Nadia Granados es una artista que se ha destacado por usar el cuerpo, el video y el performance como los principales componentes de sus obras. En Colombianización, la identidad masculina toma protagonismo.Colombianización es una obra que destaca la relación entre la publicidad, la guerra, que involucra una gran inversión en armas mortales, y los hombres que, para fortalecer su masculinidad, deciden participar en ella asumiendo distintas actividades y bandos.El sicario, el soldado, el hombre de negocios, el emprendedor, son algunos de los personajes que interpreta Nadia Granados (con el arte del Drag King). Colombianización, cuestiona el sistema de construcción de identidades masculinas y se acerca de manera irónica a las campañas publicitarias alrededor de la colombianidad.Colombianización es una obra que participa como nominada al XI Premio Luis Caballero, un reconocimiento que se ha distinguido desde 1996, por ser uno de los estímulos más importantes de las artes plásticas y visuales en Colombia.Nadia se ha basado en los análisis sobre la performatividad de género en los sujetos endriagos de Sayak Valencia en su libro Capitalismo gore.La obra se inauguró el 10 de febrero de 2022, en la Galería Santa Fe, con un performance de La Fulminante, y estará hasta el 9 de abril de 2022. El 17 de febrero, el 10, 17, 24, 31 de marzo y el 9 de abril, a las 7:00 p.m., el público podrá apreciar una versión en vivo de Cabaret. También, en la cuenta de Instagram @colombianización se pueden encontrar videos del proyecto.“Colombianización está construido a partir de la revisión de archivos relacionados con violencias confusas, propiciadas por las élites políticas que han transformado estructuras económicas, sociales y culturales en Colombia: discursos audiovisuales y productos publicitarios creados por la agencia de prensa gubernamental para atraer la inversión extranjera y el turismo, en los que el país se hace un producto y su nombre una marca” afirma Nadia Granados.Horarios: martes a sábado de 12:00 m. a 6:00 p.m. Último domingo de cada mes de 12:00 m. a 4:00 p.m.
Barro y La bodeguita de La Concordia son dos proyectos nominados al XI Premio Luis Caballero. Nuevamente la Galería Santa Fe vuelve a ser el espacio que acoge a los nuevos creadores.El Premio Luis Caballero, desde su creación en 1996, se ha distinguido por ser uno de los estímulos más importantes de las artes plásticas y visuales en Colombia.Su apuesta siempre ha sido apoyar a artistas colombianos, de mediana y larga trayectoria, en la investigación y puesta en marcha de intervenciones artísticas in situ en Bogotá.Barro de Jaime Franco, reflexiona sobre el carácter efímero de las construcciones humanas, a través de una intervención paralela en una ruina en el municipio de Suesca. La bodeguita de La Concordia, de Juan Obando, explora la forma en la que entendemos e interactuamos con la realidad a través del marco especulativo de una pantalla digital. La inauguración será el sábado 30 de octubre, a las 12:00 m. y los proyectos estarán en la Galería Santa Fe hasta el 19 de diciembre de 2021.“En años recientes, la actividad participativa en Internet ha estado ligada a la operación fantasmagórica de redes masivas y automatizadas llamadas “granjas de clics”. Paralelamente, nuestra relación con la pantalla se ha tornado íntima, personal e incluso espiritual. A través de ella navegamos un cosmos plano, compuesto de imágenes, emojis e íconos, en el que encontramos los materiales necesarios para construir nuestras proyecciones. Aun así, la comprensión colectiva de las operaciones y sistemas que sostienen esta superficie luminosa es cada vez más opaca” afirma Juan.Jaime Franco, por su parte, añade sobre su obra: “Este proyecto se centra en el barro como elemento ancestral en los procesos de construcción y pretende poner en evidencia su permanente capacidad de transformación. La obra que propongo exige intervenir una ruina en la localidad de Suesca. Se trata de una casa que se encuentra en ruinas y que fue construida con la técnica de ladrillos de adobe. La ruina será parcialmente destruida para, con el propio material que se retirará, construir unas nuevas paredes con la técnica de tapia pisada”.
La Galería Santa Fe instalará las exposiciones Cuerpo en ReExistencia, una retrospectiva del artista Edwin Jimeno, y Resistencia Corporal, del colectivo El Cuerpo Habla. Los proyectos, son el resultado de una curaduría de PerfoArtNet -Centro de Pensamiento Creativo —ganador de la Beca Red Galería Santa Fe 2020 - Programación Continua—, consisten en registros videográficos de performances y acciones en vivo que trazan una línea crítica frente a la violencia del país y, a la vez, abren caminos para recordar y sanar.Los asistentes podrán ver en vivo el 10 de julio dos acciones que acompañan esta inauguración:Devorar: una performance en la que varias personas ubicadas en la Galería Santa Fe permanecerá sin moverse con un espejo en medio de las piernas, para que los asistentes observen. El evento será a las 2:00 p.m.Molé Que Molé: las artistas estarán en el piso y alrededor de una mesa. Habrá unos molinos con los que se molerá maíz. El evento será a las 4:00 p.m.Con Guerra No Brazos: durante 20 segundos las personas zapatearán. Cuando acabe esta acción exhalarán provocando un sonido entre aliento y grito. Al finalizar este gesto, volverán al zapateo, continuarán con la exhalación, repetirán hasta que físicamente ya no puedan mantenerse en la posición y el grito empiece a salir de sus entrañas como grito de lucha en medio del agotamiento. La actividad será el domingo 11 de julio a las 4:00 p.m. Los interesados en participar en este performance colectivo pueden escribir un correo a elcuerpohabla@udea.edu.co.Cuerpo en ReExistenciaEdwin JimenoCuraduría: PerfoArtnetDel 10 de julio al 22 de agosto de 2021Edwin Jimeno es un artista plástico, curador, docente e investigador. Desde 1997 se desempeña como artista del cuerpo, con reconocimientos como el segundo premio en el 38 Salón Nacional de Artistas (2001), primer premio en la Bienal del Fuego (2002) y selección en el Proyecto Pentágono Actos de fabulación, Ministerio de Cultura de Colombia (2000). Ha sido coordinador del laboratorio Cortá con tijera de palo (Santo Tomás, Atlántico, 2010) y de Alapar15, un convenio entre el Ministerio de Cultura y Entre las artes. Dirigió el colectivo Capirote e hizo parte del equipo de curadores del proyecto Atarraya, en el 14 Salón Regional de Artistas (2011). En sus acciones corporales ha mostrado interés en la fragilidad humana, en la violación de los derechos, los falsos positivos, las desapariciones forzadas, la deforestación, los caídos en combate, las luchas internas y sociales.Resistencia CorporalColectivo El Cuerpo HablaCuraduría: PerfoArtnetDel 10 de julio al 4 de agosto de 2021El Cuerpo Habla nace en 2003 como una materia electiva para los estudiantes de Artes Plásticas de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia. En 2007 surge el semillero de investigación, pero se consolida como colectivo artístico independiente en 2009, dada la necesidad de investigar rigurosamente la relación entre el arte, el cuerpo y la ciudad. Su propuesta ha generado una pregunta sobre el acontecimiento de la carne en la ciudad de Medellín y cómo el cambio de paradigmas en el arte del siglo XX ha dado lugar a la expansión de conceptos como el cuerpo, la representación, la resistencia y la fabulación.Resistencia Corporal es un registro videográfico que muestra un ejercicio de creación e investigación, donde hombres y mujeres se exponen para gritar en silencio los horrores de la guerra, la violencia contra la mujer, la insensibilidad humana, los desastres con el medioambiente, las desapariciones forzadas y la violencia contra el cuerpo en actos de resistencia, fabulación, emancipación o rechazo contra lo que acontece.Acompañando estás exposiciones estará el segundo ciclo de exposición de Ingeniería predictiva para los alunizajes de hoy (I.P.P.L.A.D.H), del colectivo Niños feos del prado.Ingeniería predictiva para los alunizajes de hoy (I.P.P.L.A.D.H)Niños feos del pradoArtistas: Carlos Bonil, William Contreras Alfonso y Erika MontoyaDel 10 de julio al 22 de agosto de 2021La palabra ‘alunizaje’ tiene dos significados. El más conocido se refiere al momento en el que una astronave desciende y se posa sobre la Luna. El segundo, más oscuro, es una técnica delictiva que consiste en estrellar un vehículo y romper las vidrieras de los almacenes para poder robarlos.Esta contradicción es el punto de partida de I.P.P.L.A.D.H., un artefacto estético móvil que irrumpirá de súbito en embotellamientos automovilísticos, ferias, parques, mercados y complejos habitacionales de Bogotá, y que tendrá como puesto de parqueo a la Galería Santa Fe.Galería Santa Fe: Carrera 1A entre calles 12C y 12D, primer piso de la Plaza Distrital de Mercado La Concordia.
La Red Galería Santa Fe se ha configurado como un circuito de espacios públicos y privados, interiores y exteriores, reales y virtuales en los que se ponen en escena el resultado de las prácticas de creación, formación e investigación que desarrollan los agentes y las organizaciones que conforman el campo de las artes plásticas y visuales de Bogotá.Esta nueva exposición reúne una serie de videos experimentales que reflexionan sobre el tiempo a partir de una película de superhéroes de Hollywood. Una manifestación de fragmentos audiovisuales que se preguntan por la montaña de traumas que involucran resistencia e intentos de revolución en nuestro país.Ingeniería predictiva para los alunizajes de hoy, de Niños feos del prado, Días del futuro pasado, de Puerto Contemporáneo, y Abrir Monte: Relación de Aspecto, de La Vulcanizadora —todos ganadores de la Beca Red Galería Santa Fe 2020 - Programación Continua— parecen disímiles por su punto de partida.No obstante, los tres proyectos comparten la exploración de la brecha que se ha creado con los otros en la vida moderna —un día a día definido por la pandemia—. ¿Cómo recuperar esa conexión? ¿Cómo abordarla desde el arte? Los proyectos estarán exhibidos desde el 22 de mayo al 27 de junio de 2021, en la Galería Santa Fe.Ingeniería predictiva para los alunizajes de hoy (I.P.P.L.A.D.H)Niños feos del pradoArtistas: Carlos Bonil, William Contreras Alfonso y Erika Montoya.La palabra ‘alunizaje’ tiene dos significados. El más conocido se refiere al momento en el que una astronave desciende y se posa sobre la Luna. El segundo, más oscuro, es una técnica delictiva que consiste en estrellar un vehículo y romper las vidrieras de los almacenes para poder robarlos. Esta contradicción es el punto de partida de I.P.P.L.A.D.H., un artefacto estético móvil que irrumpirá de súbito en embotellamientos automovilísticos, ferias, parques, mercados y complejos habitacionales de Bogotá, y que tendrá como puesto de parqueo a la Galería Santa Fe.La escultura —remolcada por una bicicleta y hecha con fragmentos de objetos producidos en masa y utilizados en los hogares actuales— reconstruye una escena de confort y tragedia: una salida de compras que termina en un siniestro automovilístico contra un cubículo de oficina.Muestra Experimental de Video: Días del Futuro PasadoPuerto Contemporáneo: Espacio Alternativo para las ArtesCurador: Ricardo Moreno.Artistas: Álvaro Cabrejo, Santiago Echeverry, Mari Luz Gil, Miguel Jara, Juan David Mora, Valentina Ruiz.En enero de 2014 llegó a las pantallas de cine X-Men: Días del Futuro Pasado —dirigida por Bryan Singer—. En la película, Wolverine viaja al pasado con la misión de prevenir un evento que ha supuesto la extinción de la humanidad. Palabras más, palabras menos, así empieza este blockbuster. Ricardo Moreno, artista y curador del proyecto, les propuso a seis artistas partir creativamente de la hipótesis de Días del Futuro Pasado: qué pasaría si pudiéramos transferir nuestra conciencia de vida acumulada —todos los recuerdos, experiencias, vivencias, aprendizajes y errores— a la memoria de nuestro propio cuerpo en una época anterior.El resultado es una muestra de video experimental que juega con el tiempo y que va desde lo subjetivo — ¿qué cambiaríamos de nuestra historia personal?— hasta una carta de amor a la Tierra.Abrir Monte: Relación de Aspecto La VulcanizadoraArtistas: María Rojas Arias, Javier Molares, Natalia Pérez, Andrés Jurado, Carolina Rosero, Paula Torrado.Película colectiva No hay monte sin sol: Manuela Prieto Sotomonte, Santiago Forero Alarcón, Katherine Romero, David Ospina, Pablo Baresch, Felipe Betancur, Paula Torrado, Carolina Rosero, Andrés Jurado, Natalia Pérez, Javier Morales, María Rojas Arias.“Acá nunca hubo una revolución”, afirma María Rojas, cineasta y artista visual que hace parte del equipo de La Vulcanizadora, un laboratorio de creación en cine, artes visuales y teatro expandido. Añade: “Ahora bien, la idea de ‘revolución’ siempre ha estado latente —ha estado ahí— e irrumpe en historias familiares, cotidianas, en hechos ocultos. Es una pregunta que nos seguimos haciendo”.Con esto en mente, se realizó un laboratorio experimental de creación de imagen en movimiento que reunió a artistas jóvenes del país y que tuvo como punto de partida la exploración del intento de revolución en Líbano, Tolima, en 1929. Así, Abrir Monte: Relación de Aspecto llega a la Galería Santa Fe con escenas, piezas y objetos que muestran un panorama atravesado por memorias, flujos e influjos de fantasmas-astros, caballos-dragones, fábricas-maridos, abuelas-anarquistas, cuerpos-intervalo, cañas-jaula y otras deformaciones de la visión.Usted puede asistir a la exposición en la Galería Santa Fe: Carrera 1A entre calles 12C y 12D. En el primer piso de la Plaza Distrital de Mercado La Concordia. De martes a sábado, desde las 12:00 p.m. a 6:00 p.m. el último domingo de cada mes de 12:00 p.m. a 4:00 p.m. Inscríbase aquí para asistir.
Seguramente, para la mayoría de los vecinos del parque Simón Bolívar o para los clásicos vendedores de mazorca o toxiperro que siempre se parquean a su alrededor, las palabras masacre, funeral oscuro, lucifer o lágrimas de miseria pueden sonar aterradoras. Pero para el público madrugador y fiel del día del metal en Rock al Parque, un clásico capitalino desde hace 24 años, significan fiesta, guitarreos progresivos, baterías a toda madre; una invitación a volear cabezazos, puños, y codazos a la que no se puede faltar. Fotos de: David Schwartz, Daniel Álvarez, Alejandra Mar, Jhon Paz, Brayan Garnica, Natalia Pedraza. Masacre, la banda de death metal paisa celebró en esta edición de Rock al Parque sus 30 años de carrera musical con un escenario Plaza lleno casi hasta el tope. Y que se mantuvo así desde muy temprano, cuando todavía con el sol picante de Bogotá se subieron a tocar los españoles de Angelus Apatrida, y hasta el cierre, que esuvo a cargo de las bandas suecas Dark Tranquility y Dark Funeral. Bogotá está hecha de agresividad, caos, contaminación, ciclovía y metaleros. Acá 50 fotos que lo comprueban con contundencia quién es el público más fiel de la capital.
McKlopedia, Aczino y Kaiser fueron los tres jurados que se encargaron de escoger un ganador de 32 gallos colombianos que empuñaron el micrófono el pasado 8 de octubre en la Media Torta. Todos dieron clases magistrales de freestyle y fue toda una muestra de fluidez, flow, vocabulario y por supuesto inteligencia y velocidad; pero al final solo uno podía ganar y representarnos en noviembre en Perú. La final fue reñida, Valles T y Mc Patrón se subieron al escenario. Los dos fueron dos gallos invencibles, se armaron de una agilidad mental envidiable y sacaron sus mejores cartas para darle un show poderoso al público. Al final Valles T se quedó con un triunfo más que merecido que le dio automáticamente el tiquete a Perú, para enfrentarse a los demás ganadores del continente. Así vivimos la Batalla de los Gallos desde nuestro lente
El mundo ya se millenializó (si es que esa palabra existe) y ya nos resulta más fácil comunicarnos con caritas. Hay Emojis de todas las formas y colores posibles: figuritas interraciales, LGBT, con la cara de líderes políticos y ahora una galería en Los Angeles ha inmortalizado en el lenguaje millenial a los artistas famososLos creadores de estas figuras son de la galería Cantor Fine Art. El proyecto está al aire en Instagram e incluye las carasy obras de artistas como Andy Warhol, Banksy, Frida Kahlo y Basquiat. Incluso, recrearon el icónico retrete de Marcel Duchamp.
Contemporary fine art una galería de arte de Los Ángeles compartió a través de su cuenta de Instagram la historia del arte de la humanidad, los inicios de Miguel Angel, la creación y las manías de artistas que al rededor durante años nos han dado de qué hablar con sus obras por medio de emojis básicas que nos ha tocado ver durante toda la secundaria.
El Drunken Fox se ha convertido en un santuario para los rockeros capitalinos. Desde la música, el ambiente y los jams que se arman hacen de este bar un lugar de culto. En el 2014 abrieron sus puertas y desde ahí la fiesta y el buen parche no han parado. El 26 de mayo celebraron con todas las ley dos años desde que abrieron la puerta y ahí estuvimos. Fotos por: Fox
Los comerciales del 13 Bogotá Short Film Festival
Blessd se une a una de las leyendas más grandes del futbol mundial, Ronaldinho Gaucho, para jugar un partido de futbol. La cita será el 16 de mayo en el marco del Si Sabe Fest Deluxe en el Coliseo Cubierto Iván De Bedout de Medellín. La entrada es gratuita, hasta completar el aforo. El paisa presenta su nuevo trabajo musical “BLESSDELUXURY” a través del fútbol, una de sus más grandes pasiones. Ya hubo una primera fecha entre los 2 en Miami, así que Blessd espera una victoria en su tierra. “Estamos listos para romper de nuevo, pero ahora en nuestra ciudad, vamos a hacer la revancha y todas las entradas serán gratuitas exclusivamente para los fanáticos del Bendito y del buen futbol Si Sabe … Prometo esta vez ganarle a Ronaldinho y a los cracks que lo acompañan”, dice Blessd. El juego será una exhibición en compañía de una nómina de lujo que contará con dos grandes figuras en la dirección técnica de ambos equipos. Dirigiendo al equipo de Blessd estará una de las glorias del futbol, el portero de la selección Colombia René Higuita y dirigiendo al equipo de Ronaldinho estará Francisco Maturana, uno de los directores técnicos más recordados quienes dejarán toda su experiencia en la cancha en un espectáculo especial para todos los asistentes. Para quienes no puedan entrar, la transmisión estará a cargo de Westcol, unos de los streamers más conocidos del mundo y el #1 de ColombiaAmbos capitanes Blessd y Ronaldinho lo dejarán todo en la cancha. ¿Quién es Blessd?Stiven Mesa Londoño, conocido artísticamente como Blessd, es un cantante y compositor colombiano nacido en Medellín el 27 de enero del año 2000. Desde pequeño, Blessd estuvo rodeado de música gracias a la influencia de su tío rapero, quien lo introdujo al mundo del freestyle y las batallas de rap.Su pasión por la música lo llevó a comenzar su carrera como aficionado a los 15 años, participando en competencias y presentaciones locales. A los 17 años, compaginaba su pasión por la música con el trabajo familiar, vendiendo frutas y verduras en la Central Mayorista de Antioquia.
El Tribunal de apelaciones de Nueva York anuló la condena de Harvey Weinstein por delitos sexuales el jueves 25 de abril del 2024. La juez Jenny Rivera, la voz mayoritaria del tribunal, aseguró que la decisión fue tomada porque en el juicio se cometieron errores fundamentales. El veredicto, con cuatro votos a favor y tres en contra, llevó a que se ordenara un nuevo juicio demostrando que en el juicio del 2020, en el que se le dictaminó una condena de 23 años de cárcel, se permitió injustamente que mujeres que no eran parte de los cargos iniciales testificaran contra Weinstein.El abogado del exproductor de Hollywood, Barry Kamins, dijo en una entrevista que Harvey Weinstein se presentará frente a un juez en Manhattan para solicitar la libertad bajo fianza mientras se establece la fecha del nuevo juicio. "Nos complace que el tribunal haya acordado que al Sr. Weinstein se le negó su derecho fundamental a un juicio justo", comunicó Kamis. La juez Rivera resaltó que, el hecho de haber incluido injustamente los testimonios de mujeres que no hacían parte del caso, hacían que se reforzara la posición en contra al exproductor de 72 años por conductas anteriores y no solo por las que estaba siendo imputado. Incluso, podía haberle impedido a testificar en su favor. Por su lado, Barry Kamis y Arthur Aidala, otro abogado de Weinstein, consideran que en el proceso judicial del 2020, el juez "abandonó repetidamente su deber de salvaguardar las garantías constitucionales y los derechos procesales de Weinstein". Por esto, lo dejó "impotente para defenderse de un fiscal incontrolado".La condena por delitos sexuales de Harvey Weinstein en CaliforniaSin embargo, esta no es la única demanda que enfrenta Harvey Weinstein. Actualmente, también está condenado en California a 16 años en prisión por violar a Evgeniya Chernyshova en un hotel de Beverly Hills en el 2013. Por esto, el exproductor deberá seguir en prisión. El caso está ahora en manos del fiscal del distrito de Manhattan, Alvin Bragg, quien aseguró a través de un portavoz que: “Haremos todo lo que esté en nuestra mano para volver a juzgar este caso, y seguiremos firmes en nuestro compromiso con las supervivientes de agresiones sexuales”.¿Un retroceso para el movimiento #MeToo?Ashley Judd, la actriz estadounidense de cine y una de las voces más destacadas detrás de la demanda, consideró esta anulación como una "traición institucional". Asimismo, el abogado de Evgeniya Chernyshova, la mujer detrás de la demanda en California, afirmó que "está obviamente decepcionada" y "se siente mal por las víctimas que soportaron ese juicio y las posteriores apelaciones, sólo para ver cómo se revocaban las condenas".Los abogados también se han manifestado a favor y preocupados por sus defendidas. Por un lado, Lindsay Goldbrum, quien ha representado a seis víctimas, dijo que: "Lamentablemente, la sentencia de hoy arroja una oscura sombra sobre su valentía y, sin duda, disuadirá a futuras víctimas de agresiones sexuales de denunciar". Por el otro lado, Douglas Wigdor, abogado de ocho víctimas, subrayó una de las consecuencias más impactantes y crueles de la anulación. “La decisión de hoy supone un gran paso atrás en la exigencia de responsabilidades por actos de violencia sexual. Anular el veredicto es trágico porque obligará a las víctimas a soportar otro juicio más”. Scott Berkowitz, el fundador y presidente de la organización contra la violencia RAINN, también se manifestó y comunicó que: "Anular la condena de Harvey Weinstein es una decisión horrible que no protege el debido proceso: pone en peligro la justicia para las supervivientes de sus crímenes".
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Caraja dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me réuno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo.
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).