Los grandes enigmas del mundo del grafiti y de sus cruces con el arte están comprimidos en este documental. No solo es sobre el aura misteriosa de la figura de Banksy, pero en él se reúnen todos los debates. Saving Banksy es un documental que se pregunta por los méritos del arte y sobre como cuaja la irrupción en las calles con el mundo de los grafitis. ¿Debería permanecer siendo callejero? ¿Debería un muro pintado trasladarse a una exposición? ¿Debería teer valor comercial?Este documental es una historia real sobre un coleccionista de arte mal guiado que busca salvar a Banksy de la destrucción. El documental fue dirigido por Colin Day con la narración de Paul Polycarpou e incluye entrevistas con varios capos grafiteros y artistas callejeros a nivel mundial como Ben Eine, Risk, Revok, Niels Mueman, Blek Le Rat, Anthony Lister, Doze Green, Hera y Glen E Friedman.Este es el tráiler:
“Yo me acuerdo que al final de la película La Estrategia del Caracol llegaba Carlos Vives, que hacía de reportero, y le preguntaba a los inquilinos de la casa: ‘¿Ustedes por qué hicieron eso?’ Ellos le respondieron: ‘Por dignidad, ¿es que usted no conoce esa palabra?’. Ese mural me parece que era la salida más digna de Petro. A él le jodieron tanto la vida que era como el inquilino que la gente de plata quiso sacar, pero él se resistió. Eso tuvo muchas interpretaciones. Y está bien, esa era la idea. Al final, una obra como esas en la calle es como un espejo: usted se para ante el espejo y ve lo que quiere ver, si usted cree que hay odio eso es lo que va a ver. A la larga no importa, lo que importa es que la gente interactúe con eso”. Por: Fabián Páez López @Davidchaka // Fotos: Alejandro Gómez Cacerolo irrumpió hace poco en la escena del Street Art bogotano. Tiene pocas obras en la calle, pero todas han sido contundentes. Los retratos que hizo de Santos, Uribe y Petro disfrazados del Guasón lo hicieron visible en las avenidas y fueron sus golpes más certeros, pero desde hace rato venía cubriendo lienzos de tinta y vendiendo sus obras. Pasamos por su estudio y nos habló del primer cuadro que vendió, de la maldad en sus piezas y de cómo los muros de las calles empiezan a parecer tan exclusivos e inalcanzables como las galerías. La rosca del Street Art “Hay un problema grave en Colombia y es que si usted no tiene el cartón de artista las galerías no le dan a usted entrada. Yo empecé haciendo lienzo, pero cuando estuve en Nueva York conocí la obra de Ron English y él hacía unas cosas enormes en la calle que se veían una chimba. En Miami estuve viendo las paredes de Winwood y allá los mejores artistas del mundo son los que pintan las paredes. La gente va a ver eso porque es un camino impresionante, es como un show. En cambio, acá es diferente. Allá supe que los manes que pintan en la calle son duros. Para el artista es un honor coger una pared. Yo tenía entonces el reto de ir agrandando mis obras y de ir haciendo cosas más grandes. "Son como aves de rapiña detrás de los recursos cuando lo que todos sabemos que el grafiti se trata de clandestinidad y de autofinanciación". En la calle hay que contar vainas, en la calle hay que mover y sacudir. Los duros de las galerías me decían: ‘si usted quiere que lo tomen en serio tiene que hacer algo en la calle. Si usted quiere trascender y que lo vean tiene que mostrar su obra, tiene que mostrar que lo que hace en pequeño lo puede hacer grande, y hacer que su obra interactúe con la gente’. Cuando yo publiqué los grafitis me empezaron a insultar o me empezaron a apoyar. Fue un mensaje incómodo para muchos, pero los tocó y esa era la idea. El primer mural que hice se volvió viral, y eso no se puede lograr sobre lienzo. Usted puede poner lo que quiera en redes sociales, pero la calle son como 10.000 Instagram. Pintar en la calle es un requisito, y con el arte urbano he conocido mucha gente. Muchos son artistas muy buenos y que admiro mucho porque tienen un discurso convincente. Pero en el mundo del graffiti bogotano hay algunos que no me quieren mucho. Yo creo que es porque sienten que la otra gente que pinta quiere moverlos y no quieren dejarse. Creo que piensan que uno va a quitarles algo, pero a mí no me interesa, yo solo quiero echar mi cuento. Cuando ellos se encuentran con alguien que además de rayar en la calle también vende cuadros, sienten que uno les está robando el discurso. Con muchos es un contraste. Parece que están acaparando los muros y se están enriqueciendo con los contratos del distrito, negándole la entrada a otra gente que también es buena. Son como aves de rapiña detrás de los recursos cuando lo que todos sabemos que el grafiti se trata de clandestinidad y de autofinanciación. Los contratos del centro, por ejemplo, se los dieron a cinco personas y yo les decía que no acapararan la calle. A veces montan un discurso pendejo y critican a los demás porque están vendiendo obras. Por pintar un muro grande la alcaldía les da unos 65 millones y he visto que usaron de esos vinilos que con el sol se van a poner todos rosaditos y se va a perder el color. También se me fueron encima porque hice un grafiti de Petro. A mí me gusta el arte político, pero parece que muchos de ellos están haciendo ahora es pura propaganda. Para pintar en la calle no hay que perder independencia. Para vivir del arte no se puede vivir de los recursos del estado. Si usted hace arte urbano y le paga el estado, se le cambia el discurso. Ya no se le va a ir de frente a algo que le está dando de comer. Yo los admiro porque tienen un discurso, tienen una idea y están haciendo conciencia, pero tampoco tienen que parecer todos a un Banksy criollo". El Guasón, el sello de la maldad "Mi sello siempre ha sido ponerle a los retratos la boca roja como la del Guasón. Me gusta ese personaje porque todos hemos sido malos en algún momento. Pero eso no es lo único de raro que le hago a los personajes que pinto. Si los ven bien, la expresión de los ojos de casi todos es de arrepentimiento. Y además, a la mayoría, les pongo una lágrima que baja por su cara. Así como todos son malos todos siempre tienen una cuota de arrepentirse". ¿Cómo vivir del arte? “Yo no vivía de vender obras. Mi familia tiene una empresa y yo trabajaba con mi papá que es un químico y estudio en la Nacional. Mi mamá también estudió artes allá. Y ni por esas me dejaron estudiar dibujo. Me decían que ‘de qué iba a vivir’, que ‘eso no le ponen cuidado a uno sino cuando es viejo’. Entonces estudié publicidad, pero igual me la pasaba más con los de artes. Eso sí, siempre seguí pintando. En la universidad conseguí trabajo siendo dibujante de la agenda cultural y después de vagar un rato siempre me encerraba a pintar. Antes hacía cuadros pequeños muy influenciados por lo que hacía Alex Ross, pero un amigo me recomendó que hiciera cosas grandes para llevar a una galería en Nueva York. Entonces empecé a hacer cosas grandes en lienzo: hice un Dalí, un Einstein y un Hitler. Hice a Hitler porque ¿hoy quién pinta a ese man? Nadie. Y porque me gusta el tema político. Un día estaba en una galería ofreciendo mis obras para exhibir, pero me pedían 25 y yo solo tenía tres. Esa vez Marlon Becerra estaba comprando en ese lugar y esperó que yo terminara de hablar con el dueño de la galería. Se me acercó y me preguntó que qué era lo que yo estaba haciendo. Le mostré los tres cuadros que tenía y le gustaron. No sabía cómo, ni a cuánto ofrecerlos pero le vendí el primero mío a 1000 dólares. Después me empezaron a comprar más. También le vendí una Frida Kahlo a Daniel Samper. Ahora ya he hecho varias exposiciones. Tengo varias obras puestas en una galería de Miami que se llama Espitia. Queda en la zona de Winwood. Ahora estoy haciendo un Donald Trump que ya tengo vendido en 7 millones. En Colombia hay gente muy dura, pero los manes no valoran el trabajo y todo se vuelve como una moda".
Un nuevo mural del artista anónimo volvió a aparecer. Esta vez se presentó en la embajada de Francia en Londres. Se trata de Cosette, un personaje emblemático del clásico de Víctor Hugo Los miserables, dibujada con lágrimas en los ojos gracias a los gases lacrimógenos.Una crítica directa contra los gases usados en el campo de refugiados conocido como La Jungla, cercano a la localidad francesa de Calais y que se suma precisamente a una serie de obras que tienen como propósito poner sobre la mesa el duro panorama de los refugiados en Europa. Como novedad, la obra tiene a un lado un código QR, que lleva a un video de una operación llevada a cabo en el campo de refugiados. Y aunque unos policías intentaron robar el mural, la pieza fue vigilada por la policía hasta que los trabajadores se encargaron de removerla. Acción que por supuesto ya fue criticada en redes sociales por los seguidores – que no son pocos - del grafitero.
Por: Fabián Páez López @Davidchaka // Fotos: Alejandro Gómez Una alcaldía que recién se trasteó a sus puestos de poder; un muro pintado (casualmente) de los mismos colores de la nueva campaña institucional del distrito; y la zozobra de la gente por un nuevo gobierno que supusieron como poco amigo de los tonos no-grises en la ciudad, coincidieron en Bogotá para que la gente experimentara un episodio de paranoia conspiracional y buscara desesperadamente un macabro culpable de haber tachado un mural en la calle 26. El señalado, por supuesto, fue el gobierno de turno. En Twitter y Facebook se ensañaron en contra del nuevo alcalde, Enrique Peñalosa, y lo acusaron de tener un plan para eliminar el arte urbano de Bogotá. Pero en realidad todo fueron conjeturas. El muro de la discordia está ubicado en la calle 26 a la altura de la carrera quinta, y será en realidad una nueva pieza de 160 metros que ya tiene un nombre: El recurso se acaba. Fuimos a buscar a los verdaderos responsables de pintar el muro. Ellos eran los verdaderos indignados con el alboroto, los medios, la gente y la desinformación. La obra que está en marcha es el resultado de un proceso mucho más largo que, por cierto, no ha sido noticia: una convocatoria del Instituto Distrital de las Artes (IDARTES) promovida por la administración anterior de la ciudad. Esta vez sí, la culpa fue de Petro, o por lo menos de su gobierno. El proyecto está en marcha hace tiempo: se llama Bogotá Vive el Arte y está apoyado también por la corporación Gaia. Por lo menos siete nuevas piezas han sido pintadas en la calle 26 en los últimos meses y los artistas encargados de renovar estos espacios tuvieron que pasar por un proceso de aprobación en IDARTES, enviaron proyectos y bocetos, y desde noviembre están trabajando en eso. El Colectivo Lesivo, los UMS, y el artista mexicano Daniel Hernández son algunos de los que están rayando la ciudad bajo este plan. Ahora, ¿qué será de los grafitis y el arte urbano durante la nueva administración? La verdad es que, a cinco días de haberse posesionado, naturalmente, aún no hay nada claro sobre el asunto. Hablamos con un miembro del equipo de jóvenes de la dirección de seguridad del nuevo gobierno y nos contó que este fin de semana tienen programada una reunión con líderes del arte urbano, gestores culturales y jóvenes para empezar a trabajar sobre el tema. Según él la nueva administración va a apoyar el arte, pero hasta ahora se va a formular el proyecto y se reunirán para revisar lo que ya se venía elaborando desde hace más de dos años. “Lo que se planea es trabajar sobre los dos decretos existentes al respecto: el 075 del 2013 y el 512 del 2015. Hasta ahora la perspectiva es clara, de dialogo a partir del tema; no solo mirar y negar o mirar y permitir. La idea es que se apoye el arte y se regule la práctica de forma no violenta”. Claro está que como informó Diezcerouno recientemente, Daniel Mejia, el nuevo secretario de seguridad, dejó en una entrevista a El Tiempo declaraciones bastante dudosas: “Puede no haber un solo ladrón, pero si está lleno de grafitis que no son artísticos, por ejemplo, genera percepción de inseguridad y hay que atacarlo.” Peñalosa había dicho en Twitter algo parecido: “Vendedores ilegales y carros en aceras, grafiti, mugre, avisos desordenados, mala iluminación traen inseguridad.” Al parecer sus principios están basados en estudios bastante estúpidos y con errores de método como el viejo y conocido caso que terminó en el ocultamiento de las obras y la constante persecución policial a los grafiteros de Nueva York, sustentados en el experimento conocido como “teoría de los cristales rotos”, el cual consistió en dejar dos vehículos iguales abandonados, uno en el Bronx (zona pobre y conflictiva) y otro en Palo Alto (zona rica y tranquila). En la primera fase del experimento, el resultado fue que el vehículo dejado en el Bronx resultó vandalizado y el de Palo Alto quedó intacto. En la siguiente fase del experimento los investigadores rompieron los cristales del vehículo de Palo Alto; el resultado, se desató el mismo proceso que en el Bronx. Así, suponen que tanto un vidrio roto en un auto abandonado, como un grafiti, transmiten una idea de deterioro y desinterés, de despreocupación que va rompiendo códigos de convivencia, como de ausencia de ley, de normas, de reglas, como que vale todo. A ninguno se le ha ocurrido, tal vez, que por más decorado que esté el espacio lo que genera inseguridad es la pobreza o la incertidumbre y que un cristal roto no puede equipararse a una pintura por fea que sea, pues la pintura lleva un significado oculto detrás que pretende ser leído. Igual, con todo y que la nueva administración lo que quiera hacer sea una curaduría artística, a la larga, un muro pintado de gris siempre va a ser el edén para los grafiteros. El “escándalo” se armó por un lindo grafiti pintado y hasta Peñalosa hubiera estado en contra de eso.Los alcances de la nueva regulación los sabremos el jueves 14 de enero, pero por lo pronto podemos calmarnos y dejar de apuntar a la cabeza de todos en Facebook y Twitter. Mientras que, como nos dijeron desde el equipo del equipo de jóvenes de la dirección de seguridad, no haya una regulación violenta, el grafiti no va a morir por un muro pintado en la 26, ni si los prohíben y los castigan, sencillamente porque aparece en su forma pura cuando no está permitido.
Calmémonos: el grafiti no muere en la 26
LATA 65 es una organización de grafiteros conformada por adultos mayores que quieren darle vida aquellas grises y olvidadas calles de Lisboa. Haciendo uso de pantillas para grafitis diseñadas por ellos mismos - flores, corazones y abuelas con batones -, este grupo de "abuelitos rebeldes" se ponen sus mascaras, agitan sus sprays de pintura y colorean las paredes de la capital de Portugal. Según lo indican las redes sociales de LATA 65, el principal objetivo de este movimiento es conectar a las nuevas y antiguas generaciones por medio del arte.Fotos: facebook.com/Lata65
Luego de su paso por México, la exposición 4-10 Colombia llega Bogotá de la mano de su creador Andrés Escobar.40 obras de 40 artistas colombianos estarán al alcance de todos en Bogotá en Casa 9-69 a partir del 15 de mayo.Toxicómano, Ceroker, Daniel Acosta, marcelo Castellani y muchos otros en una experiencia que potenciará los sentidos con lo mejor en ilustración, lettering, graffiti, tattoo y fotografía.Recopilamos 11 de estas creaciones. ¿Qué tal?
Hace pocos días Bansky posteó en su página oficial un mini-documental sobre Gaza titulado Make this the year YOU discover a new destination (Haz que este sea el año en el que TÚ descubres un nuevo destino). En un tono irónico Bansky hace un análisis sobre el estado actual de Gaza, de sus niños y en general la población. Además muestra algunas de las obras que pintó en los espacios destruidos y cómo algunas personas los interpretan.“Esta gata le dice al mundo que ha perdido la alegría en su vida. El gato encontró algo con qué jugar… ¿qué hay con nuestros niños?”, interpreta un habitante. Fotos tomadas de: Banksy
La única obra que se conoce del artista británico Banksy en Alemania ha sido dañada por desconocidos en la ciudad de Hamburgo (norte), informaron hoy las fuerzas de seguridad germanas."El dibujo quedó gravemente dañado", aseguró una portavoz de la policía, confirmando así informaciones aparecidas en diversos medios de comunicación locales.Se trata del estarcido con plantilla "Bomb Hugger", que muestra una niña abrazada a una bomba, y que Banksy había pintado sobre un pilar de hormigón en el centro de la ciudad en junio de 2002, en el marco del festival de artistas grafiteros Urban Discipline.De las tres obras que pintó en aquella ocasión no quedaba más que la de "Bomb Hugger"; las otras dos desaparecieron probablemente bajo varias capas de pintura o simplemente cayeron en el olvido, pues entonces ni Banksy era conocido, ni sus obras se cotizaban a altos precios como ahora, según el "Süddeutsche Zeitung".La obra de Banksy apareció con la palabra "graffiti" pintada encima en color azul y con una línea horizontal sobre el dibujo.Una parte del líquido se deslizó entre el hormigón y la plancha de vidrio acrílico que la Fundación Spiegelberger para el fomento del arte joven había colocado en 2011 sobre la obra con el fin de protegerla de agresiones externas.La fundación está estudiando ahora la manera de restaurar o proteger la obra con mayores garantías, indicó el fundador de la misma, Rene Spiegelberger, al rotativo. EFE
Frases e imágenes de grafitis de mayo del 68
A partir del 16 de mayo, los jueves, viernes y sábados llega a Casa E Borrero Amarte así. Esta obra de teatro es escrita y protagonizada por la reconocida periodista Mariángela Urbina, dirigida por Paola Barrera y cuenta con la presencia en escena de Viviana Bernal, Marcela Robledo y Gabriela Galindo. En esta historia, Mariángela debe enfrentarse a cuatro grandes miedos que compiten entre ellos para superarse: Miedo al fracaso, Miedo al virus del papiloma humano (VPH), Miedo a envejecer y Miedo a la soledad. “Son miedos que cualquier persona puede experimentar, pero que se han instalado de formas muy particulares en las mujeres. Nos han enseñado que para sentirnos bien con nosotras mismas tenemos que ir a terapia y enfrentar los miedos, pero se nos ha hablado menos sobre la relación entre esos temores y la estructura social que habitamos, pues la desigualdad de género nos ha hecho más temerosas”, explica Mariángela Urbina. Amarte así no solo presenta un poderoso mensaje de resiliencia y compasión con nuestra fragilidad, sino que cuestiona con humor los estereotipos de género, los prejuicios de la sexualidad, el amor romántico y los retos del activismo. El humor es algo fundamental en la obra. De hecho, Mariágela Urbina comenta que específicamente en esta historia es usado como herramienta pedagógica. Al final, la gente estará riéndose de lo que ve sin darse cuenta que ha estado aprendiendo durante todo ese tiempo. "Si todos los días es el día del fin, entonces es porque todos los días también son un nuevo comienzo."Uno de los objetivos de Amarte así es darle al público un momento de transformación que los llevará a un plano en el que se encontrarán con otras formas de afrontar los miedos que los aquejan en su cotidianidad. Les dejamos aquí el link para que compren sus entradas para asistir a Amarte así, una obra de teatro que también es una terapia colectiva.
Black Pumas estará en vivo en Bogotá el próximo 20 de mayo. Es una banda que con su sonido R&B soul ha cautivado a miles de fans en el mundo. El dúo fue nominado a un Grammy a Mejor nuevo artista. El dúo está conformado por Adrian Quesada (guitarra) y Eric Burton (cantante y compositor). Adrian, pasó cerca de 15 años tocando con el Grupo Fantasma, una banda de funk latino que en el 2010 ganó un Grammy al mejor álbum de rock alternativo y urbano con el disco El existencial.Por otro lado, Eric Burton creció en Los Ángeles cantando en iglesias y tocando en los muelles de Santa Mónica antes de trasladarse a Austin, Texas, donde se conectaría con Quesada.Quienes han estado en sus shows saben que el grupo suele incluir un cover de Fast Car, de Tracey Chapman. Adrian Quesada, miembro de la banda, nos contó la razón. "Antes de conocer a Eric, él vivía en Los Ángeles y tocaba en un lugar que se llamaba Santa Monica Pier. Él siempre tocaba esa canción y en un show de repente necesitabamos otra canción al final y el tocó esa. Desde ahí la empezamos a tocar porque, aunque me encanta tocar con Black Pumas, también me encanta oír a Eric cantar solo con la guitarra. Es una canción increíble, eterna. ¿Cuál es la historia de Fast Car de Tracy Chapman?Cuando Chapman se sentó a escribir Fast Car, todavía era una cantautora desconocida que tocaba en bares y cafés alrededor de la Universidad de Tufts. Al hablar sobre la inspiración detrás de la canción en la BBC en 2010, explicó que, como muchas de las canciones de su álbum debut, Fast Car fue un intento de capturar "el mundo tal como lo veía cuando estaba creciendo".Chapman fue criada en Celeveland, Ohio, por una madre soltera en "una comunidad de personas que estaban luchando", donde todos "trabajaban duro" y "esperaban que las cosas mejoraran".Chapman escribió la canción una tarde de 1986. “Tenía un perro pequeño, un Dachshund miniatura, y el perro se quedaba despierto conmigo”, explicó. “Ella siempre se quedaba despierta si yo me quedaba despierta hasta tarde, creo que ella estaba sentada en el sofá junto a mí, cuando comencé a escribir la música y las primeras letras, creo que la primera parte de la canción que salió para mí fue la primera línea: 'Tienes un auto rápido...".
Roger Corman, fue un prolífico productor de películas B, un tipo de cine caracterizado por su bajo presupuesto, fue también mentor de futuras estrellas de Hollywood, incluidos los directores Francis Ford Coppola, Ron Howard y Martin Scorsese. Murió el 9 de mayo, a sus 98 años, en su casa de Santa Mónica, California, informó su familia en las redes sociales. "Era generoso, de corazón abierto y amable con todos aquellos que lo conocieron. Un padre devoto y desinteresado, sus hijas lo amaban profundamente", dijo su familia en un comunicado. "Sus películas fueron revolucionarias e iconoclastas y capturaron el espíritu de una época".Aún se desconoce la causa de su muerte.Corman fue llamado durante mucho tiempo el "Rey de las B", habiendo hecho cientos de películas B en sus casi siete décadas como productor y director independiente. Recibió un Oscar honorífico en 2009. Su legado se extiende mucho más allá de sus propias películas. Corman impulsó cientos de estrellas en ascenso, incluidos futuros directores como Coppola, Scorsese, Howard y Jonathan Demme. Además, impulsó las carreras de Jack Nicholson, Dennis Hopper, William Shatner y Robert De Niro, entre otros nombres conocidos.¿Quién fue Roger Corman?Roger William Corman (5 de abril de 1926 - 9 de mayo de 2024) fue un cineasta estadounidense prolífico, conocido como "El Papa del Cine Pop", "El Padrino Espiritual del Nuevo Hollywood" y "El Rey del Cine de Culto". Dirigió, produjo y actuó en más de 400 películas, abarcando géneros como la ciencia ficción, el terror, el western, el crimen y la comedia.Nacido en Detroit, Michigan, Corman estudió ingeniería industrial en la Universidad de Stanford y sirvió en la Marina durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la guerra, se mudó a Los Ángeles e inició su carrera en la industria cinematográfica como asistente de producción. En 1951, fundó su propia compañía, American Releasing Corporation, con el objetivo de hacer películas de bajo presupuesto para el mercado de doble función.Corman era famoso por su eficiencia y rapidez, filmando películas en solo unos días con presupuestos extremadamente bajos. Su filmografía incluye títulos como 'El ataque de los cangrejos gigantes' (1957), 'La tienda de los horrores' (1960), 'El cuervo' (1963), 'Masacre sangrienta' (1963) y 'Viaje alucinante' (1968).Corman jugó un papel fundamental en el lanzamiento de las carreras de numerosos cineastas reconocidos, como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Peter Bogdanovich y Joe Dante. Muchos de ellos trabajaron con él como aprendices o directores en sus producciones de bajo presupuesto.Además de su trabajo como director y productor, Corman también fue un importante distribuidor de películas extranjeras en los Estados Unidos. Introdujo al público estadounidense a obras de aclamados directores como Federico Fellini, Ingmar Bergman, François Truffaut y Akira Kurosawa.Corman recibió numerosos premios a lo largo de su carrera, incluyendo un Oscar Honorífico en 2009 y el Premio George Eastman de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en 1981. Es considerado una figura fundamental en la historia del cine, especialmente en el desarrollo del cine independiente y de culto.
Después de mucha espera los productores detrás de la serie ganadora de la mayoría de estatuillas de la temporada de premios ya tiene fecha de estreno. FX presentará la tercera temporada de 'The Bear' el 27 de junio, anunció la cadena junto con un breve adelanto de la próxima temporada. Como es costumbre en Latinoamérica se estrenará a través de la plataforma de Star+, sin embargo, es posible que para esa época los contenidos de Star ya estén fusionado con los de Disney+.En el adelanto, Carmy de Jeremy Allen White está de vuelta en la cocina, solo en el restaurante en medio de la noche, mientras mira a una cámara que se acerca a Lake Shore Drive y el horizonte de Chicago.Anteriormente, el presidente de FX, John Landraf, anunció que la tercera temporada se estrenaría en algún momento de junio. Landgraf también confirmó que, al igual que las dos primeras temporadas, se lanzarían todos los episodios en un día en lugar de un lanzamiento semanal. Los fanáticos de la serie esperan que tenga 10 episodios ya que el reloj que aparece en el tráiler de esta nueva entrega, compartida por Fox, marca las 3:10.La segunda temporada del restaurante siguió al equipo de cocina mientras transformaban su tienda de sándwiches familiar en un reconocido lugar para cenar. El elenco está encabezado por Jeremy Allen White, quien protagoniza junto a Ayo Edebiri, Ebon Moss-Bachrach, Lionel Boyce, Liza Colón-Zayas, Abby Elliott y Matty Matheson. Muchos de ellos volverán para la tercera temporada de la serie.¿De qué va la tercera temporada de 'The Bear'?Según la información que FX ha publicado, se puede ver a Carmy y al equipo intentando mantener a flote el restaurante de alta cocina que antes albergaba a un restaurante de sandwiches en decadencia. "A medida que el equipo crece en tamaño, cada miembro se esforzará por alcanzar un mayor nivel de servicio. En el sector de la restauración nunca estás en tierra firme, y con ese paisaje siempre cambiante surgen nuevos retos y oportunidades. Nuestros chefs han aprendido que cada segundo cuenta, pero esta temporada descubriremos si tienen lo que hace falta para llegar a mañana”, podemos leer en la sinopsis de la serie.Lean acá The Bear, ¿Qué es lo que tiene la serie para ser (y parecer) tan buena?
La película sobre unos primates, que hablan nuestro idioma, y ahora dominan el mundo, dominaron también la taquilla norteamericana. 'El reino del planeta de los simios' recaudó 58,5 millones de dólares en su primer fin de semana de estreno. Eso está por encima de las estimaciones del domingo de 56,8 millones de dólares y suficiente para conseguir el tercer mejor estreno del año detrás de 'Dune: Part Two' (82 millones de dólares) y 'Godzilla x Kong: The New Empire' (80 millones de dólares). Las ventas del estreno de 'El reino del planeta de los simios' superaron las proyecciones iniciales de entre 50 y 55 millones de dólares. La nueva película de la saga abrió aproximadamente a la par con dos de las tres entregas anteriores de la franquicia, quedando solo detrás de 'El Amanecer del Planeta de los Simios' de 2014 (la mejor serie de $ 72 millones) y por delante de 'La guerra por el planeta de los simios', del 2017 (56,2 millones de dólares) y 'El origen del planeta de los simios' de 2011 (54,8 millones de dólares)."La cifra del fin de semana es aproximadamente el promedio para el género, pero el promedio aquí se basa en las películas de acción más importantes de todos los tiempos", dice David A. Gross de la firma consultora cinematográfica Franchise Entertainment Research. "Esta es una excelente apertura", agregó.La producción de la película más nueva de la larga serie del planeta de los simios costó 160 millones de dólares (menos que las dos películas anteriores con un presupuesto de 190 millones de dólares cada una) y, al igual que sus predecesoras, se espera que sea más grande en la taquilla internacional. La película debutó con 72,5 millones de dólares en el extranjero, lo que eleva su recaudación mundial a 131 millones de dólares, aproximadamente.