El año 1993 comenzó un viernes y terminó un viernes, estuvo marcado por la llegada de Bill Clinton a la Presidencia de Estados Unidos, varios ataques terroristas en Colombia, las denuncias de acoso a menores por parte de Michael Jackson, la llega de MTV a América Latina, entre otros.Contenido recomendado | 23 discos que cumplen 20 años en 2023Esta selección de discos tiene de todo un poco: solistas que se salieron de sus bandas, álbumes que consolidaron el sonido de algunas agrupaciones, discos que en su momento fueron un fracaso, pero después se convirtieron en joyas de culto, clásicos de la música popular colombiana que aún suenan en todo el país, varios proyectos homónimos, algunos discos debut y otros diamantes que vale la pena volver a escuchar.Amor amarillo - Gustavo Cerati Peligro - ShakiraIn Utero - NirvanaPablo Honey - RadioheadOtra Nota - Marc AnthonyDebut - BjörkEmergency on Planet Earth - JamiroquaiClásicos de la provincia - Carlos VivesTítulo de amor - Diomedes DíazLaura PausiniHaddawayExplosivas y sexys - Patricia Teherán y las Musas del VallenatoUna canción - PoligamiaA cara o cruz - Angeles del infiernoBajo el signo de Caín - Miguel BoseMi Tierra - Gloria EstefanShania Twain (Homónimo)Janet - Janet JacksonFuego - Joe Arroyo24 KILATES - Paulina RubioEn 1993 también se anunció el retiro de Michael Jordan como jugador profesional de baloncesto. También nacieron músicos como el británico Zayn Malik, el samarlo Lalo Ebratt, la carioca Anitta, la colomboestadounidense Sofía Carson, la Miss Universo Paulina Vega, el futbolista Juan Fernando Quintero, la actriz Debby Ryan, la protagonista de iCarly Miranda Cosgrove, entre otros.Seguramente se nos quedaron muchos por fuera, pero queremos que nos cuenten qué otras cosas o momentos de la cultura pop de 1993 cumplirán treinta años en los próximos 12 meses,En video | Mauro Castillo: Hollywood, afrolatinidad, racismo y representación en 'Encanto de Disney - Shock¡La música nos une!
Flavio Lucio Máximo Fernández Etcheto, conocido como Flavio Etcheto murió a los 56 años en Mar del Plata a causa de un cáncer que lo afligía desde hace algunos años. Hizo parte de grandes proyectos con artistas como Soda Stereo y el proyecto en solitario de Gustavo Cerati, entre otros.Su muerte produjo reacciones en la industria musical argentina. Algunos lo elogiaron por ser uno de los pilares de la electrónica argentina, por su esmero artístico y sobre todo por lo que sumó a los trabajos de Gustavo Cerati en los discos Bocanada, Solo por hoy y Siempre es hoy.Durante su trayectoria utilizó nombres como Flav, Flavius, Isla de los estados, Trineo, Ocio, Roken y Resonantes para sus diversos proyectos. El artista también ilustró cuentos infantiles con el seudónimo de Lucio Fernández.El músico residía en Mar del Plata desde hace más de una década, se mudó poco tiempo después del accidente cerebro vascular que sufrió su amigo Cerati en Venezuela (16 de mayo 2016). Etcheto tuvo protagonismo en los discos solistas de Cerati Bocanada y Siempre es Hoy y también en Colores Santos, el disco de Cerati con Daniel Melero.Los Cerati dejaron emotivo mensaje de despedida. “Tengo demasiados lindos recuerdos con vos. Espero que te reencuentres con mi padre y hagan música aún más increíble para no humanos. Estén donde estén” afirmó Lisa Cerati .“Flavius, qué tristeza me da tu partida. Que descanses, gracias por hacer de la mejor música que tenemos y por ser hermosa persona” compartió Benito Cerati en su cuenta de Facebook.Su mezcla de sonidos lo unió a Daniel Melero para grabar los álbumes Cámara y Conga. También participó en Mentirse y creerse del conjunto La Sobrecarga en 1987.Bajo el sello independiente Casa del Puente publicó cinco de sus ocho trabajos en solitario, entre 2005 y 2018. Superbrillantes, fue su último EP publicado.
El argentino Gustavo Cerati será por siempre una leyenda de la música en español. El creador y líder de la agrupación Soda Stereo murió en septiembre de 2014, pero su legado artístico vivirá por toda la eternidad gracias al poder de su obra artística.Este 11 de agosto Cerati habría cumplido 62 años y la disquera que tiene sus derechos, Sony Music, ha creado una celebración especial titulada “Mes Cerati”.El regalo principal para celebrar la fecha del aniversario de nacimiento de Gustavo Adrián es el lanzamiento del video inédito de la canción No Te Creo, filmado en 2004 durante la época de la gira Canciones Elegidas.En el video aparece Gustavo tocando en Unísono, su estudio, con la banda de aquellos tiempos: Fernando Naléen (bajo), Leandro Fresco y Flavio Etcheto en teclados, y Pedro Moscuzza en batería. Nicolás Bernaudo, quien en su momento se sumó a dicha gira como diseñador audiovisual, propuso filmar a Gustavo con el grupo tocando y así tener material exclusivo para proyectar en la pantalla del escenario.Por medio de un comunicado de prensa se revela de dónde salió este material. Para ese entonces fueron convocados los realizadores Diego Panich y Lemon, quienes se hicieron cargo de la dirección. Casi 17 años después, se trabajó en esta nueva edición con formato videoclip, que hoy se estrena para que todos los seguidores de Gustavo puedan disfrutarlo.Contenido recomendado | Canciones que tienen la mano de Gustavo Cerati y que, tal vez, usted desconocíaNicolás Bernaudo asegura que “se hizo una propuesta para todas las visuales de la gira y una de las ideas era hacer un video con su cara gigante, sincronizada con alguna de las canciones. Cerati propuso que fuera con toda la banda en la pantalla, así que llamé a Panich, que en ese momento trabajaba con Lemon, y entre los dos dirigieron el clip, que se filmó en la sala de ensayo”.Panich recuerda también que “la única condición que puso Cerati fue que lo teníamos que hacer rápido, sin un gran despliegue, así que fuimos con la cámara y un par de luces nomás. Hicimos muy pocas tomas del tema, tal vez cuatro. La particularidad es que el video es en cámara lenta y todo tiene sincro; el truco es que la banda tocó el playback a doble velocidad. Es muy difícil y engorroso de hacer, pero Gustavo y la banda estaban copados con la idea e hicieron todo sin drama”.¡Eterno Cerati! Ojalá se siga conociendo material inédito para que su legado se mantenga vigente.En video | ‘Gracias Totales Bogotá’: ¿Qué esperaban los fans de esta gira de Soda Stereo? - Shock¡La música nos une!
Soda Stereo lanzó su álbum debut el 27 de agosto de 1984, este álbum fue su carta de presentación con el que conquistaron el público argentino y rápidamente otros países. Son 11 canciones que se convirtieron en grandes éxitos hasta la fecha. Nico Bernaudo, diseñador audiovisual que trabajó con Cerati y con Soda es el encargado de la realización de estos nuevos videoclips.¿Por qué no puedo ser del jet-set? y Sobredosis de TV son los dos primeros de una colección que está compuesta por canciones que originalmente no tuvieron videoclip en sus álbumes. Serán dos estrenos por mes hasta diciembre. Todos los videos fueron realizados y dirigidos por Nico Bernaudo.Su álbum homónimo tiene un sonido muy influenciado por la música post-punk, ska y new wave. De este disco salieron los primeros grandes éxitos del grupo, que hasta hoy son temas obligatorios en el setlist de cualquier concierto Tributo, o en la gira actual de Gracias Totales. Te hace Falta Vitaminas, Tratame suavemente, Sobredosis de TV, ¿Por qué no puedo ser del Jet-Set?, Tele-Ka y Un misil en mi placard.El álbum Soda Stereo, obtuvo doble disco de platino en Argentina y doble disco de platino en Perú y Chile. Te hace falta vitaminas está ubicada en la lista de las 100 canciones más importantes del rock argentino.Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti protagonizaron un recambio generacional que revitalizó el rock en toda Latinoamérica, y escribieron parte de la historia del rock en español, su propuesta musical influenció a una generación que necesitaba escuchar música en su idioma. Uno de sus álbumes más significativos vuelve al ruedo gracias a la realización de estos videos.El próximo estreno será el martes 29 de junio. Sobredosis de TV, la canción escrita por Gustavo Cerati que fue clave para el lanzamiento del álbum en 1984 en el Teatro Astos, con una escenografía compuesta de 26 televisores, la podremos recrear en este video.
El cuarto álbum de estudio de Gustavo Cerati, Ahí vamos, se publicó el 6 de abril de 2006. De sus 13 tracks, muchos se convirtieron en éxitos, como Crimen, Me quedo aquí, Lago en el cielo y Adiós. La placa fue clave en su época porque dio un giro al sonido de Cerati y lo regresó al rock. El argentino exploró en sus álbumes anteriores, más sónicos, electrónicos y sinfónicos. Por eso luego, después de cuatro años sin publicar un nuevo disco en su carrera solista y a la espera del regreso de Soda Stereo, Ahí vamos logró cumplir las expectativas de sus seguidores de siempre.Según el propio Cerati, sus canciones tenían la fórmula sencilla de estrofa, estribillo, y puente. La voz y la guitarra eran protagonistas y encajaban perfectamente con el nombre del álbum, Ahí vamos: “A veces, uno da muchas vueltas para llegar a algo más simple”, aseguraba Cerati.Ahí vamos fue producido por Tweety González, grabado y mezclado en Unísono, el estudio que Cerati convirtió en su segundo hogar. Allí, de hecho, se reunió con Richad Coleman y su hijo Benito Cerati para componer algunas de las canciones.“Fue algo bastante espontáneo. Él me dio para escribir letras de sus discos y quedó Adiós. En principio me había ofrecido hacer las letras del disco porque a él no le gustaba mucho escribir. Él escribía bárbaro pero no era lo que más le gustaba en el campo de la música y la composición”, contó Benito en una entrevista.Una de las canciones que se mantuvo durante varias semanas en las listas de popularidad en varios países fue Crimen. Con un sonido más cercano a la balada romántica, este track, guardado en los archivos de Gustavo, finalmente vio la luz en este álbum. Hasta le ofreció esta canción a Shakira en el 2005, época en que le produjo un disco a la colombiana.Crimen le mereció un Latin Grammy en la categoría de Mejor Canción de Rock. “Es una canción de ruptura, pero la verdad es que la escribí en un momento de mucha felicidad. Siempre sucede que, al ser una persona conocida, están las preguntas ‘¿con quién está?’, ‘¿con quién no está?’, ‘¿con quién va a estar?’ y parece que las relaciones son directas con eso. Y a veces me inspiro en cosas que están fuera del tiempo y del lugar”, afirmó Cerati en una entrevista.En este álbum también participaron Fernando Nalé, Fernando Samalea, Pedro Moscuzza, Bolsa González, Flavius Etcheto, Paula Zotalis y Pedro Moscuzza, algunos de los cuales subieron al escenario para acompañarlo en los shows en vivo. El Tour duró un año, comenzó el 1 de junio de 2006 en Ciudad de México, recorrió Latinoamérica, Estados Unidos y España hasta junio de 2007, en ese mes se confirmó la gira de reunión de Soda Stereo.
El 11 de agosto, Gustavo Cerati cumpliría 61 años. Con motivo de esta fecha, su familia publicó en Twitter un manuscrito inédito de la canción Puente, del álbum Bocanada, el segundo como solista en la carrera del músico argentino. Publicado en 1999, fue elogiado por el púbico y la crítica especializada. Por estos días el mundo celebró el aniversario 30 de Canción animal, uno de los discos más recordados de Soda Stereo. Gustavo Adrián Cerati Clark nació el 11 de agosto de 1959 en Buenos Aires. Lanzó 5 álbumes como solista y 7 junto a la icónica Soda Stereo. También trabajó como compositor y productor de varios artistas. Sigue siendo considerado uno de los artistas más importantes del rock latinoamericano. En junio pasado, se lanzó el documental Fuerza natural, que registra el trabajo detrás de este álbum. En la mente de Gustavo Cerati no importaba de dónde llegaba la inspiración. Todo era bienvenido y se movía al ritmo de una sola partitura, su música; un territorio vasto que en una punta es capaz de limitar con los loops electrónicos y en la otra con los arreglos sinfónicos. Según dijo alguna vez, se trataba de mezclar de momentos de magia blanca y de magia negra, por igual. La mente de Cerati era distante de la decoración simple y lo suyo era disparar los temas público después de sentirlos en carne propia, la piel de un artista con más de media vida de camino entre la cordura y el borde. Una ambivalencia digna de una estrella de rock y de una figura de la música contemporánea; la templada cuerda floja de los que con éxito se dedican de verdad a la música y para los cuales es casi imposible crear una estabilidad emocional. Absorbiendo todo cuanto sonaba a su alrededor, la arquitectura creativa de la mente de Cerati combinó lo psicodélico, lo espiritual y lo insospechado; los tonos eléctricos y acústicos (a veces rayando con lo campestre); lo luminoso, lo futurista y lo presente en un solo conjunto y como en una especie de astrolabio que a su vez marcó el tiempo y la latitud de una obra que necesitó de muchas horas en el estudio para decantarse y lograr esa soltura y sencillez con las que vuela. En la mente de Gustavo Cerati
Este documental dirigido por el colombiano Felipe Restrepo busca descifrar los procesos creativos del artista argentino desde las tempranas épocas de Soda Stereo hasta su etapa solista. Tiene un punto de partida y es el libro del periodista Gustavo Bové: Cerati, Conversaciones íntimas de Editorial Planeta. Por: José ‘Pepe’ Plata Tan solo buscar Gustavo Cerati en Google nos arroja 4'820.000 resultados. En Instagram hay más de 40 cuentas que rescatan sus fotos, portadas de discos, fragmentos de entrevistas o presentaciones. En YouTube hay artistas que graban versiones de sus canciones o analistas de su obra. Hay videos en los que se graban las reacciones de personas a su música en Australia, Corea, Inglaterra y otros países. Existen además cuentas de Twitter que se dedican a compartir frases o extractos de sus canciones. Toda una vida independiente de sus canales oficiales. ¿Qué es lo que hizo Gustavo Adrián Cerati Clark para seguir tan presente en la cotidianidad de las personas? La respuesta es simple: desarrollar un proceso creativo que le permitió vivir la música, vivir de la música, vivir por la música, vivir con la música y vivir hasta la música. Y es justamente esto la base que toma el director Felipe Restrepo para mostrarnos a Cerati a través de las personas que trabajaron con él. Desde su ingeniero de sonido de toda la vida (Adrián Taverna), pasando por músicos que lo acompañaron en diferentes épocas y proyectos como: Fabián Von Quintiero, Andrea Álvarez, Richard Coleman, Rudie Martínez, Leo García o Flavio Etcheto. Con ellos exploró rock, electrónica y hasta versiones sinfónicas de sus canciones. Ni Charly Alberti ni Zeta Bosio están en esta producción, permitiéndonos así tener una mirada distinta a la que conocemos habitualmente. Tampoco están su madre, exesposas ni sus hijos Benito y Lisa. Gustavo es reconocido aquí como un perfeccionista. Alguien que cuidó su obra tanto en el estudio como en vivo. Pero cuidar la música es cuidar también su presentación en video y allí estuvo el director Eduardo Capilla para asistirlo. El legendario teclista y productor Tweety González, coequipero de Soda, reconoce en el documental cómo los shows de su última gira habían alcanzado ya los niveles de producción y calidad de artistas europeos o norteamericanos de las grandes ligas. Esto fue algo que se pudo lograr a través de extensas horas de ensayo que Cerati tuvo con sus músicos a través del tiempo. Un hombre alado duró dos años en su grabación; tiempo suficiente para seguir acumulando aprecio por una obra que ya hace parte de al menos tres generaciones de latinoamericanos. Y aun así, es un pedacito de todo lo que Gustavo Cerati hizo a lo largo de su vida. Porque lo que hizo con Soda no solo fue una muestra de una capacidad de sorprender, adelantarse y compartir una música que sobrepasó el tiempo. Este esfuerzo audiovisual nos muestra a cada uno de los entrevistados en lugares como sus casas o en un estudio acondicionado. Todo, además, combinado con imágenes de archivo, tomas aéreas de la ciudad de la furia (Buenos Aires) y una serie de insertos animados que ilustran la obra del músico. Pronto se cumplirán seis años de su partida física. Pero lo que quedó en música y recuerdos se multiplica. Y es así como esta obra entra ya a ese acervo. Lanzada a comienzos del año, tendrá además un estreno especial en el país a través del festival IndieBo y su proyección habilitada a partir del 24 de julio. Y además una cita especial junto a su director en un Q & A ese mismo día.
Fuerza natural fue el último disco solista de Gustavo Cerati y es también el nombre de un documental estrenado recientemente que registra el trabajo detrás de este trabajo emblemático del músico argentino, fallecido en 2014. ¿Cómo fue el último concierto de Gustavo Cerati en Colombia? El documental fue dirigido por Diego Álvarez y muestra lo que fue la grabación del último álbum del líder de la banda argentina Soda Stereo, quien en 2010 sufrió un accidente cerebrovascular y permaneció en coma por más de cuatro años.De Fuerza Natural (2009), se desprendieron los sencillos Deja Vu y Rapto y Magia, aunque también contó con otros temas exitosos, como Fuerza natural, Cacus y Tracción a sangre. Fue el quinto álbum en la carrera del músico. Como su nombre lo indica, Fuerza natural proponía un recorrido por la naturaleza mucho más tranquilo, con respecto a Ahí vamos, cuarto álbum de Cerati, también muy exitoso. Fuerza natural fue un disco elogiado tanto por el público como por la crítica musical. El cierre perfecto para una discografía impecable. "Si yo me retirara ahora (…) me iría contento por Fuerza Natural", decía el músico en un video del backstage de la grabación del álbum.
Pocos imaginarían al uruguayo aullando como Loba mientras compone, pero entre 2008 y 2009 trabajó de la mano de Shakira para su álbum más salvaje. Luego del éxito de sus álbumes Fijación Oral y Oral Fixation, Shakira se puso en la tarea de componer para su sexto álbum de estudio y fue así que decidió contactar al uruguayo Jorge Drexler para trabajar en conjunto en la creación de algunas de las letras del disco. De acuerdo con Shakira, esta fue la primera vez que trabajó con otro compositor para sus canciones en español. El trabajo de Drexler y Shak duró una semana en un estudio de grabación en Las Bahamas, allí la labor del uruguayo fue principalmente traducir algunas composiciones que Shakira ya tenía en inglés. En el álbum She Wolf los créditos de Jorge aparecen en tres canciones Lo hecho está hecho, Años Luz y Loba. Drexler también colaboró para Gitana, la versión en español del sencillo Gypsy, por esa canción Drexler ganó un premio ASCAP a Mejor composición de pop/balada. Drexler declaró en RPP Noticias que, “trabajar con ella fue una cosa maravillosa, me llamó porque le gustaba cómo escribía y que nunca había trabajado con nadie en sus letras en español y me sorprendió. Fue muy lindo trabajar con ella, es una persona muy responsable”. Después de esa jornada de trabajo, Drexler volvió a trabajar con Shakira para el disco Sale El Sol y en esta ocasión no solo trabajó con la barranquillera, sino también con Gustavo Cerati. Para Drexler fue un honor trabajar codo a codo con el líder de Soda Stereo en las canciones Devoción y Tu Boca. Para la ceremonia ‘Persona del año de los Grammy en honor a Shakira’, Drexler cantó una versión de la canción Devoción y desde entonces los dos artistas tiene una relación basada en el respeto y la admiración. Ojalá pronto vuelvan a trabajar juntos en composición y producción musical. A lo largo de su carrera, Drexler ha sido ganador de un Premio Óscar a Mejor Canción Original, 5 premios Latin Grammy incluyendo las categorías Canción del año y Grabación del año, un Premio Goya a Mejor Canción Original, entre otros. #LaMúsicaNosUne
Andrea Echeverri recuerda que a finales de los 80 no había muchos conciertos y muchos artistas no venían a Colombia, por la violencia e inseguridad que generó el narcotráfico. Andrea recuerda que vio a Soda Stereo por primera vez en la Plaza de Toros en Bogotá. Desde ese momento se volvió fan y seguidora del rock argentino. La disquera de ambos en esa época (BMG) hizo el enlace para que las dos bandas se conocieran y propuso a Aterciopelados para que compartieran tarima con Soda en una gira por Estados Unidos. La propuesta tuvo la bendición de los argentinos, fue un gran inicio para Aterciopelados acompañar a una banda que ya se había hecho grande en la industria musical. Después de esa gira, surgió la grabación del MTV Unplugged donde Soda invitó a Andrea para cantar En la ciudad de la furia, una versión que se inmortalizó y que hoy en día continúa como una de las colaboraciones favoritas de la banda. En algunos shows, cuando coincidían, cantaban una canción que hoy todavía los fans le piden a Andrea en los conciertos. Aunque Aterciopelados llevaba 22 años resistiéndose a cantar esta canción, este año eso cambió. Lo primero que decidieron fue montar la canción para tocarla en vivo, y sumarse al homenaje por los cinco años de fallecimiento de Gustavo Cerati, pero no alcanzaron a lanzarla en septiembre. Fue un reto grande para ellos, y la produjeron con toda la dedicación con la que hacen su música. No solo reconocían la importancia de hacer una versión para todos los fans, sino que también buscaban lograr un equilibrio entre la versión del unplugged y la original. Ninguna ciudad podía enmarcar mejor la canción que Buenos Aires. Convencidos que el lanzamiento tenía que ser con un videoclip, encontraron un aliado y fan para hacerlo: Agustín Núñez, que ya había hecho un videoclip para el trabajo en solitario de Héctor (Conector). Agustín tomó como referencia, entre muchos otros, el video de la canción original del 88. Con la idea clara de ambientarlo por la noche con muchas luces empezó el rodaje, que se vio afectado por el clima. La idea inicial era hacerlo en la calle, pero en Buenos Aires llovió y no pudieron grabarlo como habían planeado. Grabaron en una noche en la calle y el resto en una bodega. Tres días duró la grabación del videoclip producido por Ojo urbano films. Hacer esta canción llevó a Aterciopelados por una cantidad de sentimientos encontrados, había una historia que compartieron junto a los argentinos. Están convencidos de que hacer esta versión fue hermoso e importante. Encontraron su lugar, con el que sellaron esa conexión que unió a dos grandes del rock iberoamericano.
La Junta de Gobernadores de la Academia aprobó nuevas reglas para la 97ª ceremonia de los Premios Oscar que se celebrará el 2 de marzo de 2025. Banda sonora originalHubo cambiosen la categoría de banda sonora original. Ahora, hasta tres compositores pueden recibir estatuillas individuales del Oscar si todos contribuyen significativamente a la música de una película. Esto marca un cambio con respecto a las reglas anteriores que exigían que los compositores se presentaran como un grupo, como la banda Son Lux para la nominación a mejor película ganadora por Everything Everywhere All at Once. Jon Batiste, Trent Reznor y Atticus Ross, ganadores por la película animada “Soul” (2020), también recibieron una única estatuilla, según recuerda Variety. Los autocines no serán sede calificadaLa Academia ya no reconocerá los autocines como sede calificada para la elegibilidad para los Oscar, una medida adoptada temporalmente en 2020 cuando se cerraron las salas de cine bajo techo. Solo se considerarán para mejor película aquellas películas que cumplan con los requisitos de exhibición ampliados que se anunciaron en 2023. Estos incluyen una exhibición de clasificación de una semana en uno de los seis mercados de EE. UU. seguida de una exhibición de siete días, ya sea consecutiva o no consecutiva, en 10 de los 50 principales mercados de EE. UU. dentro de los 45 días posteriores al estreno inicial.La cuota de inclusiónPara ser consideradas para el premio mayor de los Oscar, las películas deben presentar el formulario de Inscripción a los Estándares de Inclusión y Representación de la Academia (RAISE), cumpliendo al menos dos de los cuatro estándares. Guion En las categorías de guión, la presentación del guión final del rodaje ahora es obligatoria para su consideración como original o adaptado.Mejor película animadaLas películas animadas se pueden presentar simultáneamente a Mejor Película Internacional y Mejor Película Animada. Esto simplificará el método de calificación para este último y ayudará específicamente a las películas animadas internacionales que tal vez no tengan acceso a la distribución en Estados Unidos.Premios del gobernadorTambién se han realizado cambios en los Premios del Gobernador. El Premio en Memoria de Irving G. Thalberg, que reconoce el trabajo consistentemente de alta calidad de un productor creativo, ahora se entregará como una estatuilla del Oscar en lugar del tradicional busto de Thalberg. 2 premios cambian su nombrePor último, se cambió el nombre de dos premios de los Premios Científicos y Técnicos: el Premio Gordon E. Sawyer ahora es el “Premio a la Trayectoria Científica y Técnica” y el Premio John A. Bonner pasó a llamarse “Premio al Servicio Científico y Técnico”.
La serie Shogun, que en Latinoamérica está disponible en Disney +, ha sido un éxito rotundo. La saga épica de guerra, pasión y poder ambientada en el Japón feudal es una adaptación original de la novela best seller de James Clavell. Shogun obtuvo 9 millones de visualizaciones a nivel mundial en su episodio de estreno, lo que la convirtió en el estreno de la serie guionada de entretenimiento general número uno en el mundo. También debutó con un impresionante 100% en Rotten Tomatoes, el portal de calificación de películas. Si bien la serie está basada en un libro, también mezcla elementos de la realidad y la historia de Japón. Repasamos qué es real y qué es ficción. Shogun: ¿Qué es realidad y qué es ficción? La trama central real de Shogun es puramente ficticia. Sin embargo, Clavell se inspiró en gran medida en personajes y acontecimientos reales de la historia japonesa, de acuerdo con Movieweb. Aunque Toranaga es un personaje ficticio, se inspira en gran medida en la figura histórica de Tokugawa Ieyasu, un ex shogun de Japón. Shogun es un jefe supremo militar que ejerce el poder absoluto en nombre del emperador.Durante el período comprendido entre 1467 y 1615, Japón estuvo envuelto en guerras casi constantes. Fue Tokugawa Ieyasu quien encabezó los esfuerzos para unificar Japón y finalmente ascendió a la posición de Shogun en 1603. La asunción del poder de Ieyasu marcó el comienzo del Shogunato Tokugawa, que duró de 1603 a 1868. Los rasgos y antecedentes de Toranaga son muy paralelos a los de Ieyasu. ¿John Blackthorne fue real?William Adams, la contraparte histórica de John Blackthorne, llegó inesperadamente a las costas japonesas junto con un barco lleno de armas de fuego.Adams fue el primer inglés en poner un pie en Japón, y el esquema básico de la historia de su vida refleja fielmente el del personaje ficticio Blackthorne. Se desempeñó como piloto de un barco holandés que transportaba a los pocos supervivientes de un viaje comercial que salió mal, tanto en sentido figurado como geográfico. Al igual que Blackthorne, Adams dominaba el portugués, lo que le permitía conversar con Tokugawa a través de los intérpretes jesuitas que se habían esforzado por difundir el cristianismo entre la población japonesa desde mediados del siglo XVI, de acuerdo con Indiewire. ¿Toda Mariko fue un personaje real?En el episodio 5 de Shōgun, hay un vistazo al pasado de Mariko, que se inspira en la figura real de Hosokawa Gracia.Al igual que la representación en la novela Shōgun de James Clavell de 1975, la Mariko representada en la pantalla está basada en Hosokawa Gracia, una aristócrata japonesa que abrazó el cristianismo.Nacida como Akechi Tama en 1563, era hija de Akechi Mitsuhide, un destacado señor de la guerra y fiel seguidor de Oda Nobunaga (uno de los unificadores clave de Japón durante el período Sengoku, anterior a Toyotomi Hideyoshi, conocido como el Taikō en la serie). Posteriormente, Mariko se casó con Hosokawa Tadaoki, otro señor de la guerra y aliado de Nobunaga, en 1578, y juntos tuvieron cinco hijos.A diferencia de lo que muestra la serie, es difícil que Gracia haya conocido a Adams. De hecho, el improbable romance de Mariko y Blackthorne fue criticado por algunos historiadores cuando Shōgun salió a la luz por primera vez, según reporta Elle. ¿Por qué los portugueses quieren muerto a Blackthorne?Un conflicto central en Shōgun son las diferencias religiosas. No es sólo una cuestión de europeos católicos versus protestantes; También hay conflictos internos entre los cinco regentes, dos de los cuales han abrazado el catolicismo, alineando sus intereses con los portugueses.Este cisma religioso refleja tensiones históricas entre William Adams y Tokugawa Ieyasu. Con la llegada anual del Barco Negro a Japón llegaron los misioneros jesuitas junto con productos comerciales como sedas y armas de fuego."Para los portugueses, el comercio y la expansión del cristianismo estaban entrelazados", explica Frederick Cryns, consultor histórico de la serie, citado por History Extra. "Los daimyos en Kyushu [donde atracó el barco] estaban abiertos a convertirse al cristianismo y que sus seguidores hicieran lo mismo si eso significaba obtener ventajas en el comercio"."En el lado opuesto, figuras como Ieyasu, que una vez escribió al virrey de México afirmando la adhesión de Japón a las deidades sintoístas y budistas, rechazaron firmemente el cristianismo en su dominio".En la historia real, el difunto taiko Toyotomi Hideyoshi compartió este sentimiento, viendo el cristianismo con sospecha debido a la influencia de los jesuitas sobre los señores de la guerra locales. Si bien prohibió oficialmente el cristianismo, su aplicación fue laxa por temor a repercusiones en el comercio portugués.
Jennifer Garner, Mark Ruffalo y Judy Greer, miembros del elenco de Si tuviera 30 (13 going on 30), hicieron una pequeña reunión para celebrar que la icónica comedia romántica cumplió 20 años. La película sigue a la adolescente Jenna Rink (Jennfier Garner). En la noche de su fiesta de cumpleaños número 13, el deseo de Rink de tener "30 años, ser coqueta y próspera" se hizo realidad cuando su personaje se transformó en una mujer de 30 años, aunque su mente sigue siendo la de una niña de 13. "¡Hola! ¡Gracias por ver nuestra película y amarla!” dijo Judy Greer, la actriz, que interpretó a Lucy Wyman en la película de 2004. "#13 llendo a 30. Veinte años. Somos tres Boomers desafiando Zoom, porque queremos agradecerles. 👴👵👵 A todas las personas que han amado esta película junto con nosotros: gracias. Te vemos, te apreciamos y te amamos. ¡Por siempre treinta, coqueta y próspera! 💕”, se subtituló la publicación Los actores también reflexionaron sobre la vida en 2024 y cómo ha cambiado todo desde el estreno de la película. “Hace veinte años, teníamos pocos teléfonos celulares”, dijo Garner. Greer señaló específicamente que en ese momento se trataba de "teléfonos plegables".Ruffalo reflexionó sobre algunos de sus papeles más importantes y dijo que interpretar a Matt Flamhaff en 13 Going on 30 siempre se lleva la palma.“Hay dos tipos de personas en este mundo. Hay gente de Hulk, y hay gente de Si tuviera 30, y yo recibo cantidades iguales”, dijo Ruffalo, quien ha aparecido como Hulk en algunas películas de superhéroes. El elenco no podría celebrar 13 Going on 30 sin la nostalgia adicional de hacer juntos el baile de Thriller, la canción no oficial de la película. Si tuviera 30: historia de la exitosa comedia románticaEstrenada originalmente en 2004, la película fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 37 millones de dólares, recuadó más de 96 millones en y se convirtió en clásico de culto. "13 Going on 30 es una rara comedia comercial que te deja fascinado por lo que sólo puede suceder en las películas", dijo en su momento una crítica de la película. El 28 de septiembre de 2023, se anunció una adaptación teatral de la película en el Reino Unido. El espectáculo incluirá varias presentaciones en talleres públicos en el Battersea Arts Centre de Londres, antes de la inauguración de la producción completa, estimada para 2025.
Desde el estreno de su primer tráiler en el Super Bowl 2024 sabíamos que veríamos a Deadpool & Wolverine en pantalla. El tráiler oficial, ya disponible, nos ofrece un vistazo a lo que podemos esperar de esta épica aventura protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh JackmanEs la la tercera de la trilogía de Wade Wilson/Deadpool, la única película del Universo Marvel basada en un cómic que saldrá este año y el primer reconocimiento explícito de la unión entre los universos Fox y Disney Marvel.A pesar de su papel principal, Wolverine se mantuvo en gran parte oculto en los primeros avances de la película. Sin embargo, el tráiler oficial nos sumerge en la historia del personaje, comenzando con una escena en la que lo vemos bebiendo solo en un bar de su universo. Así es, tendremos una película de multiverso.¿Qué más podemos esperar de 'Deadpool & Wolverine'?Si bien la trama sigue siendo un misterio, el tráiler deja entrever una dinámica cómica entre Deadpool y Wolverine, dos personajes con personalidades diametralmente opuestas pero unidos por un objetivo común. Las bromas sarcásticas de Deadpool y la seriedad feroz de Wolverine prometen una mezcla de acción y humor que cautivará a los fanáticos de Marvel. Deadpool & Wolverine marca el (muy esperado) regreso de Hugh Jackman al papel de Wolverine, junto a Ryan Reynolds.La acción se traslada al Vacío, el mismo lugar desolado que vimos en "Loki". Esta locación parece ser un punto central en la trama, ya que aquí es donde los dos protagonistas se enfrentan. En medio del Vacío, los mutantes han establecido su base de operaciones utilizando el cadáver de Gigant Man, la versión gigante de Ant-Man. Esta guarida improvisada sirve como hogar para una variedad de personajes conocidos, incluyendo a Lady Deathstrike, Azrael, Pyros, Callisto y Toad. Se especula que este podría ser el cuartel general de Cassandra Nova, hermana gemela malvada de Xavier y sus secuaces.Además, este tráiler confirma que Nova será la villana, (o una de ellas) de la película. Así mismo, revela el motivo principal de la película: Deadpool necesita la ayuda de Wolverine para salvar su universo, cosa que el mutante no pudo lograr en su propio universo.Sorpresas en 'Deadpool & Wolverine'Se rumora que saldrán personajes como: Dogpool (versión perruna de Deadpool en otro universo), Doctor Strange, los villanos de X- Men, un guiño a Iron Man y, por supuesto, referencias a Loki.La película llegará a los cines de Colombia el 26 de julio.
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.