The White Stripes está celebrando el 20 aniversario de su cuarto álbum de estudio Elephant. Por eso el lanzamiento digital de Elephant Deluxe, que incluye el audio HD remasterizado del álbum de estudio original unido por un set en vivo de 27 canciones grabado el 2 de julio de 2003 en el Aragon Ballroom de Chicago durante el exitoso "Elephant Tour" de la banda.Lanzado el 1 de abril de 2003, Elephant rápidamente demostró ser un fenómeno galardonado y aclamado por la crítica, además de obtener popularidad mundial, alcanzando un #6 en el Billboard 200 mientras que también encabezaba la lista oficial de álbumes del Reino Unido.Elephant: el disco que consagró a The White StripesGrabado en gran parte durante dos semanas en abril de 2002 en los estudios Toe Rag de Londres, Elephant incluye sencillos ahora clásicos como el ganador del premio GRAMMY Seven Nation Army, I Just Don't Know What To Do With Myself, The Hardest Button To Button y There's No Home For You Here, todo lo cual llevó a David Fricke de Rolling Stone a aclamar el álbum como simple. "Un trabajo de perfección pulverizadora". Newsweek lo incluyó en su listado de 2020 de mejores discos de rock de todos los tiempos, y para Spin fue uno de los mejores 125 discos de los últimos 25 años en su ranking de 2010. Elephant también aparece en el libro 1001 discos que debes escuchar antes de morir. Elephant ganó el Grammy 2004 por Mejor Álbum Alternativo y fue nominado al Álbum del Año.Definitivamente del disco se destaca Seven Nation Army, que ganó Grammy a Mejor canción de rock. También ha sido calificada como una de las canciones definitivas de la década de los 2000. Sin embargo, Elephant no solo es Seven Nation Army. En I Just Don’t Know What to Do With Myself o Ball and Biscuit es clara la influencia del blues, mientras que Well It’s True That We Love One Another tiene toques folk y The Hardest Button to Button nos recuerda a Iggy Pop. El punk llega de la mano de Hypnotize y Girl, You Have No Faith in Medicine evoca por momentos a Led Zeppelin.The White Stripes se inspiró en el blues y el punk para lograr este disco que se convirtió en emblema del regreso del garage rock de comienzos de los 2000, época en la que varias bandas buscaban "volver a lo básico" y evocar la experimentación sonora de los 70. Nada del equipo usado para grabar este disco es más reciente de 1963. Aunque recientemente surgieron críticas al talento de Meg White en la batería, este disco ratifica que su trabajo fue lo que contribuyó a que The White Stripes tuviera un estilo y sonido distintivos que se mantuvo hasta la separación del grupo en 2011 y del los que seguimos hablando hoy. Un mes antes de que se lanzara el álbum, Jack y Meg confirmaron a The New York Times que el tema de Elephant es "la muerte de la novia estadounidense". En una era de auge del hip hop, The White Atripes atacó el status quo con minimalismo y blues. Y funcionó.
Panic At The Disco! se acaba y, la verdad, la sorpresa de muchos seguidores es que se anuncie como una separación de la banda cuando se sabía desde 2015 que Brendon Urie era el único integrante activo y el que tomaba las decisiones de quienes tocaban en tarima con él. Contenido recomendado | Brendon Urie de Panic! At The Disco sale del armario y se declara pansexualDe hecho, Brendon Urie se atribuyó tanto el liderazgo del proyecto Panic At The Disco! que en el álbum Death of a Bachelor tocó todos los instrumentos.En los últimos ocho años Brendon fue la cara de Panic At The Disco!, pero en agosto de 2019 dejó ver que le interesaría empezar a publicar música bajo su propio nombre. En ese momento colaboró con Taylor Swift para el sencillo ME! del disco Lover.En agosto de 2022 se estrenó el disco Viva Las Vengeance, séptimo proyecto discográfico de Panic At The Disco! y, posiblemente, último álbum del proyecto que alguna vez fue una banda.El disco viene con una gira de conciertos por Europa y el Reino Unido que iniciará el 20 de febrero en Vienna, Austria, y finalizará el 10 de marzo en Manchester, Reino Unido.Antes de iniciar la serie de conciertos Brendon Urie publicó un comunicado informando que estos serán los últimos conciertos que haga como Panic At The Disco! porque quiere enfocarse en su papel como esposo, apoyar a su pareja con el embarazo y ser un padre activo en la crianza. El comunicado no significa el retiro de Urie de la música, pero sí se asume como una pausa de los escenarios.Carta de Brendon Urie sobre el fin de Panic At The Disco! (traducida al español)"Bueno, ha sido un viaje increíble... Al crecer en Las Vegas, nunca podría haber imaginado a dónde me llevaría esta vida. Tantos lugares en todo el mundo y todos los amigos que hemos hecho en el camino. Pero a veces un viaje debe terminar para que comience uno nuevo. Hemos estado tratando de guardarlo para nosotros, aunque algunos de ustedes pueden haber escuchado... ¡Sarah y yo estamos esperando un bebé muy pronto! La perspectiva de ser padre y poder ver a mi esposa convertirse en madre es a la vez aleccionador y emocionante. Espero con ansias esta próxima aventura. Dicho esto, voy a poner fin a este capítulo de mi vida y poner mi enfoque y energía en mi familia, y con eso Panic! At The Disco ya no existirá.Gracias a todos por su inmenso apoyo a lo largo de los años. Me he sentado aquí tratando de encontrar la manera perfecta de decir esto y realmente no puedo expresar con palabras cuánto ha significado para nosotros. Ya sea que hayas estado aquí desde el principio o recién nos hayas encontrado, ha sido un placer no solo compartir el escenario con tanta gente talentosa, sino también compartir nuestro tiempo contigo. Estoy deseando verlos a todos en Europa y el Reino Unido para una última carrera juntos.Los amo y los aprecio. Gracias por existir.¡La música nos une!
La banda ecuatoriana Da Pawn está celebrando 10 años de carrera musical este 2022. Desde el 2016, esta banda de indie rock nos ha visitado en varias ocasiones como en la edición del 2019 del Festival Estéreo Picnic y en el marco del Festival Hermoso Ruido.En esta ocasión, Da Pawn visitará 4 ciudades del país:Pasto- 11 de octubre en Capital CityBogotá- 12 de octubre en Sánchez CerveceríaIbagué- 14 de octubre en el Festival Ciudad RockMedellín- 15 de octubre en Club LíbidoDa Pawn, nació como un proyecto personal de Mauro Samaniego, vocalista de la banda. En 2012 se integraron a él Felipe Andino en los teclados, Pedro Ortiz en la batería, Rodrigo Capello en los arreglos, Alejandro Naranjo en la guitarra y Fernando Procel en el bajo. Lanzaron ese mismo año su primer sencillo 'Casi Siempre' (2012), en el que también participa la banda de rock psicodélico de Quito, Can Can.Su último álbum 'Pistola de Balín', lanzado en 2018 fue muy bien recibido en Colombia. El sencillo 'Balsa', que hace parte de ese mismo álbum, permaneció entre las 25 canciones más escuchadas de Radiónica por 3 meses consecutivos. ¡La música nos une!
El Cuarteto de Nos presentó su álbum 17 titulado Lámina Once. El título del disco es una referencia al conocido test de Rorschach que se usa en psicología para estudiar la personalidad con base en los datos que surgen de lo que una persona ve en una serie de diez láminas. Estas imágenes se caracterizan por tener significados muy ambiguos. Lámina Once contó con la producción de Eduardo Cabra (Visitante) y Héctor Castillo, dos amigos de la casa, con quienes la banda ya había trabajado en su antecesor, JUEVES. Grabado en pandemia entre Montevideo, Puerto Rico y Nueva York, este es el primer disco que sale por su sello propio Porfiado Records. La banda uruguaya es conocida por sus reflexiones agudas sobre la vida cotidiana. Este disco plantea un problema filosófico fundamental: ¿cómo llevar adelante una vida examinada? la dificultad para poder ser auténtico, la corrupción o la debilidad ética contemporáneas podrían llegar a confluir en esa pregunta, que tiene un aspecto personal pero también un reverberar de tipo relacional y social. El disco propone una visión crítica y la exigencia de un cierto estándar ético en el abordaje de los temas cruciales del hoy. En cada canción hay un trasfondo común: la manifestación de un malestar con lo que nos toca vivir en las sociedades contemporáneas, las desdichas del momento actual.El estreno de Lámina once se realiza en simultáneo con el video de la canción Rorschach, producido por Oriental Films de Uruguay y dirigido por otro viejo conocido de la banda como Charly Gutiérrez, creador de míticos videos de Cuarteto de Nos, como Ya no sé qué hacer conmigo o El Hijo de Hernández. Inspirado en ciertas escenas de películas que tiene en común recursos de género sci fi horror, Rorschach explora un lenguaje cinematográfico lleno de recursos visuales, una sensación de miedo y fascinación, y una nostalgia hacia lo retro y lo analógico. “Rorschach” es un guiño a los fans de la era dorada del género, un homenaje a películas como The Blob, Altered States, Poltergeist, Firestarted, Hellraiser.Todas las canciones de Lámina Once, de El Cuarteto de Nos FlanChivo expiatorioCinturón grisFiesta en lo del Dr. HermesFrankenstein PosmoLa Ciudad sin almaMaldito showRorschach
Dos años después de su segundo álbum Letanías del Jardín (2020) la banda paisa Margarita Siempre Viva vuelve con Un Lugar Más Cierto, su tercer larga duración, y el más extenso hasta el momento. Con Cristian Sánchez detrás del micrófono, Mateo Vanegas en la guitarra, Alejandro Pérez en los sintetizadores, Daniel Velásquez en el bajo y el debut de Adan Naranjo, también productor del disco, en la batería, la banda indie de Medellín presenta un proyecto diferente al resto de sus lanzamientos.Según su vocalista, Un Lugar Más Cierto es la muestra de cómo se crea nueva música y cómo se trabaja a partir de las influencias de toda la banda. Producido y grabado en el estudio Falso Ídolo de Adan Naranjo, en Rionegro, Antioquia, Margarita Siempre Viva nos monta en un viaje por una larga carretera destapada. Dura poco más de 55 minutos y tiene 19 cortes. En el recorrido vamos creando una imagen sonora que nos remonta a la nostalgia. "En la industria musical está la idea de que un álbum es un trabajo completo", afirma Sánchez. Crear proyectos de larga duración, en un mundo donde el algoritmo de las plataformas responde mejor al lanzamiento de sencillos o EP, fue una apuesta por darle vida a una película sonora con las partes esenciales de cualquier película: inicio, nudo y desenlace.También les podría interesar: Festival Viva el Planeta 2022 en Medellín: cuidar para preservarAsí suena Un Lugar Más CiertoEl sonido del álbum nos remite a los clásicos de Pink Floyd. Comienza con un intro instrumental que abre las puertas a las otras 18 canciones del álbum: algunas de ellas en forma de transiciones orquestales creadas para pausar, por un momento, el recorrido a través de unas letras que reflejan los sentimientos más cotidianos del ser humano.Para grabar Fractal, uno de los sencillos, se tomaron cuatro sesiones de grabación sólo para llegar a las maquetas y las melodías generales. Hay un cuidado detallado en la cantidad de movimientos que hay en la canción. Fractal, Mi Barco y Depresión Post Paisaje, hacen parte de las canciones favoritas de la banda y es por esto que pasaron a ser los tres sencillos del disco.Para su producción tenían muchos juguetes a la mano. Las cuerdas, los vientos, los sintetizadores e incluso un timbal orquestal, guían los giros instrumentales presentes a lo largo del disco. El sonido surf rock presente en Nena, el beat en el rap de Thomas Parr en El Resto de los Pasos y el rock psicodélico del que parte Un Lugar Más Cierto (canción homónima del disco) hacen parte de la exploración sonora que nos presentan en esta nueva etapa. Con los sonidos, llegó la idea de la portada. Los colores cálidos, la textura y la luz empalmaron las canciones con el movimiento artístico del Impresionismo. Es un collage digital hecho por un ilustrador colombiano, con fragmentos de obras clásicas de artistas como Monett, Sarolla, entre otros.Los Margarita Siempre Viva andan girando para promocionar Un Lugar Más Cierto en México, Ecuador y, por supuesto, Colombia. Pronto, la banda presentará una versión deluxe del álbum con nuevas colaboraciones y remixes con otros géneros. Se viene una nueva etapa para el rock colombiano.
Conjuro Epiléptico es una banda que hace de la improvisación un espacio cómodo para dialogar con las situaciones ridículas que suceden en el país. Sus videoclips y performances están alineados a ese discurso que sacude y que se complementa con el mantra del conjuro: “esto está asqueroso, ¡dame más!”.Miguel, Juan Pablo y Nicolás se graduaron cómo músicos de jazz, así que la improvisación ya venía adjunta en el paquete que completó Juan David, diseñador gráfico que le aporta elementos a la estética que quieren mostrar.Conjuro Epiléptico también busca reivindicar símbolos y lugares que han sido memorables en la capital colombiana, por eso no dudaron en responder al llamado de Nicolas Pava cuando les propuso grabar un disco en la Super Estación 88.9, una de las emisoras más importantes de los 80 y comienzo de los 90. Después de tener unas canciones y sin dirección hacia el siguiente paso decidieron buscar ayuda para masterizar y mezclar las canciones. Acordaron escribirle a Jack Endino, productor del Bleach de Nirvana y pieza clave en la historia de los inicios del grunge en Seattle.La respuesta fue inmediata, lo primero que le llamó la atención al productor norteamericano fue la parte visual de la banda, la estética extraña y su poderosa descarga interpretativa. Hicieron un sencillo con él, Melódicamente y prepararon cuatro más, pero el alza del dólar los frenó. Así que van a paso lento, con la intención de completar canciones para un álbum o un EP con el productor de Screaming Life de Soundgarden.Hablamos con ellos del performance, de los videoclips y del espacio que ocupan las propuestas alternativas en la industria nacional actualmente.Ustedes improvisan en sus shows, todos son diferentes, ¿cómo logran coincidir en el escenario?Hacemos un ejercicio liberador, son procesos que no les ponemos filtro, dejamos que el inconsciente hable mucho dentro de nuestro proyecto, por eso hay muchas cosas surreales, bizarras y salidas un poco de la razón. Eso tiene una estructura, tenemos que reunirnos y organizar las cosas. Por ejemplo, estuvimos tocando en Videoclub en febrero, fue muy bonito porque logramos hacer un show incluyendo nuestros temas viejos y nuevos, pero sin interrupciones un set completo. Lo que queremos mostrar requiere de mucho ensayo y memoria, porque los temas transitan por muchas partes diferentes y además siempre estamos transformando todo. Lo importante es que la obra siempre esté viva y que podamos transformar las cosas no nos gusta repetirnos, sino proponer algo nuevo, entonces es algo que exige bastante, pero es divertido hacerlo. ¿Cómo les ha ido en los escenarios de otras ciudades?Hemos tocado muchas veces en el eje cafetero, tenemos familia allá, ha sido como estar en casa, muchos oyentes y público que nos reciben con mucho cariño. Hicimos un tributo a Nirvana en marzo de 2019, justo antes de la pandemia. Manizales es otra casa, Medellín, Pereira, en Cali hemos tocado dos veces Juanchito vive en Cali, estuvimos en diciembre, en Popayán. Ha sido muy bonito un proyecto que no se ha centrado en Bogotá, sino que ha tenido movimiento en otras ciudades en las que se hhan generado otros públicos. ¿De qué quieren hablar en el nuevo álbum?Seguiremos poniendo entre la discusión muchas moralidades, muchas maneras de autoridad que se ejerce desde el lenguaje las relaciones humanas, desde cómo funcionan las cosas en Colombia, que también hay un problema psicológico con la autoridad y bueno, la idea es hablar del contexto, de la violencia. Tenemos una canción que se llama Dragma que habla mucho de eso, un poco como siempre criticando el tema de las redes, de otro tipo de adicciones contemporáneas como los celulares. La idea es ir en contra corriente de muchas cosas y desde muchas creencias, sobre todo ahora en Colombia, ojalá podamos escribir letras que hagan que la gente se puede preguntar cosas, eso es lo importante, afirma Nicolás.¿Qué tanto se involucran todos en la parte visual?Somos cuatro en la banda, pero hay un integrante fantasma que es Diego Ricardo, que le ha aportado mucho desde su creatividad, él también es diseñador, con el hemos podido tomar todas estas cosas relacionadas con el absurdo, el lenguaje que Conjuro Epiléptico maneja y poderlo traducir desde las vivencias de nosotros. Parte de la riqueza visual que tenemos es que somos una comunidad donde hay mucho cariño, mucha camaradería, mucha chabacanería. A la hora de plasmar esto desde la imagen permite mucho explorar el sin límite, no nos pone en conflicto travestirnos, o reírnos de nosotros mismos, o recalcar todas estas narrativas de contracorriente y de lo absurdo en una pieza audiovisual, parte de la energía de la música que estamos tratando de construir está cargada de muchas cosas, por eso se logran estos resultados. ¿Los videoclips son piezas claves para complementar el imaginario de la banda?Nosotros hemos tenido procesos muy interesantes de naturaleza visual con los videoclips, empezamos con el de Diarreik Kunfu Zion, que fue una obra maestra para nosotros porque de la mano de Moisés Guindi más conocido como Ernesto Vientos, logramos crear una narrativa artificial donde creamos un universo con objetos, con cosas hechas de cartón, con una estética un poco distorsionada y desde ahí se creó un imaginario que exploramos más a fondo en el video de Marta, mucho más elaborado con un vestuario, máscaras, maquillaje, y un montón de elementos. Después, durante la pandemia, Diego hizo el videoclip de Dario Lemos, en mi opinión personal es mi favorito, es una animación increíble, con las calles de Bogotá, con los buses, con escenas bizarras, escenarios que uno suele ver en Bogotá como de lo absurdo, entonces se ha ido creando un imaginario, nos encantan los objetos en los conciertos, objetos vario pintos, el cartel de una iglesia cristiana colombo china, maniquíes, vestidos, sombreros, jugos Hit, un inventario de cosas. Nos encanta jugar con los objetos y crear como un universo alterno. ¿Cuál creen que es el mayor beneficio de las plataformas de streaming?En este momento gracias a las plataformas es mucho más fácil tanto para uno visibilizar cosas que están muy lejanas, como que lo visibilicen a uno en muchos lugares del mundo, eso es increíble y en parte eso fue lo que nos ayudó a conectarnos con Jack Endino, que él pudiera tener acceso también a nuestros videos, a nuestra música. A él lo que más le llamó la atención fueron los videos, nos decía: ‘nos parecen increíbles los videos que hacen’. Hay un auge de cosas interesantes que están saliendo de Colombia que vale la pena escuchar. El streaming es menos rentable, pero es más masivo, eso es interesante. Todavía nos queda mucho por aprender y recorrer y queremos agrandar nuestro público latinoamericano y mundial. Sería increíble poder viajar a Seattle y conocer a Jack y trabajar con él y eso es gracias a eso que está sucediendo. ¿Cómo ven la industria nacional?Siento que se ha abierto un mercado para lo alternativo interesante, siento que somos una banda disidente a pesar de que sabemos cómo funcionan las cosas, hemos optado por tomar caminos que de pronto deciden de la normalidad. Por ejemplo, el segundo disco que se llama EPS Sanitas lo hicimos nosotros. Juancho hizo las cajas, lo imprimimos, es parte de la decisión estética de la banda de hacer las cosas distintas así no sea la manera más fácil, o la manera que más funciona y siento que la gente se conecta con eso. Es un chimba discernir de ser parte de una máquina gigante industrial, que está bien, todos somos músicos, vivimos de la música, entendemos cómo funciona, pero desde el Conjuro Epiléptico poder hacerle fuck you a esa vuelta y romper. La naturaleza de nosotros es romper y hacer algo disruptivo que cuestione las cosas que al parecer están bien establecidas. Siempre vamos a proceder de manera diferente digamos, podemos hacer un reggaetón pero no lo haríamos de una manera convencional. Conjuro Epiléptico hace parte de la programación de En Vivo en el Muelle, una alianza de Shock y la FUGA, para presentar vía streaming y en vivo agrupaciones que proponen nuevos sonidos en la capital.
Milky Chance estrenó el 3 de noviembre de 2021 Trip Tape, un mixtape de 12 canciones que incluye remixes y versiones de Dua Lipa (Levitating), The Weeknd (Save your Tears) y Solf Cell (Tainted Love).Tainted Love, escrita por Ed Cobb, del grupo The Four Preps fue grabada en 1964 por por Gloria Jones. La versión de Soft Cell en 1981 la popularizo y la colocó en el listado de grandes éxitos de los 80. Después vinieron las versiones de Marilyn Manson en el 2002, La Unión, Emmanuel Horvilleur y Scorpions.Marilyn Manson incluyó Tainted Love como bonus track de su álbum The Golden Age Of Grotesque, la canción hizo parte de la banda sonora de la película Not Another Teen Movie. El videoclip fue dirigido por Philip G. Atwell.Milky Chance recrea en el videoclip una fantasía paranoica en la que Clemens Rehbein despierta ensangrentado y desconcertado. Grabado en Berlín bajo la dirección de Sebastian Ganschow y Vincent Sylvain, quienes han trabajado en otros clips incluido Colorado, el éxito más reciente del dúo.“Pasamos mucho tiempo en el estudio los últimos años trabajando en nueva música y Colorado fue el gran comienzo. Pero en el encierro sucedieron dos cosas: junto a Colorado nos encontramos con tantas canciones nuevas que amamos y también nos dedicamos a hacer nuestras propias versiones de las canciones de otros artistas que disfrutamos. ¡Además de eso, Icarus hizo un remix de Colorado que nos entusiasma muchísimo! Entonces, ¿cómo podemos sacar todas estas cosas diferentes? afirmó el dúo.Trip Tape es una colección de versiones y remixes que se presentaron originalmente como parte de la banda sonora de Milky Chance's Road Tripping Radio Series. En estos videos, Phillipp Dausch y Clemens Rehbein conducen por ciudades como Berlin y San Francisco mientras escuchan una emisora alternativa donde se escucha cada una de las canciones de Milky Chance.
Foster The People, una de las bandas de indie rock más representativas de la década del 2010, debutó en 2011 y ha tenido como integrantes a Mark Foster, Mark Pontius, Isom Innis, Sean Cimino, Jacob Fink y Zach Heiligman. A lo largo de su carrera han gira por el mundo y estrenado tres discos.Contenido recomendado | Coldplay anuncia las fechas de la gira mundial de conciertos 'Music of the spheres'Luego de un tiempo de inactividad, la banda (que ha decidido dejar de tocar en vivo su mega hit Pumped Up Kids porque, según ellos ha sido mal interpretada) acaba de anunciar que el baterista y co-fundador del proyecto Mark Pontius anunció su salida del grupo.La información viene acompañada por una carta escrita por Pontius en la que agrega que ha hecho todo lo que soñó con un proyecto musical y que desde el nacimiento de su hija su vida ha tomado rumbos distintos que él quiere aprovechar al máximo.CARTA DE MARK PONTIUS TRADUCIDA AL ESPAÑOLLHe tenido problemas para encontrar las palabras para comenzar este anuncio, así que supongo que me quitaré la tirita y diré que he decidido dejar a la banda que ayudé a fundar hace 11 años, Foster The People. Mientras celebramos el décimo aniversario de nuestro primer disco Torches, me inundan los recuerdos de nuestro repentino éxito, logrando todas mis aspiraciones profesionales en unos pocos años y los hermosos momentos que pasé con mis hermanos en la banda. Qué privilegio fue todo, estoy eternamente agradecido por todo. He crecido mucho desde que empezamos, y en el par de años desde nuestro último show en vivo, mi vida ha cambiado en todos los sentidos. He tenido mucho tiempo para mí mismo para reflexionar sobre lo que realmente importa. Entre esas cosas, me convertí en padre de una hija de ahora 2 años que realmente ha cambiado la forma en que me siento acerca de vivir mi vida en las giras. Me siento atraído por las cosas más cercanas a casa. He visto el mundo (un par de veces) y realmente he hecho todo lo que estaba en mi carrera. Ahora mis aspiraciones son más sobre pasar el rato aquí en la naturaleza y ver crecer a mi hija. Estos últimos 2 años han consistido en cerrar grandes capítulos en mi vida y después de muchos idas y venidas, he aceptado que estoy listo para que este también se cierre. Me despido y sigo adelante. Extrañaré a Mark, lsom y Sean, son mi familia para siempre y estoy seguro de que algún día trabajaremos juntos de nuevo. En cuanto a mí, tengo algunas ideas para el futuro, pero lo tomaré un día a la vez. Gracias a todos los que apoyaron a la banda a lo largo de los años, los amo.¡La música nos une!
Angels & Airwaves regresa con nueva música, después de siete años presenta Lifeforms. Ya conocíamos cinco canciones de las diez que trae el álbum. Euphoria, Restless Souls, Losing My Mind, Spellbound y recientemente Timebomb.Timebomb, salió justo en la semana del lanzamiento de su nueva placa discográfica, que se estrenó el 24 de septiembre. “Timebomb es una canción especial para mí porque representa el equivalente emocional de un dispositivo armado a punto de explotar. Creo que todos pueden identificarse con la presión de la vida que pesa sobre el corazón de un joven adolescente” cuenta Tom DeLonge.El álbum explora una variedad de temas, pero se centra en las relaciones interpersonales. El sonido tiene fuerte inspiración en artistas de los 80 como Depeche Mode, así como en los primeros días del pop punk del su líder Tom DeLonge.“Me ha llevado mucho tiempo presentar mi arte de la manera que imaginé hace más de una década. Lifeforms es la primera parte de lo que vi que podría ser posible entonces" afirma Tom DeLonge.Su paso por Lollapalooza confirmó el poder de la banda en el escenario, y le anunció a sus seguidores que estaban de regreso para su gira mundial, serán 42 shows. Lifeforms World Tour comenzará el 29 de septiembre en Riverside, California y finalizará el 22 de marzo de 2022 en Hannover, Alemania.Tom DeLonge, miembro fundador de Blink-182, formó Angels & Airwaves en 2005. Su discografía reúne seis álbumes de donde se desprenden éxitos como The Adventure, The War, Everything's Magic y Rebel Girl. El álbum The Dream Walker, lanzado en 2014, alcanzó el número 1 en iTunes y el número 5 en la lista de álbumes alternativos más importantes de Billboard.Angels & Airwaves son Tom DeLonge voz principal, guitarra y sintetizadores, Ilan Rubin batería, guitarra, coros y sintetizadores, David Kennedy guitarra, y Matt Rubano bajo.The Dream Walker se conviertió en un proyecto multimedia, el álbum estuvo acompañado de una novela gráfica, cómics y el cortometraje Poet Anderson: The Dream Walker, codirigido por DeLonge, le mereció el premio al Mejor Cortometraje de Animación en el Festival Internacional de Cortometrajes de Toronto. Además de su trabajo con AVA, Tom DeLonge creó To The Stars, una compañía de entretenimiento multimedia que crea contenido original en música, cine, televisión y publicaciones. DeLonge es productor ejecutivo de la serie Unidentified: Inside America's UFO Investigation de The History Channel y hará su debut como director de la película Monsters of California.
Músico, ilustradora, artista y ‘mindfreak’, así se describe Leah Wellbaum en su página web y redes sociales. Su nombre lleva activo más de una década en la industria de la música donde se ha destacado como líder de la banda estadounidense de rock alternativo Slothrust formada en Boston, pero radicada hace un par de años en Los Ángeles.En 2016 la banda lanzó el álbum Everyone Else, disco que los llevó a hacer giras, conciertos promocionales, shows agotados en diferentes ciudades y que les abrió las puertas a festivales en Norteamérica y Europa. En septiembre de 2021 publicarán su nueva placa discográfica Parallel Timeline, proyecto que estaba planeado para salir en 2020, pero que tuvo modificaciones por la pandemia del coronavirus.Leah es amante del arcoíris, elemento que desde mediados del siglo XX identifica la diversidad de la comunidad LGBTIQ, se identifica como persona queer de género fluido y se le considera uno de los nuevos iconos LGBTIQ+ del rock alternativo. Hablamos con ella sobre música, pride, espiritualidad y pandemia.Se viene un nuevo lanzamiento para este septiembre, ¿qué pueden esperar las personas sobre este disco Parallel Timeline?Es el álbum que más tiempo nos ha tomado en grabar. Parte de la razón fue por el covid y porque no estábamos disponibles de estar en la carretera. Fue una experiencia interesante donde nos acercamos a cada canción como un universo totalmente separado. Es interesante identificar lo que tienen en común las canciones de este álbum y lo que hacen que se conecten a lo largo del disco.¿Cuáles son los retos más grandes que en la actualidad tiene una banda como la que representa?Debo decir que el reto es navegar con las dinámicas en la carretera. Para mi lo mejor de girar es presentarse, me encanta porque es muy satisfactorio, pero hay otras cosas que hacen complicado que sea posible como el coordinar la logística para que todo salga como se espera.¿Cómo se ha sentido ser líder del proyecto y tener, casi al 100%, la atención del público durante esta década de carrera?Es muy satisfactorio estrenar música, poder desbloquear las nuevas canciones, lanzarlas y que la gente pueda escucharla. También es muy emocionante poder volver a presentarnos ante el público después de tanto tiempo y conectar con esa energía en vivo de nuevo.Estamos en el mes del pride, una celebración global de la comunidad LGBTIQ+, de la que eres parte. ¿Cómo se siente ser catalogada como un ícono musical de la diversidad?Me identifico como una persona queer de género fluido, así que es muy bueno tener oportunidades para que mi voz ayude a amplificar el mensaje y expresar ideas que me ocurren. Principalmente conecto con creatividad, universo y espiritualidad como un todo.La banda tiene una canción escrita por ti y que ha sido adoptada por muchas personas de la comunidad LGBTIQ+. ¿Qué nos puede contar de Strange Astrology?Es una exploración honesta de lo que significa amar a alguien que es intrínsecamente diferente a ti. Se trata de esperar que esas cualidades e instintos que se yuxtaponen, fomenten un crecimiento significativo en lugar del caos. Amé hacer el video porque amo las frutas y las frutas fueron una fuerza gigante para representar el caos.¿Cómo celebra el pride de 2021 Leah Wellbaum?Aún hay barreras y restricciones por el covid aquí en Los Ángeles, así que no voy a hacer nada específico para celebrar el orgullo, solo vivir mi vida y hacerlo de la mejor manera posible todos los días.¿Qué tipo de ideas de composición vinieron a su cabeza durante la cuarentena?Solo hicimos una durante covid, todo el resto del disco se hizo antes de la pandemia. Pero tenemos una canción que se hizo durante esa temporada y se siente diferente a todo lo que hicimos en el pasado porque revela mucho de dónde estoy ahora mismo.¡La música nos une!
Del 25 al 28 de abril y del 2 al 5 de mayo, el público del Festival de Jazz de Nueva Orleans, podrá ver a artistas colombianos como el Grupo Niche, Bomba Stereo, Jacobo Vélez y La Mambanegra, Los Cumbia Stars, Kombilesa Mi, Matachindé, Rancho Aparte, Agrupación Changó, Gregorio Uribe, Cimarrón y Gaita Loop. El Festival de Jazz de Nueva Orleans es una fiesta cultural de 10 días en la que miles de músicos, cocineros y artesanos dan la bienvenida a cerca de 400.000 visitantes cada año. La Feria del Patrimonio de Luisiana presenta música inolvidable en múltiples escenarios, cocina tradicional de Luisiana en dos grandes áreas de comida y artesanos de la región y de todo el mundo que demuestran y venden su trabajo. Colombia, descrita por el Festival como ‘la potencia cultural de América Latina’, lleva a Nueva Orleans una celebración musical de salsa, cumbia, champeta, vallenato, chirimía y currulao acompañada, además de las presentaciones en los 14 escenarios del festival, desfiles diarios en honor a Colombia, sumadas a experiencias culturales inmersivas junto a artesanos indígenas y afrocolombianos, así como lo mejor de la cocina tradicional de Colombia, según un comunicado del Ministerio de Cultura. "Nos complace anunciar que Colombia es el país invitado al Festival de Jazz y Patrimonio 2024, con artistas y artesanos excepcionalmente talentosos que mostrarán la rica diversidad de nuestra cultura. En el festival, celebraremos a Colombia: el País de la Belleza y compartiremos nuestra pasión por la música con la gente de Nueva Orleans y de los Estados Unidos", expresó el Embajador Daniel Ávila, Encargado de Negocios de la Embajada de Colombia en los Estados Unidos.Además, se propone un intercambio cultural binacional entre dos formatos instrumentales: Chirimía Chocoana y New Orleans Brass Band, un encuentro entre dos culturas centrado en un lenguaje común: la improvisación.Este enfoque se basa en el formato instrumental derivado de las bandas militares europeas establecidas durante la conquista de América, que consta de percusión y vientos, un elemento que ambas culturas comparten. El resultado de este proceso es una producción musical que consta de dos piezas musicales integrando los dos formatos instrumentales, que serán publicadas en EP y en las diferentes plataformas de difusión musical, además, será la memoria que refleja el paso de Colombia por el Festival.La participación de Colombia en el festival en 2024 fue posible gracias al apoyo del Ministerio de Relaciones Exteriores, el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y la Embajada de Colombia en los Estados Unidos.
Sean “Diddy” Combs ha sido objeto de varias demandas civiles en los últimos meses. Hoy hay una investigación federal en su contra. Agentes federales realizaron registros en las propiedades de Combs, donde se encontraron armas, y sus teléfonos fueron incautados en un aeropuerto como parte de una orden emitida por el Tribunal de Distrito de Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York, según dijeron fuentes policiales.Desde noviembre, Combs ha sido objeto de varias demandas en Nueva York acusándolo de agresión sexual, tráfico sexual y participación en otras actividades delictivas. Combs ha negado todas las acusaciones y las calificó de repugnantes.Al menos cuatro personas han sido entrevistadas sobre acusaciones de tráfico sexual, agresión sexual y solicitud y distribución de narcóticos y armas de fuego ilegales, según declaró una fuente familiarizada con el asunto a NBC News. Repasamos la lista de demandas de abuso sexual contra el rapero y productor: Marzo de 2024La casa de Combs fue allanada como parte de una investigación de tráfico sexual en curso en Nueva York. Febrero de 2024Diddy fue acusado de agredir sexualmente al productor de The Love Album Rodney “Lil Rod” Jones. El hombre acusó al rapero de "participar en actividades ilegales graves", incluida agresión sexual. Diciembre de 2023Una acusadora anónima presentó una demanda en diciembre alegando que Combs, el ex presidente de Bad Boy Entertainment, Harve Pierre, y un tercer agresor anónimo la violaron en grupo cuando tenía 17 años, en 2003.En ese momento, Combs publicó un comunicado en el que afirmaba: "BASTA, ES SUFICIENTE", dijo. "Durante el último par de semanas, me he sentado en silencio y he visto a la gente intentar asesinar mi personaje, destruir mi reputación y mi legado. Personas que buscan un día de pago rápido han hecho acusaciones repugnantes en mi contra". "Permítanme ser absolutamente claro: no hice ninguna de las cosas horribles que se alegan. Lucharé por mi nombre, mi familia y por la verdad", continuó Combs.Noviembre de 2023Joi Dickerson-Neal alegó que Diddy la drogó y agredió sexualmente. La mujer presentó una demanda contra Combs que alegaba que fue víctima de "pornografía de venganza".Combs grabó en video el asalto de enero de 1991 y distribuyó la cinta a otros en la industria de la música, según la demanda. Noviembre de 2023Cassie Ventura, expareja del artista, acusó a Diddy de violación y tráfico sexual antes de llegar a un acuerdo. La exnovia de Combs, la cantante Cassie Ventura, acusó a Combs de violación, tráfico sexual y abuso físico en una demanda civil. Combs y Cassie llegaron a un acuerdo por una cantidad no revelada un día después.Cassie alegó en la demanda que Combs le ofreció excesivas cantidades de drogas y alcohol, abusó físicamente de ella y " tomó el control" de su vida, desde su atención médica hasta sus oportunidades profesionales. Combs también supuestamente la habría violado en 2018, y la habría obligado a tener encuentros sexuales con otros hombres. Noviembre de 2023 Una demandante anónima alegó que Diddy y el cantautor Aaron Hall se turnaron para violarla a ella y a una amiga en la ciudad de Nueva York en los 90. Junio de 2019Gina Huynh alega que Diddy abusó de ella durante una relación de cinco añosHuynh, le dijo a la bloguera de YouTube Tasha K en junio de 2019 que el magnate de Bad Boy supuestamente abusó físicamente de ella y una vez le "pisoteó" el estómago."Estaba abusando de mí mental, emocional y físicamente. Siempre me comparaba con Cassie y me decía que yo soy la mala y ella la buena", dijo Huynh, añadiendo que el círculo íntimo de Combs "permitió" que el abuso continuara.
El Animé Sinfónico Orchestral Openings rendirá homenaje al hombre que hizo parte de nuestra historia, al crear miles de aventuras: Akira Toriyama, creador de Dragon Ball y fallecido el 1 de marzo de 2024. La cita será el próximo 21 de abril en el Teatro Universidad de Medellín a las 5:00 p.m. Las entradas estarán disponibles en la web eticket.com y los precios oscilan entre $154.000 y 220.000 en la web eticket.com. Akira Toriyama dejó huella en todo el mundo, con 18 mangas de historia, más de 17 historias de mangas cortos, un programa de televisión y una obra maestra llamada Dragon Ball,. El Animé Sinfónico Orchestal Openings presenta canciones que nos llevarán a aquellas series japonesas que nunca nos podríamos olvidar y que aún hoy en día las llevamos en nuestro corazón. Se interpretarán temas de series como Dragon Ball, Saint Seiya, Digimon, Pokémon, Evangelion, Sailor Moon y muchos más unto a La Orquesta Sinfónica del Valle de Aburrá acompañados con más de 35 músicos en escena, las voces de la cantante antioqueña Miranda (primera ganadora de La Voz Colombia) y Áleran de Adularia (Darknees), Ana María Cerón y Alexander Ordoñez (Rojal Proyect- Banda de Rock) dirigido por Daniel Santiago Plazas Duarte."Siempre hemos creído que la infancia, la adolescencia o la juventud son un tema de momento, que los años pasan y que nunca volveremos a escuchar aquellas canciones que nos recuerdan las series que han pasado por nuestros ojos, por nuestros odios, por nuestros sentidos. Creemos que el cielo resplandece a nuestro alrededor, siempre tomamos el camino de la verdad y la justicia lunar, pensamos en vencer a todo el mal y llegaremos hasta el final con el poder del cosmos y solamente queremos con todo nuestro calor brindar una canción y viajar hasta ser maestros Pokemón para vencer a los titanes con nuestras voces", dice en un comunicado Matrix Entertainment, empresa organizadora del evento. ¿Quién fue Akira Toriyama?Nacido en Nagoya, Aichi, primero ganó reconocimiento por la exitosa serie de manga Dr. Slump, antes de crear Dragon Ball y trabajar como diseñador de personajes para varios videojuegos populares como la serie Dragon Quest, Chrono Trigger, y Dragón Azul.Toriyama fue considerado como uno de los autores que cambió la historia del manga, ya que sus obras son muy influyentes, en particular Dragon Ball, que muchos artistas citan como fuente de inspiración.El artista falleció a la edad de 68 años el pasado 1 de marzo. El querido creador de manga deja un enorme legado y será recordado por miles de fans.
El ministro de Cultura de Colombia, Juan David Correa, le pidió al cantautor cubano Silvio Rodríguez, venir a realizar un concierto en nuestro país. El pedido se hizo a través de una carta. “Millones de colombianos crecimos con sus canciones como usted lo ha podido atestiguar a través de sus visitas a nuestro país. Hoy quisiera pedirle, a título personal, ciudadano e institucional, y en nombre del señor presidente, que nos acompañe una vez más, que nos permita oír su voz en un concierto que podemos organizar allí donde usted lo considere (…)”, señala el Ministro en la misiva. La propuesta del Gobierno es que dicho concierto se realice en un municipio del Caribe colombiano, por cuenta de los posibles problemas que la altura de Bogotá podría acarrear en la salud de Rodríguez. “Parte de mi tarea, ahora como ministro, a admirado Silvio, es proponer espacios colectivos que signifiquen nuestras vivencias atávicas y nos permitan, a través de los símbolos, creer que es posible derrotar el miedo y la pura y abrazar la esperanza de una sociedad que pueda superar la idea de venganza”, continúa la carta. ¿Cuándo fue la última vez que vino Silvio Rodríguez a Colombia?Silvio Rodríguez, uno de los mayores exponentes de la canción social y la Nueva Trova cubana, no viene a Colombia desde julio de 2010, cuando realizó una presentación en Medellín, como parte del Tercer Congreso Iberoamericano de Cultura. En esa jornada, Rodríguez compartió escenario con otros cantautores como Jorge Drexler, León Gieco, Fito Páez, el Quinteto Suárez Paz, Susana Baca, Rosario, Antonio Carmona, Zoe, Rodolfo Mederos, Aterciopelados y Alfredo Gutiérrez.En Bogotá, fue una estancia de tres días en 1995, que lo tuvo por universidades, teatros y centros culturales. En mayo de 1993, tuvo una gira llamada ‘Canciones urgentes 93′ que lo llevo por Medellín, Cali y la capital colombiana. A sus 77 años, es considerado como el mejor cantante folklórico de Cuba y posiblemente uno de los mejores cantautores de América Latina.Conocido por sus letras intelectuales, altamente elocuentes y simbólicas, sus canciones son elementos icónicos de la cultura popular latinoamericana de izquierda. Ojalá, Playa Girón, Unicornio, Sueño con Serpientes, Vamos a andar o La maza son algunas de sus canciones más conocidas. Rodríguez es un símbolo de la izquierda latinoamericana. Silvio Rodríguez es considerado líder de la Nueva Trova Cubana, movimiento conocido por sus letras, que intentaban escapar de las banalidades de la vida concentrándose en el socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo y el racismo.
(Sobre)vivimos otra edición del Festival Estéreo Picnic 2024 que, en términos generales, suplió y sobrepasó las expectativas del cambio del venue y de un cartel que parecía anacrónico.Las mudanzas traen consigo una lista de pendientes que se van ajustando con el tiempo, adecuarse a un lugar nunca es fácil. Sin embargo, como un mueble viejo que se rehusa a botar, el acoso nos persigue sin importar a qué casa nos pasemos. Y, peor aún, nos persigue el arquetipo de la “victima perfecta” a donde sea que vayamos.Cada año se habla de paridad de género en el cartel, se incorporan organizaciones (como la Secretaría de la Mujer o la Línea Púrpura trabajando de la mano con Échele Cabeza) y se repite el estribillo de que el espacio en el que estamos es seguro para nosotras. Pero la realidad es diferente.Si bien hay rutas de acción que antes no estaban claras antes, la ejecución sigue siendo insuficiente. El tercer día del Festival Estéreo Picnic 2024 un grupo de mujeres que estaba disfrutando del concierto de Feid fueron acosadas por un hombre que consumió sustancias de forma irresponsable.Vamos por partes para entender lo problemático de lo sucedido, además de lo obvio.Aunque la entrada de sustancias psicoactivas esté, en teoría, prohibida en este tipo de festivales, el consumo es un hecho y por eso están organizaciones como Échele Cabeza que buscar proteger al consumidor y cuidar de él.¿Quién cuida de nosotras?Si les parece que jodemos con el enfoque de género no es de gratis. Los espacios sin este son peligrosos para nosotras e incluso los que están intentando tenerlo, en el proceso de prueba y error, resultan violentos.La gestión de riesgos y los protocolos de cuidado de los consumidores siempre van a estar cojos si quienes consumimos, las instituciones y los organizadores no entienden que las mujeres somos agredidas por ser mujeres y es un hecho que debe ser considerado y priorizado en la creación de protocolos y/o rutas de acción.El caso de las mujeres que fueron acosadas por un hombre intoxicado nos plantea más preguntas que respuestas. ¿Cómo garantizar un espacio de consumo responsable que al mismo tiempo sea seguro para nosotras? ¿Qué rutas de acción existen para este tipo de situaciones y cómo se ejecutan? ¿Por qué esperan empatía de nuestra parte cuando nadie la tiene con nosotras?En el comunicado publicado en Twitter, y ahora eliminado por partes, desde la cuenta de Échele Cabeza, precisan sobre lo ocurrido y hacen un llamado a la empatía con el hombre que consumió de más, se desnudó, persiguió mujeres y las orinó.Claro, que dentro de los acuerdos sociales tácitos que como consumidores de sustancias tenemos, está (o debería) la empatía con el malviajado o con el que se le fue la mano. Pero la balanza de la empatía no se puede poner en la misma escala de valores que la del acoso.Pasamos a diario suficientes situaciones para saber, incluso corporalmente, cuando estamos en peligro. Para nosotras no es un caso aislado, es nuestro día a día.En el FEP fue un hombre que consumió de más, en la calle es un desconocido y en las fiestas puede ser un amigo.En un mundo ideal podríamos repartir empatía para los dos lados, pero vivimos en una sociedad twittera que al mismo tiempo que exige pruebas, también juzga a las mujeres por grabar a un hombre “en estado de inconsciencia”.Y volvamos a esto por un momento. Los hombres nos acosan en cualquier estado de consciencia y nosotras nos tenemos que defender en todos, porque nadie nos garantiza espacios totalmente seguros.Para las mujeres acosadas las rutas de acción tomadas por el equipo de logística del festival fueron insuficientes, para la logística y para Échele Cabeza fueron las necesarias para cuidar, principalmente, de la persona que estaba intoxicada.La decisión de la organización de eliminar algunos de los tweets que hacían parte del comunicado, dan cuenta de que es una conversación que en muchas ocasiones termina siendo unidireccional. La discusión no puede excluir las experiencias de las mujeres que han sido violentadas y no pueden existir rutas de acción claras sin entender lo que estas situaciones significan para nosotras, como consumidoras y como asistentes a eventos de música.Si bien este caso en particular agitó conversaciones necesarias sobre el consumo responsable de sustancias también puso sobre la mesa que aunque la logística del festival parece estar tomando una forma ya clara, no va a estar completa hasta que no se plantee desde un enfoque por y para las mujeres.El consumo de sustancias psicoactivas y la logística del festivalPor Daniela TrujilloDurante la presentación de FEID, en el escenario Jhonny Walker, un hombre completamente desnudo, quien se encontraba en un estado muy alterado debido al consumo, se estimuló frente a varias de nosotras y luego, posterior a ello, procedió a orinarnos. Otras mujeres que se encontraban ahí, en otras ubicaciones, denunciaron a través de X e Instagram que este hombre las persiguió o las golpeó. La logística tardó en reaccionar, junto con la policía, quienes no tenían claros a los pasos a seguir. Su respuesta tras lo que nos había sucedido fue que “no podían hacer nada porque estaba drogado” y se quedaron un buen rato detrás del sujeto mientras él se movía libremente por el lugar. Después de que sus compañeros pidieran que no lo sacaran del parque, pues él no sabía lo que estaba haciendo.Es necesario decir que no fue el único caso, pues tras haber realizado la denuncia pública, más mujeres se quejaron de que en otros lugares del parque, otros hombres alcoholizados, también habían ejercido acoso hacia ellas.Si bien a la mañana siguiente el equipo de festival se comunicó conmigo y también lo hizo la Secretaría de la Mujer, junto a la Línea púrpura, quienes me dijeron que el hombre, de nacionalidad francesa, fue trasladado al espacio de Échale Cabeza para ser sedado y sacado en ambulancia.Considero necesario que esta experiencia sea un llamado no solo a la rápida acción, pues gran parte de lo sucedido pudo haber sido evitado, teniendo en cuenta que este sujeto estuvo corriendo a través del escenario durante al menos diez minutos antes de que llegara el 911, sino también al consumo responsable.Gran parte de los comentarios que recibí decían que este evento poco o nada tenía que ver con una sesgo de género, puesto que solo era una persona en un estado vulnerable y aunque esto último es cierto y concuerdo con que necesitaba ayuda urgente, las personas afectadas fueron directamente mujeres. Queda entonces el sinsabor de que el estado de desinhibición de muchos es una justificación para ejercer acciones violentas contra otros y que esto, a los ojos de algunas personas, sigue siendo normal.Sí, la logística debe tener una mejor capacitación, eso es un hecho, pero que este proceso de formación respecto a cómo debemos vivir los festivales también sea para los asistentes.