Del vocoder al autotune: ¿Cómo las voces artificiales cambiaron la música?

Las representaciones de voces "futuristas" con estilos robóticos son, curiosamente, cosa del pasado. Muchos de estos sonidos se remontan a inicios del siglo XX, con los primeros prototipos del instrumento conocido como vocoder. Pero hoy las voces artificiales están incrustadas en el pop, incluso, sin que lo notemos en la mayoría de veces.

Mucho antes de que se popularizaran las Inteligencias artificiales o los deepfakes, la tecnología se instaló para manipular las voces que consumimos en la música.

¿Cómo las voces artificiales moldearon la música pop de hoy?

En la década de los 20 el ingeniero H. Dudley desarrolló, en los Laboratorios AT&T Bell, el vocoder (Voice Operation Demonstrator). Era un sintetizador vocal electrónico, operado manualmente, que podía realizar cantos y enviar mensajes de voz. El dispositivo fue presentado oficialmente en 1939, pero en la música fue popular hasta los 80.

El vocoder, de manera general, funciona mediante un modelo de filtro de fuente para el habla, que incluye un codificador de los formantes de la voz.

Es, en suma, un efecto altera la voz y produce una sonoridad vocal sintetizada y mezclada con señal original, lo cual en la imaginación popular es identificado con robots como c3PO en Star Wars.

Años después de su creación, en la cultura popular su uso se extendió por muchos estilos musicales y trucos para el cine y la televisión.

En La Naranja Mecánica, por ejemplo, el vocoder interpreta la Novena De Beethoven; en La Guerra de las Galaxias oscurece la voz de Darth Vader y en Around The Worldde Daft Punk (1997) hace que la gente baile la canción completa.

D. Tompkins (2011), en su interesante libro How to Wreck a Nice Beach, se pregunta: “si una sección de cuerdas puede ser reemplazada por el sintetizador, ¿por qué no la voz?”.

Desde la década del setenta el vocoder resintetizó no solo la voz humana, sino que creó una alternativa de expresividad en la música popular.

Muchas músicas encontraron en este instrumento un elemento fascinante de exploración, pero, principalmente, fueron dos los nombres que se apropiaron del vocoder como instrumento y lo hicieron popular. La pionera de la música electrónica con vocoder, Suzanne Ciani, y la legendaria agrupación Zapp.

Estos dos nombres, sin duda, trazaron el uso del vocoder como un instrumento,usado explícitamente para intervenir la voz. Pero de ese instrumento se derivó otro mucho más sutil y controversial.

La historia del Autotune

En muchos aspectos la tecnología es discutida en la música, pero con el Auto-Tune hay un debate continuo. Este instrumento, o efecto auxiliar derivado del vocoder que se conecta a cualquier software de edición de audio, hace una magia musical: afinar y estilizar la voz.

El Auto-Tune, patentado por Andy Hildebrand (1996), es, por definición, un codificador o afinador de voz.

La polémica de su uso inició con la producción realizada por Mark Taylor y Cher en 1998 para la canción Believe. Incluirlo de manera sutil ha sido descrito como una especie de milagro, que marcó una etapa crucial a inicio del siglo XXI en el pop.

El equipo mantuvo en secreto por algún tiempo la forma cómo hicieron el efecto en la voz de Cher. Pero Hildebrand ya había vendido varios ejemplares de su primer modelo en estudios de Los Ángeles.

Fue cuestión de tiempo para que la industria musical supiera cómo los tonos de la voz de Cher se escalaban instantáneamente de manera no natural.

Este episodio en la música actual es mítico. Hasta Kanye West agradeció en varias ocasiones a Cher, por iniciar el camino del uso del Auto-Tune como una especie de sofisticación de la música contemporánea.

¿Por qué critican al autotune?

La cuestión discutida sobre el Auto-Tune es quizá moral, debido a que se piensa que afinar la voz de manera automatizada requiere menos esfuerzo. O quizá filosófica, pues se cree que, en términos musicales, es poco ético no trabajar suficientemente para alcanzar la afinación occidental estándar.

Para efectos de la industria musical actual el Auto-tune es ideal, debido a la alta exigencia que requiere la música pop en materia de afinaciones vocales.

Hoy el uso del Auto-Tune se emplea en actuaciones de música en vivo y artistas como Kanye West, Travis Scott, Migos, Lil Wayne o T-Pain lo incluyen en sus propuestas de modo permanente.

Sin embargo, Jay-Z en el año 2009 llegó al punto de sentenciar a muerte el Auto-Tune, en el título lapidario de su canción D.O.A.(Death Of Auto-Tune).

En algunas declaraciones ofrecidas en la HOT 97, Jay comentó que el tema no iba dedicado a ningún artista como podría pensarse. La canción incluye una especie de coro intencionalmente desafinado.

Según él, su mensaje se dirige hacia la tecnología en sí. No fue dirigido a Lil Wayne, T-Pain o Kanye West, pero pone el acento de manera crítica sobre su capacidad de rapear, y no incluir melodías en su forma de rimar.

Jay proscribió a la tecnología de corrección tonal y su uso indiscriminado en el hip hop y la consideró “cursi”.

Para Jay Z usar Auto-Tune en el rap era como meter instrumentos de juguete a las canciones. Sugirió desarrollar otras habilidades menos perezosas, pero reconoció que muchos artistas que lo usan crearon melodías fantásticas.

Sin duda, Jay Z fracasó en su predicción.

Debido a la popularidad del Auto-Tune en estilos como el rock indie o el rap, se pensó que su aplicación se limitaba a los estudios de grabación. Pero hoy, su uso en vivo es cada vez más frecuente, aunque existe el riesgo de no contar con este recurso en el momento del show. Le ocurrió, por ejemplo, a Travis Scott en los primeros 40 minutos de un set en Miami.

T-Pain, visionario del autotune

En 2021 fue lanzada la serie documental This Is Pop con un capítulo dedicado al Auto-Tune.

En él, T-Pain cuenta todas las luchas que tuvo que afrontar por el uso de la corrección tonal, la depresión y los ataques violentos que provocó –en parte–, el tema de Jay-Z. Él usa este elemento desde el 2003.

El vocoder ha sido responsable de innumerables éxitos radiales y estilos. Las voces suenan como sintetizadores y viceversa. Además, produce texturas armonizadas, en consonancia con el trabajo que hace el Auto-Tune en la voz humana.

Su gran potencial fue incluido en instrumentos como el popular sintetizador Modular Moog. Algo esencial para la elaboración de músicas como el funk, el electro-pop, el house, el rock experimental, y cualquier tipo de música que emule vocalizaciones robóticas.

Algunas canciones legendarias del siglo pasado tienen como marca característica el vocoder: The Raven de The Allan Parsons Project (1975), On the Road Again de Rockets (1978), Prologue de Electric Light Orchestra (1981), P.Y.T.(Pretty Young Thing) de Michael Jackson (1982), Let's Groove de Earth, Wind & Fire (1981), O Superman de Laurie Anderson (1982), Freaks Come Out at Night de Whodini (1984), California Love de 2Pac junto a Dr. Dre y Roger Troutman (1996), Kelly Watch the Stars de Air (1997), o Intergalactic de los Beastie Boys (1998).

Artistas clásicos como Kraftwerk, Afrika Bambaataa, George Clinton y Zapp son algunos de los padres del uso del vocoder. Su legado impregnó a músicos posteriores como Daft Punk, Dr. Dre, Outkats, Snoop Dogg, Anderson .Paak o Bruno Mars en el procesamiento y manipulación de la voz.

Otros éxitos recientes incluyen el vocoder como creador de atmósferas sonoras soterradas, que aunque no tienen una presencia contundente, su sonido las ambienta de manera futurística o tenebrosa. En esta categoría también se incluyen diseños sonoros para cine y televisión.

El sonido que produce este instrumento también es usado en percusiones, sesiones de cuerdas, sintetizadores y líneas de bajo extravagantes y divertidas. Lo más interesante es que puede mantener un carácter analógico, que crea movimientos interesantes en acordes, coros o melodías, en distintos niveles y frecuencias.

El vocoder tiene cerca de 80 años pero algunos de sus derivados como lo son el Auto-Tune o su símil el Talk Box continúan y llegaron para quedarse. Su aplicación incluye hoy en día, cualquier estilo y formato musical. Hoy es difícil imaginar la música del futuro sin esta tecnología.