Concluyeron en Japón los Juegos Olímpicos Tokio 2020, los primeros que se hacen en medio de una pandemia, pero que lograron conectar a las personas alrededor del deporte. El nombre que se le dio a la ceremonia de la emotiva clausura fue Moving Forward: Worlds We Share.Contenido relacionado | Tokio 2020: Los Juegos Olímpicos con más atletas abiertamente LGBTIQ+Gran parte de la clausura fue pregrabada con algunos segmentos en vivo. Durante la gala hubo un "momento de recuerdo" que consistió en bailes y otras actuaciones que representan y destacan la cultura de Japón. Esta parte contó con actuaciones de la Tokyo Ska Paradise Orchestra, milet, DJ Matsunaga y la Tokyo High School Orchestra (que tocaron de forma remota a través de material pregrabado) interpretando un medley con Gurenge, Sukiyaki, Ode to Joy de la Sinfonía n. ° 9 e Hymne à amor.Se esperaba que iconos de la cultura del entretenimiento de Japón como Hello Kitty, Super Mario, Dragon Ball o Doraemon aparecieran o se les mencionara, pero esto no ocurrió ni en la gala inicial ni en la clausura.Vea la ceremonia final de los Juegos Olímpicos en el canal oficial del eventoDato: Colombia recibió cinco medallas en Tokio 2020: cuatro de plata (Mariana Pajón en BMX, Luis Mosquera en Alterofilia, Anthony Zambrano en atletismo de 400m planos y Sandra Lorena Arenas en atletismo, 20km marcha) y una de bronce (Carlos Ramírez en BMX).En video | Juegos Olímpicos: los actos musicales más recordados de las ceremonias de apertura y clausuraSEE YOU IN PARISLa clausura contó con un segmento para informarle al mundo que Paris está preparando la ciudad para recibir los Juegos Olímpicos en 2024. La presentación comenzó con una versión reinventada del Himno Nacional de Francia interpretada por la Orquesta Nacional de Francia, compuesta por Chloé Dufresne, arreglada por Victor La Masne y pregrabada junto con la mayor parte de la presentación.El astronauta de la Agencia Espacial Europea Thomas Pesquet tocó las primeras notas del himno en su saxofón desde el espacio, cuando aparece una toma de la Tierra desde el espacio.Al final el presidente francés Emmanuel Macron aparece desde lo alto de la Torre Eiffel y entregó el nuevo lema olímpico, "Más rápido, más alto, más fuerte - Juntos", poniendo fin al segmento de París 2024.Cerramos con otro dato: El 24 de agosto inician los Juegos Paralímpicos de Tokio 2020. Más de 60 deportistas representarán a Colombia.¡El lado S de la cultura pop!
La salud mental de los deportistas de élite ha sido un tema álgido durante los Olímpicos Tokio 2020. Vimos a Simone Biles, múltiple medallista olímpica, retirarse del certamen para cuidar de sí misma; vimos la raqueta del tenista Novak Djokovic volar a las gradas en su derrota contra el español Pablo Carreño Busta y también apreciamos la instantánea viral de Tom Daley, clavadista británico, a quien vimos tejer en la gradas, actividad que le ayuda a mantenerse en calma y a reducir sus niveles de estrés. El único de los tres que interpretó la presión que sufre como un privilegio, fue el segundo, el tenista que rompió raquetas al sufrir la derrota.Contenido relacionado | Tokio 2020: Los Juegos Olímpicos con más atletas abiertamente LGBTIQ+Es innegable que estos atletas están bajo altísima presión y ansiedad, compiten contra la élite deportiva de su disciplina para ganar una medalla olímpica, uno de los premios más prestigiosos en el contexto deportivo. Eso sin mencionar que todos vienen de exigentes temporadas. Por ejemplo, un tenista de élite masculino puede participar en 42 torneos al año, y debe jugar en la mayoría si no quiere perder puestos en su ranking. Esto lo obliga a competir en un torneo cada semana del año, prácticamente. Las gimnastas, aunque nosean tan conocidas por el público en general, también sufren la presión.Atleta A, documental producido por Netflix, ofrece una perspectiva tras bastidores de lo que viven las gimnastas y, en particular, del escándalo de abuso sexual del US Gymnastics Team a causa de un médico deportivo que violentó sexualmente a decenas de niñas y adolescentes. Simone Biles fue una de sus víctimas, quien, después de su retiro del certamen, ha manifestado la posibilidad de que este abuso haya afectado su rendimiento deportivo.La presión, que algunos glorifican y veneran es el arma principal contra estas adolescentes. Los entrenadores se aproximan peligrosamente al sadismo. Las obligan a entrenar lesionadas. Las fracturas en dedos, piernas y espalda son comunes. Las lesiones son minimizadas por el cuerpo técnico y solo importa ganar. El abuso psicológico es regla también, afirmaciones humillantes sobre su cuerpo hacen parte del régimen (es usual que las llamen “vacas”). Sus ciclos menstruales fueron artificialmente modificados. Todo esto sucedía en un campamento de entrenamiento llamado Karolyi Ranch, un complejo deportivo donde no estaba permitida la supervisión o el contacto de los padres. Este fue un terreno fértil para cultivar un entorno de miedo e intimidación. Un entorno en donde las quebraban de tal manera que las atletas solo querían complacer a los entrenadores. La selección olímpica era el premio con el que justificaban ejercer estas cantidades desmedidas de abuso. En este complejo también estaba Larry Nassar, un médico deportivo, quien, según las mismas sobrevivientes, era el único amable con ellas, las hacía reír y les regalaba dulces. Lamentablemente, esto era una fachada: Larry Nassar era un violador. Fingió estar de su lado, pero luego abusó de las atletas usando como pretexto los procedimientos médicos que practicaba. Algunas atletas podían visitar a Nassar hasta cuatro veces al día para recibir “tratamiento”. Estas niñas y adolescentes estaban tan disminuidas a causa del entorno creado por los entrenadores, que dudaron si lo sucedido fueron agresiones hacia ellas, tuvo que pasar tiempo para que llegara la adultez, y consigo, la certeza de que habían sido víctimas de agresiones sexuales.Es un documental exasperante. Es indignante la falta de responsabilidad por parte de los entrenadores y directivos de US Gymnastics, que sabían lo que estaba pasando y no hicieron nada para evitarlo y sancionar a los victimarios. Su deber como organización era tener como prioridad el cuidado y protección de sus atletas. Al contrario, hicieron todo lo posible para encubrir a los culpables y amenazar a cualquiera que decidiera denunciar los abusos.Nassar fue un síntoma de un problema mayor dentro del US Gymnastics y la cultura deportiva de ganar a toda costa, impulsada desde la dirección, donde el dinero, la reputación organizacional y las medallas se antepusieron a lo moral y al cuidado de las atletas que tenían en su custodia. Esta cultura que glorifica el sacrificio, la destrucción física y mental de un deportista con tal de ganar una medalla por su país no es exclusiva de la gimnasia, y como lo demostró Atleta A, puede ser terreno para normalizar y ocultar otras conductas condenables.Proteger a quienes participan y practican cualquier disciplina debe ser la prioridad número uno de cualquier organización deportiva. El éxito, los patrocinios y las medallas son el resultado final, pero nunca debe ser a costa del bienestar de los deportistas. En este caso, el costo para las gimnastas fueron años de abuso, no solo físico y sexual, sino también psicológico y emocional. Sin dejar de lado el abuso de poder por parte de quienes dirigían la organización.El documental también expone los problemas sociales que trae a estas mujeres el hecho de denunciar. La forma en que fueron tratadas las sobrevivientes por parte de la organización, el público y algunos medios de comunicación fue detestable. Al principio, no se les dio credibilidad a estas adolescentes, niñas y mujeres. Fueron acosadas y humilladas, pero afortunadamente los periodistas que dieron a conocer la historia y los investigadores criminales les creyeron. El documental es una evidencia más de cómo la experiencia de quienes denuncian es puesta a un costado.Por lo anterior, es importante celebrar la decisión de Simone Biles de retirarse de los Olímpicos de Tokyo 2020: lo hizo pensando en su interés personal y puso de nuevo en evidencia al US Gymnastics. Simone Biles junto a las gimnastas acaban de sentar un hito fundamental, ojalá otros deportistas atiendan su llamado y tomen acciones que hagan responsables a quienes están en posiciones. No todo vale con tal de alcanzar la codiciada presea.En video | Juegos Olímpicos: los actos musicales más recordados de las ceremonias de apertura y clausura¡El lado S del cine y la tv!
En agosto de 1995 se lanzó una de las canciones más importantes de la música latina: Macarena de Los del Río. La canción estuvo en los primeros lugares de Billboard durante varios meses y fue un éxito mundial. Se mantiene como una de las canciones en español más exitosas de la historia. La canción fue un hit de verano en España, pero fue un remix con una voz femenina en inglés el que se popularizó en todo el mundo. La Macarena llegó a Estados Unidos por medio de la emisora Miami Power 96 FM y el DJ Jammn Johnny, quien la escuchó en un club. Aunque la estación no tocaba canciones en español, hicieron una excepción y pronto se convirtió en un hit. Además de su éxito en cifras, fue un verdadero fenómeno de cultura pop: se usó en la campaña electoral del partido demócrata de 1996 en la que Bill Clinton fue reelegido presidente de los Estados Unidos. La canción también hizo su aparición en los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996. El equipo de gimnasia de Estados Unidos usó la canción como parte de su rutina y se llevó la medalla de oro. El origen de La Macarena En una fiesta en Caracas, en casa del empresario venezolano Gustavo Cisneros, Los del Río (Antonio Romero Monge y Rafael Ruiz Perdigones) quisieron piropear de manera espontánea a una bailaora local de flamenco: Diana Patricia Cubillán. Improvisaron la siguiente línea mientras tocaban las palmas: “dale a tu cuerpo alegría, Magdalena”.“De corrido en el hotel Antonio escribió el resto de la letra en cinco minutos”, contó Rafael en Vanity Fair. Como ya existía una canción llamada Magdalena, los autores cambiaron su nombre a Macarena porque una de las hijas de Antonio se llama Esperanza Macarena y porque son muy devotos de esta Virgen.
El pasado 23 de julio, el mundo presenció la inauguración de los Juegos Olímpicos, en una ceremonia que se enfocó en la unión ante la adversidad. Aunque tuvo varios momentos memorables y muchos gamers notaron que sonó la banda sonora de algunos videojuegos, tras el cierre de Río 2016, esperábamos ver más de la cultura pop japonesa. Si bien la ceremonia fue un evento memorable, por estos días se conoció que iba a ser muy diferente a lo que resultamos viendo el pasado 23 de julio. Uno de los planes era que Shotaro Kaneda, protagonista del manga Akira, saliera en su icónica motocicleta. Akira ha sido famosa tanto en Japón como en el resto del mundo e inspiró una película estrenada en 1988. En los últimos años ganó aún más atención al conocerse que Tokio sería la sede de los Olímpicos de 2020, algo que anticipó el manga desde su publicación en 1982. Además de Akira, Mario, el recordado plomero de Mario Bros. y otros juegos de Nintendo, también iba a hacer una aparición. Suena bastante bien, entonces, ¿Por qué no vimos nada de esto en la inauguración? Según reportes de medios japoneses los elementos de la cultura pop que se habían planeado inicialmente para la ceremonia se eliminaron después de que la planificadora original de las ceremonias de apertura, la bailarina y coreógrafa Mikiko Mizuno, fuera reemplazada por el ejecutivo de publicidad Hiroshi Sasaki. Posteriormente, Sasaki renunció al evento después de que fue criticado por burlarse públicamente del cuerpo de la comediante y actriz Naomi Watanabe, quien también estaba programada para participar en el evento. Sasaki fue solo una de varias figuras de alto rango involucradas en la producción de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos que se vieron obligadas a renunciar: el compositor Keigo Oyamada, también conocido por el nombre artístico de Cornelius, renunció después de que resurgió una entrevista anterior en la que el músico que se jactaba de hacer bullying a niños con discapacidades. El director de la ceremonia de apertura, Kentaro Kobayashi, renunció solo un día antes del evento después de que fue criticado por una rutina de comedia que supuestamente incluía bromas sobre el Holocausto. Esperemos que el cierre haga un poco más de justicia a lo que se había planeado inicialmente, y que honre toda la riqueza cultural y artística de Japón.
La genialidad japonesa ha sido vital para conocer la cultura popular del país Nipón. Sus producciones, especialmente las animadas, le han dado la vuelta al mundo y una buena cantidad de personas crecieron viendo en televisión a las figuras del entretenimiento que nacieron en Japón y se consagraron en el resto del planeta. Los videojuegos también han sido pieza clave para el reconocimiento del país asiático como pionero de una industria enfocada en la creatividad intangible.Contenido relacionado | Tokio 2020: Los Juegos Olímpicos con más atletas abiertamente LGBTIQ+Las figuras de las que vamos a hablar en este artículo también son minas de oro: generan billete gracias a las franquicias que las productoras venden en diferentes idiomas y recaudan millones en artículos de mercadeo.La importancia de estas figuras para Japón quedó evidenciada en los Juegos Olímpicos de Rio 2016 cuando se mostró un abrebocas de lo que sería Tokio 2020. En ese avance se mostraba a algunos de los personajes más representativos de la cultura pop japonesa y hasta el Primer Ministro de ese país se disfrazó de Super Mario para invitar al mundo a estar al tanto de las justas deportivas.Figuras más famosas de la cultura pop de JapónDoraemonLas historias del gato cósmico empezaron en papel: es un manga escrito e ilustrado por Fujiko F. Fujio, seudónimo de Hiroshi Fujimoto. Luego de un tiempo Nippon TV ordenó hacerle su propia serie y en 1973 empezó a mostrar 26 capítulos de aventuras. Doraemon se ha extendido a otros formatos y ha llegado a tener hasta su propia película en 3D.Dragon BallLas aventuras de Gokú es un manga creado e ilustrado por Akira Toriyama. El impacto de este proyecto es incalculable y ha contado con la suerte de que sus diferentes proyectos derivados han contado con el apoyo del público global. Fuji Television es la productora que ha llevado el manga a la televisión. Es muy popular en América Latina.Hello KittyEs el rostro más famoso de Japón. Fue diseñada por Yuko Shimizu y el primer producto se lanzó en Japón en el país Nipón en 1974 y en los Estados Unidos en 1976. Su cara está en todo tipo de artículos y es la figura que más dinero genera, de hecho, tiene su propio parque temático de diversiones.Mario BrossAunque por su bigote muchos pensaban que era japonés, la realidad es que es más japonés que el Monte Fuji. El video juego Super Mario Bross es uno de los más exitosos de Nintendo y se ha convertido en una figura vital para los que aprecian el arte de los juegos de consola.GodzillaEl gigante monstruo, una mezcla entre una ballena y un gorila, ha protagonizado múltiples películas japonesas y gracias a su impacto dio el salto a Hollywood. Su más reciente proyecto fue la película Godzilla Vs King Kong que fue un éxito en taquilla durante el primer año de la pandemia.Pac-ManEs una de las franquicias de videojuegos más antiguas, vendidas y taquilleras de la historia. Durante más de 40 años se ha mantenido vigente en la vida de las personas, ha evolucionado y ha logrado reconocimiento global. Impactó fuerte en la década de los 80, pero sigue vigente gracias a su fácil forma de juego. Actualmente está disponible para diferentes tipos de dispositivos como consolas, computadores, tabletas y teléfonos inteligentes.¡El lado S de la cultura pop!
El mundo entero tiene los ojos puestos en Japón y es que la emoción por volver a vivir unos Juegos Olímpicos es global. Esta edición, que se ha visto muy afectada por la pandemia, también es la celebración del deporte donde el mensaje principal es que no nos podemos detener a pesar de las adversidades.Contenido relacionado | Inauguración Juegos Olímpicos Tokio 2020: “Separados, pero no solos”Tokio 2020 también ha traído grandes avances en materia de igualdad e inclusión. Esta edición en la que más participan deportistas abiertamente LGBTIQ+, de acuerdo con el portal Outsports en competencia hay 168 atletas que son parte de la comunidad y que representan con orgullo a sus países en las diferentes competencias.Los Olímpicos de este año también son históricos para la comunidad trans. En estas justas tres personas transgénero competirán por las medallas.- Laurel Hubbard, una mujer transgénero para el levantamiento de pesas de Nueva Zelanda.- Quinn, transgénero y no binaria, y usa pronombres de ellos / ellos, está compitiendo con el equipo de fútbol femenino de Canadá.- Chelsea Wolfe, también mujer transgénero, fue seleccionada como suplente para el equipo femenino de BMX estilo libre de Estados Unidos.La mañana del 26 de julio el medallista olímpico Tom Daley logró medalla de oro con su compañero Matty Lee en la categoría de nado sincronizado en una plataforma de 10 metros de altura. Durante una rueda de prensa se refirió al hecho de que estos Olímpicos tengan tanta diversidad.Me siento orgulloso de decir que soy un hombre gay y que también soy un campeón olímpico. Cuando era más joven pensaba que nunca podría conseguir nada precisamente por ser quien yo era. Ser campeón olímpico ahora demuestra que puedes conseguir cualquier cosa. (...) Espero que cualquier joven LGTB pueda ver que no importa lo solo que te sientas ahora, no estás solo. Puedes conseguir cualquier cosa”. Tom Daley en Tokio 2020.Otro dato importante a favor de la igualdad: por primera vez el 48% de las deportistas en competencia son mujeres.¡El lado S de los Juegos Olímpicos!
Japón es un lugar fascinante, entre otras cosas, por su particular combinación entre tradición y progreso tecnológico. Sus producciones culturales son referentes globales debido a una abundancia que ha revelado, también, las caras más extrañas del país. Y el cine sabido representar bien esas rarezas. Por eso les presentamos cinco de las películas japonesas más insólitas y perturbadoras de su filmografía. Por Mauro Rivera | @CINEsfuerzoblogPrueba de que Japón tenga un rol protagónico en el escenario cultural internacional es que, por ejemplo, palabras japonesas como: Manga, Geisha, Karaoke, Samurai, Emoji o Sushi hagan parte del vocabulario mundial. Sin embargo, más allá de su liderazgo económico e industrial, mucho de su omnipresencia se debe a su éxito en el campo del entretenimiento. Fenómenos de la cultura pop como Hello Kitty, Dragon Ball, Sailor Moon, Evangelion, Doraemon, Pokémon, Mario Bros, y muchos más, han permitido al mundo acercarse a las particularidades de la idiosincrasia japonesa.En un arte como el cine, dominado por la producción europea y estadounidense, Japón también ha sabido alimentar a un enorme monstruo cultural local, aportando una nuevas formas de representar y sentir el mundo. De ahí que en los listados de las mejores películas de la historia siempre figuren más de una decena de producciones niponas firmadas por Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi, Yasujiro Ozu, Nagisa Oshima y Hayao Miyazaki. Y claro, al lado de sus obras maestras también hay otras películas que quedaron grabadas en eso que llamamos Cultura Popular, como Godzilla, Akira, Ghost in the Shell, El Aro, Audition o El viaje de Chihiro del ya mencionado Miyazaki.El insólito cine japonésA pesar de que la bandera de la personalidad japonesa es su imágen de orden, disciplina, respeto y emoción contenida, contrastantemente, le han aportado al cine algunas de las derivas más inexplicables y sorprendentes. A esas historias las definiremos, por efectos meramente ilustrativos para este artículo, como el género “insólito japonés”.Así, y aprovechando el inicio de los Juegos Olímpicos Tokio 2020, les recomendamos estas 5 películas del país anfitrión que, además de entretener y destacarse por su calidad, les provocará preguntarse cada 5 minutos: ¿qué carajos es lo que estoy viendo?Tetsuo (1989)Un oficinista se empieza a convertir progresivamente en máquina, pero además del horror físico que esto significa, éstas modificaciones empezarán a pasarle factura a su estabilidad mental y pronto descubrirá que es víctima de un fetichista del metal y las modificaciones anatómicas.Al lado de la definición de películas de culto debería aparecer el afiche de esta frenética, rústica y perturbadora pesadilla fílmica del japonés Shin'ya Tsukamoto, quien hizo las veces de director, actor, productor, cinematógrafo y editor de la película, en la que se materializa una obra que reta la tolerancia y la lógica de quien la ve.En sus escasos 67 minutos, Tetsuo se destaca por su estilizada creatividad y recursividad, por el uso expresionista del blanco y negro y el primer plano, y por la espeluznante fusión hombre y máquina que propone su guion. Y si a este cóctel se le agrega la -literalmente- industrial banda sonora de Chu Ishikawa, se alcanza una de las experiencias más viscerales y extrañas del cine mundial.Se puede ver completa aquí.Big Man Japan (2007)Este falso documental sigue la vida de Masaru Daisato, un solitario hombre que vive una mediocre vida. Sin embargo, pocos conocen que con una descarga eléctrica él se convierte en Dai-Nipponjin, un gigante de 30 metros, descendiente de un antiguo linaje, que defiende a Japón de los más extraños monstruos.Pongan en una licuadora a Godzilla y Hancock (2008), y súmenle el escepticismo de una sociedad que dejó de creer en el heroísmo y cuyo único interés es el lucro. Eso es Big Man Japan, la película debut como director del famoso comediante japonés Hitoshi Matsumoto.Lo más perturbador de esta película se lo pelean el diseño de “pesadilla anatómica” de los monstruos que el héroe deberá enfrentar y el final de película el estilo Kaiju (tipo Godzilla en los 70 o Power Rangers de los 90), cuando la parodia de Matsumoto alcanzará su mayor acidez.La película puede verse acá:The Emperor's Naked Army Marches On (1987)Aunque cueste creerlo, los eventos que retrata este documental son totalmente reales. Sigue de cerca la campaña de Kenzo Okuzaki, un veterano de la Guerra del Pacífico quien busca a sus antiguos compañeros y comandantes del ejército para que respondan por los abominables crímenes que cometieron durante su servicio. Sin embargo, las formas en las que este “justiciero” busca la verdad sobrepasarán los límites de la razón, la ética y tendrán alcances totalmente insospechados.Cuando pensamos en tomar acciones para conocer una verdad y hacer justicia, ¿hasta dónde podríamos ir con tal de alcanzarlas? ¿En qué momento estas búsquedas se pueden tornar en venganza? ¿No importarían los medios con tal de alcanzar esa verdad y justicia?Esas son algunas de las estimulantes y perturbadoras preguntas que hace el documental de Kazuo Hara, quien además de seguir la lucha de Okuzaki cuestiona el silencio de toda una nación por las atrocidades cometidas durante la Segunda Guerra Mundial.Este documental, considerado por muchos como una de las mejores producciones del Japón, es una película incómoda por las verdades que se revelan y la forma en que se consiguen. Una historia de detectives en la que las principales pistas son el silencio y la furia.House (1977)Siete amigas adolescentes (Maravillosa, Fantasía, Profe, Kung-Fu, Mac, Dulce y Melodía) deciden pasar sus vacaciones en la casa de la misteriosa tía de Maravillosa. Sin embargo, una vez allí empiezan a ocurrir misteriosos hechos y una a una las chicas empiezan a desaparecer.Un día Nobuhiko Obayashi, director de la película, le preguntó a su hija de 11 años qué era lo que más miedo le generaba. Algunas de sus respuestas incluyeron ser devorada por un piano o encontrar una cabeza en un pozo. ¡Vaya mente la de la niña!Estas ideas fueron las que le sirvieron al director para realizar su debut: House, una película que se balancea entre la fantasía infantil y el terror más sádico; una combinación casi imposible de sacar adelante, pero que Obayashi, con mucha creatividad y humor, logra con brillantez.Aún a más de 30 años del estreno de esta película, no pierde la capacidad de sorprender, no solo por el rústico uso de los efectos especiales con Chroma Key -sí, como en el Chapulín Colorado-, sino por la psicodelia y las perturbadoras escenas violentas. Un clásico definitivo del cine “insólito japonés”.Symbol (2009)Un hombre en pijama se despierta encerrado en un cuarto de paredes blancas, donde lo único extraño que hay es el pequeño pene de un querubín, ¿qué pasará cuando el desesperado hombre lo oprima?Así, tal cual. ¿Qué carajos es esto?Esta es la segunda película del genial Hitoshi Matsumoto, que a pesar de su extraña –por decir lo menos– premisa, se termina revelando como una de las obras cumbres del género “insólito japonés”. Y no sólo porque la forma en que Matsumoto hace humor (quien también la protagoniza) sea perfecta, sino porque encierra una visión sobre el mundo e incluso sobre la existencia bastante particular.No vale la pena hablar mucho de ella para no dañar la sorpresa, pero definitivamente es una de las imperdibles de esta selección.Aunque no se encuentra en ningún servicio streaming disponible en Colombia, se puede ver una versión subtitulada en francés en Youtube, algo que no será problemático, pues una parte es hablada en español y la otra casi no tiene diálogos.
Con gratitud y esperanza, Japón le dio la bienvenida oficial a los más de 11.000 deportistas que participarán en esta edición de los Juegos Olímpicos Tokio 2020. Es la primera ceremonia que se hace sin público del país anfitrión, pero, tal vez, una de las más emotivas y nostálgicas de todos los tiempos por el momento histórico que vive el planeta.Contenido relacionado | Juegos Olímpicos: ‘Super campeones’ y otras series animadas japonesas deportivasCon ayuda de tecnología de última calidad y el talento humano de cientos de artistas japoneses, la ceremonia inaugural de los Olímpicos estuvo relacionada con elementos propios de la cultura japonesa donde se le dio especial atención a la madera, producto de los bosques japoneses que bendicen al país.Los anillos olímpicos se fueron tomando el escenario, en esta oportunidad cada uno de los arcos fue hecho con madera japonesa. Representa la unión de las naciones más importantes del mundo. Se dice que la madera usada fue sembrada 57 años atrás por atletas asiáticos y ahora se usa para estos olímpicos.Para leer | Juegos Olímpicos: los actos musicales más recordados de las ceremoniasEvidentemente, como es tradición, el estadio olímpico tuvo un segmento de pirotecnia y fue grabado con cámaras de calidad 8K desde drones.La transmisión titulada Moving Forward, tuvo diferentes capítulos enfocados en la importancia del deporte como agente de cambio. Luego de la participación artística se le dio paso al desfile de los atletas. Dato no menor: por primera vez 48% de atletas en las olimpiadas son mujeres.Estas son algunas imágenes de la inauguración.Angelique Kidjo, Alejandro Sanz, John Legend y Keith Urban interpretaron una versión de Imagine, original de John Lennon..En video | Así es 'Memoría', la película colombo-tailandesa de Apichatpong Weerasethakul con Tilda Swinton¡El lado S de la cultura popular!
Finalmente, luego de un año de retraso por la pandemia del coronavirus, se realizará la esperada ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos Tokio 2020. Se espera que el espectáculo cuente con una dosis alta de tecnología en vista de que no habrá muchas personas en el estadio para evitar el contagio del covid que está teniendo un rebrote en Japón.Contenido relacionado | Juegos Olímpicos: ‘Super campeones’ y otras series animadas japonesas deportivasLa ceremonia está programada para el 23 de julio de 2021 en el Estadio Olímpico de Tokio en las horas de la noche. En Colombia, la transmisión se podrá ver desde las 5:30 de la mañana por Caracol Televisión.Se espera que sea inaugurado formalmente por el emperador Naruhito. Según lo estipulado por la Carta Olímpica, los procedimientos mezclarán la apertura formal y ceremonial de este evento deportivo, incluidos los discursos de bienvenida, el izamiento de las banderas, desfile de atletas y un espectáculo artístico para mostrar la cultura y la historia del país anfitrión.Con antelación se ha informado que mucho de lo que veremos en pantalla será pregrabado, pero contará con momentos en vivo en el que habrá una cantidad limitada de asistentes.El tema principal de la ceremonia de apertura es "Moving Forward: United by Emotion", nombre que se le dio como motivación para las personas que han perdido a un ser querido por la pandemia del COVID-19.Recordemos que en la clausura de los Juegos Olímpicos de Rio 2016 se dio un adelanto de lo que veríamos en la inauguración de Tokio.Las ceremonias de apertura y clausura han tenido tres directores diferentes como su Director Creativo. Entre julio de 2018 y diciembre de 2020, Mansai Nomura, actor del teatro tradicional japonés, fue el director creativo en jefe, pero renunció al cargo cuando el equipo de la ceremonia original se disolvió así que empezó a asesorar.Entre diciembre de 2020 y marzo de 2021, Hiroshi Sasaki fue director creativo hasta que Sasaki renunció después de hacer un comentario despectivo sobre la comediante e icono de la moda japonesa Naomi Watanabe. Desde marzo de 2021, Takayuki Hioki, director gerente de Sports Branding Japan, ha sido Director Adjunto de Ceremonias y Productor Ejecutivo.La ceremonia contará con música de Seigen Tokuzawa, Marihiko Hara y Masayuki Kagei. Sin embargo, se desconoce quién compondrá la parte del Desfile de las Naciones. Se espera que el dúo de comedia HIRO-PON haga acto de presencia.Evidentemente la ceremonia mostrará el aporte que el manga y las series animadas han hecho al mundo de la cultura popular. Grandes marcas tecnológicas de ese país han invertido dinero para que la ceremonia tenga un impacto gigante.¿Cómo ver la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Tokio?Cada país tiene su canal oficial, en Colombia la transmisión exclusiva es de Caracol Televisión y se realizará a partir de las 5:45 de la mañana.En video | Así es 'Memoría', la película colombo-tailandesa de Apichatpong Weerasethakul con Tilda Swinton¡El lado S de la cultura popular!
Iniciaron los Juegos Olímpicos de Tokio 2020, o mejor 2021, que llegan cinco años después de las emocionantes competencias que dejó Rio 2016 en una era en que la pandemia del coronavirus no existía. La llegada de las justas deportivas nos llevan hasta Japón y a entender la importancia que los deportes han tenido para los proyectos animados del país.Contenido relacionado | Caitlyn Jenner: de campeona olímpica a figura farandulera de HollywoodDefinitivamente el punto de partida de este listado debe ser Super Campeones, una serie que impactó fuertemente en las audiencias infantiles y juveniles de Colombia porque en ella se destaca la importancia del fútbol. Este deporte del balompié ha sido motivación para cientos de familias en América Latina, es por eso que Colombia tiene tantas estrellas internacionales de fútbol.Pero Super Campeones o Captain Tsubasa, su nombre internacional, no es el único proyecto de animación japonés enfocado en un deporte. Estos son otros que le dieron su lugar a las diferentes disciplinas que hay en los Juegos Olímpicos.Fútbol AmericanoPublicado entre 2002 y 2009, Eyeshield 21 cuenta la historia Sena Kobayakawa, un joven que es matoneado por sus compañeros, pero que después descubre su habilidad para correr. Lo que lo llevan a aventurarse a participar en un club de fútbol americano. Este proyecto ha tenido películas, series, comic y cartas.BaloncestoKuroko no Baske 黒子のバスケ es una serie de manga deportiva, escrita e ilustrada por Tadatoshi Fujimaki. Se publicó en 2012 y tuvo 25 episodios en los que la historia giraba en torno al basket o al baloncesto como se le conoce en Latinoamérica.TenisEscrita e ilustrada por Takeshi Konomi, es una serie de los noventa que habla sobre el gran talento de un joven por el deporte de raqueta. La sinopsis cuenta que “Ryōma Echizen es un adolescente bastante arrogante y que no posee muy buenas relaciones personales con los demás. Solía vivir con su familia en Estados Unidos, pero tras llegar a Japón (el país natal de su padre), debe aprender a adaptarse a su nueva vida en un instituto, en el cual se apunta al club de tenis "Seigaku".NataciónEsta serie llamada Free! se enfoca en cuatro amigos aficionados a la natación como deporte. Su nombre original es Free! Iwatobi Swim Club.Tiro al arcoEl argumento de Tsurune revela que “Minato Narumiya solía estar en el club de kyūdō de su escuela secundaria hasta que cierto incidente en su último torneo hizo que decidiera dejar el tiro con arco para siempre”. Ahí inicia una serie de aventuras que lo llevan a plantear su vida y sus propósitos.RunningSu nombre universal es Kaze Ga Tsuyoku Fuiteru, pero también se le conoce como Run with the Wind. Una novela manga sobre atletismo y los retos de entregarse a un deporte de velocidad.CiclismoEstrenada en 2014, muestra muchas perspectivas del ciclismo. YowaPedal es su nombre original y, a diferencia de otras producciones de su estilo, ayuda a educar sobre el deporte en bicicleta.BeisbolEl deporte del bate y la bola pesada tiene su espacio en este listado con Daiya no Ace. Una emocionante historia en la que, a través de 75 episodios, se cuentan historias alrededor del deporte.BoxeoA Hajime no Ippo se le conoce en América Latina como Espíritu de lucha y se enfoca en ese deporte de golpe. La serie tiene 25 episodios y se basó en una publicación gráfica de la editorial Kōdansha de 1989.¡El lado S del cine y la tv!
Blessd se une a una de las leyendas más grandes del futbol mundial, Ronaldinho Gaucho, para jugar un partido de futbol. La cita será el 16 de mayo en el marco del Si Sabe Fest Deluxe en el Coliseo Cubierto Iván De Bedout de Medellín. La entrada es gratuita, hasta completar el aforo. El paisa presenta su nuevo trabajo musical “BLESSDELUXURY” a través del fútbol, una de sus más grandes pasiones. Ya hubo una primera fecha entre los 2 en Miami, así que Blessd espera una victoria en su tierra. “Estamos listos para romper de nuevo, pero ahora en nuestra ciudad, vamos a hacer la revancha y todas las entradas serán gratuitas exclusivamente para los fanáticos del Bendito y del buen futbol Si Sabe … Prometo esta vez ganarle a Ronaldinho y a los cracks que lo acompañan”, dice Blessd. El juego será una exhibición en compañía de una nómina de lujo que contará con dos grandes figuras en la dirección técnica de ambos equipos. Dirigiendo al equipo de Blessd estará una de las glorias del futbol, el portero de la selección Colombia René Higuita y dirigiendo al equipo de Ronaldinho estará Francisco Maturana, uno de los directores técnicos más recordados quienes dejarán toda su experiencia en la cancha en un espectáculo especial para todos los asistentes. Para quienes no puedan entrar, la transmisión estará a cargo de Westcol, unos de los streamers más conocidos del mundo y el #1 de ColombiaAmbos capitanes Blessd y Ronaldinho lo dejarán todo en la cancha. ¿Quién es Blessd?Stiven Mesa Londoño, conocido artísticamente como Blessd, es un cantante y compositor colombiano nacido en Medellín el 27 de enero del año 2000. Desde pequeño, Blessd estuvo rodeado de música gracias a la influencia de su tío rapero, quien lo introdujo al mundo del freestyle y las batallas de rap.Su pasión por la música lo llevó a comenzar su carrera como aficionado a los 15 años, participando en competencias y presentaciones locales. A los 17 años, compaginaba su pasión por la música con el trabajo familiar, vendiendo frutas y verduras en la Central Mayorista de Antioquia.
El Tribunal de apelaciones de Nueva York anuló la condena de Harvey Weinstein por delitos sexuales el jueves 25 de abril del 2024. La juez Jenny Rivera, la voz mayoritaria del tribunal, aseguró que la decisión fue tomada porque en el juicio se cometieron errores fundamentales. El veredicto, con cuatro votos a favor y tres en contra, llevó a que se ordenara un nuevo juicio demostrando que en el juicio del 2020, en el que se le dictaminó una condena de 23 años de cárcel, se permitió injustamente que mujeres que no eran parte de los cargos iniciales testificaran contra Weinstein.El abogado del exproductor de Hollywood, Barry Kamins, dijo en una entrevista que Harvey Weinstein se presentará frente a un juez en Manhattan para solicitar la libertad bajo fianza mientras se establece la fecha del nuevo juicio. "Nos complace que el tribunal haya acordado que al Sr. Weinstein se le negó su derecho fundamental a un juicio justo", comunicó Kamis. La juez Rivera resaltó que, el hecho de haber incluido injustamente los testimonios de mujeres que no hacían parte del caso, hacían que se reforzara la posición en contra al exproductor de 72 años por conductas anteriores y no solo por las que estaba siendo imputado. Incluso, podía haberle impedido a testificar en su favor. Por su lado, Barry Kamis y Arthur Aidala, otro abogado de Weinstein, consideran que en el proceso judicial del 2020, el juez "abandonó repetidamente su deber de salvaguardar las garantías constitucionales y los derechos procesales de Weinstein". Por esto, lo dejó "impotente para defenderse de un fiscal incontrolado".La condena por delitos sexuales de Harvey Weinstein en CaliforniaSin embargo, esta no es la única demanda que enfrenta Harvey Weinstein. Actualmente, también está condenado en California a 16 años en prisión por violar a Evgeniya Chernyshova en un hotel de Beverly Hills en el 2013. Por esto, el exproductor deberá seguir en prisión. El caso está ahora en manos del fiscal del distrito de Manhattan, Alvin Bragg, quien aseguró a través de un portavoz que: “Haremos todo lo que esté en nuestra mano para volver a juzgar este caso, y seguiremos firmes en nuestro compromiso con las supervivientes de agresiones sexuales”.¿Un retroceso para el movimiento #MeToo?Ashley Judd, la actriz estadounidense de cine y una de las voces más destacadas detrás de la demanda, consideró esta anulación como una "traición institucional". Asimismo, el abogado de Evgeniya Chernyshova, la mujer detrás de la demanda en California, afirmó que "está obviamente decepcionada" y "se siente mal por las víctimas que soportaron ese juicio y las posteriores apelaciones, sólo para ver cómo se revocaban las condenas".Los abogados también se han manifestado a favor y preocupados por sus defendidas. Por un lado, Lindsay Goldbrum, quien ha representado a seis víctimas, dijo que: "Lamentablemente, la sentencia de hoy arroja una oscura sombra sobre su valentía y, sin duda, disuadirá a futuras víctimas de agresiones sexuales de denunciar". Por el otro lado, Douglas Wigdor, abogado de ocho víctimas, subrayó una de las consecuencias más impactantes y crueles de la anulación. “La decisión de hoy supone un gran paso atrás en la exigencia de responsabilidades por actos de violencia sexual. Anular el veredicto es trágico porque obligará a las víctimas a soportar otro juicio más”. Scott Berkowitz, el fundador y presidente de la organización contra la violencia RAINN, también se manifestó y comunicó que: "Anular la condena de Harvey Weinstein es una decisión horrible que no protege el debido proceso: pone en peligro la justicia para las supervivientes de sus crímenes".
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Caraja dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me réuno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo.
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).