Más de 100 canciones repartidas entre siete álbumes de estudio, siete álbumes y tres EP en vivo, dos remezclas, un mashup, un recopilatorio, más de 15 compilaciones que reúnen demos y canciones inéditas y decenas de colaboraciones son parte del arsenal musical de estas seis cabezas maestras. Por esa razón les presentamos la lista definitiva de las mejores canciones de una de las bandas de rock alternativo más influyentes del nuevo siglo: Linkin Park.Por Nick Martínez // @NickXtatic | Fotografías Getty Images (Evan Agostini, Scott Harrison, Vince Bucci & Christopher Polk)Linkin Park es una de las bandas de rock alternativo más grandes del mundo, eso no es ningún secreto. Han vendido más de 70 millones de álbumes en todo el mundo, convirtiéndose en esas pocas bandas que lograron sobrevivir a la dura transición de lo que fue el “nu metal” o metal alternativo a finales de los 90 y principios del siglo XXI con bandas como Limp Bizkit, Korn, Slipknot, Incubus, P.O.D., entre muchas más. Pocas agrupaciones se dan el lujo de presentarse ante decenas de miles de personas en una época en la que el rock a nivel mundial pasa por una interesante transformación de sonidos y en su gran mayoría, se nutren de festivales y conciertos que convocan a más de cinco bandas por cartel y los conciertos en solitario suelen ser escasos. Juntos, Mike Shinoda, Dave “Phoenix” Pharrel, Rob Bourdon, Brad Delson, Joe “Mr. Hahn” Hahn y Chester Bennington –quien murió el 20 de julio de 2017 en Palos Verdes, California–, le han dejado al mundo un interesante legado de versatilidad musical en sus sonidos y letras, que, aunque muchos lo nieguen o se sientan afligidos por sus logros, es una banda que ha escrito en el extenso libro de la historia del rock con increíbles éxitos y múltiples récords mundiales. Por ejemplo, Linkin Park es la banda que más ha vendido un álbum de nu metal con un estimado de más de 30 millones de copias en todo el mundo gracias a Hybrid Theory, por encima de pesos pesados como Korn, System of a Down, Papa Roach y Deftones. Además, este fue el álbum más vendido en 2001 con más de cuatro millones de ventas, alcanzando hasta la fecha más de once millones solo en Estados Unidos según la RIIA (The Recording Industry Association of America).No es sencillo enumerar su arsenal de canciones para encontrar la mejor. Entre conocedores y detractores, muchos coincidirán que nada superará sus dos primeros álbumes y un par de canciones, pero ojo, no todo lo bueno está ahí, se los dice un Street Soldier (nombre que se le da a su fanbase desde el día uno) apasionado. Después de un largo debate personal y de analizar las plataformas de streaming, los listados musicales, sus cientos de conciertos en Setlist.FM y las firmas de certificaciones como IFPI, RIIA, MC, IRMA, RIANZ entre varias más, les presento LA LISTA DEFINITIVA de las mejores 30 canciones de mi banda favorita, Linkin Park, una lista que ayudó a cerrar el ciclo por la pérdida de Chester Bennington y que en consecuencia de esta búsqueda, puedo afirmar con un sólido argumento que se convirtió en una de las bandas de rock alternativo más importantes del nuevo siglo, que no se encasilló en un solo género y logró trascender del nu metal para posicionarse como una banda de élite.Aunque su futuro aún es incierto, estas seis cabezas maestras nos enseñaron a evolucionar musicalmente, adoptar la versatilidad de sonidos, expresar el amor, la soledad, la depresión, las adicciones, la felicidad, la tristeza y la esperanza a través de las letras. No solo tocaban las canciones, sino que las componían, producían, mezclaban e incluso dirigieron gran parte de sus videos musicales (15) en cabeza de Joe Hahn, para así presentárselos a decenas de millones de personas en todo el mundo. Actualmente diez de ellos se encuentran entre los 100 y 700 millones de reproducciones en YouTube y uno de ellos supera los mil millones.* * *#30 Iridescent – A Thousand Suns (2010): En agosto de 2017 fue certificado por la RIIA como Canción de Oro. Formó parte de la banda sonora de Transformers (2007) por tercera vez consecutiva, lo cual fue un encaje perfecto para demostrar la madurez de la banda musicalmente junto a la saga de Autobots vs. Decepticons. Phoenix, Bourdon, Delson y Hahn acompañaron los coros de la canción: un experimento que llevaron a cabo en este álbum ya que era costumbre que los coros los realizara Chester Bennington con una secuencia de voz duplicada de altos y bajos, en algunos casos acompañados por Mike Shinoda, para imprimir el toque característico de la banda. El video musical de esta “balada de rock” –como la describió en su momento la banda–, fue dirigido (como es costumbre) por Joe Hahn, presentando un viaje espectral de situaciones emotivas, mezclando el poder de la tecnología sobre la humanidad.#29 Pts.Of.Athrty – Reanimation (2002): ¡Un gran clásico que se coló en las listas de reproducciones de muchas personas cuando apenas se empezaba a gestar una plataforma de videos en la Internet! Esta canción es el remix de Points Of Authority. Forma parte de su primer repertorio de remezclas, Reanimation, álbum que vendió más de dos millones de copias en todo el mundo convirtiéndose en la cuarta placa discográfica de remix más vendida en la historia, tan solo por debajo de Michael Jackson, Madonna y The Beatles. Este remix fue realizado por Jay Gordon de la banda Orgy en el año 2002, arrojando una producción que muestra el amplio gusto de la banda por los sonidos electrónicos. Su video fue producido en CGI con Joe Hahn como director. Allí se muestra una batalla de robots y bestias, un amplio control de inteligencia artificial y las cabezas alimentadas por máquinas de cada uno de sus integrantes. ¡En serio, es un gran clásico!#28 The Catalyst – A Thousand Suns (2010): Esta canción significó un gran cambio para la banda. Fue un catalizador de varios sonidos, emociones y experiencias que cada uno de los integrantes sentía al momento de construir el álbum. Su producción converge en sonidos más melódicos, potentes, electrónicos, voces distorsionadas y un amplio uso de sintetizadores que le comunicaron al mundo la clara transición del rock alternativo en la nueva década del siglo XXI. Linkin Park ya no era una banda etiquetada como “nu metal”. Al momento de su lanzamiento (2010), la banda les entregó a sus fanáticos material de la canción para que tuvieran la oportunidad de re-versionar la pieza original y que esta pudiese ser publicada oficialmente por ellos como un remix. Su video forma parte de la élite de artistas que han logrado más de 180 millones de reproducciones en YouTube. La banda australiana-británica de rock alternativo y drum and bass, Pendulum, realizó un cover de esta canción en un evento en vivo para la BBC Radio 1.#27 Until It’s Gone – The Hunting Party (2014): Cabe resaltar que el sexto álbum de estudio del cual forma parte esta canción, certificado como Disco de Platino por la RIIA en diciembre de 2017, marcó un cambio significativo en la banda, pues volvieron a sus raíces y no precisamente las de nu metal, sino las de ese metal / rock melódico y poderoso inspirado por Guns N’ Roses, Black Sabbath y Metallica combinado con la nueva escuela de sonidos pesados de los 90. Canciones como Guilty All The Same ft. Rakim, Rebellion ft. Daron Malakian, Drawbar ft. Tom Morello y Final Masquerade son una gran adición a un álbum completamente distinto a lo que Linkin Park estaba acostumbrado a hacer. Until It’s Gone es un buen ejemplo de esto, aquí Chester demostró su gran versatilidad vocal. Una canción que los puede llevar por un viaje intenso de tristeza, recuerdos emotivos y un soplo a una realidad natural: la muerte.#26 Lost In The Echo – Living Things (2012): Esta canción y en general el álbum, continuó con los sonidos electrónicos que se evidenciaron en A Thousand Suns (2010). Fue el segundo sencillo lanzado por la banda y aquí nos transportaron a un clásico de ellos: iniciar las canciones con contundentes sintetizadores pero, a su modo, con una propuesta fresca que seguía demostrando la transformación del rock alternativo. Sin miedo a explorar, lograron una sólida pieza que no faltaba en sus principales conciertos y que se metió en la cabeza de sus seguidores por esos contundentes coros que solo Chester y Mike sabían hacer. La mezcla de rap / rock es, fue y será su marca para siempre. El video tuvo una interesante interacción con sus seguidores por medio de Facebook al integrar las fotografías personales de cada persona en diferentes partes del vídeo, al mejor estilo de Black Mirror.Linkin Park – Pts.Of.AthrtyReanimationDirector: Joe Hahn2002 #25 Numb / Encore – Collision Course (2004): Querida por unos, odiada por otros. Lo cierto es que fue una de las canciones más importantes en la carrera de Linkin Park en la que el rock y el hip hop se encuentran una vez más. Nace de la increíble colaboración con Jay-Z gracias al mashup liderado por MTV a principios del siglo XXI en la que se mezclaron canciones de ambos artistas para dar una pieza nueva y única en su estilo. Durante la grabación, se pudo ver a un Jay-Z listo para experimentar y a un Linkin Park preparado para seguir cosechando éxitos. Se le otorgó a la banda en 2006 su segundo Grammy (el quinto de Jay-Z) por Mejor Colaboración de Rap. La canción mezcla el coro y sintetizadores característicos de Numb del álbum Meteora con la letra de la canción Encore (producida por Kanye West) del álbum nominado al Grammy a Mejor Álbum de Rap: The Black Album de Jay-Z. Durante su presentación en los Premios Grammy en 2006, la canción hizo un giro legendario al invitar a Sir Paul McCartney al escenario e interpretar parte de Yesterday. En su segundo álbum en vivo, Road To Revolution, Jay-Z y Linkin Park se juntaron una vez más para hacer sonar Jigga What / Faint y Numb / Encore como sorpresa de la noche.#24 Shadow Of The Day – Minutes To Midnight (2007): Fue un reto durante su producción, pues la banda, que siempre se ha caracterizado por su perfeccionismo en el estudio de grabación, estaba en la búsqueda del ritmo adecuado y la clave perfecta, Si Mayor, para la canción. Esto los llevó por varios estilos hasta encontrar el resultado que conocemos hoy en día. De hecho, es la primera canción de Linkin Park en utilizar una de las principales claves. Mike Shinoda se aleja de la voz y coros para esta canción y Chester Bennington se apodera de ella totalmente con su lírica además de acompañar la guitarra, algo que no solía suceder hasta esa fecha.#23 Waiting For The End – A Thousand Suns (2010): Con tintes cada vez más electrónicos, una gran descarga de percusiones a cargo de Rob Bourdon y un sube y baja de emociones gracias a la mezcla de voz de Mike con su rap y la de Chester con sus palabras sostenidas, lograron forjar una canción poderosa que suena mejor con cada repetición.#22 Runaway – Hybrid Theory (2000): La historia detrás de esta canción se remonta a los principios de la banda en 1997 junto a Mark Wakefield en la voz cuando eran conocidos como Xero y estaban apenas creando un EP con sonidos experimentales. La única canción que sobrevivió de esa maqueta y trascendió fue Stick N Move, o bueno, parte de ella, pues su construcción y ritmo se reflejó en Runaway, pero esta vez era Chester quien tomaba el mando con su voz. Con una distorsionada guitarra, una consistente repercusión y la mezcla de sonidos electrónicos con el rap y guturales espontáneos, esta canción evidencia el antes y después de una banda que empezó en un garaje del Condado de Los Ángeles para convertirse en una de las más grandes de rock alternativo de la historia.#21 Leave Out All The Rest – Minutes To Midnight (2007): Similar a lo que sucedió con Shadow Of The Day, esta canción también pasó por varias reescrituras y títulos hasta llegar a la que hoy conocemos. Junto al legendario productor Rick Rubin –gurú del rap y el heavy metal–, Mike Shinoda y Chester Bennington sabían que tarde o temprano se iba a convertir en un sencillo y una pieza infaltable en sus conciertos.Linkin Park – Somewhere I BelongMeteoraDirector: Joe Hahn2003 #20 Castle Of Glass – Living Things (2012): La legendaria magia de Rick Rubin (Aerosmith, System Of A Down, Eminem) como productor se demostró con el éxito de esta canción. Es de las canciones más melancólicas del álbum. Al momento de lanzarse como sencillo, la banda anunció que todos los ingresos de esta serían para ayudar a los heridos de guerra. Por esa razón forma parte de la banda sonora del videojuego Medal of Honor: Warfighter y su video, el cual fue dirigido por Drew Stauffer y Jerry O'Flaherty, se centra en las pérdidas humanas a causa de la guerra.#19 Heavy – One More Light (2017): Es la primera canción en toda la discografía de la banda en la que una mujer colabora. El turno fue para Kiiara, una artista pop en ascenso que con su voz le dio el toque perfecto. Habla de las frustraciones y problemas personales por las que cualquier persona pasa, batallando con los demonios internos que siempre quieren sacar lo peor de uno mismo. En el video podemos ver a Chester luchando contra él mismo en lo que parece una rehabilitación de algún tipo de adicción.#18 With You – Hybrid Theory (2000): ¡Adictiva de inicio a fin! Es la canción que mezcla todos los géneros de su álbum debut, el que los posicionó como una banda de élite: electrónica, nu metal, hip hop y un solo de scratch fueron los ingredientes de esta receta experimental. Fue parte de sus presentaciones en vivo hasta que llegó su tercer álbum. Después de eso paso a ser una canción secundaría de sus conciertos, que duraban casi dos horas. Esta canción también fue un gran referente para las futuras producciones de la banda, pues el rap de Mike Shinoda y los guturales melódicos de Chester Bennington estuvieron juntos decenas de veces, solo que las voces distorsionadas y recortadas fueron quedando en el pasado.#17 Burn It Down – Living Things (2012): Con cada nuevo álbum, el primer sencillo suele ser clave y la respuesta de la evolución musical. Así pasó con esta canción, pues las explosiones líricas y los sonidos experimentales le permitieron a la banda demostrar que pueden hacer lo que quieran sin fallar en el intento.#16 Lying From You – Meteora (2003): De esas canciones que merecen ser dedicadas, pero no por ser románticas, sino por expresar todo ese odio a las relaciones amorosas. Es una canción con una introducción que hipnotiza a cualquiera y una poderosa mezcla de guturales por parte de Chester Bennington. De las pocas canciones de Meteora que lograron mantenerse constantes en sus presentaciones en vivo. Fue parte del mashup junto a Jay-Z y, además, usan un sample de la llanta quemándose por el arranque de un carro para armonizar con los sintetizadores y la guitarra distorsionada de Brad Delson, algo poco común en la banda pero que tuvo un resultado excepcional.Linkin Park – In The EndHybrid TheoryDirectores: Joe Hahn & Nathan "Karma" Cox2001#15 One More Light – One More Light (2017): No es una canción fácil de digerir. Después de la muerte de Chester Bennington, cada letra, cada sonido y cada sentimiento impreso en cada álbum suena como una larga despedida anunciada. Como fiel seguidor, no me atreví a escucharla de nuevo hasta hace tan solo unos meses. Su significado es simple, le canta a la muerte, a la memoria y al vacío emocional que genera el perder algo muy querido. Su video, se compone de diferentes piezas visuales desde Hybrid Theory hasta One More Light. Una crónica visual de los momentos en los que Chester y la banda compartieron para crear esta máquina de rock. Clips que el más fanático veía una y otra vez mucho antes de que se gestara las redes sociales y las plataformas de videos. Hasta la fecha ha cosechado más de 120 millones de reproducciones en YouTube y se convirtió en la pieza visual para recordar el legado de Chester Bennington.#14 Points Of Authority – Hybrid Theory (2000): Fuerte y sentimental, le canta al amor, a la ira y a la impotencia generada por las acciones de un tercero. Se mantuvo constante en sus presentaciones en vivo y formó parte del mashup junto a Jay-Z. Antes de que YouTube llegara, el video de esta canción no era fácil de encontrar y se realizó con partes de su DVD documental: The Frat Party At The Pankake Festival dirigido por Nathan "Karma" Cox con material en video del 2000 y 2001.#13 From The Inside – Meteora (2003): Inseguridad, rabia y frustración, son los componentes de esta poderosa canción que al escucharla nos lleva por un breve viaje de emociones, como una montaña rusa de sonidos. Mezcla una tranquila melodía con los inquietantes coros guturales de Chester. Su video muestra una constante guerra contra el sistema en la que niños y adolescentes se ven involucrados. Tanques y fuerzas militares forman parte de esta narrativa visual. Fue grabado en una época en la que se cosechaba la guerra entre Estados Unidos y Afganistán por los atentados del 9-11.#12 Given Up – Minutes To Midnight (2007): Empecemos con el hecho de que es una de las canciones con el grito más extendido en la historia del metal alternativo: 17 segundos continuos de pura rudeza. De las pocas canciones que suponen un sonido pesado en este álbum, ya que fue parte de la transición que la banda buscaba desde Meteora.#11 New Divide (Sencillo): Con la llegada de la segunda entrega de Transformers (2009), llegó esta canción: una poderosa dosis de elementos electrónicos combinados con el rock alternativo que se fue gestando en la primera década del siglo XXI. Los sintetizadores jugaron un papel importante y en secciones muy cortas, regresa la duplicidad en la voz de Chester para hacer de sus gritos un sonido más poderoso. Linkin Park – New DivideTransformers: Revenge Of The FallenDirector: Joe Hahn2009#10 Bleed It Out – Minutes To Midnight (2007): La canción que cerró con telón de oro más conciertos que cualquier otra, la favorita de Brad Delson, la que tocó escribir 100 veces y la que tiene uno de los mejores videos musicales dirigidos por Joe Hahn al presentar una pelea en un bar en reversa mientras la banda toca en secuencia normal. Es la canción más corta del álbum y la que más rap de Mike Shinoda tiene. De hecho, se considera más una canción de rap-rock que rock alternativo.#09 Somewhere I Belong – Meteora (2003): En el documental Frat Party (2001), se puede ver cómo la banda está construyendo Meteora, un álbum construido casi en su totalidad en carretera. En uno de sus capítulos Mike Shinoda nos muestra un pequeño abrebocas de lo que es el sample de introducción de esta canción en crudo. Lo que pasó después fue la entrega de una sólida canción que nos cuenta sobre la desesperación por pertenecer a algún lugar. El video es una mezcla entre arte inspirado por Salvador Dalí y elementos de la cultura oriental para hacer referencia a dos de los miembros de la banda (Mike y Joe) y su álbum de remezcla, Reanimation.#08 Papercut – Hybrid Theory (2000): ¿Se han preguntado cómo es la paranoia y la desesperación creada por el egoísmo? De eso trata esta canción y su video lo apoya de inicio a fin. Con esta canción abren su álbum debut, el enganche clave de su éxito a nivel mundial. Parte de ella también forma parte del mashup con Jay-Z y se convirtió en la infaltable de sus presentaciones en vivo. Durante el video, dirigido por Joe Hahn y Nathan "Karma" Cox, podemos observar la cara de Rob Burdon deformarse. Esto se debe a que la banda siempre ha querido dejar momentos disruptivos en sus videos. Al final, Chester sostiene una libélula en su mano, algo inesperado durante la grabación que se aprovechó al máximo.#07 One Step Closer – Hybrid Theory (2000): La canción que detonó todo, el primer sencillo lanzado como Linkin Park, el que posicionó al álbum como uno de los mejores del año y la razón por la que los encasilló como una banda de nu metal. El rap de Mike se ausenta y los característicos guturales de Chester se hacen presentes. En Reanimation aparece el remix de esta canción junto con la participación de Jonathan Davis de Korn. También fue parte del mashup con Jay-Z.#06 What I’ve Done – Minutes To Midnight (2007): Con esta canción le declararon al mundo sus ganas de experimentar y evolucionar. Ya no más el Linkin Park de los primeros dos álbumes. No más voces triplicadas y guitarras distorsionadas en extremo. Una canción que puede variar en significados, pero que, junto a su video musical dirigido por Joe Hahn, nos cuenta sobre lo nociva, frágil y autodestructiva que puede llegar a ser la humanidad. ¿Sabían que la banda ama la serie de Transformers y por eso quiso que esta canción estuviera en la película del 2007? Ahí les dejo el dato.Linkin Park – PapercutHybrid TheoryDirector: Joe Hahn2001 #05 Breaking The Habit – Meteora (2003): Por el historial de uso excesivo de drogas y el abuso sexual que sufrió Chester Bennington es común creer que esta canción se escribió en base a sus experiencias, pero no fue así, de hecho Mike Shinoda la había escrito mucho antes de conocer a Chester e iniciar Linkin Park. Su video es de los mejores que tiene la banda, fue hecho por rotoscopio y en él contempla la desesperación y frustración de las personas contada a través de las letras de la canción. Tiene un video tipo “lado b” en la que la banda interpreta la canción desde el estudio. También es de las que más emocionaban a Chester en vivo.#04 Faint – Meteora (2003): Si hablamos de canciones intensas, esta es una de ellas. Aquí juega un papel importante el rap de Mike y los guturales de Chester. En vivo, Brad Delson cierra la canción con un solo de guitarra al mejor estilo de Tom Morello, pero mucho más pesado. En los tempranos días de Meteora, esta era la canción que cerraba sus conciertos, pero solo si One Step Closer los abría. Es de los pocos videos que no dirige Joe Hahn, pero que mantiene la estética de la banda al presentar los símbolos y el street art que tanto los caracteriza.#03 Crawling – Hybrid Theory (2000): Esta es de esas canciones que se popularizaron rápidamente por su significado oscuro detrás de las adicciones y la desesperación. Es la única canción del álbum en la que Mike no rapea y solo acompaña el pre-coro de Chester. Algo curioso es que al firmar con Warner Bros. Records, una de las estipulaciones fue que Mike no rapeara en las canciones y solo se mantuviera detrás de los teclados. Ya sabemos en qué terminó esta “sabia” decisión disquera.#02 Numb – Meteora (2003): No es fácil decidir cuál es la número 1 y cuál la 2 en este listado. De hecho preferiría un empate técnico. Pero si de diferenciar se trata, lo cierto es que esta canción logró consolidarse de forma definitiva gracias a la combinación que existió en el mashup con Jay-Z. Esta es una canción que habla de los problemas de la adolescencia y lo difícil que es encajar cuando hay gustos diferentes, incluso en la familia. Es de los pocos videos de la banda que supera los mil millones de reproducciones en YouTube.#01 In The End – Hybrid Theory (2000): La cúspide de este viaje. No es para pensar que después de Hybrid Theory no hubo nada, claramente hay mucho talento y potencial en las 29 canciones anteriores. Más de 70 millones de discos vendidos en todo el mundo y más de seis billones de reproducciones de todo su arsenal audiovisual en YouTube. ¿Entonces por qué In The End es la mejor? No solo juega el factor ventas sobre premios, es lo que una canción escrita hace 20 años y lanzada hace 19, es que se mantiene vigente en un mundo en el que ahora hay que lanzar una canción cada semana por el comportamiento efímero con el que funciona el mundo. De esas canciones que ya forman parte de la cultura popular y que sin duda mantendrá viva la esencia de la banda por mucho tiempo más.Linkin Park – NumbMeteoraDirector: Joe Hahn2005Si quieren disfrutar esta lista de canciones, lo pueden hacer con nuestra playlist en Apple Music; una que pasó de 55 canciones a 30, prestando especial atención a aquellas que marcaron a más de una generación, cuyas críticas generales los llevaron a grandes escenarios, que le permitió a la banda evolucionar con sus seguidores y que los proclamaron como uno de los grandes referentes del rock alternativo del nuevo siglo. No por nada hay una extensa oleada de memes con música de Linkin Park de fondo. *cof, cof*
Un año después del suicidio de Chester Bennington, líder y cantante de LINKIN PARK, llega Post Traumatic, el disco tributo de su hermano y cofundador de la banda, Mike Shinoda. Estuvimos con el cerebrito ganador de 2 premios Grammys en Los Ángeles para hablar de este poderoso diario musical que lo hizo exorcizar todos sus demonios, iras y frustraciones por el suicidio de su amigo. Por: Alvaro Corzo - @Corzo360 Los Ángeles Un año atrás, en el verano del 2017, Shinoada y el resto de LINKIN PARK estaban listos para salir a la segunda parte de la esperada gira mundial del séptimo disco de la banda “One More Light”. A menos de siete días de su primer show en Massachusetts llegó la noticia que lo cambió todo. Chester se había quitado la vida. La angustia los derrumbó a todos. Su familia, fans y sobretodo Shinoda no creían el destino de Chester. Llenos de confusión y rabia por algo que no vieron venir decidieron congelarlo todo. En medio de ese transe, que describe como si le hubieran quitado la mitad de su corazón, Shinoda, autor de discos como Hybrid Theory, y Meteora decidió combatir la depresión de esa tragedia con lo suyo. Haciendo música. Así nació Post Traumatic un doloroso disco de despedida, tan personal e íntimo como la angustia por la muerte de su amigo con quien en 1996 fundaron Xero, una banda de garaje en Agoura Hills, California, que años más tarde se convertiría en LINKIN PARK una de la bandas más conocidas y vendedoras de discos en la historia de la música. Shinoda confiesa los duros problemas que tiene para tocar o siquiera pensar en interpretar las canciones que hiceron con Chester en LINKIN PARK, por eso este disco Post Traumatic más que una misiva a su amigo es una terapia que asegura él necesita más que nunca.
Blessd se une a una de las leyendas más grandes del futbol mundial, Ronaldinho Gaucho, para jugar un partido de futbol. La cita será el 16 de mayo en el marco del Si Sabe Fest Deluxe en el Coliseo Cubierto Iván De Bedout de Medellín. La entrada es gratuita, hasta completar el aforo. El paisa presenta su nuevo trabajo musical “BLESSDELUXURY” a través del fútbol, una de sus más grandes pasiones. Ya hubo una primera fecha entre los 2 en Miami, así que Blessd espera una victoria en su tierra. “Estamos listos para romper de nuevo, pero ahora en nuestra ciudad, vamos a hacer la revancha y todas las entradas serán gratuitas exclusivamente para los fanáticos del Bendito y del buen futbol Si Sabe … Prometo esta vez ganarle a Ronaldinho y a los cracks que lo acompañan”, dice Blessd. El juego será una exhibición en compañía de una nómina de lujo que contará con dos grandes figuras en la dirección técnica de ambos equipos. Dirigiendo al equipo de Blessd estará una de las glorias del futbol, el portero de la selección Colombia René Higuita y dirigiendo al equipo de Ronaldinho estará Francisco Maturana, uno de los directores técnicos más recordados quienes dejarán toda su experiencia en la cancha en un espectáculo especial para todos los asistentes. Para quienes no puedan entrar, la transmisión estará a cargo de Westcol, unos de los streamers más conocidos del mundo y el #1 de ColombiaAmbos capitanes Blessd y Ronaldinho lo dejarán todo en la cancha. ¿Quién es Blessd?Stiven Mesa Londoño, conocido artísticamente como Blessd, es un cantante y compositor colombiano nacido en Medellín el 27 de enero del año 2000. Desde pequeño, Blessd estuvo rodeado de música gracias a la influencia de su tío rapero, quien lo introdujo al mundo del freestyle y las batallas de rap.Su pasión por la música lo llevó a comenzar su carrera como aficionado a los 15 años, participando en competencias y presentaciones locales. A los 17 años, compaginaba su pasión por la música con el trabajo familiar, vendiendo frutas y verduras en la Central Mayorista de Antioquia.
El Tribunal de apelaciones de Nueva York anuló la condena de Harvey Weinstein por delitos sexuales el jueves 25 de abril del 2024. La juez Jenny Rivera, la voz mayoritaria del tribunal, aseguró que la decisión fue tomada porque en el juicio se cometieron errores fundamentales. El veredicto, con cuatro votos a favor y tres en contra, llevó a que se ordenara un nuevo juicio demostrando que en el juicio del 2020, en el que se le dictaminó una condena de 23 años de cárcel, se permitió injustamente que mujeres que no eran parte de los cargos iniciales testificaran contra Weinstein.El abogado del exproductor de Hollywood, Barry Kamins, dijo en una entrevista que Harvey Weinstein se presentará frente a un juez en Manhattan para solicitar la libertad bajo fianza mientras se establece la fecha del nuevo juicio. "Nos complace que el tribunal haya acordado que al Sr. Weinstein se le negó su derecho fundamental a un juicio justo", comunicó Kamis. La juez Rivera resaltó que, el hecho de haber incluido injustamente los testimonios de mujeres que no hacían parte del caso, hacían que se reforzara la posición en contra al exproductor de 72 años por conductas anteriores y no solo por las que estaba siendo imputado. Incluso, podía haberle impedido a testificar en su favor. Por su lado, Barry Kamis y Arthur Aidala, otro abogado de Weinstein, consideran que en el proceso judicial del 2020, el juez "abandonó repetidamente su deber de salvaguardar las garantías constitucionales y los derechos procesales de Weinstein". Por esto, lo dejó "impotente para defenderse de un fiscal incontrolado".La condena por delitos sexuales de Harvey Weinstein en CaliforniaSin embargo, esta no es la única demanda que enfrenta Harvey Weinstein. Actualmente, también está condenado en California a 16 años en prisión por violar a Evgeniya Chernyshova en un hotel de Beverly Hills en el 2013. Por esto, el exproductor deberá seguir en prisión. El caso está ahora en manos del fiscal del distrito de Manhattan, Alvin Bragg, quien aseguró a través de un portavoz que: “Haremos todo lo que esté en nuestra mano para volver a juzgar este caso, y seguiremos firmes en nuestro compromiso con las supervivientes de agresiones sexuales”.¿Un retroceso para el movimiento #MeToo?Ashley Judd, la actriz estadounidense de cine y una de las voces más destacadas detrás de la demanda, consideró esta anulación como una "traición institucional". Asimismo, el abogado de Evgeniya Chernyshova, la mujer detrás de la demanda en California, afirmó que "está obviamente decepcionada" y "se siente mal por las víctimas que soportaron ese juicio y las posteriores apelaciones, sólo para ver cómo se revocaban las condenas".Los abogados también se han manifestado a favor y preocupados por sus defendidas. Por un lado, Lindsay Goldbrum, quien ha representado a seis víctimas, dijo que: "Lamentablemente, la sentencia de hoy arroja una oscura sombra sobre su valentía y, sin duda, disuadirá a futuras víctimas de agresiones sexuales de denunciar". Por el otro lado, Douglas Wigdor, abogado de ocho víctimas, subrayó una de las consecuencias más impactantes y crueles de la anulación. “La decisión de hoy supone un gran paso atrás en la exigencia de responsabilidades por actos de violencia sexual. Anular el veredicto es trágico porque obligará a las víctimas a soportar otro juicio más”. Scott Berkowitz, el fundador y presidente de la organización contra la violencia RAINN, también se manifestó y comunicó que: "Anular la condena de Harvey Weinstein es una decisión horrible que no protege el debido proceso: pone en peligro la justicia para las supervivientes de sus crímenes".
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Caraja dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me réuno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo.
Una de las primeras veces que Kool & the Gang y Village People estuvieron juntos —sin compartir escenario o ser cercanos musicalmente— fue en la discoteca The Empire, uno de los focos infecciosos de la cultura disco en New York en la década de los 70. Ubicada en Crown Heights, Manhattan, The Empire se convirtió en el escenario más preeminentemente oscuro de la escena disco de los neoyorquinos debido a su DJ Peter Brown.La pericia de Brown para combinar clásicos disco (como Girl You Need a Change of Mind de Eddie Kendricks, San Francisco [You’ve Got Me] de los Village People) y standards del funk (como Hollywood Swinging de Kool & the Gang) hizo que dos ritmos totalmente opuestos se unieran por primera vez para hacer explotar —sin parar— la energía de sus visitantes los viernes y los sábados en la noche.Las mezclas y las transiciones suaves que elaboraba Peter Brown en sus bandejas no solo fueron emblemáticas, sino que rompieron las cadenas que contenían nuevas formas de placer y nuevos tipos de identidad.Hoy nos parece natural, pero en un principio juntar a Kool & the Gang (funk) y a los Village People (disco) no fue tarea fácil, sobre todo porque para los cultores de la música funk como George Clinton de Funkadelic y Sylvester Stewart de Sly & the Family Stones, el disco (entre esos Village People) no era más que un “síndrome placebo”, una imitación pálida del funk, cuyos ritmos maquínicos eran un sustituto falso del principio del placer. Es decir, la música disco representaba la pasión descafeinada, la cerveza sin alcohol y el ritmo sin sexo.El funk era concebido como el punto final, el orgasmo, la eyaculación, el sexo despojado de cualquier tipo de mediación. Por ejemplo, la animalidad y la explosión de canciones como Jungle Boogie, Funky Stuff y This Is You, This Is Me de Kool & the Gang demostraban que el funk era una especie de elevador de las emociones cuyo sonido tenía el poder de alterar el ambiente. La historia de Kool & the GangKool & the Gang fue uno de los principales representantes del funk grasiento y sucio; un tipo de funk suelto, libre y fluido que invitaba a sus oyentes a viajar por el infierno y retornar nuevamente a la tierra despojados de cualquier culpa.La banda se formó en 1964 bajo el nombre de The Jazziacs en Nueva Jersey, pero solo hasta 1969 se convirtieron en Kool & the Gang cuando publicaron su primer álbum homónimo. La agrupación estaba conformada principalmente por Robert “Kool” Bell, su hermano Ronald y sus amigos Clifford Adams, Charles Smith, Woody Sparrow, Robert “Spike” Mickens, Dennis “D.T.” Thomas, Ricky West y Funky George Brown. Su éxito comercial llegó con Wild and Peaceful de 1973, álbum que obtuvo un disco de oro y logró posicionar dos canciones en el top 10 del pop.Sin embargo, el estomago de carburo del auge de la música disco de mediados de los 70 metabolizó el sonido funk de la banda, llevándolos a adoptar un sonido más “moderno”, en el que los tacos altos y los labiales insinuantes eran la regla, así como los jeans ajustados y los pectorales trabajados. Para esta nueva etapa Kool & the Gang contrató al cantante James “J.T.” Taylor, quien le permitió a la banda cosechar éxitos masivos como Ladies Night, Too Hot, Cherish y Celebration. Esta última, como salida de un dibujo animado, invitaba a celebrar los supuestos buenos tiempos que se vivían en los Estados Unidos a principios de los 80 con la llegada de la reaganomanía.La conversión de Kool & the Gang hacia el lado disco de la luna y el abandono del lado funk de la tierra, demostraba que la música disco también tenía el poder de agitar las aguas y activar las pulsaciones infinitas que encendían a muchas personas hasta llevarlas al tan anhelado orgasmo.Lo interesante de combinar el funk (Kool & the Gang) y el disco (Village People) en un mismo espacio es que permitió no únicamente que dos ritmos musicales o dos bandas totalmente opuestas se acercaran, sino que abrió la posibilidad de articular diferentes tipos de sexualidad, así como la oportunidad de explorar nuevas formas de identidad sexual.La historia de Village PeopleEl experimento en las bandejas de Brown —como de otros DJ de la época— creó un tipo diferente de música y generó un ambiente en el que la corporalidad dejó de estar prohibida; empujó a los cuerpos más allá de la vergüenza. En otras palabras, el logró de Brown fue mostrarle al mundo que los revolcones con extraños (funk y disco) y las orgías musicales (Kool & the Gang y Village People) podían desatar la lascivia que posibilitó explorar y trascender la posición del misionero.Y eso fue lo que caracterizó a Village People. Una estética provocativa de tipos vestidos con un penacho de plumas de cacique norteamericano y un taparrabos, el uniforme de un trabajador de la construcción y el equipo de cuero de un motociclista, así como letras vulgares —carentes de sutiliza— que fantaseaban con aventuras capaces de incendiar y liberar el mundo a través del sexo. La banda se formó luego de que los productores musicales franceses Jacques Morali y Henri Belolo se mudaran a New York. Su primer e innovador proyecto camp, llamado The Ritchie Family, basado en el sonido de Filadelfia Internacional, se desvaneció tan rápido como un single promocional.Pero lo que vendría después sería histórico. Village People nació de un modo bastante particular: un día que Belolo y Morali caminando por el West Village de New York vieron a alguien vestido con un traje de indio norteamericano. Ambos quedaron absolutamente impresionados por el personaje hasta el punto de seguirlo a una discoteca donde se dieron cuenta que trabajaba como bailarín. Una vez en el lugar, el Anvil (uno de los lugares más emblemáticos e “infames” de la escena disco gay), Belolo y Morali se encontraron con un mundo asombrosamente inédito: clientes vestidos con sombreros de cowboys (vaqueros), pantalones y chaquetas de cuero, overoles de trabajadores, tangas ajustadas y musas emplumadas.La escena era tan surreal que detonó en ellos la idea de retratar el “increíble mosaico” del hombre americano y a todos esos personajes fantásticos que habían visto en el West 14th Street de Greenwich Village. Con esto en mente la banda se transformó en los Village People (La Gente del Village) y dieron origen al mito del macho/drag.Los Village People se crearon en torno a una banda de estudio, así como al cantante Victor Willis, un extra de Broadway (el policía y atleta), Felipe Rose (el nativo americano), Alex Briley, ex corista de Bobbi Humphrey (el marinero), David Hodo, actor desempleado de Broadway (el obrero de la construcción), Randy Jones (el vaquero) y Glenn Hughes (el motociclista vestido de cuero).La banda alcanzó por primera vez la lista Billboard Hot 100 de singles en 1978 con Macho Man, canción que daba título a su segundo álbum: una oda burlona y pegadiza que exponía la expresión musculosa que estaba empezando a dominar la escena disco gay. Su crítica a la hipermasculidad se hizo más fuerte en su tercer álbum, Cruisin’, de 1978, un éxito rotundo que alcanzó el número 3 en las listas gracias a canciones como Y.M.C.A. y el éxito In the Navy, un himno que representaba el fetiche militar homoerótico.A pesar de todos estos éxitos que “celebraban” formas alternativas de masculinidad y “cuestionaban” al clásico “Macho Man”, los Village People fueron declarados “personas no gratas” en los clubes gay de Estados Unidos.Para muchos críticos la banda representó lo peor de la música disco: “beats trillados compuestos por perezosos escritores de estudio; letras simplonas y tipos vestidos de forma caricaturesca”. Por otra parte, para la comunidad gay y drag, la banda no era más que un producto del mercado que despojó de sus “propiedades malignas” a lo gay y lo drag para comercializarse de manera tal que liberales y conservadores pudieran hacer coreografías formando letras con los brazos con “Y.M.C.A”.No obstante, el verdadero logro de la banda fue expresar mediante su estética camp el distanciamiento que existía entre la sexualidad de los primos extrovertidos (gays y drags) y el resto de la sociedad que hipócritamente seguía escondiendo sus pasiones. El acto subversivo de Village People fue acercar una serie de valores y tabúes sociales de las comunidades gay y drag, fuertemente rechazados y caracterizados como inferiores, mediante estilos de seducción que ayudaron a bloquear la desconfianza por esas formas culturales vistas como inferiores.La estética gay y drag que impulsaron (y comercializaron) los Village People implicaron un compromiso excesivo con lo marginal solo porque en estos estilos encontraron un “valor” artístico reconocido (y aceptado) por diversos grupos sociales de manera superficial. Es decir, la forma característicamente gay y drag de tratar los valores, las imágenes y los productos de la cultura dominante mediante el uso de la ironía, la exageración, la teatralización y la burla ambivalente de lo serio y respetable fue lo que le permitió a Village People convertirse en una de las agrupaciones más subversivas de la historia de la música popular.Claramente, nada de esto fue abiertamente político, sin embargo, hoy en día no deja de sorprender que muchos medios, ya bien sean especializados en música o no, reconozcan a la banda como “iconos de la era de la música disco y del movimiento por los derechos LGBTQ”. Para ellos, el estilo camp de los Village People aludió a una especie de construcción ideológica del comportamiento que era supuestamente natural y correcta. Y a través de la suplantación y la parodia la banda simulaba el respeto por las normas interpretando ciertos papeles de la sociedad (el macho, lo indio, el trabajador, el obrero, el atleta), al tiempo que los socava “accidentalmente”, manteniendo la pose durante un instante y exagerando algún detalle estilístico o cliché hasta el absurdo.***A propósito de los cruces entre música y género, les recomendamos leer ¿Importan los géneros?
Carlos Sadness regresa a Bogotá con un show para todas las edades bajo la producción de CUSUMBO, el próximo 27 de septiembre en el Lourdes Music Hall.Ahora le llega el momento a un nuevo álbum, 'Realismo Mágico' (del que ya se conocen adelantos como Lo Que Fuera, junto a Ximena Sariñana o Feliz Feliz) es una evolución sonora del artista indie español que mira hacia atrás en su propia identidad y hacia nuevos horizontes.Encontrar la magia en medio de la realidad es el objetivo de este disco. Es por eso que profundiza en conceptos que pretender salvar a las personas de un mundo donde todo se consume velozmente, como la bondad, la ternura o la empatía. Todo ello guiado por el hilo conductor de varias estrellas que aparecen en momentos clave y que presiden la portada y el arte del disco, ilustrado por él mismo.El oyente más atento se encontrará con paisajes sonoros, a veces paradisíacos y otras desérticos, siempre bajo la mirada de los astros.En 'Realismo Mágico' hay vestigios de aquel sonido que le encumbró hace casi diez años (ahí están temas como Big Bang o Me Enamoro pero, sobre todo, se trata de una evolución de su música, abriéndose al nuevo pop alternativo de los nuevos años 20 y al sonido internacional en temas como 'Personita Buena' o 'Vibramos'.El nuevo disco de Carlos Sadness tiene tres grandes colaboraciones: Ximena Sariñana, Carla Morrrison y Melissa Robles. El Realismo Mágico es un movimiento literario que pretendía conocer la verdad del mundo a través de lo mágico. Así, Carlos Sadness hace lo propio con un trabajo que demuestra que la sensibilidad es revolucionaria.Pueden encontrar las boletas para el concierto de Carlos Sadness en la página de All Tickets.¿Quién es Carlos Sadness?Carlos Sadness, cuyo nombre real es Carlos Alberto Sánchez Uriol, es un artista español nacido en Barcelona el 31 de marzo de 1984. Además de cantante y compositor, también se destaca por su talento como ilustrador.Su incursión en la música comenzó en la adolescencia, grabando maquetas de rap mientras estudiaba bachillerato. Inicialmente se dio a conocer bajo el nombre Shinoflow, e incluso tuvo un proyecto previo llamado Bye Bye Sadness que nunca llegó a materializarse.En 2006 publicó de forma gratuita en internet 'El misterioso ciclo de tu pestañeo', un adelanto de su primer disco oficial: 'El presidente de los estados de ánimo' (2007). Este álbum de rap alternativo con letras introspectivas marcó el debut de Carlos Sadness como artista solista.Su carrera tuvo un punto de inflexión en 2010 con un viaje a Los Ángeles. Allí experimentó una transformación musical, dejando atrás el rap para abrazar sonidos indie y folk. Este cambio se reflejó en su álbum 'Ciencias celestes' (2012), publicado ya bajo el nombre definitivo de Carlos Sadness.Desde entonces, su trayectoria ha estado ligada al indie español. Ha tenido canciones virales como 'Amor Papaya' junto a Caloncho, y se convirtió en el primer artista indie español en superar los 600.000 oyentes mensuales en Spotify (2017).