La Yegros mezcla la nostalgia y el baile en su nuevo disco

Su sonido es reconocido en el viejo continente y por supuesto en Argentina, su casa, la que extraña todo el tiempo, pero que la inspira a componer y hacer música cargada de historias y sonidos que tienen toda la sonoridad folclórica que ha recogido de Latinoamérica para combinarla con beats electrónicos y darle a cada tema su sello particular. Hablamos con ella vía telefónica desde París, su segundo hogar, acerca del nuevo disco y de los sonidos latinos que invaden todos los rincones de Europa.

Fotos Guilhem Canal Cortesía La Yegros

Desde el 2013 que salió su primer disco Viene de mí, cambió totalmente la historia de Mariana Yegros, conocida simplemente como La Yegros. La música llegó y se dieron cambios importantes para su carrera. “El primer disco que hicimos fue una cuestión de sacarnos las ganas de hacer un disco, en ese momento mi sueño era hacer la gira en Argentina con una propuesta de hacer música folclórica electrónica, en ese momento empezaba a surgir todo ese movimiento en Buenos Aires. Nos tomamos cuatro años en hacerlo, sin ningún apuro, no teníamos banda, no teníamos nada.

De un día para otro el disco empezó a sonar, a los dos meses salió en Europa y de ahí tuvimos que crear rápidamente una banda y salir a tocar. El segundo disco, Magnetismo, lo armamos a partir de la formación de la banda, porque ya teníamos una banda, guitarra, acordeón, percusión, y armamos ese disco, concebido para poder trasmitir lo más real posible en vivo las canciones. Para el tercer disco, decidimos llevarlo al primero, despojarnos un poco de la presión técnica de que tiene que sonar una guitara, tiene que sonar un acordeón y dejar que también aparezcan instrumentos que en el vivo no pueden ser representados”.

¿Cuáles son los sonidos que abundan en ‘Suelta’?

En este disco hay sonoridades más folclóricas que electrónicas, y creo que es porque en este momento necesito conectar por ese lado, tal vez por esta cuestión de vivir lejos de mi país, esa necesidad de conectar con mis raíces desde lo lejano y ponerlo en la música. Por ejemplo, hay una canción que solamente está hecha con cuerdas y mucha flauta. Es muy difícil representarla en vivo, pero queríamos sonoridades más andinas, nos dejamos llevar por la intuición y las ganas de hacer.

¿Cómo recolectó canciones para este álbum?

Empezamos a componer hace dos años cuando estábamos en momentos de parar en el tour. No es que componga las canciones en el medio de la gira, en un momento dejé de hacer los tour y me retiré un poco para empezar a componer las canciones, una vez que empezamos a tener canciones, me reuní con  King Coya, mi productor que vive en Buenos Aires y él empezó a darle forma y después con Daniel Martin que es el otro compositor, empezamos a sumar canciones, de ahí surgió una buena idea sumar a productores invitados que me parecía que era  una buena oportunidad, Eduardo Cabra de Calle 13 , y Jori Collignon de la banda Skip & Die, una banda africana holandesa que me gusta mucho. Ahí estaba regido por King, que era quién hacía la unificación de la estética en toda la producción e intervino en algunos temas de invitado. Así empezamos a trabajar cada uno en su país, grabando en Puerto Rico, Holanda, Portugal y nosotros en Francia y Argentina. Una vez que tuvimos todos los temas, me fui a Argentina y nos sentamos a grabar todo lo que quedaba.  La canción con Eduardo Cabra se grabó en Puerto Rico, el resto en Argentina. Cuando tuvimos todo terminado lanzamos el disco.

¿Hay una invasión latina en Europa?

Los sonidos latinos los vivimos más en Europa, por ahí en otros continentes pasan cosas diferentes. Lo que yo conozco es lo que pasa acá en los festivales o en los lugares donde vamos a tocar. Yo creo que la gente está conectando más con la música de Latinoamérica, hay una necesidad de conectar con la alegría, el liberar un poco la mente y relacionar con esto el goce, es algo que se siente mucho.

La música latinoamericana tiene eso: a través de la letra puedes trasmitir muchas cuestiones ya sea de temas sociales, dolorosos, lo que el artista necesite trasmitir. Hay detrás también una cuestión alegre que tiene el ritmo que llevan los instrumentos y que nos identifican. Yo creo que ahí hay una unión que se está dando muy poderosa.

Usted está en otro continente ¿Cómo ve el papel de la mujer en la música?

Desde mi lugar como argentina y latinoamericana, siento que se está gestando un cambio. Recuerdo cuando comencé a hacer música, éramos muy pocas y había una situación donde el lugar del músico era para el hombre no para la mujer, siempre fueron mayoría y hoy en día siento que hay un gran cambio y eso me encanta. En Argentina hay muchas cantantes y músicas. De hecho, en nuestra banda hay una mujer percusionista, se está dando espacio tanto delante de la música como detrás también, la gente que trabaja en la música, en técnica, y en muchos otros espacios.

¿Qué significa ‘Suelta’ en este momento de su vida?

He decidido llamar Suelta este disco, más allá de una necesidad personal de soltar, como siempre digo, todo lo que ya no necesitamos, lo que está mal, lo que sentimos que no suma y que a veces resta. Soy consciente de que puede ser muy difícil y es un gran trabajo, por eso lo pongo como afuera para poder normalizarlo y exteriorizarlo. Si de alguna manera puede ayudar a los otros, que también están en esa misma situación, me parece que es buenísimo.

Siento que están pasando cosas en Latinoamérica con respecto a esto de soltar, de que la mujer se libere, Me parece que es importante ponerle el énfasis, el enfoque y era una necesidad que tenía, una cosa personal que se multiplique y que podamos juntos soltarnos y ser uno mismo. Básicamente ese es el mensaje con el nombre del disco y de hecho no hay ninguna canción que se llame Suelta, pero era una necesidad mía: soltar esto que tenemos adentro y hacer música para poder entregar lo mejor. Cada canción tiene su mensaje. hay una canción que se llama Tenemos voz, que habla acerca de la mujer que hoy en día por suerte tiene su modo de salir a la calle y decir “esto no lo quiero” y eso me parece fundamental.  

Track by track de Suelta

A ver a ver: Habla un poco de una cuestión graciosa y real de mi familia. Vengo de una familia muy matriarcal, donde mi abuela era una persona muy fuerte y tenía mucho carácter, vivió muchos años y le encantaba antes de irse a dormir tomarse una copita para relajarse, y por ahí no estaba bien de salud y le gustaba su copita antes de dormir, y lo mismo mi madre, pero como es más joven nos gusta encontrarnos a tomarnos nuestra copita, charlar y reírnos. A veces hay situaciones difíciles que atraviesa la familia, pero siempre está esa cosa de relajémonos un poco, y dejar pasar un poco ese dolor.

Quise hacer una canción que cuente en chiste la verdad. Cuando uno está triste no está mal tomarse una copa y después volver a la realidad, no pensando que el alcohol te soluciona los problemas, es una cosa más de relajarte y tiene que ver con las tradiciones de la familia y con cosas que a veces quedan marcadas.

Linda la cumbia: En el transcurso de la canción hay un viaje desde la melancolía hasta conectar con la alegría. La canción habla de que uno a veces está mal, la letra dice: “a veces veo negro, otras veces va peor”. Uno a veces puede estar en el momento más oscuro de la vida, pero era bueno dejar este mensaje: que frente a esa situación, de cosas desgarradoras que uno puede vivir, hay que tomarse un minuto, poder respirar y decir “bueno me siento hoy y miro la luna, o me bailo una cumbia y mañana veo a ver qué pasa”. Necesitamos salir de ese pozo, tomar aire y tal vez al día siguiente uno puede ver con otra perspectiva la solución a los problemas o a los dolores que uno tiene en el momento. 

Sube la presión: es una canción de Daniel Martín que la hizo porque en un momento le dije que me hubiera encantado que hiciera una canción que hable de una mujer, y él escribió algo que me identificaba un poco a mí, quiso hacer una radiografía de cómo me veía. La canción comienza diciendo: “Yo soy mujer hijita de la calle”, él siempre dice que yo tengo como dos costados, una chica que se crio en un barrio y que a la vez es una chica que conoce el mundo y que viaja por todos lados. La letra dice: “yo vi la sombra, el colmillo, la sangre, yo he visto bailar a los niños del hambre, he descubierto que el arte no es solo belleza”, y eso voló mi cabeza.

Bueno tener la capacidad de ver la vida desde diferentes colores, de diferentes lugares. Nací en un barrio muy humilde donde la gente salía a trabajar a las 4 de la mañana, como mi madre que era maestra. Nos criamos en un sitio humilde donde por suerte pude salir del lugar a conocer otros lugares, otras culturas, otros idiomas, que se conectan y te inspiran para poder hacer música. Desde ese momento en que lo hice hasta ahora, en nuestros países se está viviendo una crisis muy fuerte, una sensación constante de que en cualquier momento ese caos va a generar otro caos.

Cuando: Alejandro Teherán hizo una versión de esta canción con violines y la verdad me hacía mucha ilusión trabajar con él y se dio en esta situación. Es una canción que hizo Dani muy poética, es una canción como de amor y medio trágica, muy de película. Es una canción metafórica no se puede explicar, hay que escucharla, para mí es una poesía.

Alegría: Es una canción de Dani, que va a tener videoclip pronto. Estuve grabando en Paris, es una canción muy positiva que habla sobre la alegría y la conexión que genera vivir positivamente. Es una canción que me genera cada vez que la escucho unas ganas de bailar y unas ganas de seguir viviendo. Esta canción me despierta como esa alegría.

Tenemos voz: la compuse junto con Sumati Bhardwaj, una cantante escocesa que tiene raíces de la India, una chica muy militante, escuché una vez su voz y me encantó, seguí escuchando su música y me dieron ganas de hacer algo con ella. Habla justamente de que por suerte hoy tenemos voz y que somos millones y podemos como salir a gritarlo y a reclamar por nuestros derechos, por lo que el ser humano se merece, la igualdad y el respeto. En Argentina, y en toda Latinoamérica, hay mucha violencia, mueren muchas mujeres cada día. Una vez nos encontramos con una banda de chicas que se llaman Somos guerreras, ellas nos contaban que en República Dominicana mueren 9 mujeres por día, en Argentina muere cada 30 horas una mujer por violencia, si sumamos cuantas mueren en total por día en el mundo por violencia de género es una cifra alarmante. El mundo empieza a cambiar y falta mucho por hacer, pero si cada uno aporta su grano de arena vamos a llegar a buen puerto.

Ruge: es un chamamé electrónico que me identifica mucho porque viene de mis raíces. Chamamé se escucha mucho en el litoral argentino, en Misiones, Corrientes, Entre Ríos, Santafe y otras provincias, habla un poco de la tradición de esa región, pero también de las tradiciones argentinas, de tomar mate, de la nostalgia, de dónde venimos y de volver otra vez del lugar que se ha dejado y demás. El chamamé es muy melancólico, esa es mi herencia, por un lado, se baila, pero tiene palabras desgarradoras de historias melancólicas, de la madre que se murió, la mujer que lo dejó, tiene esa cosa como del santo medio bailado.

Siempre estás: hay otra versión que la hice junto a un grupo que se llama Chinese Man de Francia, me pidieron que hiciera la canción, ellos hicieron la parte electrónica y me encantó. Me sentí muy identificada y quería que estuviera en el disco, habla de esos amores que te quedan marcados y por suerte muchas veces después de una separación uno puede seguir conectado cien por ciento con esa persona, aunque el amor se haya transformado para mejor y se haya vuelto infinito, esa unión que te va a quedar para siempre, así esté viva o muerta. Uno a veces tiene que saber decir adiós a tiempo para que después ese amor se pueda transformar en algo eterno y sublime.

Nada Parece: habla de esas situaciones cuando uno insiste demasiado en ir por un camino y el universo te está diciendo que no, te chocas con una pared y te vuelves a chocar. A veces uno necesita regular, ir para atrás y ver si cambia, o no recalcula y encuentra una nueva opción.