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Experimenten el 'Tiempo Calavera' de Pablo Trujillo

El quinto álbum del artista colombiano fue completamente producido durante la cuarentena.

'Tiempo Calavera', Pablo Trujillo
Foto por Angélica Ávila

No hay duda de que la cuarentena fue, para muchos artistas, la oportunidad para detenerse un momento y dedicarse, con todos los sentidos, a producir nueva música.

Ese fue el caso de Pablo Trujillo, músico y productor colombiano que en el segundo semestre de 2020 publicó Tiempo Calavera, su quinto álbum de estudio y en el que cuenta con la participación de Julián Mayorga, Mau Gatiyo y Armenia.

Tiempo Calavera fue el resultado de un tiempo de introspección para el artista en el que pulió algunas canciones que tenía compuestas desde años pasados, además de crear nueva música. Trujillo cuenta que, además de trabajar en las canciones, la cuarentena también le dio tiempo para volver “a dibujar en Paint como lo hacía cuando era un niño, y esos dibujos se convirtieron en el arte de las portadas de este disco.”.

Además de ser su proyecto para durante el encierro, Tiempo Calavera es un álbum en el que Trujillo consolida su propuesta sonora, un pop electrónico alternativo, música para cantar y escuchar parchado con los amigos.

Pueden escuchar Tiempo Calavera en todas las plataformas digitales. A continuación, Pablo Trujillo habló de este, su quinto álbum, diseccionándolo canción por canción.

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Track by track

Corte superior

Abre el disco con un claro aire de new wave. Tiene varias influencias: un poco de Charly García y algo de Depeche Mode. Es una canción parada en contra de las instituciones militares. También habla en contra de los dogmas en general, como el de la academia escolar. Se expresa en términos de un niño que no quiere ir al colegio y hace un llamado de atención al estilo de la salsa de Agúzate de Richie Ray y Bobby Cruz. Es una canción que me encanta y que está construida desde el sintetizador. Tiene un riff que remite a mi canción Jaguar del disco Para parpadear de 2014. Es como si ese jaguar se electrizara un poco.

Un día, Sofía (feat. Mau Gatiyo)

Es una canción de un minuto y medio en la que se repite la frase “Un día, Sofía. Un día, yo te tendré”. Es la historia de varias chicas que me gustaban en su momento, todas casualmente llamadas Sofía, pero que nunca se interesaron en mí. Tiene un tono y un ritmo que me recuerdan mucho a Café Tacvba y a esa onda mexicana con sonidos de sintetizador muy presentes. Para ésta invité a Mau Gatiyo, cuya voz me recuerda a la voz de Rubén Albarrán de Café Tacvba. Quedó como una canción muy nuevo indie mexicano. Es una resaca amorosa de un minuto y medio. Es la única canción del disco en la que uso la guitarra de nylon. En el resto del álbum todo es mucho más electrónico.

Imagínate

Es la más bailable del disco y de toda mi carrera a la fecha. Deliberadamente eufórica y con un beat muy contundente. La letra no presenta una imagen concreta ni habla de cosas muy claras, pero sí describe esa sensación, experimentada por todos en cuarentena, del encierro en la ciudad y de querer salir. Tiene una letra un poco delirante. Dice, en un momento, “guantanamera” solo porque rima con “ya no hay manera”. El sonido es un poco Beck para mí. La mezcla y el sonido final tienen como referencia el tema Colors de Beck.

Solo tú (feat. Julián Mayorga)

Solo tú es una de las primeras canciones que hice en esta nueva etapa electro pop, en la que dejé a un lado la guitarra y empecé a componer en el teclado. Toda la letra habla de una ruptura amorosa muy fuerte que, en realidad, no me pasó a mí. Me la inventé y la confeccioné en palabras, intentando crear una atmósfera muy dramática con la que mucha gente seguramente se va a identificar. Es un ejercicio un poco cínico, pero creo que también de eso se tratan el arte y la música.

Para esta canción me pareció perfecta la voz de Julián Mayorga, que es un gran artista de Ibagué con muchos discos encima y varios proyectos. Hace parte de todo el combo de Andrés Gualdrón, de Mauricio Gatiyo y los Meridian Brothers. Es de esa ola de músicos tremendos. Con Julián Mayorga viví en Buenos Aires, fuimos roomates en una casa de cinco personas. Allí nos hicimos amigos, convivimos e hicimos música. Los años pasaron y cada quien hizo su camino. Él actualmente vive en Madrid y fue cuestión de un par de mensajes para lograr la colaboración. Fue una cosa que salió muy rápidamente y quedó increíble. La voz de Julián realmente le aporta a esta canción una textura fantasmal muy bella.

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Tiempo calavera

Le da título al disco, es una de las que más tardé en terminar porque es una idea que tengo en maqueta desde hace tres o cuatro años. Como Corte superior, habla en contra de la represión a la que hemos sido sometidos desde hace mucho tiempo en Colombia. Invita a la gente a no dejarse desanimar y entender que las manifestaciones de protesta, y las manifestaciones como expresiones en general, requieren incomodar, requieren que el receptor se incomode para que las note, para que las tenga en cuenta y les haga caso. O por los menos para que las vea. También habla del tiempo, claro. Reflexiona sobre del valor que le damos a nuestro tiempo de trabajo, a nuestro tiempo de vida.

Verde oliva (hey nene)

Es una canción de amor que compuse para mi novia, Angélica, con quien he sentido un amor que no había sentido nunca. Es una canción en la que me expreso de una forma desconocida para mí. Sobre todo, describe un amor en paz, sin tanto conflicto, sin ambigüedades. Un amor tranquilo, pero con entrega total. Es una de las pocas canciones del disco en la que la guitarra está muy presente.

Premio

Es una canción juguetona y funky en la que la guitarra está muy al frente. Hay un sampleo del juego Zelda: Ocarina of Time de Nintendo 64. Al principio de la canción hay un espadazo de Link y lo introduje porque la canción habla los ‘premios’ o regalos que nos damos a nosotros mismos como por haber logrado algo en nuestras vidas. Puede tratarse de haber alcanzado un gran logro o sencillamente haber cumplido una jornada laboral exitosa. Por otro lado, la letra también critica los premios de las artes como los Grammy o los Oscar, porque son un invento y una especie de lujo creado para la auto-indulgencia de una serie de industrias que todos los años se galardonan a sí mismas. A eso se refiere la letra cuando dice que “todo premio implica lujo y cero resplandor”. De todas formas, este tema es un recordatorio para dejarse disfrutar y para entregarse a la celebración de una meta cumplida. Es un premio que uno se da de vez en cuando a sí mismo, como un videojuego o una sustancia psicoactiva.

Dime tu nombre

Es la canción más épica del disco. Es una canción con un desarrollo muy progresivo: va creciendo. Con cada nueva frase surge una nueva línea armónica o melódica, nuevos instrumentos o nuevas voces. La canción habla de una ruptura amorosa, pero más que una ruptura es sobre una relación que evidentemente ya no funciona más, cantada a su vez con sarcasmo, con ironía, y usando palabras que para mí fue arriesgado usar porque no es el lenguaje que suelo utilizar. Es una canción muy poderosa, muy emocionante y contundente. Es corta, no llega a los tres minutos, y quizás es la única canción del disco que remite a las influencias argentinas que tengo desde mis inicios en la música. Hace un guiño a ese sonido.

Una en un millón (feat. Armenia)

Es otra de las primeras canciones que hice que terminaron siendo parte de este disco. La he tocado mucho en vivo con la banda, por lo que quizás algunas personas ya la conocerán. La toqué en Estéreo Picnic, por ejemplo. Es una canción que ha tenido el desarrollo del tema en vivo y eso sirvió para perfeccionarla. Creo que es una de las canciones más fuertes del disco y por eso es el focus track. Para darle aún más brillo, quise invitar a Juan Antonio Toro, cantante de Armenia, que supo imprimirle una textura muy diferente a mi voz, que es más aireada y suave, contrastando con su voz que es mucho más de pecho, mucho más grave y más heroica, si se quiere. Dio un aire de heroísmo a la canción muy emocionante.

Ilusionista

Esta canción cierra el disco y para mí es muy The Beatles. También tiene una atmósfera muy pop al estilo Miranda!, con ese sonido de chicle rosado que, de repente, estalla en la parte B en una suerte de electrónica industrial, muy estallada y distorsionada. Es como si Trent Reznor de Nine Inch Nails se comiera una bolsa de caramelos de fresa intensa. Luego de eso viene una nueva sección en la canción que modula en medio de sonidos acuosos. Es una canción muy viajera que deliberadamente tiene que ver con la fiesta y con las drogas sintéticas. Tiene un poco esa temática y es sobre el furor de la fiesta electrónica. Cierra el disco con toda la pirotecnia guardada para el final, en una cúspide de capas y capas sonoras superpuestas. Es como el cierre de la fiesta con fuegos artificiales, que es un poco también de lo que habla la letra a través de la figura del ilusionista, que soy yo y que lo es todo artista. Y no un artista grandilocuente como un faro a seguir ni un profesor, sino un artista entendido como un ilusionista entre el montón, haciendo lo que puede para iluminar el mundo con su propia pirotecnia, que son sus canciones.

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