan a los años 80, en donde a través de la búsqueda de un sonido melódico, pero con una fuerza propia, comienza con el proyecto Soundgarden. Fueron años de lucha contra la moda musical que mostraba pop hermoso, bello y bien producido en la radio y en video, para mostrar una perspectiva real y sin maquillaje de la música. Las primeras grabaciones datan de 1987 a través de sencillos que terminaron por llamar la atención de los gigantes de la industria discográfica. Así se registraba su presencia en aquella época, justo en 1989 cuando iban a firmar con un sello grande. Luego de esas grabaciones independientes, con la salida de Badmotorfinger en 1991, la banda empieza a ser considerada uno de los pilares de aquel sonido de Seattle que era el grunge que, en los noventa, “combatió” el hard rock, el maquillaje y toda la parafernalia del rock hecho como negocio. Justo a través de esta canción que fue controvertida y en ocasiones censurada, la voz de Cornell alcanzaba otras audiencias: Jesus Christ Pose (1992). Vea también: “Eterno Cornell”. El adiós de Juan Galeano a un cantante inmortal Con la salida de Superunknown la fama se haría global. Con millones de copias vendidas y con una canción de la cual no se pudo desprender: Black Hole Sun. Tantas veces escuchada y versionada, nos hacen recordar a otra de aquella época que vale la pena recordar: Spoonman (1994). Tras la disolución de Soundgarden en 1997, Cornell tendría que tomar un descanso puesto que sus cuerdas vocales estaban agotadas y la recomendación médica fue certera. Este alejamiento hizo que se enfocara en un disco solista que lanzó en 1999 llamado Euphoria Morning. Esa etapa un tanto mística, reflexionó sobre su lugar en el mundo, su misión musical y también sobre un nuevo porvenir en el año 2000: nos dejó esta canción sobre el fin del mundo: Preaching the end of the world. La gran estocada del 2002 vendría con aquel gran grupo llamado Audioslave con el que grabaría tres discos entre los años 2002 y 2006. Acá, su unión con los integrantes de Rage Against the Machine fue un desprendimiento de etiquetas y denominaciones de los noventa, el regreso al rock y a lo que él significaba como herramienta musical y política. Fue esta una de las agrupaciones más recordadas de aquella década y una de las que si bien no duró más de cinco años, cobró un nuevo lugar en la escena. Una reinvención para Cornell y para sus compañeros de fórmula. De esa primera etapa, este sencillo en cual hacía un homenaje a un cacique norteamericano llamado Cochise fue el despegue de una nueva realidad sonora: ¿No nos conmueve aún algo como esto, Be yourself, presentada hace doce años? Otra de las grandes canciones de Audioslave, con la cual se reinventó y presentó ante las nuevas generaciones. De Audioslave se recuerda además una presentación en la ciudad de La Habana, Cuba, en el 2005. Fue además una afirmación política; la presentación de una banda norteamericana en la isla, superando décadas de aislamiento y separación cultural entre los dos países. Audioslave dejó una marca imborrable en la isla, siendo esta una presentación que además se comercializó en un DVD llamado Live in Cuba. Dos años después, Cornell emprendería su carrera como solista con la cual presentaría cuatro discos más: Carry On (2007), Scream (2009), Songbook (2011) y Higher Truth (2015). Una etapa en la que tuvo espacio para seguir con el rock, dejarse producir por otros personajes y buscar nuevos públicos. Su versatilidad le dio además para tener canciones incluidas en bandas sonoras desde los años noventa y justo hasta el agente James Bond tuvo a Cornell como voz del tema de su película: Casino Royale de 2010 Y hasta en el 2009, cuando trabajó con Timbaland, tuvo cómo explorar los sonidos electrónicos como en esta canción: Part of me. En Songbook, de 2011, repasó canciones de su viejo repertorio, pero también cantó canciones de otros. Aquí está su versión de Imagine, de John Lennon, presentada seis años atrás. Su último disco fue Higher Truth del cual se rescatan canciones en onda blues como: Nearly Forgot My Broken Heart. En diciembre de 2016 Cornell estuvo tocando en la capital colombiana, acercando a todo un público que esperó con sigilo la presencia de alguien que se esperó por décadas. Una presentación que se llevó a cabo en Corferias, durante la primera edición del festival Almax. En aquel 4 de diciembre de 2016, Cornell tocó nueva canciones en formato acústico. Entre ellas tenía canciones de Audioslave, Soundgarden, Temple of the Dog y su obra solista. Hoy Cornell se fue de la vida pero dejó lo mejor supo hacer. Su versatilidad vocal, su capacidad lírica sobrepasaron tendencias y modas desde los ochenta. Con su partida, la música queda huérfana nuevamente. Seattle, aquel hervidero musical y creativo de los ochenta y noventa, sigue enterrando a sus héroes. Paz en su tumba.
Mientras veíamos atónitos en MTV la noticia de la muerte de Cobain el día de mi cumpleaños en 1994, moría junto con él un movimiento y una generación. Al menos eso era lo que decía la prensa. No para mí. Por: Juan Galeano // @juangaleano Ya me había enganchado con el Dirt de Alice in Chains, el disco homónimo de Temple of the Dog y el Badmotorfinger de Soundgarden. Soundgarden siempre fue diferente para mí: sin la oscuridad inherente de las canciones de Staley y Cantrell y sin la luz incandescente de la estrella de Cobain, Cornell y compañía hicieron canciones atormentadas y hermosas como mi favorita, Fell On Black Days. Esta canción iba más allá de un movimiento o un sonido. Era una canción sin tiempo ni espacio, como una gran canción debe ser. La voz rasposa y llevada al límite de Cornell se metió hasta nuestra médula y ahí se quedó. Después de la disolución de Soundgarden en 1997 y de no saber de Cornell por un par de años, apareció en la escena Audioslave, que en su momento no entendí, tal vez porque personalmente estaba explorando otras músicas. Sería sólo hasta varios años después que entendí el poder del songwriting de Cornell en canciones como I am the Highway y Show Me How to Live. El año pasado cuando nos invitaron a tocar el festival Almax y me enteré que venía Cornell, me emocioné. Finalmente iba a tener la oportunidad de ver a uno de estos manes con los que literalmente crecí. Ya no podía ver a Staley, ni a Weiland, ni a Cobain, y como un pelotudo, me había perdido el show de Pearl Jam en Bogotá. Muy calladito y solo me fui a ver el show. Salió Chris sólo con su guitarra y durante 40 cortísimos minutos mantuvo a un par de miles de personas en un silencio absoluto. Su voz, impecable como me la imaginé, se metió hasta los huesos. En su expresión más minimalista, las canciones toman otro contexto y vuelven para revolver emociones y recuerdos. Burden in My Hand, Hunger Strike, Like a Stone, Can´t Change Me y, obvio, Fell On Black Days son un manifesto de que las canciones nunca morirán. Gracias al universo quedan las canciones, lo único eterno, como Cornell.
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.
Entre todas las tendencias de redes sociales, por estos días hay una que llama la atención: "Mira entre las letras de tu teclado". La idea es dar algún mensaje dentro de las letras en el rango descrito. Uno d elos ejemplos más frecuentes es el de "mira entre la h y la l en tu teclado" para decir "jk" o "just kidding" (solo bromenado en inglés). De momento, los usuarios señalan letras para las iniciales de nombres de personajes memorables, celebridades o figuras públicas, sin embargo, no ha sido del todo claro para muchos. ¿De dónde viene la tendencia de Mira entre las letras de tu teclado?De acuerdo al sitio Know Your Meme, que rastrea los orígenes de memes y tendencias en Internet, un usuario de la plataforma 4 chan posteó el 11 de mayo del 2021 una imagen con la figura de Yui Hirasawa, protagonista del anime K-On!.Esta imagen solo venía acompañada con un texto que decía “Mira entre la t y la o en tu teclado”. Con eso, se forma Yui, el nombre de un personaje.Sin niguna razón aparente, el post volvió a X (Twitter), en referencia a personajes de My Hero Academia: Izuku (Midoriya) y Uraraka (Ochaco). Entre el 17 y el 19 de abril se ven las primeras publicaciones al respecto.El trend también está Reddit, Twitter y otras plataformas y en distintos idiomas. Sobre K-On!K-On! es una serie de manga que comenzó a serializarse en la revista seinen Manga Time Kirara desde mayo de 2007. Una adaptación a serie de anime de 12 episodios se emitió originalmente entre abril y junio de 2009.La serie narra la historia de 4 jóvenes de colegio que buscan hacer su propia banda. El apellido de Yui está basado en el guitarrista de la banda japonesa de techno-pop P-Model, Susumu Hirasawa.
Para los y las que les gusta leer un libro y después verse la adaptación en película o serie, les tenemos el parche. En Netflix muchas de las producciones más populares han sido inspiradas en libros. Producciones que han llegado a ser número uno, como Secuestro del vuelo 601, nacieron de investigaciones o novelas de grandes autores. De hecho, las adaptaciones de Netflix están impulsando las listas de libros más vendidos y, a mi forma de ver, le han dado vida a historias icónicas como lo veremos este 2024 con Cien años de soledad, la novela más reconocida del autor colombiano Gabriel García Marquez. Así como es cierto que muchas adaptaciones no le son fiel a los libros y decepcionan a sus fanáticos, también es un hecho que Netflix ha logrado reconocimientos muy grandes con estas producciones. Por ejemplo, en los Oscar 2024, La sociedad de la nieve, película basada en el libro que cuenta la historia de los sobrevivientes de los Andes, fue nominada a Mejor Película Extranjera. Amantes de los libros, les digo que se pueden llevar gratas sorpresas con esta ola de adaptaciones que está llegando a la plataforma de Netflix. Acá les dejamos seis opciones que sí o sí tienen que leer y ver. SECUESTRO DEL VUELO 601Esta miniserie colombiana de Netflix ha dado mucho de qué hablar. La historia, protagonizada por Monica Lopera, Angela Cano, Valentín Villafañe y Christian Tappan, está inspirada en el secuestro del avión HK–1274 de la Sociedad Aeronáutica de Medellín en mayo de 1973. En cada episodio se deja claro que, aunque la serie está basada en hechos y personajes reales, por efectos de la dramatizaciones, algunos personajes, incidentes, lugares y diálogos son ficticios. Lo que pocos saben es que la serie se inspiró y basó específicamente en Los Condenados del Aire, el libro del periodista italiano Massimo Di Ricco. En este trabajo, Di Ricco reconstruye el fenómeno de aeropiratas que actuaron en Latinoamérica. La historia del secuestro del vuelo 601 no fue única y tampoco está aislada. Como explica el periodista en su libro, entre 1967 y 1973 hubo alrededor de 90 secuestros de aviones en Latinoamérica y cerca de 30 de ellos ocurrieron en Colombia.LA SOCIEDAD DE LA NIEVEA principios del 2024, la película de Netflix La sociedad de la nieve dejó sin palabras a más de uno. Esta es una excelente producción en la que, durante dos horas y veinticuatro minutos, se retrata la experiencia de los 16 sobrevivientes del equipo de rugby que se extravió en los Andes después de un accidente de avión. Los sucesos reales son crudos y desoladores y la película, sin irse por el lado del morbo usando descripciones demasiado gráficas, es fiel al infierno que tuvieron que pasar los sobrevivientes. Esto, además de lograrse gracias a la producción en sí, fue también gracias a Pablo Vierci (escritor, periodista y guionista uruguayo) el autor del libro homónimo publicado en el 2008. Para serle fiel a los hechos, Vierci viajó con un grupo de sobrevivientes a la montaña y escuchó como cada uno recordaba los setenta y dos días que estuvieron a la deriva en la cordillera. La sociedad de la nieve se empezó a escribir desde 1973 y se publicó muchos años después. Un libro que recoge muy bien, no solo los hechos y las batallas que tuvieron que afrontar los uruguayos, sino los sentimientos de cada uno en el limbo. La película fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Oscar 2024. LA LUZ QUE NO PUEDES VEREsta historia está ambientada en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La luz que no puedes ver narra en paralelo dos experiencias. Por un lado, la de una joven francesa ciega que, junto a su padre, huyeron de París cuando los Nazis invadieron la ciudad. Por el otro, la vida de un joven alemán reclutado por el ejército para rastrear emisiones de radio ilegales y así derrocar a la Resistencia Francesa. La producción se basó en novela homónima, escrita por Anthony Doerr, ganadora de un Premio Pulitzer en el 2015. Un libro muy alabado por los jurados del premio ya que, en sus palabras, "“es una novela imaginativa e intrincada sobre los horrores de la Segunda Guerra Mundial, escrita en capítulos breves y elegantes que exploran la naturaleza humana y el poder contradictorio de la tecnología". La adaptación para Netflix de este libro estuvo en manos de Shawn Levy, director, productor y guionista canadiense detrás de producciones como Stranger Things. ORANGE IS THE NEW BLACK Muy pocos saben que serie que revolucionó al público, entre el 2013 y el 2019, con la historia de Piper Chapman, una joven que debe pagar tiempo en prisión por los delitos de su ex novia, Alex Vause, está inspirada en un libro. La trama, que sigue la vida de todas las reclusas en la prisión de Litchfield, Nueva York, explora la violencia, el arrepentimiento, el amor y la importancia de las relaciones. Aunque Chapman y Vause son las protagonistas de la serie, cada capítulo cuenta la historia de una de las reclusas evidenciando como, muchas veces, una vida dura e injusta lleva a malas decisiones. El libro que inspiró la serie es Orange Is the New Black: Crónica de mi año en una prisión federal de mujeres, una crónica en donde Piper Kerman cuenta su propia experiencia con el narcotráfico, el lavado de dinero y, como consecuencia, su condena en una prisión federal de mujeres. Una crónica fiel de la reclusión: los retos que se deben enfrentar a diario y la transformación que conlleva estar privada de la libertad. LA MUJER EN LA VENTANAAnna Fox es una psicóloga infantil que sufre de agorafobia (un trastorno de ansiedad) por una experiencia traumática. Ese pánico la hace vivir sola, en su apartamento en Nueva York, desde donde le toma fotos a sus vecinos y espía sus vidas. Todo cambia cuando escucha un grito que viene desde la casa de los Russell. Anna presencia un aterrador acto de violencia que la hará preguntarse si lo que vio realmente sucedió. Si son amantes de los libros, este seguro lo vieron en los estantes principales de las librerías. La mujer de la ventana fue la primera novela de A.J. Finn que no tardó mucho en convertirse en un best seller. Se publicó en más de cuarenta idiomas y se adaptó a la pantalla con la actuación de Amy Adams, Julianne Moore y Gary Oldman. THE SINNEREsta es una de las mejores series que he visto en Netflix y es muy poco conocida. Cada temporada es un caso de misterio bien bizarro que el detective Harry Ambrose debe resolver. Cada historia es un cuestionamiento que, aunque se exagera por función a la dramatización, nos lleva a pensar en los humanos, las sociedades, las culturas y, sobre todo, los extremos a los que hemos llegado. Petra Hammesfahr escribió la novela homónima de thriller psicológico, que se convirtió en un bestseller internacional, en la que se basó la serie. En una tarde de verano, Cora Bender mata a puñaladas a un completo desconocido en la playa. ¿Por qué lo hizo? Aunque la joven se declara culpable, el policía Harry Ambrose sabe que hay algo detrás de este crimen sin motivo aparente. Por eso, se niega a cerrar la investigación hasta entender por qué Cora mató a alguien enfrente a su familia. Una historia que termina revelando la psique de Cora y su traumático pasado. ***Les recomendamos: Las 30 mejores series para ver en Netflix en 2024
La creadora de contenido mexicana Wendy Guevara compartió escenario con Madonna durante el show en México de la reina del pop.Guevara fue la invitada principal en la pasarela de Madonna donde interpretó su emblemática Vogue, uno de los hits más importantes de Madonna. ¿Quién es Wendy Guevara?Wendy Guevara es la ganadora de La casa de los famosos México. Es la primera mujer trans en ganar este reality, y de hecho, cualquier reality mexicano en televisión abierta.Desde los primeros episodios, Wendy cautivó al público con su carisma y espontaneidad. Fue una de las participantes favoritas a lo largo del programa, que otorga un premio de cuatro millones de pesos mexicanos, cerca de 235.000 dólaresSu triunfo ha sido celebrado como un hito para la representación trans mexicana y latinoamericana.Wendy Guevara es una creadora de contenido mexicana. Se dio a conocer por un video que llegó a las redes sociales en 2017, cuando ella y su amiga Paola Suárez piden ayuda tras ser “abandonadas” en un cerro en León, Guanajuato. De ahí surgió un audio que decía “estamos perdidas, perdidas, perdidas”, y se hizo viral.Más tarde, se unió a ellas Kimberly Irene, y juntas formaron un grupo conocido como “Las Perdidas”.También se hizo conocida por un meme que ganó fuerza en 2022. La foto nació por un video que ella misma publicó en su canal de YouTube, donde está hablando a la cámara mientras su amiga toma un baño. Su gesto de desagrado se conviritó en uno de los memes más populares de 2022.Nació en agosto de 1993, y desde chiquita, una de las novelas que más le gustaban era Amigas y Rivales, fue el personaje que interpretaba Angélica Vale, el cual se llamaba Wendy Nayeli.“Yo crecí con todos esos programas, con las novelas de Amigas y rivales y todo eso. Es bien linda la Michelle Vieth. Yo me sentía Michelle Vieth en la novela, yo decía que yo era ella, y yo estaba chiquilla”, comenzó. “Pero me pusieron ‘Wendy Nayeli’ por el personaje de Angélica Vale que hacía de sirvienta. Yo le barría a una amiga su estética, y se me quedó Wendy Nayeli, por la culpa de Angélica Vale, te lo juro. Todos me decían ‘Wendy’”.En un episodio de La casa de los famosos, Wendy también narró que fue víctima de abuso sexual cuando era menor de edad."Cuando me violaron sí fue distinto, fue un muchacho ya mayor de edad wey (...) Cuando me llevó la policía fue lo peor, yo temblaba del miedo". También contó que fue revictimizada durante la revisión médica.¿Por qué Vogue fue tan importante para el pop? Esta canción llevó al “mainstream” el vogueing, un estilo de baile que se originó en los salones de baile (“ball rooms”) en Nueva York que nacieron desde los 60. En estos espacios alternativos, afros y latinos podían expresar libremente su orientación sexual o identidad de género, sin temor a ser discriminados o estigmatizados.El vogueing consiste en imitar los movimientos de las modelos posando como en la revista Vogue. Junto al documental Paris is Burning, Vogue de Madonna visibilizaron una de las manifestaciones culturales más representativas del movimiento LGBTI, que aquel momento luchaba por un anhelado y necesario reconocimiento en la sociedad.Además de Vogue, sus declaraciones a favor de la lucha contra el SIDA, cuando nadie más lo estaba haciendo, hicieron de Madonna un icono gay, y así se mantiene hoy. Pero Madonna no se limitó a copiar los pasos del vogueing ni mucho menos a apropíarselo. Para las coreografías de la gira, la reina del pop recurrió a Luis Camacho y José Gutierrez (conocidos como José y Luis Xtravaganza), 2 figuras prominentes de la escena “ball room”.
Con motivo de los 25 años del estreno de Star Wars: Episodio I -La Amenaza Fantasma, la película regresará a las salas de cine, según lo confirmó Cine Colombia en su cuenta de Instagram. De momento se sabe que la película estará disponible a partir del 2 de mayo, aunque no se conoce en qué salas. La película se estrenó originalmente en cines colombianos en junio de 1999. Star Wars: Episodio I -La Amenaza Fantasma es la cuarta película de la serie de películas de Star Wars, la primera película de la trilogía precuela y el primer capítulo cronológico de la Saga Skywalker. Ambientada 32 años antes de la trilogía original (13 años antes de la formación del Imperio Galáctico), durante la era de la República Galáctica, la trama sigue al Maestro Jedi Qui-Gon Jinn y su aprendiz Obi-Wan Kenobi mientras intentan proteger a la Reina Padmé Amidala de Naboo con la esperanza de asegurar un final pacífico a una disputa comercial interplanetaria. Junto con Anakin Skywalker, un joven esclavo con poderes naturales inusualmente fuertes de la Fuerza, simultáneamente se enfrentan al misterioso regreso de los Sith.El legado de Star Wars: Episodio I -La Amenaza FantasmaEpisodio 1 fue un éxito de taquilla. Con un presupuesto de 115 millones de dólares recaudó más de 1000 millones en todo el mundo y fue la más exitosa en su año de estreno. Sin embargo, muchos de los más fieles fans no quedaron del todo satisfechos. En su momento, la película fue elogiada por sus efectos especiales, pero, como recuerda Luke Holland en The Guardian, los meses posteriores al estreno de la película, la opinión cambió. Pero, como agrega Holland, "La amenaza fantasma, sin embargo, no está nada mal. Liam Neeson y Ewan McGregor son excelentes. Cuenta una historia satisfactoria y cerrada. Su acción se maneja con rapidez y estilo. Y, desde la muerte de Qui-Gon hasta que la madre de Anakin lo abandonó, ocasionalmente incluso logra tocar la fibra sensible del viejo corazón. A pesar de los Gungans, es una película de Star Wars muy sólida".