Adrián Sabogal nos explica cómo hacer para juntar en un mismo sonido influencias del Pacífico, el Caribe, la India, Brasil y una de las leyendas del jazz. Si está buscando nuevos sonidos nacionales, Redil Cuarteto cae como anillo al dedo con su nuevo disco Remolino en el Estero. Por: Jenny Cifuentes - @Jenny_Cifu // Foto: Giuliano Ferreira Suponga que el influyente saxofonista de jazz Wayne Shorter adoptara un hijo con el marimbero Gualajo, lo criaran en Bogotá y cada cual le metiera el disco duro de su cultura. Luego le contrataran una nana caribeña que lo tuviera desde el desayuno hasta la comida a punta de gaitas y tambores, y lo llevaran de cuando en vez a la India y al Brasil a comprarle instrumenticos con los cuales jugar. El chino ya crecido se conseguiría unos amigos músicos duros, se metería con ellos en un estudio y registraría todo ese menjurje sonoro en un disco. O también puede hacer esta ecuación: Sume a Bahía Trío: Más Hermeto Pascoal: Y así suena Redil Cuarteto. Antes de avanzar, dele play a Remolino en el Estero, el disco de Redil Cuarteto lanza hoy en exclusiva con Shock. Luego, o mientras, siga leyendo la entrevista. Este combo se armó en Bogotá hace cuatro años con Urián Sarmiento (de Curupira) en la batería, Santiago Botero en el contrabajo, Juan Ignacio Arbaiza en la flauta y saxofón y Adrián Sabogal en la marimba de chonta y guitarra eléctrica. Urián es gran investigador de expresiones sonoras tradicionales colombianas, Juan Ignacio se ha adentrado en la investigación sobre las gaitas, Santiago está muy involucrado con la música improvisada y la corriente contemporánea, y Adrián es estudioso del jazz y los ritmos del Pacífico. Todos, virtuosos improvisadores, han hecho de Redil un grupo en el que convergen entre otros, sonidos de la tradición, música de marimba del Pacífico, gaitas del Caribe, jazz, experimentación y ritmos de la India. La banda ha tocado en encuentros como el Festival Internacional de Jazz del Teatro Libre y Jazz Al Parque y ha resonado con sus discos La Rana (2012) –del que se desprendió el EP Squetches of La Rana, publicado en el mismo año con reinterpretaciones de algunos de sus cortes– y El Canto del Búho (2013) –lanzado en el Festival Internacional del Folclor de Buenos Aires–, y ahora presenta su nuevo álbum Remolino en el Estero. Una placa que cuenta con invitados de lujo como Hugo Candelario González, poderoso marimbero y saxofonista cerebro del Grupo Bahía; Freddy Colorado, prestigioso percusionista, parte de la agrupación Ondatrópica, quien ha engrosado las filas de orquestas como la de Alfredo Linares; el saxofonista Juan Benavides, teso de circuitos jazzísticos; Leonel Merchán, cantante y compositor de la banda Phonoclórica; y Julio Arnedo, instrumentalista peso duro del jazz, que desde la década de los 50 armó proyectos jazzeros en el país, padre de Antonio y Tico, también insignes del jazz nacional. El disco que luce composiciones de los integrantes del grupo, un par de versiones y mucha improvisación, será lanzado en plataformas digitales el 30 de marzo. Hablamos con su director, Adrián Sabogal. Cuéntenos sobre el sonido de Redil Hay un concepto que maneja el brasilero Hermeto Pascoal que es el de “la música universal”. Es algo que no se enmarca en un sólo género, y que une ritmos de su tradición, jazz, experimentación y exploración con todo tipo de instrumentos. Nosotros, partiendo de eso, decimos que Redil es música universal con sabor colombiano. Redil no solamente es jazz. Es como decía Hermeto, “música universal”, con flow de marimba e influencias del jazz. Lo que nos da la improvisación es esa libertad de ir más allá de un género. Fluimos a través de las herramientas que nos brindan el folclor, el rock, el jazz etc. Queremos quitarnos las etiquetas, porque aquí se suele pensar que todo lo que se toca con contrabajo, batería y guitarra, es jazz. Lo que sería igual a decir que todo lo que se toque con guitarra, bajo y batería es rock. Es una equivocación. Nosotros estamos untados de jazz, pero también de muchas otras cosas. ¿Cómo se desarrolló la idea de hacer este disco con invitados? La idea del álbum nació de un concierto que hicimos en Cali en diciembre de 2014 en el que invitamos a tocar a Hugo Candelario y a Freddy, con quienes ya veníamos conversando hacía rato. Hubo mucha empatía y magia en la presentación, y fue una sorpresa, porque a veces aunque uno invite a un crack, el cocinado no sale tan bueno. El show al lado de Hugo y Freddy lo presentamos nuevamente el año pasado en el Festival Distritofónico en Bogotá, en Pastojazz, en Barranquijazz y en la Franja Raíz del Teatro Colón. Al ver que todo fluía de manera natural cuando tocábamos, decidimos hacer el disco y convocamos a los demás invitados. Cuando llegaron al estudio ya sabían cómo era tocar con Hugo Candelario y con Freddy, pero no lo habían hecho con Julio Arnedo. ¿Cómo fue la grabación con él? Tener al maestro Julio fue un gran honor para nosotros. Quisimos como rendirle un pequeño homenaje a través de nuestro disco. Para llegar al estudio, le pedimos que preparara algo que quisiera tocar y lo que terminamos grabando fue una improvisación que salió allí. Improvisamos una cumbia que partió de una idea de Hugo Candelario en el momento y nos pegamos todos de ella. La bautizamos Cumbia JJ. Con el maestro Arnedo también hicimos un tema a modo de bonus track de nombre Mala Cara (un corte compuesto por un familiar suyo), en el que él hace una descarga con las percusiones. ¿Por qué el disco se llama Remolino en el Estero? Es el título de una canción que compuse. La idea conceptual del disco es que ellos, los duros que invitamos, son el estero: ese lugar del Pacífico donde se va metiendo el río, donde están los manglares, y nosotros somos como el remolino. Yo tengo la imagen de ese lugar en el que pasa algo mágico y hay un remolino en el agua, algo que está revolviendo toda la energía. Cuéntenos sobre las canciones. El álbum tiene 10 canciones. Incluimos composiciones de todos nosotros. Por ejemplo Urián compuso el corte Río Guapi, Juan Ignacio creó El Duende Cojo, Canción de Bienvenida y Refugio. Santiago compuso La Milagrosa y yo hice Rivieri y Remolino en el Estero. Legado Ancestral es un tema muy bonito que me encontré cuando fui hace un año a Tumaco, es original de Wilman Tenorio, director del grupo Changó, a quien le pedí la autorización para grabar una versión. De todo el material que hemos grabado, es el primer tema que tiene voz. ***Este es el original Legado Ancestral de Changó:*** ***Esta es la versión de Redil:*** Refugio es una composición de Juan Ignacio. Un corte que es entre fiestero y viaje sicodélico. Con muchos vientos, marimba, y varias atmósferas. ¿Cómo percibe el jazz actual colombiano? Hay explosión de creatividad. Grupos de nuevas propuestas como Bituin, Suricato o Raquel, entre otros. Aquí se oyen cosas diferentes, innovadoras. Cabe escarbar en el trabajo de colectivos como La Distritofónica, Sonalero o Festina Lente para oír que hoy se produce una variedad de sonidos que pueden ir desde el noise, cosas extremas contemporáneas, hasta música tradicional, fusión y encuentros de maestros con grupos urbanos. De pronto nosotros no tenemos el mismo nivel de países que llevan décadas liderando el género en el mundo y quizá no todos tenemos interés en hacer jazz norteamericano, pero en el sentido de improvisación hay una baraja de propuestas de alta calidad. … Si quedaron antojados de oír más jazz nacional, échenle una repasada a estos cinco discos clásicos nacionales. 1. Canto Mestizo, de Pacho Dávila 2. Orígenes, de Toño Arnedo 3. Pura chonta, de Bahía Trío 4. Danta, de Toro Quinteto 5. El bunde nebuloso, de Juan Sebastián Monsalve
Por: Jenny Cifuente @Jenny_CifuEl jazz en Colombia es efervescente y se desborda esquivando el esnobismo con una corriente empujada por decenas de creadores hiperactivos. Los jazzeros no paran, se expanden, mutan. Aunque el talento es mucho y la alharaca poca, el jazz nacional toma riesgos con un latente tráfico de estilos que se plasman en continuos registros buscando además ser visible y resonar todo el año. Este mes grandes encuentros jazzísticos en el país ponen al jazz en primer plano. En el desfile de instrumentistas duros que el público podrá escuchar en tarima está Redil Cuarteto una banda armada en Bogotá que inauguró el Festival Internacional de Jazz del Teatro Libre y hará también una aparición en la fiesta oficial del Festival Jazz Al Parque (sea uno de nuestros invitados a la fiesta haciendo CLIC aquí). Redil Cuarteto resuena con dos discos: La Rana (2012) del que se desprendió un EP con reinterpretaciones de algunos de sus cortes, titulado Squetches of La Rana del mismo año, y El Canto del Búho (2013) lanzado en el Festival Internacional del Folklore de Buenos Aires al que fueron invitados.Hablamos con Adrián Sabogal cerebro, director del grupo y compositor de sus temas. Cuéntenos un poco sobre el recorrido del grupoEstamos trabajando desde finales de 2010. La Rana, nuestro primer álbum, se publicó con una formación diferente a la actual. Luego de que varios músicos que estaban en la banda al inicio viajaran, decidí llamar a Pacho Dávila y a Urián Sarmiento a quienes con mucha admiración siempre vi del otro lado de la tarima, los busqué porque son expertos en lo que yo quería hacer y de una accedieron a tocar mi música, con ellos grabamos un par de temas para un disco de compositores javerianos. Después Pacho tomó su camino y el grupo grabó su segundo disco El Canto del Búho. En la actualidad somos Urián Sarmiento en la batería, Santiago Botero en el contrabajo, Juan Ignacio Arbaiza en la flauta y saxofón y yo en la marimba de chonta y la guitarra eléctrica. ¿Qué sonidos convergen en Redil?Sonidos de la tradición colombiana, música del sur del pacífico - que es la de marimba -, gaitas del caribe, ritmos de la india etc. Urián Sarmiento es un gran investigador de tales expresiones sonoras, Juan Ignacio también se ha adentrado en la investigación sobre las gaitas, Santiago está muy involucrado con la música improvisada y la corriente contemporánea, y yo estudie jazz. Mis composiciones son algo así como templar ese lienzo y ahí van saliendo pinceladas de todo ese tipo de música. ¿Ustedes pueden vivir de tocar jazz?Tengo la idea de que sí. En este momento somos uno de los proyectos, por fortuna, más fructíferos en ese sentido, sin embargo el grupo todavía no nos da para vivir exclusivamente de él. Alternamos con otras actividades como la grabación, dar clases, tocar en otras bandas etc. En la actualidad estamos buscando internacionalizar el proyecto, no irnos del país, sino trabajar desde acá, poder girar, y encontrar espacios donde converge el jazz en otros lugares. Un ejemplo de que el jazz puede producir mucho dinero es el Festival Internacional de Jazz de Montreal uno de los festivales más grandes del mundo, que reúne miles de personas para escuchar jazz exclusivamente. Eso quiere decir que el jazz mueve plata pero hay que buscar los circuitos adecuados, las agencias que se encargan de programar este tipo de grupos, encontrar los mercados adecuados aquí en Colombia y en otros países. ¿Cómo ve que aquí, septiembre sea “el mes del jazz”?En Colombia tenemos este mes del jazz y se podría decir que septiembre es nuestro cuarto de hora, porque desaparecemos el resto del año del panorama. Aquí existen plataformas como los festivales de jazz y de música del mundo, casi todos ubicados en septiembre, es la única temporada en la que tenemos mucha visibilidad ante el público que no conoce esta música y luego de que finaliza quedamos borrados del mapa. ¿Qué le hace falta al jazz local para que no sólo se despliegue en septiembre?Hay algo de lo que siempre se ha hablado entre los grupos de jazz y es la formación de públicos que inicia desde que a la gente le llega la información de la realización de un concierto y tiene la posibilidad de acceder a él, porque los shows generalmente se hacen miércoles o jueves en la noche y quizá al público por ubicación u horario de trabajo le es difícil llegar. Es importante reconocer que IDARTES y el Distrito han hecho un esfuerzo relevante para destacar nuestro trabajo, pero creo que esa inversión gigantesca que se hace en este mes de septiembre se podría reducir en alguna porción y empezar a activar espacios un poco más constantes en los que el jazz circule, y promover los eventos en redes y en más medios, lo que ayudaría para seguir haciendo conciertos y grabando discos. Con respecto a la audiencia en Bogotá, la gente debe seguir acudiendo de forma constante a los espacios pequeños que programan jazz y que funcionan todo el año. ¿Como cuáles?Como Matik, Matik, Locus Espacio Creativo, San Café, Trementina Artes, La Hamburguesería o El Bolón de verde.¿Qué eventos masivos tiene el país para el público jazzero?Básicamente el Circuito de jazz Colombia: Jazz Al Parque y el Festival Internacional de Jazz del Teatro Libre en Bogotá, Barranquijazz en Barranquilla, Medejazz en Medellín, Ajazzgo en Cali, Pasto Jazz en Pasto. Y otros emergentes como el Festival de Jazz en Cartagena Voces del Jazz, y el Festival de Mompox en el que la programación no es tan jazzística.Cuénteme sobre la manufactura de sus discos y la distribuciónLos álbumes los hacemos con nuestro capital. Creo que las cadenas de distribución tienen ciertos limitantes pero contamos con la ayuda de Tango Discos y Tornamesa que siempre reciben los discos para ofrecerlos a los comparadores así no tengan un código de barras o sean independientes, porque generalmente los sellos o las tiendas de discos acogen un álbum para distribuirlo únicamente cuando tienen el código de barras que es como la tarjeta de identidad del disco, un número que identifica el producto, y a nosotros como independientes muchas veces no nos interesa hacer ese tipo de gestión. El código de barras no es muy costoso pero uno se enfoca en otras cosas, como que el arte quede acorde con nuestro sonido etc., también sabemos que a veces esas disqueras o casas de venta de discos no van a recibir el álbum así tenga código, por no ser un trabajo de música comercial, porque es difícil su salida y circulación. ¿Cuánto les cuesta hacer un disco?Aproximadamente 5 millones en grabación, mezcla y masterización y 2 millones de impresión. ¿Cuántas copias hacen por disco? 500 o 1000. Lo usual son 500.Y ¿venden las 500?Sí, se logra recuperar la inversión paso a paso, muy lentamente. Para nosotros y para cualquiera que no cuente con una plataforma gigante, grabar un disco en este tiempo no es un negocio, es sólo una carta de presentación, algo que nos va a poner en la posición de poder conseguir conciertos, giras, hacer prensa y movilizar las cosas. ¿En qué otras plataformas mueven sus canciones?Estamos en Spotify, Amazon, Itunes, y en las redes sociales. En realidad somos de los pocos juiciosos en este círculo que lo hacen. Los medios digitales son nuestra gran herramienta, nos han dado más fuerza. ¿Cómo percibe el jazz actual colombiano?Hay una gran explosión de creatividad y nuevas propuestas. Grupos de una nueva oleada como Bituin, Suricato o Raquel, entre otros. Colombia es de los países en los que hay proyectos con nuevas propuestas. Al país han llegado oyentes de lugares en los que se ha hecho jazz desde hace muchas décadas como Argentina o Estados Unidos y oyen cosas diferentes, innovadoras. De pronto nosotros no tenemos el mismo nivel y quizá no todos tenemos interés en hacer jazz norteamericano, pero en el sentido de improvisación hay una gran baraja de propuestas de alta calidad. Cabe escarbar en el trabajo de colectivos como La Distritofónica, Sonalero o Festina Lente para oír que hoy se produce una variedad de sonidos que pueden ir desde el noise, cosas extremas contemporáneas, hasta música tradicional, fusión y encuentros de maestros con grupos urbanos. Cíteme sus cinco discos básicos del jazz nacionalCanto Mestizo de Pacho Dávila, Orígenes de Toño Arnedo, Pura Chonta de Bahía Trío, Danta de Juan Manuel Toro, y El Bunde Nebuloso de Juan Sebastián Monsalve. Algo que quiera decir a los lectores de Shock?Que no crean que no les gusta el jazz sólo por haber oído una pieza con la que no se engancharon, porque en el jazz existen muchos géneros y propuestas diversas. Siempre que escuchen jazz denle una segunda oportunidad y les aseguro que van a encontrar algo de su gusto.
La Profeco (Procuraduría Federal del Consumidor de México) y la tiquetera Ticketmaster llegaron a un acuerdo para poner fin a una demanda colectiva que involucra a más de 500 consumidores, con un total de reembolsos que supera los 3.4 millones de pesos mexicanos (cerca de 693 millones de pesos colombianos). Profeco instó a los consumidores afectados por la cancelación unilateral de boletos por parte de Ticketmaster durante todo el año pasado a presentar su documentación para reclamar sus reembolsos pendientes, según reportó El Economista, que calificó la demanda como inédita para el entretenimiento. Se acordó que aquellos que demostraran la cancelación de sus boletos recibirían el reembolso completo, incluidos los cargos por servicio, además de una bonificación del 20% según lo estipula la ley. No es la primera vez que Ticketmaster enfrenta una demanda de consumidores. En 2023, la empresa tuvo que reembolsar a más de 2,155 personas por problemas en los conciertos de Bad Bunny, donde muchos fanáticos no pudieron ingresar debido a fallas en el sistema. En total, Ticketmaster tuvo que devolver más de 18 millones de pesos mexicanos a los seguidores del artista.Antes de iniciar el show de Bad Bunny en diciembre de 2022, el estadio no se veía lleno, pero no era por falta de venta: los conciertos de Bad Bunny en México se agotaron en cinco minutos hace más de 10 meses.Lo que resultó fue que TicketMaster México tuvo fallas en su sistema y contó como falsos o duplicados algunas entradas que fueron adquiridas de forma legal. Los encargados de logística no permitieron la entrada al estadio a nadie que su tiquete no arrojara luz verde. Miles de personas se quedaron sin ver a Bad Bunny a pesar de haber adquirido su boleta de forma directa.La demanda a Ticket Master del Departamento de Justicia de Estados Unidos El Departamento de Justicia de Estados Unidos planea presentar una demanda antimonopolio contra el promotor de conciertos Live Nation, propietaria de la tiquetera Ticketmaster, de acuerdo con un reporte de The Wall Street Journal. Las acusaciones específicas siguen sin estar claras y el momento de presentar una demanda es incierto. El Departamento de Justicia se negó a hacer comentarios,según el medio.¿Por qué las críticas a Live Nation y Ticketmaster?Desde hace varias décadas, varias voces en la industria de la música han considerado que Live Nation ejerce un poder desmesurado en el entretenimiento en vivo.Live Nation y Ticketmaster se fusionaron en 2010 y ahora se anuncia como la "compañía de entretenimiento en vivo más grande del mundo".Las críticas alcanzaron un punto alto en noviembre de 2022 después de que el sitio web de Ticketmaster colapsara debido a una demanda extraordinaria de entradas para la gira Eras de Taylor Swift. En ese momento, el Departamento de Justicia estaba investigando a la empresa.Los legisladores estadounidenses interrogaron a los ejecutivos de Live Nation en una audiencia en enero de 2023 que unió a demócratas y republicanos sobre el dominio de la industria de la compañía que, según los críticos, está perjudicando a rivales, músicos y fanáticos.Posteriormente, los fanáticos de Swift demandaron a Live Nation por “conducta ilegal” en la caótica venta de la gira de la artista, y los demandantes alegaron que el gigante de la venta de entradas violó las leyes antimonopolio, según CNN.
Entre todas las tendencias de redes sociales, por estos días hay una que llama la atención: "Mira entre las letras de tu teclado". La idea es dar algún mensaje dentro de las letras en el rango descrito. Uno d elos ejemplos más frecuentes es el de "mira entre la h y la l en tu teclado" para decir "jk" o "just kidding" (solo bromenado en inglés). De momento, los usuarios señalan letras para las iniciales de nombres de personajes memorables, celebridades o figuras públicas, sin embargo, no ha sido del todo claro para muchos. ¿De dónde viene la tendencia de Mira entre las letras de tu teclado?De acuerdo al sitio Know Your Meme, que rastrea los orígenes de memes y tendencias en Internet, un usuario de la plataforma 4 chan posteó el 11 de mayo del 2021 una imagen con la figura de Yui Hirasawa, protagonista del anime K-On!.Esta imagen solo venía acompañada con un texto que decía “Mira entre la t y la o en tu teclado”. Con eso, se forma Yui, el nombre de un personaje.Sin niguna razón aparente, el post volvió a X (Twitter), en referencia a personajes de My Hero Academia: Izuku (Midoriya) y Uraraka (Ochaco). Entre el 17 y el 19 de abril se ven las primeras publicaciones al respecto.El trend también está Reddit, Twitter y otras plataformas y en distintos idiomas. Sobre K-On!K-On! es una serie de manga que comenzó a serializarse en la revista seinen Manga Time Kirara desde mayo de 2007. Una adaptación a serie de anime de 12 episodios se emitió originalmente entre abril y junio de 2009.La serie narra la historia de 4 jóvenes de colegio que buscan hacer su propia banda. El apellido de Yui está basado en el guitarrista de la banda japonesa de techno-pop P-Model, Susumu Hirasawa.
Para los y las que les gusta leer un libro y después verse la adaptación en película o serie, les tenemos el parche. En Netflix muchas de las producciones más populares han sido inspiradas en libros. Producciones que han llegado a ser número uno, como Secuestro del vuelo 601, nacieron de investigaciones o novelas de grandes autores. De hecho, las adaptaciones de Netflix están impulsando las listas de libros más vendidos y, a mi forma de ver, le han dado vida a historias icónicas como lo veremos este 2024 con Cien años de soledad, la novela más reconocida del autor colombiano Gabriel García Marquez. Así como es cierto que muchas adaptaciones no le son fiel a los libros y decepcionan a sus fanáticos, también es un hecho que Netflix ha logrado reconocimientos muy grandes con estas producciones. Por ejemplo, en los Oscar 2024, La sociedad de la nieve, película basada en el libro que cuenta la historia de los sobrevivientes de los Andes, fue nominada a Mejor Película Extranjera. Amantes de los libros, les digo que se pueden llevar gratas sorpresas con esta ola de adaptaciones que está llegando a la plataforma de Netflix. Acá les dejamos seis opciones que sí o sí tienen que leer y ver. SECUESTRO DEL VUELO 601Esta miniserie colombiana de Netflix ha dado mucho de qué hablar. La historia, protagonizada por Monica Lopera, Angela Cano, Valentín Villafañe y Christian Tappan, está inspirada en el secuestro del avión HK–1274 de la Sociedad Aeronáutica de Medellín en mayo de 1973. En cada episodio se deja claro que, aunque la serie está basada en hechos y personajes reales, por efectos de la dramatizaciones, algunos personajes, incidentes, lugares y diálogos son ficticios. Lo que pocos saben es que la serie se inspiró y basó específicamente en Los Condenados del Aire, el libro del periodista italiano Massimo Di Ricco. En este trabajo, Di Ricco reconstruye el fenómeno de aeropiratas que actuaron en Latinoamérica. La historia del secuestro del vuelo 601 no fue única y tampoco está aislada. Como explica el periodista en su libro, entre 1967 y 1973 hubo alrededor de 90 secuestros de aviones en Latinoamérica y cerca de 30 de ellos ocurrieron en Colombia.LA SOCIEDAD DE LA NIEVEA principios del 2024, la película de Netflix La sociedad de la nieve dejó sin palabras a más de uno. Esta es una excelente producción en la que, durante dos horas y veinticuatro minutos, se retrata la experiencia de los 16 sobrevivientes del equipo de rugby que se extravió en los Andes después de un accidente de avión. Los sucesos reales son crudos y desoladores y la película, sin irse por el lado del morbo usando descripciones demasiado gráficas, es fiel al infierno que tuvieron que pasar los sobrevivientes. Esto, además de lograrse gracias a la producción en sí, fue también gracias a Pablo Vierci (escritor, periodista y guionista uruguayo) el autor del libro homónimo publicado en el 2008. Para serle fiel a los hechos, Vierci viajó con un grupo de sobrevivientes a la montaña y escuchó como cada uno recordaba los setenta y dos días que estuvieron a la deriva en la cordillera. La sociedad de la nieve se empezó a escribir desde 1973 y se publicó muchos años después. Un libro que recoge muy bien, no solo los hechos y las batallas que tuvieron que afrontar los uruguayos, sino los sentimientos de cada uno en el limbo. La película fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Oscar 2024. LA LUZ QUE NO PUEDES VEREsta historia está ambientada en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La luz que no puedes ver narra en paralelo dos experiencias. Por un lado, la de una joven francesa ciega que, junto a su padre, huyeron de París cuando los Nazis invadieron la ciudad. Por el otro, la vida de un joven alemán reclutado por el ejército para rastrear emisiones de radio ilegales y así derrocar a la Resistencia Francesa. La producción se basó en novela homónima, escrita por Anthony Doerr, ganadora de un Premio Pulitzer en el 2015. Un libro muy alabado por los jurados del premio ya que, en sus palabras, "“es una novela imaginativa e intrincada sobre los horrores de la Segunda Guerra Mundial, escrita en capítulos breves y elegantes que exploran la naturaleza humana y el poder contradictorio de la tecnología". La adaptación para Netflix de este libro estuvo en manos de Shawn Levy, director, productor y guionista canadiense detrás de producciones como Stranger Things. ORANGE IS THE NEW BLACK Muy pocos saben que serie que revolucionó al público, entre el 2013 y el 2019, con la historia de Piper Chapman, una joven que debe pagar tiempo en prisión por los delitos de su ex novia, Alex Vause, está inspirada en un libro. La trama, que sigue la vida de todas las reclusas en la prisión de Litchfield, Nueva York, explora la violencia, el arrepentimiento, el amor y la importancia de las relaciones. Aunque Chapman y Vause son las protagonistas de la serie, cada capítulo cuenta la historia de una de las reclusas evidenciando como, muchas veces, una vida dura e injusta lleva a malas decisiones. El libro que inspiró la serie es Orange Is the New Black: Crónica de mi año en una prisión federal de mujeres, una crónica en donde Piper Kerman cuenta su propia experiencia con el narcotráfico, el lavado de dinero y, como consecuencia, su condena en una prisión federal de mujeres. Una crónica fiel de la reclusión: los retos que se deben enfrentar a diario y la transformación que conlleva estar privada de la libertad. LA MUJER EN LA VENTANAAnna Fox es una psicóloga infantil que sufre de agorafobia (un trastorno de ansiedad) por una experiencia traumática. Ese pánico la hace vivir sola, en su apartamento en Nueva York, desde donde le toma fotos a sus vecinos y espía sus vidas. Todo cambia cuando escucha un grito que viene desde la casa de los Russell. Anna presencia un aterrador acto de violencia que la hará preguntarse si lo que vio realmente sucedió. Si son amantes de los libros, este seguro lo vieron en los estantes principales de las librerías. La mujer de la ventana fue la primera novela de A.J. Finn que no tardó mucho en convertirse en un best seller. Se publicó en más de cuarenta idiomas y se adaptó a la pantalla con la actuación de Amy Adams, Julianne Moore y Gary Oldman. THE SINNEREsta es una de las mejores series que he visto en Netflix y es muy poco conocida. Cada temporada es un caso de misterio bien bizarro que el detective Harry Ambrose debe resolver. Cada historia es un cuestionamiento que, aunque se exagera por función a la dramatización, nos lleva a pensar en los humanos, las sociedades, las culturas y, sobre todo, los extremos a los que hemos llegado. Petra Hammesfahr escribió la novela homónima de thriller psicológico, que se convirtió en un bestseller internacional, en la que se basó la serie. En una tarde de verano, Cora Bender mata a puñaladas a un completo desconocido en la playa. ¿Por qué lo hizo? Aunque la joven se declara culpable, el policía Harry Ambrose sabe que hay algo detrás de este crimen sin motivo aparente. Por eso, se niega a cerrar la investigación hasta entender por qué Cora mató a alguien enfrente a su familia. Una historia que termina revelando la psique de Cora y su traumático pasado. ***Les recomendamos: Las 30 mejores series para ver en Netflix en 2024
La creadora de contenido mexicana Wendy Guevara compartió escenario con Madonna durante el show en México de la reina del pop.Guevara fue la invitada principal en la pasarela de Madonna donde interpretó su emblemática Vogue, uno de los hits más importantes de Madonna. ¿Quién es Wendy Guevara?Wendy Guevara es la ganadora de La casa de los famosos México. Es la primera mujer trans en ganar este reality, y de hecho, cualquier reality mexicano en televisión abierta.Desde los primeros episodios, Wendy cautivó al público con su carisma y espontaneidad. Fue una de las participantes favoritas a lo largo del programa, que otorga un premio de cuatro millones de pesos mexicanos, cerca de 235.000 dólaresSu triunfo ha sido celebrado como un hito para la representación trans mexicana y latinoamericana.Wendy Guevara es una creadora de contenido mexicana. Se dio a conocer por un video que llegó a las redes sociales en 2017, cuando ella y su amiga Paola Suárez piden ayuda tras ser “abandonadas” en un cerro en León, Guanajuato. De ahí surgió un audio que decía “estamos perdidas, perdidas, perdidas”, y se hizo viral.Más tarde, se unió a ellas Kimberly Irene, y juntas formaron un grupo conocido como “Las Perdidas”.También se hizo conocida por un meme que ganó fuerza en 2022. La foto nació por un video que ella misma publicó en su canal de YouTube, donde está hablando a la cámara mientras su amiga toma un baño. Su gesto de desagrado se conviritó en uno de los memes más populares de 2022.Nació en agosto de 1993, y desde chiquita, una de las novelas que más le gustaban era Amigas y Rivales, fue el personaje que interpretaba Angélica Vale, el cual se llamaba Wendy Nayeli.“Yo crecí con todos esos programas, con las novelas de Amigas y rivales y todo eso. Es bien linda la Michelle Vieth. Yo me sentía Michelle Vieth en la novela, yo decía que yo era ella, y yo estaba chiquilla”, comenzó. “Pero me pusieron ‘Wendy Nayeli’ por el personaje de Angélica Vale que hacía de sirvienta. Yo le barría a una amiga su estética, y se me quedó Wendy Nayeli, por la culpa de Angélica Vale, te lo juro. Todos me decían ‘Wendy’”.En un episodio de La casa de los famosos, Wendy también narró que fue víctima de abuso sexual cuando era menor de edad."Cuando me violaron sí fue distinto, fue un muchacho ya mayor de edad wey (...) Cuando me llevó la policía fue lo peor, yo temblaba del miedo". También contó que fue revictimizada durante la revisión médica.¿Por qué Vogue fue tan importante para el pop? Esta canción llevó al “mainstream” el vogueing, un estilo de baile que se originó en los salones de baile (“ball rooms”) en Nueva York que nacieron desde los 60. En estos espacios alternativos, afros y latinos podían expresar libremente su orientación sexual o identidad de género, sin temor a ser discriminados o estigmatizados.El vogueing consiste en imitar los movimientos de las modelos posando como en la revista Vogue. Junto al documental Paris is Burning, Vogue de Madonna visibilizaron una de las manifestaciones culturales más representativas del movimiento LGBTI, que aquel momento luchaba por un anhelado y necesario reconocimiento en la sociedad.Además de Vogue, sus declaraciones a favor de la lucha contra el SIDA, cuando nadie más lo estaba haciendo, hicieron de Madonna un icono gay, y así se mantiene hoy. Pero Madonna no se limitó a copiar los pasos del vogueing ni mucho menos a apropíarselo. Para las coreografías de la gira, la reina del pop recurrió a Luis Camacho y José Gutierrez (conocidos como José y Luis Xtravaganza), 2 figuras prominentes de la escena “ball room”.
Con motivo de los 25 años del estreno de Star Wars: Episodio I -La Amenaza Fantasma, la película regresará a las salas de cine, según lo confirmó Cine Colombia en su cuenta de Instagram. De momento se sabe que la película estará disponible a partir del 2 de mayo, aunque no se conoce en qué salas. La película se estrenó originalmente en cines colombianos en junio de 1999. Star Wars: Episodio I -La Amenaza Fantasma es la cuarta película de la serie de películas de Star Wars, la primera película de la trilogía precuela y el primer capítulo cronológico de la Saga Skywalker. Ambientada 32 años antes de la trilogía original (13 años antes de la formación del Imperio Galáctico), durante la era de la República Galáctica, la trama sigue al Maestro Jedi Qui-Gon Jinn y su aprendiz Obi-Wan Kenobi mientras intentan proteger a la Reina Padmé Amidala de Naboo con la esperanza de asegurar un final pacífico a una disputa comercial interplanetaria. Junto con Anakin Skywalker, un joven esclavo con poderes naturales inusualmente fuertes de la Fuerza, simultáneamente se enfrentan al misterioso regreso de los Sith.El legado de Star Wars: Episodio I -La Amenaza FantasmaEpisodio 1 fue un éxito de taquilla. Con un presupuesto de 115 millones de dólares recaudó más de 1000 millones en todo el mundo y fue la más exitosa en su año de estreno. Sin embargo, muchos de los más fieles fans no quedaron del todo satisfechos. En su momento, la película fue elogiada por sus efectos especiales, pero, como recuerda Luke Holland en The Guardian, los meses posteriores al estreno de la película, la opinión cambió. Pero, como agrega Holland, "La amenaza fantasma, sin embargo, no está nada mal. Liam Neeson y Ewan McGregor son excelentes. Cuenta una historia satisfactoria y cerrada. Su acción se maneja con rapidez y estilo. Y, desde la muerte de Qui-Gon hasta que la madre de Anakin lo abandonó, ocasionalmente incluso logra tocar la fibra sensible del viejo corazón. A pesar de los Gungans, es una película de Star Wars muy sólida".