Todos los meses los catálogos de plataformas de streaming se renuevan con películas, documentales y cortos que llegan y salen. Estas novedades también incluyen películas latinoamericanas. Muchas de estas nominadas a premios Óscar o galardonadas en festivales internacionales de cine como Sundance, Cannes o Tribeca. Si cuando llega el momento de decidir qué ver, pasan por todas las categorías y, aun así, no saben o están cansados de siempre ver cine de Hollywood, hicimos la tarea de revisar qué películas latinoamericanas - realizadas entre el 2022 y 2023 - están disponibles actualmente en plataformas y la lista fue larga, sin embargo, escogimos cinco con las que pueden empezar. Veamos cuáles son. Rebelión (2022), Netflix Esta película es una de las más recientes novedades de Netflix. Dirigida por José Luis Rugeles (García, Alias maría), escrita en conjunto con Chucky García y Martín Mauregui e inspirada en el libro '¿Quién mató al Joe?', del periodista Mauricio Silva, la película es un perfil anacrónico de Álvaro José Arroyo, el Joe Arroyo en los momentos de cúspide y bajadas de su carrera musical y su vida personal.Protagonizada por Jhon Narváez, Angie Cepeda y el argentino Martín Seefeld, la película, en palabras de su director ¨Se cuenta entre el tiempo y el espacio, distanciándose de lo anecdótico, cercano al humano, buscando en la penumbra y la soledad. Los cuartos de hotel, impersonales, estándares y vagos; son la forma que encuentro para evidenciar el desarraigo”.'Rebelión' fue estrenada en salas de cine en noviembre de 2022 y ya está disponible en Netflix.Más sobre 'Rebelión' 'Rebelión', la película sobre el Joe Arroyo protagonizada por Jhon Narváez y Angie Cepeda. Argentina, 1985 (2022), Prime Video En la década de los ochenta se lleva a cabo el juicio más importante en la historia de Argentina. El fiscal Julio César Strassera, el fiscal auxiliar Luis Moreno Ocampo y un equipo de jóvenes cumplirían la hazaña de hacer justicia a las víctimas de la dictadura militar en cabeza del general Videla, posteriormente sentenciado a cadena perpetua en 1985. Dirigida por Santiago Mitre, con Ricardo Darín y Peter Lanzani en el elenco, 'Argentina, 1985' ganó el Globo de Oro a mejor película internacional y logró nominaciones en los Critics Choice Awards y los Óscar en esa misma categoría. En estos últimos se terminó llevado el premio la película alemana 'Sin novedad al frente'. Los Colonos (2023), MUBI Estrenada en el Festival de cine de Cannes, 'Los Colonos' es la sexta película chilena que llega a ser parte de la selección del festival. Felipe Gálvez es su director y participó en la categoría Un certain regard o 'Una cierta mirada', donde se reconocen aquellos largometrajes más originales y diferentes.La película es una ficción histórica que tiene lugar en los años de 1901 y 1908 en Tierra del Fuego, y su argumento gira en torno a temas como la colonización de la Patagonia, el genocidio Selk’nam y el mestizaje. Luego de su proyección en Cannes, logró una ovación de 10 minutos y poco tiempo después la plataforma MUBI anunció que se añadió a su catálogo de streaming. 1976 (2022), Netflix Otra película chilena recomendada es '1976'. De la directora Manuela Martelli, la sinopsis del largometraje cuenta que el personaje principal, Carmen ,hace un viaje a la costa para supervisar la remodelación de su casa en la playa, el viaje toma otros giros cuando el párroco local le pide cuidar a un joven que está alojando en secreto. Esta película es el debut cinematográfico de Manuela Martelli, y llegó a festivales de cine como el de Toronto, San Sebastián y Cannes, donde fue su estreno. Al igual que 'Argentina, 1985', este largometraje también se ubica dentro de un contexto político complejo, en este caso, la dictadura de Pinochet y abordarlo desde el punto de vista de una mujer. Los reyes del mundo (2022), Netflix Dirigida por la colombiana Laura Mora y escrita por María Camila Arias, fue la ganadora de la Concha de Oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián - el máximo premio del festival- y además, fue la primera película colombiana en lograrlo. La película cuenta la historia de Rá, Culebrero, Sere, Winny y Nano, cinco amigos que son chicos de la calle en Medellín y que emprenden un viaje por la recuperación de las tierras de uno de ellos. En esta travesía pasan por peligros, fortunas, momentos de éxtasis y penas. Un retrato de la vida de los jóvenes de la calle, las promesas del posconflicto, la discriminación y la lucha por un futuro mejor. 'Los reyes del mundo' está disponible en Netflix desde principios de enero. Luego de conocerlas todas, ¿Con cuál van a empezar?
Para celebrar los 20 años de carrera cinematográfica del más reciente ganador del Oscar a mejor película, Bong Joon Ho, la revista especializada en cine Sight & Sound lo invitó a editar su edición de marzo de 2020. Para esta edición Ho habló de sus referentes, influencias y obsesiones. También compartió detalles de su proceso creativo, del trabajo detrás de Parasite y de los 20 años que lleva detrás de las pantallas. No todo fue hablar sobre el pasado. Joon Ho hizo una pieza muy interesante en la que resaltó el trabajo de 20 directores que, según su opinión, serán fundamentales para la historia del cine en los próximos 20 años. A continuación compartimos la lista y la película que Ho destaca en la pieza. Sin embargo aquí puede leer el artículo completo de Sight & Sound. Ali Abbasi Conocido por la película Border de 2018. Ari Aster Menciona el corto The Strange Thing About The Johnsons y las películas Hereditary (2018) y Midsommar (2019), de la que puede leer aquí una reseña. Bi Gan Long Day’s Journey into Night (2018). Jayro Bustamante Ixcanul (2015) fue la primera película guatemalteca en entrar a los Oscar. Mati Diop Actriz y directora. Atlantics es su más reciente película que está disponible en Netflix. Robert Eggers The Witch (2016) y The Lighthouse (2019). Rose Glass Terror psicológico gótico en su primer largometraje: Saint Maud (2019). Hamaguchi Ryusuke Es muy conocido por su película de más de cinco horas de duración, Happy hour (2015). Alma Har’el Ha hecho videos para bandas como Beirut y Sigur Rós. Se le conoce por los documentales Bombay Beach (2011) y LoveTrue (2016). Kirsten Johnson Se la conoce por el documental Cameraperson (2016). Jennifer Kent La mujer detrás de The Babadook (2014). Oliver Laxe Director franco español. Su más reciente película es Fire Will Come (2019). Francis Lee Inició su carrera en el cine como actor. En 2017 dirigió su primera película, God’s Own Country. Pietro Marcello Martin Eden (2019), una adaptación de la novela de Jack London. David Robert Mitchell It Follows (2014) y Under the silver lake (2018) Jordan Peele Get out (2017) y Us (2019). Lea también: Vean el triste final alternativo de la ganadora del Óscar ‘Get Out’ Jennifer Reeder Signature Move (2017) y Knives and Skin (2019) Alice Rohrwacher Happy as Lazzaro (2018) está disponible en Netflix. Lea también: 'Happy as Lazzaro', la ‘Roma italiana’ que debió triunfar en los Óscar Yoon Gaeun Directora coreana que explora el tema de la infancia y la juventud. The House of us es su más reciente película. Chloé Zhao Songs my brother taught me (2015) y The rider (2017)
A muchas personas nos gustan las historias que mueven fibras y emociones, así nos perturben la mente y nos quiten la tranquilidad. No cerramos los ojos ante el lado oscuro de la sociedad, porque para poder convivir con él pensamos que no podemos encerrarnos en una urna de cristal, sino que debemos ser fuertes en medio de la mierda. Por: Luis Fernando Mayolo @mayolito Por eso a los que nos identificamos en este perfil nos llaman la atención los personajes imperfectos, los antihéroes, los thrillers e historias que dejan en evidencia los diferentes rostros del ser humano, sin moralismos que busquen ocultarlos. Al final, aunque sean historias que podrían inspirarse en la vida real, no perdemos el horizonte de que son pura ficción. Encontrarlos en la televisión ya no es extraño, si contamos una cantidad de propuestas ligeras sin trascendencia. Lo que sí es una fortuna es detectar profundos dramas complejos, que trascienden la violencia sin razón y entran el los terrenos propios de mentes brillantes y retorcidas para reinventar el género. En este orden de ideas no pueden pasar desapercibidas tres series que se estrenaron en octubre con este espíritu, que definitivamente deberían estar viendo. A HBO, Netflix y AMC se les prendió el bombillo de la creatividad incluyendo dentro de su programación historias que exploran los más bajos instintos del ser humano. Animal Kingdom (AMC) - Domingos 9 p.m. La primera de ellas es Animal Kingdom de AMC. Un remake de la película australiana que lleva el mismo nombre, que en 2010 ganó en Sundance. Lo interesante de la historia es ver como la familia puede entenderse desde la base para construir una sociedad o también para destruirla. Por otro lado el cómo se pueden generar unas bases afectivas fuertes en medio del crimen y la maldad. La serie sigue a Joshua "J" Cody, un joven de 17 años que luego de la repentina muerte de su madre, víctima de una sobredosis de heroína, se ve forzado a contactar a su distante abuela, Janine “Smurf” Cody, que es una especie de matriarca que lidera un clan familiar criminal. La primera temporada de cuenta con 10 episodios de una hora de duración. West World (HBO) Domingos 9 p.m. La segunda es West World, la promocionada serie que llegó a la programación con la promesa de llenar el espacio dejado por Juego de Tronos. Aunque por ratos parece no ir a ningún lado y repetirse una y otra vez como si fuera la película el Día de la Marmota, es una serie para leer entre líneas. Como por ejemplo, que es una especie de parque temático de atracciones del viejo oeste, donde el que pueda pagarlo puede darle rienda suelta a sus más bajos instintos, así sean crueles o desalmados. El desarrollo de una posible inteligencia artificial y una conciencia en los 'robots' llamados anfitriones, hace que todo lo que sucede ahí sea aún más reprochable. Se acerca la revolución y no deberían perdérsela. Luke Cage (Netflix) Cuando le plazca Por último, siguiendo los caminos de Jessica Jones, llega otro superhéroe que no se considera como tal, y que por el contrario sus habilidades fuera de lo normal pueden convertirse en un verdadero karma, cuando a su alrededor hay tanta maldad. Los personajes de Luke Cage no son un modelo a seguir porque están untados de la misma mierda que terminaron combatiendo, en un contexto en donde la mafia y la corrupción reinan en los territorios de Harlem, Nueva York.
Peglau, OKills, Menores, Orieta Chrem, Planeta No y Maribel Tafur son algunos de los invitados internacionales para conocer a partir del 10 de septiembre en el Festival Yavería. Encuentre AQUÍ el cartel completo Por: Lina Cepero Francois Peglau Algunos conocen por ser el antiguo integrante de agrupaciones peruanas de rock como Los Fuckin Sombreros o El Ghetto, o por ser desde 2008 un gran solista y guitarrista, experto en el arte del “hazlo tú mismo”, y en hablar del fracaso, mantener la gracia y seguir haciendo música para oír al desayuno. “Un día te declaran el mejor y luego el más grande perdedor, pero siempre hay un día más”, dice una canción de Peglau, de su disco Fracaso Inminente, pero con guitarras y coros muy amables de fondo. No es gratuito, dicen gustarle las canciones de Jorge Gonzales de los Prisioneros, muy felices pero agridulces, de las que se bailan pero si se pone atención a la letra, asustan. Fue conocido, en la época de este primer disco, especialmente en la blogósfera, porque aparentemente, dice, “a todos les gustaba el tema del fracaso”, y ahora a Colombia trae su último álbum, Crisis, que muestra el proceso de tres años de trabajo. Si nada suena familiar, este es un buen momento para conocerlo. Fracaso Inminente es un álbum primordialmente en inglés, porque fue el resultado de un trasteo a Londres que le trajo a Peglau su gran oportunidad para empezar un proyecto como solista. Tanto este primer álbum como Crisis pone especial atención a las letras, las guitarras, los vientos y las melodías, porque su primer instrumento siempre fue la guitarra, por el camino aprendió más, pero sigue siendo en las cuerdas en donde nacen las canciones. Como un “one man show”, Peglau hacía prensa, composición, videos, y micro management. Dice de sí mismo ser una persona normal con suerte, que organizó un proyecto como solista que ha ganado forma, para el cual ha constituido bandas con músicos internacionales que se reúnen en los países a los que va a tocar, algo así como una banda móvil, bautizada “Fracaso Band”, a donde quiera que vaya. A veces se escuchan dentro de sus influencias musicales algo de The Kinks o Damon Albarn, y en general, se reconoce su gusto por el reggae clásico, la electrónica y el son cubano. Peglau afirma: “Creo que el único hilo que une todo es la melodía y las letras. Pienso en canciones con letras personales y de crisis existencial.” Al hablar del tema recurrente del fracaso o la crisis, Peglau responde que el fracaso es liberador. Es “establecer el piso mínimo” al promocionarse, dice que cualquier cosa que se haga un poco mejor termina siendo un logro. Y que es en realidad, un truco inteligente para quitarse las expectativas a uno mismo, para trabajar tranquilo. Así como iniciaron sus proyectos, sin pretensiones, con amigos, y pocas ínfulas profesionales, también llamó a su productora para hacer videos, la “Fracasos de Producción”. Siendo músico, afirma, se tiene que dar la impresión de ser un ganador. “Cuando vendes tu álbum y hablas a quienes te han hecho un review (que en verdad no te explica nada) ellos tratan de realzar un producto pero en realidad si tocas ante 100 personas y no les mueves un pelo, no vale nada” seguido de esto, si le preguntamos cómo le va con las relaciones públicas, Peglau dice: “Me va muy bien, te explico, ¡somos unos triunfadores!”. Pero insiste, “Es como esta entrevista, la haces porque quieres promocionar pero tratas de hacerla de la forma más real y genuina. Es un proyecto musical melódico de una persona normal haciendo música y tengo suerte, poco a poco lo han ido conociendo y hay gente a la que le gusta, y tratamos de hacer un show en vivo diferente que sea del agrado del público.” Lo que el público bogotano puede esperar del show y del trabajo en “Crisis” es música especialmente latinoamericana, con influencias del reggae, el bolero, el calipso, y un tono antillano caribeño. Actualmente Peglau trabaja en un disco más fuerte, rockero y funk, y ojalá, para festejar. Porque últimamente ha tocado mucho en fiestas, y quiere ver a la gente bailar. Sábado 10, Casa 969, 9:00 pm. Planeta No Desde Chile llega el pop de Planeta No con melodías dulces y divertidas, similares a las de Miranda y Alex Anwandter, en canciones bailables como “Maricon Zara” y “Odio”, y temas con letras algo más oscuras como “Ser y Deshacer”. Bajo una onda de pop adolescente Planeta No está conformada por Gonzalo García, Camilo Molina (de la agrupación Denver), Juan Ignacio Dujisin y Juan Pablo Garin; llevan tocando juntos desde 2011, y han lanzado sencillos desde 2013 hasta dar a conocer su primer disco en 2015. Planeta No hace parte de esta última generación de músicos chilenos que han renovado la música pop en español como Javiera Mena o Francisca Valenzuela, refrescando la escena también acompañados por una propuesta audiovisual particular lista para ver sus videos para los temas “Sol a Sol” o “El campo”. Jueves 15, Locus, 9:00 pm. (Acústico) Viernes 16, La Real, 11:00 pm Okills Después de su más reciente trabajo, América Supersónica de 2015, producido por el músico Maurimixxx Arcas de Los Amigos Invisibles, luego de Reiniciando Transmisión en 2012, esta agrupación de conformada por los venezolanos lberto Arcas, Carlos García, El Kmarón, Kevin Yousef, Tony Alda, radicada en México visitará Bogotá. Entre guitarras, acordeón, y percusión, con su sonido pop rock mezcla de fondo algunas influencias del bossa nova y la cumbia para llegar a un resultado de corte más latino, sólo por momentos similar al de Caloncho, y a ratos como el sonido de Little Jesus. Como de esas canciones para cantar, Okills ofrece varias, entre las que vale la pena aprenderse la letra, están “Céntimos” o “Lo mejor, lo peor”. Sábado 10, Casa 969, 11:00 pm. Menores Le abrieron un concierto a la Mala Rodríguez, y son Menores, el trío de las peruanas Ana Cabrera, Talía Vega y Orieta Chrem, que empezaron a hacer música sin darse cuenta. Este proyecto es la segunda parte de Menores de Edad, banda en la que sólo participaban Ana y Talía, que desde muy jóvenes se acercaron a través retos de improvisación autoimpuestos, casi batallas en las que la idea era jugar con palabras, responderse ingeniosamente la una a la otra, y sin ninguna intención, terminar haciendo hip hop. El inicio fue MySpace, cuando aún no lo consideraban un proyecto formal, y en todo el proceso se han enfrentado al esfuerzo que requiere pasar de escribir para ellas mismas hasta pararse en el escenario y saber darle peso a las palabras. Han afinado la cercanía que encuentran entre la musicalidad y la poesía y recientemente lanzaron su último EP, Tierra de Nadie, que combina melodías electrónicas con pop, rap y folclor latinoamericano. Miércoles 14, Casa 969, 11:00 pm. Maribel Tafur La música electrónica de Maribel Tafur está compuesta por sonidos de naturaleza, agua, guitarras y aires melódicos suaves y ambient, y podría describirse como música para manejar tranquilamente, para ir despacio. Aunque ya hacía parte del mundo de la música desde 2009, la DJ peruana trabaja produciendo su propia música desde 2013, año en el que lanzó su album Mysteries of Love. Recientemente dio a conocer su trabajo “Summer Dreams”, en el que se evidencia un proceso de maestría en el manejo de los filtros, nuevos sonidos y creación de melodías agradables que con repeticiones sencillas animan a bailar y contemplar. Para no perdérsela. Jueves 15, Casa 969, 11:00 pm. Orieta Chrem Esta vez como DJ, Orieta Chrem, integrante de Menores, estará sonando paralelamente con un set de música electrónica que incluye techno, bassline y dubstep. Empezó a tocar a los 16 años, con curiosidad por el drum n’ bass y los breakbeats, y hoy, después de tocar en festivales tan importantes como el Sonar, Chrem está clasificada por la Redbull Music Academy como una de las 60 mejores DJs femeninas en el mundo. Dueña de su propio sello discográfico Basal, y creadora de su proyecto La Crema, Orieta ha sido la cabeza de algunos colectivos y festivales como Terra Barcelona y Catalán Caudorella, y actualmente trabaja en su propio estudio Qmulus Sound en Lima. Martes 13, Fulano Backpackers, 11:30 pm.
Seguro han oído hablar de IndieBo, han visto posts de gente comentando lo que han visto, tienen muchas ganas de ir, pero, no han comprado ni una sola boleta. Es más, ni siquiera han visto la programación. No saben qué viene. Además de hacer el quiz de personalidad para saber cuáles son las películas que deberían ver en IndieBo, acá les hicimos la tarea de escoger 12 recomendados que tendrán funciones desde este jueves hasta el próximo domingo, día en el que cierra el festival.Además de estas películas también hay que recordar que IndieBo cuenta con programación académica, un Cine Bus que está recorriendo varios lugares de la ciudad, cuatro pisos de realidad virtual e instalaciones interactivas en el Monumento de los Héroes, programación de los cortometrajes que estuvieron nominados a los más recientes Premios Oscar, cine al aire libre en los parqués Chicó y Timiza, etc.The Eyes of My MotherLa primera película del joven director Nicolas Pesce es una digna hija del legado de Alfred Hitchcock, David Lynch o Stanley Kubrick, y cuenta la macabra relación entre una hija y su madre, quien le enseña a no inmutarse ante la muerte.Julio 21 – 8:30 pm – Paraíso // Julio 22 – 11:15 pm – Andino // Julio 23 – 11 pm – Tonalá // Julio 24 – 9 pm – Avenida ChileGirl AsleepDentro del gran ramillete de historias adolescentes que está creando el cine universal, y que en este festival han tenido cabida, está esta historia australiana de una quinceañera que entra en caos cuando se da cuenta que es hora de crecer.Julio 23 – 3:45 pm – Andino // Julio 24 – 1:45 pm – AndinoSongs My Brothers Taught MeLa directora chino-estadounidense Chloé Zhao cuenta en su ópera prima la historia de una familia que vive en una reserva indígena en Dakota del Sur y que debe migrar a Los Ángeles. La película estuvo nominada a varios premios de cine independiente en Estados Unidos e hizo parte del Festival de Cannes.Julio 24 – 6:30 pm – Avenida ChileWhite GirlCruda, visceral y sin tapujos. Esta película es puro frenesí juvenil, potenciado por sustancias químicas, rozando con los límites del descontrol. Una chica llega a Nueva York a estudiar en la universidad y mientras comienzan las clases conoce el bajo mundo del microtráfico de drogas. Vean el trailer.Julio 23 – 8:45 – Avenida ChileHeart of a dogLa artista Laurie Anderson hizo una película (o más bien, un ensayo cinematográfico) perfecta para poner a llorar a todos los amantes de las mascotas, en especial de los perros, pero también a los que han sufrido la pérdida de un ser querido, mezclando dibujo e imagen documental.Julio 22 – 3:15 pm – Avenida ChileHong Kong TrilogyChristopher Doyle, el director de fotografía de varias películas de Wong Kar Wai y de otras joyas como Héroe, ahora asume doble rol en un precioso documental que registra la vida de tres distintas generaciones de habitantes de Hong Kong.Julio 23 – 1:15 pm – AndinoYo, Olga HepnarovaUna joven lesbiana de la Checoslovaquia de los años 70 no encuentra su lugar en el mundo. Es ligeramente misántropa y desprecia a su familia. Poco a poco cocina su venganza contra el mundo: manejar un camión en una vía peatonal y arrollar a todos los que encuentra a su paso. Inspirada en un caso de la vida real.Julio 24 – 3:15 pm – Avenida ChileThe Fits Esta película que cuenta la lucha de una niña marimacha por encajar en un grupo de danza parece una larga pesadilla. Afortunadamente no es una historia de superación, sino un tenso relato que abre misteriosas puertas cuando se empiezan a mostrar una serie de inexplicables desmayos que ocurren dentro del conjunto.Julio 23 – 8 pm – Cine TonaláGreen RoomUna banda de punk en gira se encuentra con un grupo de neo-nazis en un bar. Ese es el punto de partida de esta sangrienta y frenética película que rápidamente pasa de ser una película musical a un thriller de horror.Julio 23 – Andino – 11:15 pm Knight of CupsTerrence Malick, el director de esta película, se ha destacado como uno de esos autores que ha convertido el cine en un ritual espiritual. En esta ocasión se asoció con el director de fotografía Emmanuel Lubezki, el mismo que de Alejandro González Iñárritu, para contar una trascendental historia sobre un escritor que ha perdido el sentido de la vida.Julio 22 – 8:35 pm – Avenida ChileHigh RiseUn médico se muda a un nuevo apartamento en el que encuentra que sus vecinos tienen un extraño microsistema de castas que incluye una excéntrica réplica de Sodoma, con fiestas y desenfreno, donde todos están a punto de perder el control. La banda sonora está a cargo del gran Clint Mansell, habitual compositor de las películas de Darren Aronofsky.Julio 22 – 8:45 pm – Andino // Julio 23 – 8:30 pm – ParaísoEvolution Una de las socias creativas de Gaspar Noé, Lucile Hadzihalilovic se lanza al ruedo con esta película que cuenta la historia de un chico habitante de una isla donde solo viven mujeres y niños varones. Todo cambia cuando su protagonista decide cuestionar las normas de su comunidad.Julio 23 – 3:45 pm – Avenida Chile....Encuentren toda la información de IndieBo 2016 en su app disponible para Android y iOS.
Por: José “Pepe” Plata // @owai - Foto: EFEComienza el rito. Hay que armar la pinta, tomar un bus o un taxi, llegar en parche con los amigos y gozarse uno de los momentos de comunión sonora más importantes del calendario musical de la ciudad. Han pasado los años para algunos; para otros, esta puede ser su primera vez en el festival que ha estado presente en la mente, el alma y el cuerpo de Bogotá desde 1995. La historia ha sido contada una y mil veces; para otros, la historia es justamente aquello que no les interesa conocer. Y en el medio, están las grandes posibilidades de encontrar la redención y el gozo a través de la música en vivo.Así que aquí hay diez razones para estar el sábado 2 de julio en Rock al Parque. 1. Ver a las bandas distritalesLlegaron por su mérito y esfuerzo y van a dar lo mejor de sí. Será la oportunidad de ver a Stained Glory, Adamon, Nonsense Premonition, Albatroz y Supremacy.2. Poder ver a SepulturaLa legendaria banda brasileña de Thrash se presentará a las 9:15 de la noche. Puente de unión musical y generacional que se ha hecho esperar.3. Poder ver a GoretradePoder musical colombiano que nos representa en el exterior. Gente nuestra que da de qué hablar.4. Reconocer camisetasEl metal se apoya y aprecia en camisetas de todo tipo de bandas. ¿Qué tal hacer un conteo de cuántas camisetas se pueden reconocer por hora? De seguro habrá de Iron Maiden, Metallica, Amorphis, Carcass, Testament, Morbid Angel y más.5. La sorpresa, la sorpresaEstar allá presente es poder reconocer que habrá una sorpresa, algo que nos quede de recuerdo y que no esperábamos ver. Es superior a un hashtag o a una transmisión por streaming. Hay que ir para ver y vivir.Y esto es solo el primer día.Así que nos vemos.Lean también el perfil de Alex Oquendo, líder de Morbid Macabre que se presenta hoy en el Escenario Plaza....Con Tigo Music conectados en Rock Al Parque.
Del 15 al 19 de junio se celebra el grito de la independencia audiovisual, la segunda versión del Festival de Cine Independiente de Bogotá (FECI). Esta es una plataforma para reconocer y difundir los diferentes gestores, realizadores y producciones independientes que hacen parte del sector audiovisual en el país y a nivel mundial.Este evento es una de las alternativas pioneras a la hora de poner de relieve la autogestión en el sector cinematográfico, debido a la gran necesidad que hay en el país de abrir un mercado más democrático e incluyente donde nuevas propuestas de producción tengan cabida para su visibilización y realización.Pero si no lo conoce, si no lo había escuchado, si se siente desorientado, acá le contamos bien de qué se trata.Para apoyar la autogestión hay que ir.El FECIBogotá, más que un festival es una feria. La muestra audiovisual es tan sólo uno de los tantos componentes que hacen parte de una programación muy variada, para todos los públicos y para todos los gustos. Es una feria porque retoma la esencia pura de exhibición del cine, la cual se llevaba a cabo inicialmente en pequeñas ciudades, cafés y dentro de las ferias itinerantes de los pueblos como un espectáculo de entretenimiento para todos los públicos. ¿Qué hay para ver?16 de junio - Cortos de animación mexicanos El festival de animación contemporánea de Ciudad de México viene con una finísima selección de cortos que se proyectarán a las 7 PM. Sweet Talk, Un cuerpo desaparecido, Arcadia y Made in Central de Abastos son algunos de los títulos que estarán presentes en la noche.17 de junio – Cortos y clips musicales, el invitado especial: AlemaniaA las 3 de la tarde se proyectarán 6 cortos de ficción internacionales, el titulo más destacado es La luz de mis ojos de Carmen Rosa Vargas. A las 5 de la tarde habrá una selección de 75 minutos de cortos documentales hechos e Portugal, México y Canadá. Y a las 7 de la noche, más de 10 cortos made in Alemania, una selección oficial del festival Oberhausen.18 de junio – La selección de la casa y ‘Cine Under’ argentino El sábado se destapa el arsenal pesado del festival con la selección de los que juegan de local, los del FECI. A las tres de la tarde viene la primera descarga que inaugurará el corto iraní Autum Leaves y cierra El Palo del ahorcado, hecho por Juan Cáceres, también de la casa. En la segunda jornada del sábado está los cortos experimentales. En el cierre, a las 7 PM, están los seleccionados del festival Transterritorial Cine Unde, traído desde Argentina.19 de junio – Ficción, Porno y animación experimentalEl domingo se calienta el festival con la proyección de 6 piezas de porno alternativo a las 11 PM. Antes de eso, a las 3 y a las 5 PM, habrá una selección de cortos de ficción y animación hecha por el FECI.Evento recomendado. Lanzamieno de Trueque Sinergia, la primera plataforma de intercambios cinematográficosEl Trueque-Sinergia busca propiciar un encuentro efectivo entre los agentes del medio que estén dispuestos a materializar obras libertarias, con el potencial de hacer procesos de circulación y retorno a su propia manera.FECI apuesta por una red viva que alimente y retroalimente acciones audiovisuales a través de la aportación de ideas, de tiempo, de medios materiales o servicios. Sin embargo, el mero intercambio no es suficiente; es necesario construir sobre la base de la empatía y la reciprocidad. Sinergia pura.El lanzamiento de la plataforma es el viernes 17 a las 6:00 PM en Asilo Bar y, por supuesto, allí mismo es el remate.Bonus Además, habrá una cartelera alternativa llena de Arte Urbano, fiesta en Asilo Bar y talleres. Entérese de la programación completa aquí.
Por: Juan Pablo Castiblanco Ricaurte // @KidCastiOlvidémonos de las mamertadas. Ni el cine de Hollywood es una basura ni el de Europa es la salvación de la humanidad, pero al viejo continente sí debemos agradecerle unas cuantas joyas que tienen una mirada refrescante y más atrevida que la que tienen los pulidos gringos. Por ejemplo, la griega Dogtooth (Canino), las danesas Los idiotas o Celebración, la polaca Ida, la alemana La vida de los otros o El experimento, las inglesas Trainspotting o 24 Hours Party People, la italiana La vida es bella, la francesa Irreversible, las españolas Todo sobre mi madre o Tesis, entre muchas tantas de las últimas dos décadas y eso que no estamos teniendo en cuenta a los padres de todo como Buñuel, Godard, Bergman, Tarkovsky, Kaurismaki o Fellini que son las bases de la historia del cine.El caso es que Europa ha dado cantidad y calidad (a veces no tanto), pero por eso mismo, porque no se han dedicado a hacer películas taquilleras y de seguro éxito comercial, lo que llega a salas de nuestro país es contado y medido. Ahí es donde toma valor un festival que, como Eurocine, hace una inmersión en lo más fresco, arriesgado y diverso que se está haciendo en Europa. La muestra de este año, que comienza este jueves 7 de abril y va hasta el 11 de mayo y pasa por cinco ciudades colombianas, trae en su mayoría películas de los últimos dos o tres años, con algunas joyas que han resaltado en los tops y premiaciones internacionales, y que probablemente no vuelvan a circular en salas colombiana. Pero con una programación de más de 60 películas es casi imposible verlo todo y, sobre todo, ver lo que es. Por eso acá le botamos cuatro consejos para que vaya a la fija y no termine perdiendo el tiempo viendo una película más mala que un croissant viejo.1. Reconozca las secciones del festivalSección Oficial, Arte & Cine, En foco… música, y Clásicos, son las cuatro secciones del festival de este año. No todas serán de su gusto y algunas tendrán películas que le cambiarán la vida. Pero para poder acertar, hay que saber de qué tratan.Sección Oficial: repaso por lo más fresco del cine europeo.Arte & Cine: resalta los filmes más impresionantes a nivel visual.En foco…música: es la novedad del festival de este año, muestra la relación entre música y cine, y tendrá desde documentales como B-Movie Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989 (sobre la movida en Berlín) hasta dramas donde las canciones son protagonistas como The Broken Circle Breakdown.Clásicos: muy claro, los títulos que hay que tener chuleados como Tango de Carlos Saura o The Rocky Horror Picture Show de Jim Sharman.2. Revise bien la programación y decida con tiempoCada película tiene entre dos y tres funciones, lo que quiere decir que no son muchas las oportunidades de verlas y que tiene que apuntarle bien a las funciones. Si está entre ir a ver una película y otro plan, si su lema es “mejor mañana”, si se demora en reservar, si no abre tiempo en su ocupada agenda, perderá la oportunidad de ver lo que escogió y difícilmente la segunda o la tercera función se ajustarán a sus tiempos.3. Identifique la sala a la que quiere ir (y reserve). Las salas en las que se proyectarán las películas de Eurocine no suelen ser grandes multiplex sino teatros más pequeños, cineclubs o espacios alternativos en museos o instituciones culturales. Eso quiere decir que las boletas se suelen agotar rápido en algunos espacios por lo que es necesario reservar o comprar con anterioridad: si llega sobre la hora a ver qué hay probablemente le toque devolverse a la casa. También significa que los precios son variables y oscilan desde los $2000 hasta los $18000. Así que antes o al mismo tiempo que escoge la película, revise a dónde la va a ver para comenzar la logística.En Bogotá (7 – 17 abril) las boletas están desde los $2000 hasta los $18000.En Medellín (21 – 28 abril) entre $5000 y $8000.En Cali (29 abril – 3 mayo) las funciones son en la Cinemateca del Museo La Tertulia: $3000 para estudiantes con carnet y $5000 para público general.En Barranquilla (5 – 11 mayo) es en la Cinemateca del Caribe: precio único de $9000.En Pereira (5 – 11 mayo) es en la Cámara de Comercio de Pereira: precio único de $6500.4. Si están indecisos, hágannos caso.Sí, muy sí:Eden: Lost in Music: Mia Hansen Love es una de las nuevas directoras que hay que ver, sobre todo porque con esta película capturó la esencia de la escena electrónica francesa de los noventa, de donde surgieron nombres definitivos como Daft Punk, Dimitri From Paris o Cassius, y que ya sabemos cómo impactaron en el mundo.
El maestro Andrés Parra vuelve al ruedo en un thriller hollywoodense a la colombiana, Gaspar Noé sigue demostrando por qué es uno de los directores más irritantes de la actualidad, y las viejas y seguras fórmulas de bala y más bala entrega un nuevo numerito. RECOMENDADA DE LA SEMANALa semilla del silencioDirector: Juan Felipe Cano☆☆☆☆No se puede esperar nada malo de una serie o película cuando Andrés Parra está al frente y, mucho menos, si a su lado está un combo bravo compuesto por Angie Cepeda, Julián Román, Christian Tappan, Jairo Camargo, Felipe Botero, Rafael Uribe y Juana Arboleda. Bajo la dirección de Felipe Cano, viejo zorro de la televisión (ha sido el mandamás de producciones como Lady la vendedora de rosas, El laberinto de Alicia o Correo de inocentes, entre otros) que debuta en el cine, esta película cumple al pie de la letra las reglas de un buen thriller. Su mayor virtud podría ser su mayor defecto, pues llega a cumplir tan bien las reglas del género de acción y suspenso, que a veces pierde su esencia colombiana. Sin embargo, para evitar que el filme se confunda con otras producciones hollywoodenses similares, Cano y el guionista Camilo de la Cruz le imprimieron un tinte local, enmarcando la historia en el contexto de las chuzadas y falsos positivos que tan de moda siguen estando en nuestra política nacional. Es decir, La semilla del silencio es un ejemplo viviente de cómo funciona Hollywood a la colombiana. Es casi redundante decir que Andrés Parra vuelve a dar clases de actuación, pero es inevitable recalcarlo, así como sucede con la hermosa Angie Cepeda. Junto a la próxima a estrenarse Anna, del director Jacques Toulemonde y protagonizada por Juana Acosta, el cine colombiano demuestra que cada vez más está logrando que sus actores de pantalla grande boten a la caneca las mañas y acartonamientos de la televisión y busquen un nuevo lenguaje. Así, paso a paso, el cine colombiano sigue creciendo.
Aceptémoslo, cuando no tenemos para pagar el cine, nuestro dealer de películas piratas es nuestro gurú, nuestro sensei a la hora de escoger. Después de recibir sugerencias durante mucho tiempo, le preguntamos por sus preferidos para llevarse un óscar.
Su madre se lo decía: ¿qué iba a hacer en Colombia? Allá tan lejos no había nada para ella, después de todo en Buenos Aires no faltaban los estudios de grabación. Delfina Dib la escuchó y consideró su consejo, pero, de todas formas, aterrizó en Bogotá a inicios de 2014 con la misión de elevar su carrera musical. Diez años después no queda duda de que tomó la decisión correcta.Tras su llegada, la argentina se convirtió rápidamente en una voz reconocida del circuito independiente de Bogotá, primero con Zyderal y luego como solista, gracias a proyectos como Lotto (2018), Todo (2019) y su primer álbum, Directo al cora (2023), en los que su intensidad, que raya en lo violento, atraviesa distintos colores instrumentales cercanos al rap. Cada verso, un gancho contundente; cada tema, un himno en el que ella, y quien la escucha, se celebra; cada paso, concentrado en la meta.Esa es la versión corta. La larga viene con el próximo álbum de Delfina, 01, que celebra sus diez años en Bogotá. Y para hacerlo subvierte las expectativas que vienen con el 10: frente a la excelencia y lo absoluto, Delfina presenta fragmentos: un paso a la vez, y luego otro, a veces en una dirección inesperada. Es el retrato de una década en la que toda su convicción ha compartido la cama con la soledad que no ha dejado de sentir en una tierra ajena, con la esperanza de que su proyecto llegue hasta donde ella sueña, y con la frustración inevitable que ataca cuando eso se tarda más de lo esperado.El 18 de mayo, en un concierto en el Teatro Mayor, Delfina Dib presentará esta transición entre Directo al cora, que le da la vuelta al desamor, y 01, el diario abierto de su paso por Bogotá. Será un concierto en el que Delfina, reconocida por el fuego con el que incendia cada tarima, podrá compartir toda su vida. Si canta con nombre y apellido es porque no oculta nada, no es ninguna máscara ni persona paralela: es ella entera. Tanto así que al final no habrá otra salida: morirá en el escenario, como imaginó desde que veía a grandes divas en la televisión cuando tenía cinco años y le decía a su mamá que quería ser como ellas.Sobre el concierto del Teatro Mayor, 01 y más, hablamos con Delfina Dib.¿Cómo fue la transición de Directo al cora a este nuevo álbum en el que estás trabajando? ¿Qué preguntas te guiaron?Me he vuelto adicta a este ejercicio creativo de hacer discos. Como siempre quiero llegar a nuevos resultados, éste me parece un buen lugar para crecer y evolucionar. Y luego del espasmo de Directo al cora, me pregunté qué quería decir ahora. El año pasado organicé camps de producción en Canarias, Miami y Medellín, y empecé a componer. Así entendí la personalidad del disco.Este año se cumplen diez años desde que llegué a Colombia. Es un punto de inflexión, ¿no? Y empecé a pensar en el número 10, y en que qué paja tener que ser 10 en todo. Por eso jugué con los números y los volteé para formar el 01: el 0 es la nada y el 1 es el paso que damos para estar más cerca de donde queremos estar, a donde queremos llegar. Entonces este nuevo disco, 01, lo utilicé como un diario abierto para contarle a la gente quién era cuando llegué, quién soy hoy, y lo que me ha pasado, lo que he sentido.Supongo que también tiene que ver con una ética de lo cotidiano más que de lo extraordinario: no hay forma de llegar al 10 sin una suma constante de 01s. Una suerte de redefinición de la excelencia. Sí, y es una forma de ver las cosas desde otro lado, cruzar la vereda. También es un juego de palabras: ser uno. Y es encontrar el centro, que es el 0. Y el 1 es un número maestro y guía, y es la unidad del ser, es uno, sos vos, que estás solo en el mundo. Pero a la vez somos parte de todos, y ese ser es el cero. No tuve que hacer un brainstorming de ni chimba, todo se construyó en estos diez años.Claro, es otro punto de vista, que es lo que has hecho más de una vez en tu vida y en tu carrera. Te viniste a Bogotá contra lo que te aconsejaba tu mamá, por ejemplo. Y así con otras cosas. Yo siempre busco incomodarme para sacar el fua. Es como mi cuota de rebeldía, para llevarme a mi máximo potencial. Me guía esta necesidad de esperar más, de hacer más, de no conformarme con lo obvio. Todo eso es necesario verlo desde otro ángulo para poder evolucionar y que no duela tanto. Siempre me he sentido muy sola acá en Bogotá, por más que tenga amigos. Dedicarse a la música no es para cualquiera y migrar tampoco. Ahora que estuve en Buenos Aires me lo preguntaba: ¿cómo hago boludo para ser tan fuerte? Qué difícil, vivo re lejos. Por eso veo necesario ese ejercicio de poder cuestionar las decisiones que tomo. He sido ninja y he aprendido a pedir perdón, he pagado mis errores. 01 es un manifiesto de todo eso. Me salgo del amor romántico, de lo sexoafectivo, y hablo desde mí. Al final el arte es un punto de vista, somos filtros e interpretamos la realidad desde nuestra perspectiva.Frente a Directo al cora, 01 tiene un sonido mucho más sintético y vertiginoso, ¿cómo llegaste a él?A diferencia de Directo al cora, trabajé con muchos productores, de México, Colombia, Canarias y Ecuador, que me aportan desde un lugar distinto. Y 01 tiene un sonido más puro, más grande. Representa la fuerza, y para mí eso es el rap y el trap. En el trap puedo rapear, cantar y me identifico con la energía, y no solo por ser argentina, aunque sí escucho mucho trap argentino y gringo. Para mí el trap es presencia, potencia, fraseo. Y además me gusta experimentar con el color del autotune. En vivo no siempre lo uso, no es un recurso para llegar a la nota sino una decisión estética: me gusta como suena.¿Cómo fue para ti la recepción de tu público de Directo al cora?Una de las más escuchadas es “Yory no”, que la metí al último momento. Estuvo bien interesante eso, a la gente le encanta y yo no la iba a meter. Y le creía mucho a “Red flag”, es de mis preferidas, y la gente no la escucha tanto. Pero el gran himno del álbum es “Me oyes”, esa sí sabía que a la gente le iba a gustar. ¡No sabes cómo la cantan! Es sincera, cruda, como una balada. Y al final el estalle de las guitarras es como un llanto.Cuando estaba haciendo Directo al cora dije, por joder, que si no me pegaba con ese disco me retiraba. Y no pasó. Y no lo decía por pegarme, sino para evolucionar con la música, que lo que hago se expanda. Sé que soy buena y que estoy a una canción de distancia de que todo estalle. Acá en Colombia siempre me he sentido bien recibida, pero me da la sensación de que la gente no termina de entender mi proyecto. A veces me pregunto qué debo hacer para que la gente conozca mi proyecto, y creo que la respuesta es lo que estoy haciendo: seguir. Directo al cora es muy bueno, pero esto es un proceso. Entiendo que el momento de que mi música se expanda al nivel que sueño no ha llegado. El otro día Luis7Lunes me dijo que lo bueno de hacer discos es que con los años se ponen mejor, se maceran, como el vino. Quedan inmortalizados.Desde que ti ve hace años supe que eras una bestia en el escenario, pero con el tiempo has ido puliendo ese fuego innato. ¿Qué has aprendido sobre tu presentación en vivo en esta etapa de tu carrera y qué traes para el concierto del 18 de mayo en el Teatro Mayor?Si lo venía puliendo, para este concierto que viene sí es la pulimentación total. A toda esta fuerza innata que traigo hay que darle un orden y una estructura. En la tarima siempre hay mucha improvisación, pero he aprendido a combinar esa fuerza libre que transmite mi proyecto con que también soy frágil y vulnerable, pero no débil. Así he ido entendiendo qué energía quiero proyectar en los shows. Empecé a entrenar y mi coach me preguntó qué representaba mi proyecto. Le dije que fuerza, y él me preguntó si me sentía fuerte. Le dije que no, que tenía una buena genética, pero me faltaba. Eso fue hace un año. Ahora me siento power. En el Festival Centro una de las organizadoras me dijo que se notaba el cambio, un nivel de resistencia muy zarpado. Me identifico con Doja Cat y Nathy Peluso, que no solo cantan y bailan, sino que la dan. Es ese lado ninja.El show del 18 tiene un lado A, con piano, y un lado B, con banda: son dos energías distintas. La gente se va a ir con una sensación: che, siento que la conozco, sé quién es Delfina. Va a tener canciones de Directo al cora y de 01. Voy a morir en el escenario.
Murió un personaje de Los Simpson que existe desde hace casi 35 años. En el episodio titulado Cremains Of The Day, los espectadores vieron la muerte de Larry, cliente habitual de la taberna de Moe, donde cayó muerto. En el episodio, Homero, Moe, Lenny y Carl asisten a su funeral, donde se dan cuenta de que sabían poco sobre él dada la cantidad de años que se conocían, lo que hizo que Homero preguntara si podrían ser "personas terribles".La madre de Larry hizo un homenaje en el funeral, en el que mencionó a los clientes habituales del bar, diciendo: “Mi Lawrence siempre hablaba de sus mejores amigos, los chicos de la taberna de Moe”, antes de animarlos a acercarse y decir algunas palabras sobre él.Luego, los cuatro tienen la tarea de llevar las cenizas de Larry a su "lugar especial", Serenity Falls, después de que la madre de Larry les regalara una fotografía grupal de todos ellos juntos.¿Quién era Larry Barfly en Los Simpson?Si bien es un personaje tranquilo y no es clave para los puntos principales de la trama de la serie, Larry (Lawrence) había estado apareciendo en el bar de Moe desde los primeros episodios de la serie en 1989, lo que hizo que su muerte fuera significativa para algunos fanáticos de Los Simpson.Larry pareció en alrededor de 35 episodios de la serie, aunque no se conocía mucho sobre su vida o personalidad. ¿Qué personajes de Los Simpson han muerto? A lo largo de cerca de 750 episodios en Los Simpson son muchos los personajes que han muerto. Sin embargo, ha habido algunas más emotivas que otras, una de las primeras fue la de Encías sangrantes Murphy, mentor de Lisa en la música. El capítulo de la temporada 22 le enseñó a Lisa sobre la muerte de una manera conmovedora, sin llegar a ser excesivamente sensiblera. Otra de las más recordadas fue la de Maude Flanders, esposa de Ned Flanders. Ocurrió porque Maggie Roswell pidió un aumento para cubrir sus gastos de viaje ya que vivía en Denver y grababa líneas para la serie en Los Ángeles. Roswell renunció luego de que su aumento no fuera aprobado y Maude murió en un accidente. Aunque Roswell fue llamada 2 años después, el perssnaje de Maude siguió muerta. Mona Simpson, la madre de Homero, también falleció. Cada vez que Mona aparecía en episodios anteriores, Homero acababa abandonado por ella. Su muerte finalmente le dio la oportunidad de aceptar a su madre tal como era y seguir adelante.Edna Krabappel, la profesora de Bart, falleció recientemente, debido a la muerte de Marcia Wallace, actriz que le daba su voz en la vida real. Los creadores del programa optaron por matar permanentemente al personaje en lugar de llamar a alguien más. El episodio 3 de la temporada 25, "Cuatro arrepentimientos y un funeral", estuvo dedicado a la memoria de Wallace.
Se dio a conocer Friendly Father (amable padre) es una enérgica pieza de propaganda estatal de estilo pop que alaba al líder dictatorial de Corea del Norte, Kim Jong Un. El vídeo musical que lo acompaña, lanzado al público norcoreano por sus medios controlados por el estado, presenta a docenas de residentes aparentemente extasiados de todas las edades cantando frases pegadizas como: "Que esta noche nunca termine, querida y hermosa noche de Pyongyang. ¡La gente cree en él y lo sigue con un solo corazón. ¡Presumamos de Kim Jong Un, un padre amigo!".La canción también se interpretó en vivo en un lujoso evento, cuyos fragmentos fueron transmitidos por la televisión estatal de Corea del Norte, para marcar la inauguración de un nuevo complejo de apartamentos que se dice contiene 10.000 viviendas en la capital, Pyongyang.Las nuevas viviendas en el distrito de Hwasong forman parte del desarrollo de Rimhung Street, que comenzó en 2022 con la construcción de 10.000 viviendas.Los proyectos forman parte de la promesa que hizo Kim a principios de 2021 de emplear al ejército para construir 50.000 nuevos apartamentos en la capital en un plazo de cinco años.¿Un cambio en la propaganda de Corea del Norte?El vídeo, en el que aparecen soldados vitoreando, niños radiantes, cantantes pop entusiasmados y una banda de música extasiada, fue filmado y editado profesionalmente. Si bien la música pop para exaltar al gobierno ha sido exitosa en Corea del Sur, esto no había sucedido en el Norte. ¿A qué se debe el cambio en su comunicación?Los analistas dicen que es parte de un esfuerzo para recrear y revitalizar el culto al liderazgo en torno a Kim, cuya familia ha gobernado Corea del Norte desde la fundación del país en 1948.La dinastía de la familia Kim ha tratado de fortalecer su control del poder construyendo cultos a la personalidad a su alrededor, de acuerdo con Reuters. El lanzamiento de Friendly Father llega en un momento en que los medios estatales de Corea del Norte cambiaron recientemente el nombre que utilizan para un día festivo, lo que generó especulaciones de que la medida es parte de los esfuerzos para solidificar la posición de Kim.En lugar de llamar "Día del Sol" al feriado público anual que celebra el nacimiento del fundador del país, Kim Il Sung, los medios estatales han comenzado a referirse principalmente a él como el "feriado de abril", más neutral.Tales cambios podrían ser parte de un esfuerzo de Kim por valerse por sí mismo sin depender de sus predecesores, dijo un funcionario del Ministerio de Unificación de Corea del Sur.
El rapero argentino WOS comenzó su carrera en las lonas del freestyle argentino y años después se convirtió en un artista de talla mundial. En 2024 vuelve a Bogotá a presentar 'DESCARTABLE', su más reciente trabajo discográfico, en el Chamorro City Hall de Bogotá.Valentín Oliva ya había visitado el país antes, la más reciente fue en la segunda edición del Festival Cordillera en 2023 y antes de eso había tenido un show en solitario en el Royal Center e hizo parte del cartel del Festival Estéreo Picnic 2022. Pueden conseguir sus boletas en la página de eticket o dando click acá.¿De qué va 'DESCARTABLE'? Este disco fusiona el rock alternativo, el folclore y el pop sintético de los 80s, sin dejar de lado los géneros que ya lo caracterizan como el rap, el rocanrol clásico más propio de la música argentina y el rock latinoamericano de los 90. El sello discográfico del álbum es Doguito Records, un proyecto que WOS tiene junto a Peter Ehrlich, su manager y fue producido por Facundo Yalve, más conocido como EVLAY, quien ya había trabajado con WOS y por ese trabajo discográfico ganó el premio Gardel a Productor del Año.Como adelanto del álbum, WOS ya había publicado varias canciones, entre las que está ARRÁNCAMELO, tema que se convirtió en un himno de la Selección Nacional del Fútbol de Argentina en el Mundial del 2022.El artista presentó el disco, por primera vez en vivo, en el estadio Racing Club de Argentina frente a más de 40 mil personas.De 16 canciones que nos presenta el rapero en el álbum, cuatro son colaboraciones: Gustavo Santaolalla, Natalia Lafourcade, Dillom y el Indio Solari. Si quieren saber más sobre 'DESCARTABLE' les dejamos acá todo sobre el nuevo álbum del argentino.¿Quién es WOS?Nacido en Buenos Aires y con tan sólo 26 años ha tomado elementos del rap y ha logrado crear algo nuevo. WOS comenzó en 2013 su carrera de freestyler en El Quinto Escalón, una competencia que se hace en el Parque Rivadavia en Buenos Aires, de la cual fue ganador varias veces.Es 2018 se convirtió en el campeón de la FMS Argentina y de la competencia internacional de freestyle más reconocida: Red Bull Batalla de los Gallos, luego de que le ganara al rapero mexicano Aczino en una de las finales más recordadas.En 2019 decidió enfocarse en su carrera musical y nos presentó 'Caravana', su primer álbum de estudio que lo llevó a una nominación en los Latin Grammy como mejor nuevo artista y lo convirtió en ganador de tres Premios Gardel en la misma categoría, gracias a su sencillo Canguro: una canción protesta que lo pondría a sonar en varios países en donde se estaban gestando fuertes movilizaciones sociales y que alcanzó las cien millones de reproducciones.Las tardes en el Parque Ruvadavia y las noches en las batallas de RedBull lo llevaron a ser el artista más nominado a los Premios Carlos Gardel 2022. Con 8 nominaciones WOS superó a otras figuras del hiphop argentino como Tiago PZK, Dillom, entre otros.**Les dejamos una entrevista con Wos en la que habla sobre música y política.
Páramo nos dice: ¿Qué puede caber en una toda una noche? Amigxs que son como hermanos, música hecha con el corazón, reencuentros esperados por años, pero sobre todo, el regreso de una banda de la casa a la ciudad que los vio nacer. Diamante Eléctrico estará una vez más en la capital, su ciudad, el próximo 31 de agosto desde el Chamorro City Hall, presentando: Una Noche en Bogotá. En esta ocasión, Juan Galeano y Daniel Álvarez, presentarán su trabajo discográfico más reciente 'LVRBOY', un EP de cuatro canciones con una dedicatoria para la capital en 'Algo Bueno Tenía Que Tener (Bogotá)'.La única información que Diamante quiere que sepan es que será una noche legendaria, pues se trata de su regreso. Por eso, tanto sus fans más antiguos como los nuevos, van a poder disfrutar de este concierto que recogerá los sonidos viejos (de más de 15 años de carrera) y los más recientes.La historia de Diamante EléctricoDiamante Eléctrico nace en Bogotá en 2012. La banda estaba conformada por Juan Galeano (voz principal y bajo), Daniel Álvarez (guitarra) y Andrés Kenguan (guitarra y sintetizadores). Los tres músicos, con experiencias previas en el ámbito musical, se unieron en uno de los proyectos de Galeano y dan forma a lo que sería Diamante Eléctrico.Su debut homónimo, lanzado en 2013, los posiciona en la escena independiente colombiana. El sencillo 'Nos Rompemos Igual' alcanza el número uno en las listas locales.En 2015 llega su segundo álbum, 'B', el cual recibe el galardón a Mejor Álbum Rock en los Premios Grammy Latinos. Su tercer disco, 'La Gran Oscilación', de 2016, marca un nuevo hito al reclutar al reconocido ingeniero de sonido Josh Smith, quien ha trabajado con artistas como Jack White y Beck.En 2018 publicaron 'Buitres', un álbum con el que exploran nuevos sonidos. Al año siguiente, lanzan 'Buitres & Co.', una reinterpretación del disco anterior con colaboraciones de artistas como Monsieur Perret, Andrea Echeverri, Lido Pimienta, entre otros.Su más reciente trabajo de largo aliento, 'Mira Lo Que Me Hiciste Hacer' (2021), les otorga su cuarto Grammy Latino a Mejor Álbum Rock Latino o Alternativo. Recuerden que si quieren ir 'Una Noche En Bogotá' de Diamante Eléctrico pueden comprar sus boletas e la página de eticket. El 31 de agosto en el Chamorro City Hall.