Los Pet Shop Boys han dejado una huella imborrable en la industria musical global. La fórmula del éxito del dúo fue, en apariencia, natural para una banda visionaria tanto en la composición como en el conocimiento de la industria. Su participación en la escena undergound de clubes gay en Londres y Nueva York, la capacidad de escritura y composición de Neil Tennant combinada con su conocimiento de la industria musical por haber trabajado como periodista en la revista 'Circulation', y su capacidad de hacer hits con motivos sencillos pero novedosos en la música electrónica, les valieron un reconocimiento global temprano. En una entrevista con la BBC Neil señaló que, en la música pop, las limitaciones construyen la identidad. El compositor señala que el éxito del proyecto fue saber que tipo de música no iban a hacer, y que estéticas no iban a incorporar. La historia de los Pet Shop Boys es larga y aún hay camino por recorrer. Pero su participación en el auge del pop y su vigencia actual tienen muchas curiosidades para seguir descifrando uno de los fenómenos más celebrados de la música pop. "West End Girls": el resurgimiento con EMI La primera grabación de "West End Girls" no alcanzó la notoriedad que tendría después de que los Pet Shop Boys firmaran con EMI. Este remaster transformó la canción en un hit global, demostrando la influencia de una importante discográfica en la difusión y éxito de una obra musical. El episodio destaca la importancia de las decisiones estratégicas en la industria musical y cómo un cambio en la dirección puede transformar la suerte de una canción."Go West": de encargo para Rusia a la controversia La canción "Go West", originalmente de Village People, fue encargada para ser presentada en Rusia. Aunque inicialmente los Pet Shop Boys no estaban entusiasmados con la idea, decidieron aceptar el desafío. La elección de interpretarla en Moscú añade un matiz controversial, revelando las tensiones entre el mundo occidental y la búsqueda de libertad. Neil Tennant expresó su tristeza por la situación actual en Rusia, sugiriendo que no ve posible volver a presentarse en dicho país. Colaboración con David Bowie: Un viaje desde Ziggy Stardust La conexión de los Pet Shop Boys con David Bowie comenzó con su interés en la sonoridad de Ziggy Stardust. Bowie fue quien los llamó para colaborar, marcando un capítulo significativo en la historia del dúo. Las letras de ambos se basan en lo dramático y en la fantasía. La colaboración se materializó en 1989, fusionando el mundo teatral y fantasioso de ambos artistas. Un día Neil le dijo a Bowie que siempre había imaginado a Major Tom en una de las naves rusas que nunca volvían. David Bowie se mostró sorprendido y respondió: "Oh, con que ahí está."De proyecto de estudio a fenómeno global en gira Los Pet Shop Boys fueron inicialmente un proyecto de estudio, enfrentando limitaciones para realizar giras debido a la naturaleza única de sus shows y la incertidumbre sobre la audiencia. Sin embargo, cuando finalmente comenzaron a girar, se dieron cuenta del impacto fenomenal que generaban en cada lugar que visitaban. Su revelación en la interacción por el público subraya la evolución del dúo de ser un proyecto de estudio a convertirse en un fenómeno global en el escenario.Enfrentando el movimiento "Disco Sucks" y la evolución musical El proyecto de los Pet Shop Boys desafió el movimiento "Disco Sucks" en Estados Unidos, que buscaba elevar al rock mientras destronaba al disco. Este fenómeno influyó temporalmente en la industria, pero la evolución del disco al pop y a la música electrónica generó un movimiento interesante.En una entrevista, los Pet Shop Boys destacaron que el rock no estaba innovando, a diferencia del pop y la música electrónica, que continuaron evolucionando y ofreciendo algo nuevo al público.El legado de los Pet Shop Boys va más allá de la música; encapsula el enfoque romántico del pop que buscaba transmitir mensajes de amor al mundo. Su estilo de composición único, con elementos dramáticos, referencias literarias y éxitos icónicos, consolida a los Pet Shop Boys como la banda de synthpop más influyente del mundo.
La artista, que recientemente rompió dos récords en spotify: el álbum más escuchado en un sólo día de 2023 y el álbum de country más reproducido en un día en la historia de la plataforma con ‘Speak Now (Taylor’s Version)’, tiene una de las carreras más largas en la industria de la música. Taylor Swift fue, además, la primera artista que consigue vender más de un millón de copias de tres de sus álbumes en su semana de lanzamiento.Swift se ha consolidado como una artista que piensa todo a nivel creativo, nada es gratuito. Así que cada referencia, cada decisión creativa va cargada con un mensaje que deja a disposición de nosotros para interpretar. Muchas de sus canciones tocan temas que, como ella misma ha mencionado, atraviesan toda su carrera musical según algunos medios. Las relaciones, el desamor y la sobreexigencia a las mujeres en la industria son algunas críticas que la artista hace en algunos de sus tracks.Vean también: ¿Importan más las relaciones de Taylor Swift que su música?: el límite de la vida personalDesde referencias a sucesos de la cultura pop como el episodio en el Open de Estados Unidos en el que Serena Williams "atacó a un árbitro" o la entrevista de Cher que se popularizó porque la artista afirmó que los hombres no son necesarios, pasando por referencias literarias clásicas como 'Romeo y Julieta' de Shakespeare o el cuento original de Peter Pan escrito por J. M. Barrie, hasta guiños cinematográficos a películas como 'El quinto elemento' (1997) o 'Bladerunner 2049' (2017). Acá les dejamos algunas referencias que Taylor Swift ha usado en su música:También les puede interesar: Taylor Swift y las Swifties, el caso de estudio de una relación parasocial
Nueva York ha sido históricamente una de las ciudades más importantes para la historia de la música. El Jazz, la salsa, el rock, el punk y el hip hop se han colado en diferentes clubes de la ciudad en distintas épocas. Desde el barrio de Harlem, pasando por el Distrito del Bronx, hasta Manhattan NYC tiene historias de la música escondidas en cada esquina.Acá vamos a sugerirles una guía de sitios históricos relacionados con la música por si están o tienen planeado ir a Nueva York. Muchos de estos lugares fueron visitados por grandes figuras del jazz como Ella Fitzgerald, algunos guardan historias de bandas icónicas como Ramones y los Rolling Stones y otros presenciaron a tantos artistas pasar por ahí que perdieron la cuenta.Historia de la salsa en Nueva YorkLa historia de la salsa en Nueva York es una mezcla de culturas, migraciones y estilos musicales que se unieron para crear un género único. La salsa llegó en la década de 1960 y 1970 a los barrios con afluencia latina de Nueva York y se convirtió en un fenómeno musical.La salsa surgió de una fusión de estilos musicales anteriores, como el son cubano, el mambo, el cha-cha-chá y el jazz afrocubano. Los músicos y cantantes puertorriqueños y cubanos, así como otros inmigrantes latinoamericanos, fueron fundamentales en la popularización de la salsa en la ciudad. Artistas y bandas como Tito Puente, Celia Cruz, Héctor Lavoe, Willie Colón, Rubén Blades, Eddie Palmieri, Ray Barretto y La Sonora Ponceña, entre muchos otros, contribuyeron a la expansión y difusión de la salsa.A finales de la década de 1960, el periodista de música y crítico de Nueva York, Izzy Sanabria, utilizó por primera vez el término "salsa" para describir el género musical emergente. Acá les dejamos algunos datos de la salsa y los clubes de salsa en Nueva York:¡La música nos une!
Reik cumple 20 años de historia musical, una que empezó en 1993 cuando Jesús, Bibi y Julio se reunieron en Mexicali, Baja California, para crear canciones románticas con el estilo propio que tuvo el pop mexicano de principios de Milenio. Si bien tuvieron gran éxito en la primera década del siglo, entre 2011 y 2023 han seguido vigentes en la industria de la música con sencillos que acumulan miles de millones de reproducciones en plataformas digitales. Esto los ha llevado a tener admiración en la industria porque son pocos los proyectos mexicanos de los 2000 que siguen activos y con éxito.Antes de su primer concierto en Colombia, y el debut de los tres en el Movistar Arena de Bogotá, hablamos con Julio Ramírez para hacer un repaso sobre lo que han sido estas dos décadas de trabajo con sus compañeros.¿Cómo imaginaban que iba a ser el futuro de Reik en 2003 cuando empezaron?La verdad es que siempre hemos pensado en el presente y en disfrutar lo que tenemos. A veces el futuro es incierto y muchas veces pensábamos que no íbamos a durar tanto o que nos íbamos a separar porque es lo que normalmente pasa. Luego pensábamos que íbamos a estar en todos los países del mundo y que íbamos a ser los más famoso. Los sueños y las metas iban con la edad. Y ahora me doy cuenta que es una bendición estar donde estamos, estamos juntos, los tres de Méxicali y hemos llegado a niveles mucho más grandes de lo que soñábamos. Y aún tenemos muchos sueños por cumplir.Decía que lo normal es que los grupos se separen, pero ese no ha sido el caso de ustedes, ¿cuál ha sido la clave para mantenerse firme en la idea de seguir los tres juntos en este viaje?Me atrevería a decir que el mayor éxito ha sido la comunicación y el respeto que nos tenemos. No podría enlistar todas las cosas en las que no estamos de acuerdo, no siempre estamos en la misma ni a nivel personal ni a nivel personal. Pero nos tenemos un cariño y un respeto que es el que todos los humanos deberían tener. Somos un trío, debemos ponernos de acuerdo y tener una meta en común. Ahí todo se vuelve interesante. Entre nosotros no hay nada que no nos podamos decir. Ustedes son el proyecto de pop mexicano de los 2000 que sigue vigente y generando cifras importantes en plataformas, estoy seguro que mucha gente les pregunta cómo ha sido el reto de evolucionar con los cambios de la música.Eso ha sido un trabajo 100% en equipo. Yo batallo mucho en decir "hay que cambiar", a mí me gustan las baladas y cantar con el corazón, pero somos un proyecto pop y en teoría nuestro trabajo es hacer lo que sea así, mainstream y conocer lo que sucede en el mundo. Jesús es muy pop y también nuestro manager fue el primero en darse cuenta de que el pop estaba migrando al urbano, al inicio estábamos muy renuentes, pero supimos escuchar y dejarnos guiar. Ya que aceptamos y lo hicimos con toda. Trabajamos en Medellín con Nicki Jam, luego con Wisin y Ozuna, también con Zion & Lennox y conocimos los procesos de nuestros colegas del reggaetón.Algo que fue muy sorprendente para todos es la colaboración con Super Junior y la llegada de Reik al k-pop de la mano de estos genios de Corea. ¿Cómo fue esa experiencia que a veces parece tan ajena a la cultura latina?Super ajeno, fue muy loco y muy interesante porque nos dimos cuenta de una industria super distinta. Nosotros crecimos en una industria, claramente hablo de mi generación que fue hace casi veinte años, en la que todo era mucho más relajado por ejemplo hoy estoy con una gorra y un hoddie y está bien, pero de repente vas al universo del k-pop y ves que son unas máquinas: tienen sus oficinas donde hacen sus coreografías y planean sus videos, donde hacen todo. Super Junior es una agrupación gigante con una estructura enorme. Fue interesante ver esa cultura más disciplinada y me recordó el pop estadounidense de los noventa al estilo de Backstreet Boys. Convivimos solo una noche, pero nos llevamos la mejor de las sorpresas.Van a estar en Colombia: conciertos en Bogotá y Medellín. ¿Cómo es el show de Reik en pleno 2023?A mí lo que más me gusta de nuestro show son las canciones. Nos enfocamos en que desde la primera canción, Yo Quisiera, hasta la última sean para el público. Nos gusta cantar los éxitos y no tanto saciar el capricho de cantar las que casi no conocen. A nosotros nos gusta mucho oír al público conectado. Hay de todo y es una celebración a la relación poderosa que tenemos con los que nos escuchan.¡La música nos une!
La música argentina siempre ha tenido mucha relevancia en el resto de América Latina, ya sea con el boom del rock en español de los noventa o el impacto del trap y el freestyle a finales de los 2010. En la primera década del siglo XXI el electro-pop colorido de Miranda! se regó por todo el continente con sus canciones y videoclips. En su momento de mayor popularidad, Miranda tuvo cinco integrantes: Ale Sergi, Juliana Gattas, Bruno De Vincenti, Leandro «Lolo» Fuentes y Nicolás «Monoto» Grimaldi. En medios de comunicación aparecían juntos y se les conocía a todos como miembros de Miranda.En febrero de 2007 Bruno se fue de la banda por diferencias artísticas, luego en 2014 se confirmó la salida de Lolo Fuentes como guitarrista y en marzo de 2017 Miranda! informó sobre la desvinculación de Monoto Grimaldi.Desde 2017 Miranda! es un dúo con músicos rotatorios, pero con el paso del tiempo se ha conocido que los problemas al interior de la banda no fueron menores. Si bien en un punto todos tenían el mismo protagonismo, con el tiempo todo se inclinó hacia sus vocalistas Ale Sergi y Jualiana Gattas. Las salidas de los otros tres integrantes también fueron polémicas y rara vez los argentinos hablan sobre sus excompañeros. Aunque muchas cosas se han mantenido en la cordialidad, el mayor conflicto entre Sergi y Gattas ha sido con Lolo, quien tiene una de las frases más icónicas de la música latina de los 2000.Es la guitarra de LoloUno de los momentos más importantes de los conciertos de Miranda! es cuando inicia el tema Don que, hasta la fecha, es el más popular de los argentinos -junto con Perfecta-. En esta canción, antes de un memorable solo de guitarra se pronuncia la frase "¿es un solo? es la guitarra de Lolo" y entra a sonar los acordes que inmortalizaron a Lolo.Desde la salida de Lolo Fuentes, la guitarra la toca otro músico y, para evitar conflictos con él, la banda prefiere no mencionar nada en este segmento y pasarle la voz al público para que sean ellos quienes digan y canten el estribillo. Lolo ha estado en varios programas de televisión hablando de su mal tiempo en Miranda!, pero se conoce que él también tenía fallas dentro de la banda al ausentarse de ensayos o llegar tarde a los shows. Tal es el grado de enemistad que Ale y Juliana piden que no se hable de sus excompañeros en las entrevistas y cuando se les pregunta por ellos prefieren cortar la conversación con los medios de comunicación.En 2022 lanzaron una nueva versión de Don en compañía de Ca7riel y, efectivamente, no mencionan a Lolo cuando llega la parte de 'es la guitarra'. ¡La música nos une!
Agridulce, el nuevo disco de Soy Emilia nos recuerda que el amor y el deseo tienen matices, y que en ese realismo agridulce puede haber más sabor que en la idealización empalagosa.¿Qué es el deseo? Cuando nos detenemos sobre esa palabra nos surgen imágenes de todo tipo: desde un helado hasta fantasías sexuales, pasando por dinero o la realización de proyectos profesionales. Es como si la idea del deseo no se dejara ver, como si se escondiera de quien quiere entenderla detrás de cosas que brillan: joyas, personas que nos atraen, cariño o ideales.En vez de intentar eludir las que parecen distracciones, el tercer disco de Soy Emilia nos lleva a mirarlas más de cerca. En esta oportunidad, la producción y la composición forman un hechizo para que la música de Juanita Carvajal tenga el efecto del espejo mágico de Harry Potter, que muestra escenas de lo que deseamos.¿A qué suena Agridulce?Ocho canciones pop llenas de sintetizadores ochenteros pintan distintas facetas del deseo y de las relaciones sexoafectivas, poniendo siempre en el centro de sus letras su rol activo como mujer que desea: un acercamiento al deseo que es libre, consciente de los riesgos, los engaños y los matices, y que aun así insiste en el disfrute. Son canciones que coquetean con el reggaetón y el house y se detienen sobre los grises de algunas dinámicas del amor y el sexo en los tiempos de la fiesta desde una postura muy madura, que sabe lo que quiere y a qué atenerse.El disco empezó a surgir en 2019, mientras terminaba su anterior lanzamiento, Expuesta. A diferencia de esa entrega, y de su primer EP, que son mucho más intimistas, Agridulce está pensado para el en vivo. “Yo quería que este disco fuera más de fiesta, para que la gente bailara. Yo siempre, desde chiquita, me imaginé a mí misma en escenarios, tocando en vivo frente a gente que coreaba”, dice Juanita. “Pero me imaginaba tocando White Stripes o I Love Rock and Roll de Joan Jett”. Lo que está pasando es muy distinto, y tiene perfecto sentido siendo que ella lleva tanto recorrido como bajista de sesión, que acompañó entre 2010 y 2018 a Esteman y hace parte del Live Set de Julio Victoria. Su sonido hoy es mucho más fiestero, y su bajo groovero mucho más protagónico que el de esos referentes de infancia y el de sus anteriores discos.Por tener ese bajo como centro, también se siente como el más propicio para improvisar y jugar con las estructuras cuando está en vivo con su banda. Es clave tener en cuenta a Moloko como inspiración central: es un sonido pop hecho para bailar, atravesado por el disco y el house para así recrear una atmósfera de fiesta.Para lograr esa sensación, Juanita hizo gran parte del trabajo de producción de la mano de Julián Salazar (Mitú), cuya mano es perceptible especialmente en sintetizadores y fraseos de guitarra. Las excepciones son Sugar Daddy, que produjo con el mexicano Bruno OG para romper con el sonido “alternativo colombiano”, y la nueva versión de Dos Extraños, su colaboración con Cero39. Además, los teclados fueron grabados por Duplat, que ha colaborado con Mitú desde inicios de la pandemia. Y aunque haya varias manos, estilos y emociones representadas, es un disco con coherencia sonora, que fluye como pistas en manos de un buen dj.Ocho sabores y ocho cancionesDesde “High”, el tema de apertura, se siente uno en medio de una fiesta, bailando pegado con alguien que acabamos de conocer, con quien vivimos la primera chispa de atracción después de una racha de peleas y tusa. Al vincular la sensación de estar con esa persona al estar drogado queda marcado un primer tipo de amor matizado: el apasionado y finito, que se usa como escape de lo demás, y que da plenitud justamente por ser espontáneo y fugaz.Soy Emilia - High (Video Oficial)En el segundo tema ya sabemos que este no es un disco con un hilo conductor narrativo. Todo Lo Tiene, parece sintetizar la idea central. El tema tiene un beat housero con adornos que recuerdan al sonido de SALTA y Los Ángeles, de Mitú. Sobre ese sonido animado, Juanita canta letras oscuras, sobre situaciones opuestas, aunque no sean evidentes a primera vista: es el caso de “Tienes todo, no buscas más / Lo deseas, va a llegar”, del coro que habla de tenerlo todo pero estar vacío por dentro y del verso sobre los amigos imaginarios que se disipan al final de la fiesta (¿son alucinaciones?) y te dejan, aunque te aterre la soledad.Soy Emilia - Todo lo tiene (Video Oficial)“El disco es como una montaña rusa”, dice. “Nunca terminan en subida ni en caída libre”. Es decir, no trata solamente de los picos de la fiesta, de la lujuria o las sustancias, ni de la quietud de la tristeza, sino que junta el rompecabezas. Es como si en Todo Lo Tiene nos hablara de un after en casa, con la euforia continuada de la fiesta anterior. Sin necesidad de meternos en otro escenario y otros sonidos, pone sobre la mesa la ansiedad por el momento en el que se acabará todo: el bajón, la soledad y el guayabo que nos recordarán que nuestra soberbia fiestera (“Es momento de saltar/ a tu grandeza, cerca al sol”) tendrá retaliación.Aunque de sonido dulce, Lo Cura es otra canción duramente realista. “Nos mintieron cuando nos dijeron / con amor lo curas todo”. La tormenta de la ruptura puede ser algo profundamente dramático, en parte porque tendemos a creer que en ciertas relaciones estará la solución a nuestros problemas. Lo empeñamos todo por sostenerlas. Solo cuando dejamos de creer en esa versión utilitarista del amor (que puede ser la lo-cura del título) podemos darnos cuenta de que el esfuerzo fue excesivo y no correspondido, o no merecido.Soy Emilia - Lo Cura (Video Oficial)Por su parte, Sugar Daddy encuentra terreno común entre el sonido pop fiestero y el reggaetón con un beat cercano a la música de The Change, algunos temas de Bomba Estéreo y, por supuesto, a los mexicanos Ghetto Kids, con quienes ha trabajado constantemente Bruno OG, el productor.Soy Emilia - Sugar DaddyEn principio parece romantizar la relación de poder entre hombres y mujeres que existe en mucha de la música popular hecha por hombres en nuestros tiempos, en especial en el trap y el perreo. Pero cuando se escucha con cuidado surge algo más, que no es ni ese rol de objeto de los videos musicales y las fiestas, de “mujer trofeo” o “sugar baby”, ni es igual a la apuesta de empoderamiento de referentes como Karol G o Doja Cat. Es una alternativa que sigue la corriente, que aprovecha la propuesta de que le gasten fiestas y viajes con sus amigas y que, aunque agradece, es consciente de que eso no es amor ni es lo que ella quiere a largo plazo.A mi parecer, en esa “no-inocencia” no quedan borrados ni promovidos los problemas estructurales de ese tipo de relación entre hombres y mujeres, sino que queda retratada una alternativa que no suele narrada, pero que existe: que por la razón que sea, la libertad y el trato como igual también implican poder querer entrar en ese tipo de dinámicas como un adulto, con consentimiento. “No me siento identificada con la victimización”, dice Juanita. “Desde que empezó el proyecto estoy determinada a que eso no va a hacer parte de mi música”.Tu y Yo, el quinto tema, explora una dinámica especialmente presente en la pandemia y en las relaciones de larga duración en las que las personas tienden a alejarse en todo menos en el sexo, y que parecen disfrutar ese acuerdo, esa distancia y ese juego de contradecirse y no ser del todo compatibles. Es a esta altura del disco donde quizás se puede perder la atención, pues es un tema plano en contraste con los demás.Soy Emilia - Tu y yo Videoclip OficialPor su parte, Cada Noche, con la mexicana Ana Rizo, parece retomar la relación del Sugar Daddy, pero no en el momento de su cierre, sino antes. “Creo en todas sus mentiras / cuando me dice que soy única en su vida” reafirma esa idea de que se puede establecer la fantasía de esas relaciones espontáneas, discontinuas, sostenidas por fiesta y dinero, con plena consciencia y no por ingenuidad. Lastimosamente parece algo ya dicho y de manera más efectiva y cómoda (el “solo quiero compartir / hasta el amanecer” es particularmente forzado o cliché).Soy Emilia -Cada noche ft Ana Rizo (Cover Audio)Incontrolable parece romper con el tema de los contrastes y los matices, pero el que fácilmente es una de las composiciones más divertidas vuelve sobre la idea clave de que el deseo es, paradójicamente, carencia. Deseamos lo que no tenemos. En la desesperación por satisfacer la tensión sexual o el extrañar a alguien volvemos a caer en el delirio de que tenerlo solucionará todo. Y allí vuelve a pensarse en el “High”, en la plenitud a la que queremos volver, casi como adicción.Soy Emilia -Incontrolable (Cover Audio)Finalmente, Dos Extraños (+ Extraños) soluciona esa tensión. Es una versión más oscura de la original. Juanita cuenta que surgió el mismo día que conoció a Mauricio Álvarez (Cero39): “ese mismo día fui a su casa a trabajar y me dio una maqueta que grabamos”. Para ella, darle otra vida a este tema de 2018, y de esta manera, implica darle un giro a una favorita suya y del público desde un nuevo ángulo que enfatiza en el baile, en lo corporal y en lo lascivo, que es un territorio donde no se piensa en ese agrio y ese dulce, sino exclusivamente en el placer.Sabor agridulceCuando revisamos nuestra pinta antes de ir de fiesta, ¿qué vemos? ¿Qué es lo que buscamos ser entre tanta gente? ¿Qué queremos allí? ¿Qué implica? ¿Qué hay en las relaciones amorosas que se marchitan y en los levantes de una sola noche? ¿Qué hay en la idea del sugar daddy y la sugar baby?Aunque lo parezcan no son preguntas de respuesta tan fácil. Se pueden resumir con cinismo o con inocencia, pero la respuesta honesta, que realmente considera el todo, será siempre más compleja, y por ello más fértil de posibilidades, menos aburrida y castrante.Desde que estaba en el colegio, Juanita Carvajal ha sido desafiante a la hora de reclamar lo que quiere. Se ha negado constantemente a ser encasillada. En sus clases de música a los 12 años le decían que no podía tocar el bajo si no sabía ya, y que se dedicara a la voz y la guitarra que ya conocía. Perseveró en un instrumento comúnmente masculino a pesar de la tendinitis y la forma pensada para hombres bajistas, y después se opuso a que la llamaran solo “la bajista de” para, sobre todo, ser Emilia y ser Juanita.Siguiendo esa historia progresiva, este puede ser el disco en el que mayor compromiso demuestre con esa dualidad, con su personaje, y con los riesgos musicales que toma. La primera mitad da resultado en ese sentido: logra canciones bailables y pegajosas, con letras originales e ingeniosas aunque sencillas. Los momentos más ingeniosos del disco, como Todo Lo Tiene e Incontrolable, brillan y brillan fuerte por emanar una pasión descarnada. Sin embargo, parece que faltara algo para traducir esa vocación por los desafíos para tener un resultado más contundente y disruptivo a lo largo del disco. Por ejemplo, Tu y Yo y Cada Noche no aumentan la apuesta, sino que parecen repeticiones menos ambiciosas de ideas que ya nos había mostrado en su carrera y en el disco. Y aunque esos aspectos valiosos de la primera mitad y del concepto del disco destaquen, en general parece algo que podría ser más ambicioso aún, más disruptivo con respecto a sus referentes, como lo es por momentos la letra de Sugar Daddy, con su pregunta por la no-inocencia.¡La música nos une!
El tour Entre Mar y Palmeras de Juan Luis Guerra llegará al Movistar Arena de Bogotá los próximos viernes 25 de noviembre y domingo 27 de noviembre, continuando la gira iniciada por el cantautor dominicano en Punta Cana y que ha recorrido varios países como España, Puerto Rico y Estados Unidos.Contenido recomendado | Grandes conciertos que ocurrirán en Colombia a lo largo del 2022Después de tres años Juan Luis Guerra regresa a la capital colombiana con lo mejor de su repertorio musical enmarcado en una colorida propuesta con elementos innovadores en lo referente al show.La Bachata y el Merengue vuelven a encontrarse de una manera integral en la gira “Entre Mar y Palmeras”, nombre que surgió, a raíz de un concierto ofrecido por Juan Luis Guerra en la Playa Esmeralda, Miches, el cual fue difundido por HBO.“Rosalía”, “El Farolito”, “Visa Para un Sueño”, “La Bilirrubina”, “El Niágara en Bicicleta”, “Las Avispas”, “A Pedir Su Mano”, entre otros, serán los éxitos que los asistentes al Movistar Arena podrán disfrutar en vivo en una velada que promete ser inolvidable.Este es uno de los grandes conciertos que restan en el 2022 gracias a la cooperación de dos importantes promotoras de la industria como lo son, SD Concerts y TBL-Live, quienes se han encargado de traerle a todos los colombianos lo mejor del entretenimiento.La boletería del concierto de Juan Luis Guerra “Entre Mar y Palmeras” estará disponible en la página oficial de Tuboleta.com.Preventa preferencial Movistar: Será a partir de las 10:00 am del martes 20 de septiembre y hasta las 9:59 am del 22 de septiembre.Preventa clientes Bancos Aval: #ExperienciasAval, la plataforma de entretenimiento de los Bancos Aval: (Bogotá, Occidente, Popular, Av Villas), reafirma su compromiso con la industria del entretenimiento y continúa apoyando el fomento de la cultura en el país, anunciando hoy la preventa exclusiva para sus clientes, a partir del 22 de septiembre a las 10 am hasta el 24 de septiembre a las 9:59 am.PRECIOS JUAN LUIS GUERRA 2022 EN MOVISTAR ARENA BOGOTÁVenta para público general: Inicia a partir de las 10:00 am del 24 de septiembre hasta agotar existencias.¡La música nos une!
Big Time Rush se convirtió en una sensación en el 2009 desde el lanzamiento de la serie de televisión de Nickelodeon Big Time Rush. El programa fue un gran éxito y catapultó al grupo al estrellato en la vida real.Lanzaron 3 álbumes de estudio y se presentaron en diferentes partes del mundo, incluidas cinco giras de 2011 a 2014. En junio de 2020, la banda celebró una reunión virtual sorpresa. para celebrar el décimo aniversario de su tema “Worldwide”, lo que provocó una histeria masiva entre sus fanáticos y en los medios. En marzo de 2021, las cuatro temporadas de Big Time Rush de Nickelodeon se agregaron a Netflix y la banda se volvió viral una vez más, lo que aumentó la demanda de los fanáticos de una reunión oficial. Poco después, la banda anunció que se unirían para dos shows especiales en vivo en Nueva York y Chicago, que se agotaron en cuestión de minutos.Ahora, con el lanzamiento de su gira Forever Tour y el lanzamiento de toda la música nueva, incluidos los sencillos "Honey", "Fall", "Not Giving You Up" y "Call It Like I see It", los fanáticos pueden esperar ver mucho más del grupo en los próximos años.Hoy, Big Time Rush anuncia su próxima gira Forever Tour en América del Sur. Producida por Live Nation, la gira de cinco espectáculos comenzará en el 2023 y las fechas serán las siguientes: el 24 de febrero en el Teatro Caupolicán de Santiago, con paradas en Buenos Aires, Bogotá y São Paulo, antes de concluir en Vivo Rio en Río de Janeiro el 5 de marzo de ese mismo año. Las boletas saldrán a la venta para el público en general a partir de 2 de septiembre en eticket.coEl Forever Tour ha tenido un gran éxito desde su lanzamiento a principios de este año, con fechas agotadas en lugares icónicos desde el Madison Square Garden de Nueva York hasta una etapa de tres espectáculos en México, no es ningún secreto que la banda está de vuelta y para quedarse.Big Time Rush también ha llevado su música a todo el mundo con el reciente lanzamiento de su primer sencillo latino "Dale Pa' Ya" junto al productor Maffio, tres veces ganador del premio Latin GRAMMY. Escúchalo AQUÍ. Este es el primer sencillo de su próximo EP producido por Maffio.¡La música nos une!
Lamentablemente 2022 no ha sido el año que Shawn Mendes esperaba para su carrera, si bien ha mantenido las cifras de oyentes en sus plataformas digitales no ha podido responderle a sus fans como él desea. Hace unos meses publicó una carta que preocupó a sus seguidores donde revela que siente mucha presión para su corta edad. Semanas después aplazó algunas fechas de su gira de conciertos y hoy finalmente decidió cancelar todo el tour que tenía fechas confirmadas en Norteamérica, Europa y Asia. Contenido relacionado | Shawn Mendes: "temo que la gente se aburra o piense menos de mí si sabe la verdad"Se informó que Shawn también canceló las negociaciones que sus representantes habían adelantado para ofrecer varios conciertos en América Latina. En la carta lamenta que su decisión defraude a sus fans, pero confía que va a ser entendido y respetado.El comunicado también revela que esta cancelación no significa que se vaya a retirar de la música, pero sí que se tomará las cosas con mayor tranquilidad. CARTA DE SHAWN MENDES A SUS FANS TRADUCIDA AL ESPAÑOLComo saben, tuve que posponer las últimas semanas de shows ya que no estaba totalmente preparado para el costo que tomaría en mí estar de vuelta en el camino. Empecé esta gira emocionado de finalmente conseguir volver a tocar en vivo después de un largo descanso debido a la pandemia, pero la realidad es que no estaba preparado para lo difícil que sería salir de gira. Después de este tiempo fuera y de hablar más con mi equipo y trabajando con un grupo increíble de profesionales de la salud, se vuelve más claro que necesito tomarme el tiempo que nunca he tomado personalmente, ponerme a tierra y volver más fuerte. Desafortunadamente tengo que cancelar el resto de las fechas de la gira en North América y Reino Unido/Europa. Teníamos la esperanza de que yo podría ser capaz de retomar con el resto de las fechas después de algunos muy necesarios descansos de tiempo libre, pero en este momento tengo que poner mi salud como mi primera prioridad. Esto no significa que no voy a hacer música nueva, y yo no puedo esperar a verte de gira en el futuro. Sé que todos ustedes han estado esperando tanto tiempo para ver estos shows, y me rompe el corazón decir usted esto, pero les prometo que volveré tan pronto como haya tomado el tiempo de sanar. Los amo a todos y muchas gracias a todos por el apoyo y acompañándome en este viaje.¡La música nos une!
Aquí estamos en 2022 con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos <u class="rte2-style-underline">un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP)</u> para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo <u class="rte2-style-underline">a lo mejor del 2021 en este especial</u> . Acá les presentamos Fino de Llane.Los invitamos a escuchar nuestra playlist Recarga Local en Amazon Music Colombia.¿Quién es Llane?Llane logró reconocimiento global siendo el líder natural de la agrupación paisa Piso 21. Después de 14 años en la banda decidió empezar carrera en solitario demostrando que tiene todo para convertirse en el representante masculino del nuevo pop colombiano. En 2019 empezó su carrera como solista y ahora presenta su primer álbum de estudio.¿Qué es Fino de Llane?Es su más reciente sencillo, una colaboración con Danny Ocean en la que se resaltan las virtudes de una mujer en la etapa inicial de la conquista. Tanto el paisa como el venezolano hicieron match cuando grabaron el tema y su química profesional se ve reflejada en el video oficial grabado en México y dirigido por Juan Zuleta.¿Cómo se conocieron Llane y Danny Ocean?Ambos artistas tienen una buena relación y, además, hacen parte del mismo sello discográfico. Para el video oficial de FINO se encontraron en México y filmaron el proyecto audiovisual que abre una nueva era en la carrera de Llane.FINO, el álbum debut de LlaneAdemás de ser la canción con Danny Ocean, también es el nombre de su primer proyecto discográfico como solista. Este larga duración incluye temas que salieron hace tres años como Más de ti, su sencillo debut, pero también viene con colaboraciones que la gente ha escuchado en los últimos meses como Oveja Negra con Masego, Alcancía con Reik y Keha, Sueño con Omar Montes, Puñales con Boza, Presente y Futuro con Zion y Álvaro Díaz o Será con Manuel Turizo.En video | Piso 21: ¿quién es el más paisa, llorón, divertido y rockstar de la banda? - Shock¡La música colombiana nos une!
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos cumple 20 años. La película de Michel Gondry se convirtió en objeto de culto. El filme nos muestra la historia de Joel y Clementine, una pareja que decide borrarse mutualmente de su memoria. Lacuna, Inc., empresa ficticia, ofrece a las personas el servicio de borrar de su mente recuerdos desagradables. La mayor parte de la película tiene lugar dentro del cerebro de Joel mientras está sedado durante el procedimiento de borrado: mientras revive momentos más felices con Clem, se arrepiente de su decisión e intenta frustrar los esfuerzos de los borradores aferrándose a sus recuerdos de la relación.¿Podría suceder en la realidad lo de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos?Si bien estamos muy lejos de un mundo en el que exista una empresa como Lacuna, sí hay avances en lo relacionado con alteración de los recuerdos. Apenas tres años después del lanzamiento de Eternal Sunshine, los investigadores descubrieron que inyectar una “droga para la amnesia” podía aliviar el aguijón emocional de los recuerdos desagradables. Luego, en 2009, un equipo de la Universidad de Toronto logró borrar selectivamente los recuerdos en ratones inyectando una toxina en la amígdala, la parte del cerebro que procesa las emociones.Desde entonces, psicólogos y neurocientíficos de todo el mundo han estudiado varios métodos diferentes para manipular recuerdos, como inhalar gas xenón, tomar propranolol, usar luces y reproducir sonidos para las personas mientras duermen.Un grupo de científicos del MIT cree haber descubierto el gen que "desempeña el papel de extinción de la memoria". Esperan que este trabajo pueda eventualmente conducir a un tratamiento para quienes padecen trastorno de estrés postraumático. o personas atormentadas por recuerdos del pasado. El proceso implica que nuevos recuerdos “sobrescriban” los viejos. El estudio se centró en la observación de ratones a los que se les inhibió el gen en cuestión (llamado “Tet1”). Estos ratones inhibidos recibieron descargas eléctricas (levemente) varias veces cuando los colocaron en una jaula en un intento de crear una asociación; pero, en comparación con los ratones a los que no se les había bloqueado el gen, estos ratones no temieron la jaula cuando fueron colocados en ella en ocasiones posteriores "porque su recuerdo de haber sido heridos ya había sido reemplazado por nueva información". La Dra. Sheena Josselyn codirigió el equipo de investigación que logró borrar los recuerdos de los ratones y ha pasado décadas investigando cómo funcionan los recuerdos. ¿Cree que la tecnología utilizada en Eternal Sunshine algún día podría ser algo común? "Esta es una pregunta complicada", dice citada por Dazed. “Ahora tenemos la tecnología para hacer esto en ratones. "En este momento, no es posible hacer esto en humanos", afirma. "Pero la prueba del concepto está ahí gracias al trabajo de muchos laboratorios de todo el mundo que utilizan roedores [...] Con la ayuda de muchos científicos trabajadores de todo el mundo, la ciencia ficción se está convirtiendo en un hecho científico".
Arabia Saudita anunció que construirá un parque temático basado en la famosa serie animada japonesa Dragon Ball. Este parque temático contará con cinco atracciones de última generación como parte de una programación de más de 30 de ellas. También está prevista la construcción de un Shenron (dragón) de 70 metros de altura, en cuyo interior se encuentra una montaña rusa a gran escala. El parque cubrirá más de medio millón de metros cuadrados, según Qiddiya Investment Company (QIC), que pertenece en su totalidad al fondo de inversión del gobierno de Arabia Saudita.Los planes son parte de "una asociación estratégica a largo plazo" entre QIC y Toei Animation, el productor japonés de Dragon Ball.El parque contará con siete áreas diferentes que recrean varios lugares icónicos de la serie original, como Kame House, Capsule Corporation y Beerus's Planet.En el parque, los visitantes podrán unirse a una aventura con Goku y sus amigos mientras disfrutan del mundo de Dragon Ball, desde el comienzo del anime hasta Dragon Ball Super.Qiddiya es un importante proyecto turístico y de entretenimiento que se está construyendo cerca de Riad, la capital de Arabia Saudita. Es parte de los planes de la nación rica en energía para diversificar su economía alejándose de los combustibles fósiles.¿Por qué algunos fans no están contentos?El anuncio fue recibido con algunas críticas por parte de los fanáticos, citando el historial de derechos humanos de Arabia Saudita.Si bien algunos fanáticos de Dragon Ball recibieron con agrado los planes para el parque temático, otros en las redes sociales cuestionaron la decisión de ubicar la atracción en Arabia Saudita, según informó la BBC. El país ha sido criticado por su historial de derechos humanos, el trato a las mujeres y la falta de reconocimiento de los derechos LGBTQ+.¿Cómo nació Dragon Ball?Dragon Ball se publicó por primera vez en 1984. Se inspiró en la novela china Viaje al Oeste y en las películas de artes marciales de Hong Kong. Inicialmente tenía un enfoque de comedia, pero luego se convirtió en una serie de lucha llena de acción.La historia sigue las aventuras de Son Goku, desde la niñez hasta la edad adulta, mientras se entrena en artes marciales y explora el mundo en busca de las esferas del dragón, siete orbes mágicos que cuando se reúnen invocan a un dragón que concede deseos. A lo largo de su viaje, Goku hace varios amigos y lucha contra villanos.Dragon Ball se ha convertido en una de las series manga más exitosas de todos los tiempos. Su mezcla de comedia y lucha, junto con referencias culturales de la mitología china y los cuentos populares japoneses la hicieron un éxito rotundo.El manga ha sido traducido y lanzado en más de 40 países en todo el mundo. En 2006, cerca de 79.000 fanáticos japoneses votaron a Dragon Ball como el tercer mejor manga de todos los tiempos.En una encuesta de 2007 entre mil personas realizada por Oricon, Goku ocupó el primer lugar como el "personaje de manga más fuerte de todos los tiempos".
Bruce Dickinson, líder de Iron Maiden, se refirió al creciente precio de las entradas de conciertos. "Si quieres ir a ver el espectáculo de U2, creo que costaba 1.200 dólares por asiento en la esfera", dijo Dickinson [transcrito por Blabbermouth]. “No tengo ningún interés en pagar 1.200 dólares para ir a ver a U2 en la esfera, ninguno. Cien dólares, tal vez. Pero para mí lo importante es intentar mantener, por un lado, el tipo correcto de entradas al precio adecuado”.Dickinson sugiere que los asientos frente al escenario – “que todo el mundo dice que deberían ser los boletos más caros” – en realidad deberían ser “los boletos con el precio más razonable, porque dentro de la gente que va a ir al frente del escenario habrá personas que son verdaderos fanáticos, niños, personas que no pueden pagar tanto dinero, pero son las personas que necesitan estar al frente; ellos son las personas que mantendrán viva esta música”.“Y luego tienes a la gente que podría ser fan”, continuó el cantante de metal, “pero quieren traer a su esposa y no quieren pasar demasiado calor, sudar y todo eso. Entonces, hay algunos asientos en la parte superior o algo así, lo que van a elegir, y el precio es diferente”."Los promotores de alguna manera tienen que recuperar su dinero", concluyó Dickinson. “Entonces, es un equilibrio delicado, pero en general, los precios de las entradas se han disparado. Y algunos de los precios de las entradas que la gente paga, bueno, algunos de los precios que la gente paga, para mí, son una locura. Nunca pagaría ese precio, pero claro, probablemente no soy fanático de ese artista en particular. Las personas que lo son, tal vez piensen que vale la pena. Quiero decir, ciertamente con mis espectáculos, siempre hemos tratado de mantener los precios de las entradas dentro de los límites normales. Y lo mismo con Maiden”.Iron Maiden confirmó que estará en Colombia en noviembre de 2024. La agrupación estará en el Estadio el Campín, el próximo 24 de noviembre. Los precios oscilan entre 149.000 y 559.000.
40 años después del lanzamiento de This is Spinal Tap, considerada una de las mejores películas de rock de la historia, pronto veremos This Is Spinal Tap 2, que se encuentra actualmente en producción.This is Spinal Tap es una película estilo falso documental (mockumentary) que se estrenó en 1984 y se convirtió en un clásico de culto. La película sigue la historia del grupo de rock ficticio "Spinal Tap" mientras se embarcan en una gira que definirá su carrera.Spinal Tap está formada por tres músicos de heavy metal que poco a poco se están dando cuenta de que no son tan populares como antes. Aunque en el momento de su estreno This Is Spinal Tap tuvo un éxito moderado, fue después gracias al VHS que el filme cruzó fronteras y se mantiene como objeto de culto. Fue elogiada por la crítica al ser una sátira efectiva del rock y la música.La decisión de hacerlo al estilo de falso documental resultó exitosa y muy innovadora y sigue siendo considerado uno de los mejores "mockumentaries" o falsos documentales de todos los tiempos.Les contamos todo lo que se sabe, hasta ahora, de la película. ¿Quién dirigirá This is Spinal Tap 2?La dirección estará a cargo del director original de This is Spinal Tap, Rob Reiner. ¿Cuándo se estrena This Is Spinal Tap 2?Debido a que Spinal Tap 2 acaba de comenzar a filmarse en Nueva Orleans, actualmente no hay una fecha de estreno para la película. Sin embargo, lo más seguro es que se estrene en 2025. ¿Quién protagoniza This Spinal Tap 2?Repitiendo sus papeles como los tres miembros de Spinal Tap están Michael McKean como David, Christopher Guest como Nigel y Harry Shearer como Derek. ¿Quién más estará en el elenco de This Is Spinal Tap 2?Además de los actores que regresan, recientemente se anunció que los íconos de la música Elton John, Paul McCartney, la cantante de country Trisha Yearwood, Questlove y Garth Brooks se unirían al elenco.También estará el productor, director y músico Questlove quien ganó su primer Premio de la Academia a Mejor Película Documental con Summer of Soul.También se confirmó la presencia Lars Ulrich de Metallica, Chad Smith de Red Hot Chili Peppers, y la actriz Fran Drescher, conocida por The Nanny. ¿De qué trata This Is Spinal Tap 2? La trama de Spinal Tap 2 fue desarrollada por los miembros del elenco Guest, Shearer, McKean y Reiner, y seguirá al documentalista Marty DiBergi (Reiner) mientras se reúne con Spinal Tap para un concierto de reunión. La banda ha estado en pausa durante quince años y está previsto que el concierto de reunión sea su último show.
Con algo de retraso, recuperamos el primer Panorama del año tras haber dedicado un extenso artículo a las 24 apuestas emergentes en Iberoamérica para este 2024. Como todos los meses, los diferentes medios que conformamos la alianza FARO, hemos elegido el proyecto artístico que nos ha parecido más interesante, en este caso surgido a lo largo del mes de febrero. Solo nos queda prometer que la próxima entrega llegará más pronto, y que esperamos disfrutéis de la playlist que hemos confeccionado, con hasta cinco canciones destacadas de cada uno de los países de la alianza.ArgentinaIsla Mujeres | Por IndieHoyEn una discografía plagada de giros, el cuarto álbum de Isla Mujeres no es la excepción. Barato ideal se despega de la electrónica intimista de su excelente trabajo anterior, Correr adentro (2022), para acercarse a la versión más cruda y visceral de la banda platense. Estas nuevas canciones nos invitan a romper las cadenas, a liberarnos de las máscaras y a celebrar la belleza de la imperfección.El proceso creativo detrás del álbum se caracterizó por la convivencia y la improvisación. El trío y su productor Aziz Assé montaron un estudio dentro de su sala de ensayo, donde durante meses exploraron ideas, seleccionaron bocetos y grabaron en un ambiente colaborativo. A lo largo de las ocho canciones que lo integran, el disco propone una odisea desde la decadencia y la violencia hasta la amistad y la búsqueda de la fuerza interior. Sus guitarras cargadas de distorsión cortan el aire de una producción expansiva y de contrastes, creando una experiencia que anima a sentir, pensar y bailar. - Juampa Barbero de Indie HoyBrasilAmaro Freitas | Por Scream & YellCuarto álbum en la carrera del pianista y compositor Amaro Freitas, "Y'Y" (pronunciado "eey-eh, eey-eh" y que significa, en dialecto indígena, agua o río) es el más experimental de sus trabajos. Es un disco que nació después de que Amaro se sumergiera en la comunidad indígena Sateré Mawé de Manaos. La forma que tuvo el pianista de devolver el intercambio de conocimientos fue componer un homenaje a la selva amazónica y a los ríos que cruzan el norte de Brasil, una pieza sonora que combina los ritos indígenas con John Cage a través de la técnica del piano preparado, utilizando fichas de dominó, cinta adhesiva, pinzas de la ropa y semillas, entre otros objetos. Según el propio Amaro, "Y'Y" es "una llamada a vivir, sentir, respetar y cuidar la naturaleza, reconociéndola como nuestro ancestro". Concebido como un disco de vinilo, la cara A de "Y'Y" sirve como expresión de la conexión con la tierra y los ancestros, y la cara B sirve como prueba de las conexiones entre la comunidad global del jazz negro de vanguardia con la presencia de Shabaka Hutchings (Londres), la arpista Brandee Younger (Nueva York), el bajista Aniel Someillan (de ascendencia cubana), el guitarrista Jeff Parker y el batería Hamid Drake (ambos de Chicago). Un disco para escuchar y escuchar y escuchar y escuchar… Marcelo CostaChileCami | Por el equipo de POTQ MagazineEn la nueva era de CAMI la electrónica es la protagonista. Así lo vimos con ANNA Vol1. LOS AMANTES, su EP lanzado a fines del 2023 y también lo escuchamos fuerte y claro en ‘Qué bueno que llegaste’, un hit en toda regla, lanzado durante febrero junto al rapero Bronko Yotte. En diferentes ocasiones, la artista ha comentado sobre su paso de sonidos más folk asociados siempre al pop, a la electrónica y explica que para ella tienen todo que ver, que hay un punto de unión, mencionando el concepto de ritual como algo que les une. Queremos ver qué le depara el 2024 a CAMI, probablemente, nos sorprenda.CubaDaymé Arocena | Por Magazine AM:PMFinalmente salió a la luz Alkemi, el nuevo álbum de Daymé Arocena que cristaliza su esperada colaboración con Eduardo Cabra. Aunque el resultado nos ha dejado con algunas preguntas, no cabe dudas de que se trata de una producción llamada a expandir los límites creativos y de audiencia de la artista. Bajo el sello Brownswood Records, Arocena entrega a través de la decena de temas que componen el disco una amalgama sonora con un fuerte acento afrocaribeño que se resalta con la presencia de invitados como Rafa Pabön y Vicente García. La alquimia de esta Daymé deshinibida nos toma un poco por sorpresa, pero confiamos que su intuición la lleve por buen camino.EspañaCarmen Boza - Encore | Por Mondo SonoroLa linense Carmen Boza es de esas cantautoras que no toma el camino fácil. Ese que se adapta mejor al gusto del oyente, con el subsiguiente riesgo de caer en el denostado mainstream. No. Carmen Boza toma derroteros que precisan escuchas, para solo así empezar a paladear los detalles de su música, pero también de unas letras que pueden ir de lo explícito a lo etéreo, de lo profundo a lo mundano, del cariz confesional a un desgarrador tono vitalista. Todo cabe en el basto imaginario de la artista. “Encore” es el regreso a la palestra de la actualidad de Carmen Boza. Un Ep de seis temas de distinto pelaje, que marcan un nuevo camino para la cantautora tras una sequía creativa de dos años que uno imagina de búsqueda, sanación y de intentar no perder el rumbo en el marasmo de este siglo. Y es fácil adivinar que así ha sido, gracias al diario vital en el que Carmen Boza ha convertido este disco que no esconde trampa ni cartón. No en vano, a lo largo de estas canciones nuestra protagonista va mostrando su desazón social (‘Lambo’), sus luchas internas (“El Altar” o “Anestesiada”), sus dudas (“Libertad o seguridad) y sus rupturas (“Remolino”). Sin olvidar tampoco ese halo de esperanza necesario para seguir en la brecha (“San Juan”). Y lo hace con un flow vocal marca de la casa, que va adaptando a las diferentes temáticas para darle a cada canción aquello que en realidad necesita, dotándolas de múltiples personalidades que son las suyas propias. Sergi MarquésUruguayLos Hermanos Láser | Por Kristel Latecki de PiiilaDesde su fundación en 2011 –directamente de las cenizas de otra gran banda de los 2000, Vieja Historia– Los Hermanos Láser han sido fundamentales en la creación de un sonido indie montevideano que fusionó una sensibilidad y gancho pop con elementos clásicos del folk, más una saludable dosis de furia rockera en el vivo, y una cuidada atención a la artesanía de las canciones. Y es así que son precisamente las canciones su gran fuerte. Las que hicieron de su disco debut (homónimo, 2013) un trabajo intachable, que los llevó a tocar junto a innumerables bandas, ganar varios premios e influenciar a una generación.Once años después vuelven con un tercer disco donde demuestran –con total humildad– su envidiable facilidad para crear melodías, frases y observaciones memorables. Este Paisaje Fósil es una apuesta a la familiaridad pero que deja entrever una madurez inevitable. Los rasguidos folk y las infecciosas armónicas ahora dan lugar a capas de sintetizadores. Se canta sobre errores, sobre culpas; sobre volver a casa y al mismo tiempo, no extrañar lo que uno fue. Es un disco que –haciendo juego con su nombre– se va revelando a medida que la escucha profundiza, encontrando facetadas, sutiles y preciadas canciones.Colombia Maikcel | Por Fabián Páez López de ShockA Miguel Ángel Rojas le dicen Maikcel y su voz es bien conocida en el under colombiano porque ha estado al frente de grupos como Zalama Crew o el colectivo La Pacifican Power. Tiene más de 10 años de experiencia haciendo rap o música del Pacífico colombiano o las dos al mismo tiempo. Su voz siempre sobresalió por su versatilidad y su flow. Y con Maikcel, su proyecto solista que recién empezó hace un par de años, está estirando su potencial. ‘Ambrustic Boy’ es su primer álbum y tiene 13 cortes en los que se mueve con soltura por los afrobeats, el trap, el R&B y el rap; casi siempre guiado por la cadencia de la marimba de chonta, instrumento insigne del Pacífico colombiano. El título de este primer álbum está inspirado en una de las canciones del primer grupo de rap colombiano en publicar un álbum, Los generales R&R. Y también es una declaración de la personalidad y la forma de hacer música de Maikcel, desde la alegría ambrústico, dice, significa estar bien.