Del 15 al 23 de diciembre, la Cinemateca presenta los clásicos de Disney para terminar su programación del 2023 con el Ciclo Pop Disney: Aventuras de nuestra infancia. A propósito del aniversario número 100 de Disney y con la curaduría de la líder de la Cinemateca, Angélica Clavijo Ortiz, este ciclo propone un recorrido, desde la década de los 40 hasta el inicio de los 2000, con las 10 películas más características que marcaron la infancia de muchas generaciones. Todos los clásicos se van a presentar con el doblaje original a español latino. "Es la oportunidad para que nuevas generaciones conozcan estas películas y las vean en una sala de cine", afirma la Cinemateca. Acá les dejamos las películas y para que se animen a ver los clásicos de Disney en la pantalla grande. Todas las boletas tienen un precio de $6,000 COP. MULAN Fechas: Miércoles 20 de diciembre a las 4:00 pm y sábado 23 de diciembre a las 7:30 pm. PETER PANFechas: Miércoles 20 de diciembre a las 6:00 pm. ALADDÍNFechas: Miércoles 20 de diciembre a las 8:00 pm. MONSTERS, INC. Fechas: Jueves 21 de diciembre a las 3:00 pm. LA ESPADA EN LA PIEDRAFechas: Jueves 21 de diciembre a las 5:00 pm. BERNARDO Y BIANCA Fechas: Jueves 21 de diciembre a las 7:00 pm. LOS ARISTOGATOS Fechas: Viernes 22 de diciembre a las 1:00 pm. TOY STORYFechas: Viernes 22 de diciembre a las 6:00 pm. FANTASÍA Fechas: Sábado 23 de diciembre a las 3:00 pm. EL LIBRO DE LA SELVA Fechas: Sábado 23 de diciembre a las 5:30 pm. **Recomendamos: Llega a Latinoamérica el 'Ciclo de cine Disney 100': los clásicos animados vuelven a los cines
En la segunda temporada de 'Loki', la serie original de Marvel Studios, la Sagrada Línea del Tiempo está fuera de control. Con cuatro episodios ya disponibles en Disney+, la segunda temporada de Loki llega con giros impredecibles en la trama.Con una línea temporal completamente ramificada, en un Multiverso peligrosamente expandido, recae en Loki (Tom Hiddleston) y el equipo de una amenazada Autoridad de Variación Temporal (AVT) la responsabilidad de mitigar los daños.¿Qué está pasando con la AVT y la Sagrada Línea del Tiempo en la segunda temporada de Loki? ¿Qué son los desfases temporales? ¿Y qué papel juega Miss Minutes en todo esto? Estas son algunas respuestas: (ALERTA SPOILER)Tras la muerte de Aquel Que Permanece (Jonathan Majors) y la resultante desestabilización de las líneas temporales que dejó la primera temporada, los episodios de la nueva temporada de Loki revelaron que la AVT se encuentra ante un escenario completamente distinto. La Sagrada Línea del Tiempo ramificada sobrecargó el Telar del Tiempo, el corazón de la AVT, en donde el tiempo crudo se refina y se convierte en una línea del tiempo física. Incapaz de entretejer tantas ramas nuevas juntas en una línea del tiempo clara, el Telar comenzó a sobrecargarse y está a punto de colapsar, terminando así con todas las ramas y las vidas. Esto lleva a Loki y al equipo de la AVT a replantearse varias ideas: en la primera temporada, B-15 y su equipo descubrieron que eran todos variantes, lo que la lleva a liderar la lucha para reformar la AVT y proteger las diversas líneas del tiempo en la segunda temporada. Así es que la AVT se transforma, de ser un lugar burocrático con normas y estructuras, y una noción de lo que está bien y lo que está mal sin gama de grises, a un lugar en donde todo es cuestionado.La línea del tiempo ramificada abre el juego a saltos temporales que transportan a los personajes de Loki entre el pasado, el presente y el futuro. La acción transcurre en el presente de la AVT, y los acontecimientos que allí suceden disparan los variados saltos temporales de los diferentes personajes. En una ramificación, la audiencia descubre a Sylvie (Sophia Di Martino) en Oklahoma durante la década de 1980, trabajando en McDonald’s. En otra oportunidad, la jueza Renslayer se traslada a Chicago en 1868.¿Y Miss Minutes?Las audiencias conocieron a Miss Minutes en la primera temporada. Este reloj alegre que mantenía a la AVT sobre rieles todo lo sabía, todo lo veía y todo lo grababa, hasta que poco a poco comenzó a entreverse que no era todo lo que parecía. En la segunda temporada, se revela un lado más oscuro del personaje.Así, en el episodio 3, Miss Minutes aparece en el año 1893 con Renslayer, trabajando en equipo para que una variante de Aquel Que Permanece, Victor Timely, las ayude en su búsqueda para corregir los errores de la AVT. Sin embargo, tiempo atrás y sin que Renslayer lo supiera, era Miss Minutes quien estaba más cerca de Aquel Que Permanece, y ella era la que movía muchos de los hilos proverbiales en la AVT. El camino que emprenderá el personaje durante el resto de la temporada está por verse, pero no hay duda de que será sorprendente y revelador.La nueva temporada de Loki ya está disponible exclusivamente en Disney+ y presenta nuevos episodios todos los jueves a las 20:00 horas.**Por si necesitan recordar les dejamos: Loki: resumen de la temporada 1 para ver antes del estreno de la 2
Por estos días en redes han sido tendencia los afiches de películas de Disney versión colombiana. Desde la estrella falsa del Junior de Barraquilla a Doña Gloria en el Metrocable, al "bachatombo", los hipopótamos de Pablo Escobar hasta los niños indígenas rescatados en la selva hace unos meses todos han cobrado vida como posters de películas animadas falsas al estilo Disney-Pixar. La tendencia ha sido un éxito y estos afiches están en todas las redes sociales y evocan grandes momentos de la cultura pop colombana, pues representan un contraste divertido con el estilo Disney-Pixar. ¿Pero cómo se hacen? No es difícil y aquí les contamos paso a paso que deben tener en cuenta ¿Cómo se crean los afiches de películas de Dinsey colombianas?Crear un afiche que ilustre situaciones colombianas es posible por medio de la inteligencia artificial y una herramienta generadora de imágenes. Los usuarios crean este tipo de obras al ingresar a la herramienta Bing Image Creator, el buscador de Microsoft, en la que deben registrarse un correo electrónico.Luego de esto, el usuario tendrá que anexar en el cuadro de texto la descripción del póster o imagen que desea crear, con una petición específica, recordando que no puede utilizar groserías o mensajes ofensivos. Por ejemplo: “Película con póster al estilo de Disney con el título…”En estas herramientas es clave indicar exactamente lo que se quiere: formular una pregunta clara y específica. Declarar con claridad qué tipo de respuesta se está buscando. Proporcionar texto suficiente y coherente para que la herramienta logre entender la solicitud y ofrecer un buen resultado.Es posible también hacerlo desde el celular con la aplicación de Bing. Allí se busca la opción "crear imágenes con inteligencia artificial a través de palabras, y listo. Aquí también es clave que mencionar que sea "al estilo de Disney y Pixar, para obtener el resultado que hemos visto en redes. Sobre BingA marzo de 2023, Bing es el segundo motor de búsqueda más grande a nivel mundial, con un volumen de consultas del 12%, detrás del 79% de Google.Bing fue presentado como el reemplazo de Microsoft para Live Search por el director ejecutivo de Microsoft, Steve Ballmer, el 28 de mayo de 2009, en la conferencia All Things Digital en San Diego, California. Las características destacadas en el momento del lanzamiento incluían la provisión de sugerencias de búsqueda a medida que se ingresaban consultas y una lista de búsquedas relacionadas, conocida como "panel de exploración".
Películas animadas de Disney como 'Coco', 'Moana', 'Frozen', 'Los increíbles' y clásicos como 'La Cenicienta' o 'Dumbo' vuelven al cine en el 'Ciclo de cine Disney 100'. Por motivo del aniversario 100° de la la compañía Walt Disney, 8 de sus películas más emblemáticas serán proyectadas de nuevo en Latinoamérica del 5 de octubre al 2 de noviembre en cines selectos y por tiempo limitado. El ciclo empezará en Colombia en cines Cinemark y todas las películas serán se mostrarán dobladas al español. La programación varía por país y salas de cine, así que los asistentes deberán consultar las carteleras de cada cine y asegurarse que estén disponibles. La agenda del ciclo en los cines colombianos ya se anunció y quedó así: Jueves 5 de octubreEl 'Ciclo de cine Disney 100' lo inauguran las películas 'Blanca nieves y los siete enanitos' y 'Los Increíbles'. 'Blanca nieves y los siete enanitos' es la primera película de animación de largometraje de la historia, estrenada en 1937. Está basada en el cuento de los hermanos Grimm y narra la historia de una princesa que huye de su malvada madrastra y se refugia en la casa de siete enanitos. Mientras que 'Los Increíbles' (2004) con un estilo visual inspirado en los cómics y las películas de espías, cuenta la historia de una familia de superhéroes que vuelve a la acción en un mundo donde los poderes ya habían sido prohibidos.Jueves 12 de octubreLas siguientes en el ciclo son 'Toy Story' y 'La cenicienta'. Ambas películas comparten algunos elementos comunes, como el uso del humor, la música, el color y la emoción. 'Toy Story' es más dinámica, moderna y realista, mientras que 'La cenicienta' es más clásica, romántica y musical. Jueves 19 de octubre'Dumbo' y 'Frozen' también hacen parte del ciclo de reestrenos. 'Dumbo' es una película de animación de 1941 que narra la historia de un elefante bebé que nace con unas orejas enormes que le permiten volar. Mientras que 'Frozen', es uno de los éxitos más recientes de Disney. 'Frozen' es una película de 2013 que cuenta la historia de Elsa y su hermana Anna. La película rompe con los clichés de las princesas, mostrando a dos protagonistas femeninas fuertes, independientes y valientes. Además, cuenta con una banda sonora con canciones como Let it go, que se convirtieron en hits. Jueves 26 de octubrePor último, 'Coco', la película inspirada en la tradición mexicana del mundo de los muertos y 'Moana', que cuenta la historia de una niña en Polinesia y su relación con el océano, son las animaciones que cierran el ciclo de clásicos de vuelta al cine. Ahora que ya conocen las fechas de proyección de las películas ¿Cuál irían a ver primero?
¿Lloraron viendo UP? Si son fans de la película de Pixar preparen los pañuelos porque el cortometraje 'Dug Days: Carl’s Date' que cuenta la historia de la primera cita de Carl luego del fallecimiento de su esposa ya está disponible en Disney+ Latinoamérica.En el corto que sigue el hilo de la serie Dug Days estrenada en 2021, vemos a Carl aceptando a regañadientes tener una cita con una amiga, y preocupado por no tener ni idea de cómo funcionan las citas hoy en día. Dug, su mascota y amigo, le ayuda a calmar los nervios antes de la cita e incluso, le ofrece consejos.El cortometraje está escrito y dirigida por Bob Peterson, nominado a un Oscar y ganador de un Emmy, quien además pone voz del protagonista Dug. Peterson ya es un nombre conocido en los estudios de Pixar. Ha trabajado como actor de doblaje y guionista para Pixar durante muchos años. Es la voz a Geri en el corto animado de ajedrez Geri's Game (1997), a Roz en Monsters Inc (2003) y Monsters University (2013), al Sr. Ray en 'Buscando a Nemo' (2003) y 'Buscando a Dory' (2016) y, por supuesto, a Dug en Up (2009), que también coescribió.Dug Days es una serie de cortos que sigue las desventuras de Dug, el perro de Up. Cada corto muestra sucesos cotidianos que ocurren en el patio trasero de Dug, todo a través de sus ojos. En total son cinco capítulos y todos también están disponibles en Disney+. Carl's Date es la producción más reciente del universo Dug Days ,y se centra en el personaje de Carl. El corto promete ser uno de los capítulos más emotivos, pues es su primera cita desde la muerte de su esposa, Ellie, con la que estuvo casado la mayor parte de su vida. ¿Será Carl capaz de encontrar un nuevo amor? Veámoslo para descubrirlo.
Para conmemorar el centenario de la proclamación de la República Turca, Disney + tenía planeado el lanzamiento de la serie Ataturk, que inicialmente anunció a Emma Watson dentro de su elenco. La serie “cuenta la historia de la vida del Gran Líder Mustafa Kemal Atatürk”, según la reseña de IMDB. Sin embargo, recientemente se conoció que la producción de seis capítulos que sería lanzada el 29 de octubre de 2023 se convertirá en una película que se estrenará el 3 de noviembre solamente en Turquía.El cambio se debió a una campaña del Consejo Nacional Armenio de Estados Unidos (ANCA) contra la producción que, según ellos, "glorifica a Mustafá Kemal, un dictador y asesino genocida turco". "Pedimos a Disney Plus que cancele su serie que glorifica a Mustafá Kemal Atatirk, un dictador y asesino genocida turco con la sangre de millones de griegos, armenios, asirios, caldeos, sirios, arameos, maronitas y otros mártires cristianos en sus manos", fue el mensaje del ANCA. "Es una pena que una plataforma de cine y televisión con sede en Estados Unidos sucumbiera a la presión del lobby armenio y cancelara la serie Ataturk sin emitirla. Esta actitud de la plataforma en cuestión es una falta de respeto a los valores de la República de Turquía y nuestra nación", tuiteó Omer Celik, vicepresidente del gobernante Partido Justicia y Desarrollo del presidente Recep Tayyip Erdogan.¿Quién fue Mustafá Kemal 'Atatürk'?Durante la Primera Guerra Mundial, Ataturk se desempeñó como comandante en el ejército otomano y trabajó en estrecha colaboración con Talaat y Enver Pasha, los principales orquestadores del Genocidio Armenio. Se calcula que entre un millón y medio y dos millones de civiles armenios fueron perseguidos y asesinados por el gobierno de los Jóvenes Turcos en el Imperio otomano, entre 1915 y 1923. El gobierno Turco aún no admite que se haya tratado de un genocidio, por lo que la relación entre ambos países se mantiene tensa. Atatürk promovió sus políticas anti-armenias al publicar un libro en 1927 titulado Nutuk ("el discurso") que él mismo admitió haber publicado con el propósito de escribir (o reescribir) la historia moderna oficial de Turquía. En él, escribió que los británicos imaginaron la idea del Genocidio Armenio para proporcionar una excusa para su invasión de Estambul en 1920. Además, agregó que los armenios estaban llevando a cabo una política de “exterminio” contra los musulmanes de la República Turca. Disney Plus se lanzó en Turquía en junio de 2022 como parte de un plan de expansión que incluyó nuevos mercados en Europa, Medio Oriente y África.
¿Recuerdan el programa de televisión Art Attack? Si son de los que crecieron en los años 90 y 2000, seguro que sí. La nostalgia millennial que vemos en películas como Barbie, también se traslada al streaming. A Disney+ llega Art Attack: Modo desafío, una nueva serie de 12 capítulos de retos artísticos, esta vez, en formato reality y presentado por influencers. El programa original que marcó a toda una generación estuvo por dieciocho años al aire. En total, fueron doscientos noventa y un episodios, diecinueve temporadas, tres premios Bafta y muchas versiones alrededor del mundo, desde Vietnam, pasando por Canadá, Brasil, Eslovenia hasta Australia.Ahora, esta nueva versión del programa transcurre en un taller creado especialmente para la serie, donde un personaje llamado “Qbeta” entrega al equipo una caja misteriosa con el desafío artístico de cada capítulo. Los miembros de este equipo y a la vez, presentadores de la serie, son el gamer mexicano Antrax, la artista mexicana especializada en manualidades Dani Hoyos, el tiktoker argentino Franco Ceres, el maquillista mexicano especializado en efectos especiales Joo Skellington y la artista mexicana Liz Rangel (Craftingeek). Además del nuevo programa, también se estrenó Art Attack: Snacks, una serie de 12 cortos donde enseñan a crear piezas artísticas en casa aplicando las técnicas presentadas a lo largo de los episodios como el dibujo tradicional, el muralismo, la gastronomía, la fotografía, la escultura y la animación.La serie tiene similitudes y diferencias con el programa original, combina distintas técnicas de arte, es educativo, entretenido, pero sobre todo, está adaptado a los nuevos formatos que exigen las audiencias más jóvenes que no esperan frente al televisor a una hora específica por su programa favorito. 'Art Attack', el programa original Art Attack se emitió el canal Disney Channel desde 1990 hasta el 2007, llegando a los hogares muchos niños y niñas en Latinoamérica. Fue creado por Neil Buchanan, presentador del programa en su versión inglesa y a quien conocimos como el personaje “El manitas”, encargado de los Art Attack en los exteriores. Neil creó el programa con una filosofía clara: huir del arte convencional y no enseñar arte a los más pequeños a través de lecciones.Cada episodio del programa duraba unos 20 minutos y presentaba varias secciones con manualidades o retos de arte y se rodaba completamente en Reino Unido. La versión original e inicial del programa - la británica- tuvo tanto éxito que se hizo una versión española, latinoamericana y siguieron muchas más. Cada una con un presentador protagonista. Entre todos los presentadores, uno de los más recordados es el mexicano Rutilio Torres Mantecón, más conocido como Rui Torres, de quien en 2008 conocimos la noticia de su muerte. Fueron muchas las versiones sobre las causas de su fallecimiento. Sin embargo, en internet circulan dos grandes versiones. La primera, suicidio. Esto debido a la muerte de su hija de dos años. Y la segunda, una adicción a los antidepresivos luego de la separación con su esposa. Aunque hayan pasado casi 15 años después de su última emisión, Art Attack es uno de los programas que marca un punto en común en cualquier conversación sobre lo que veíamos en nuestra infancia. Los remakes son apuestas de las grandes productoras ¿Será este nuevo Art Attack el mismo fenómeno en los niños y adolescentes de ahora? Todos los capítulos de Art Attack: Modo desafío ya están disponibles en Disney+.
El 16 de junio de 2023 la plataforma Disney+ lanzó un documental sobre la vida del escritor y editor de cómics Stan Lee, dirigido por David Gelb y que cuenta la trayectoria de uno de las figuras más famosas en el mundo de los superhéroes desde finales de la década de 1990.A Lee se le atribuyen la creación de muchos de los personajes que por años hemos visto en el universo de Marvel y por sus conocidos cameos, el escritor falleció en noviembre de 2018 consagrado como el autor de cómics más famoso del mundo.Al poco tiempo del estreno de Stan Lee, una leyenda centenaria Neal Kirby, hijo del también escritor y editor de Marvel Jack Kirby, publicó un comunicado en la cuenta de Twitter de su hija Jillian en el que afirma que "no es ningún gran secreto que siempre ha habido controversia sobre los papeles que se jugaron en la creación y el éxito de los personajes de Marvel. Stan Lee tuvo la afortunada circunstancia de tener acceso al megáfono corporativo y a los medios de comunicación, y los utilizó para crear su propio mito en la creación del panteón de personajes Marvel. Se convirtió a sí mismo en la voz de Marvel. Así, durante varias décadas fue el 'único' hombre en pie, y bendecido con una larga vida, también el último hombre en pie (mi padre murió en 1994)"Jack Kirby fue socio de Lee durante muchos años y co escribió junto a él la mayoría de personajes de Marvel. Neal afirma también que el convertir a Stan Lee en una personalidad mediática ocasionó que otros autores no recibieran el crédito que se merecían. “¿Debemos suponer que Lee intervino en la creación de todos los personajes de Marvel? ¿Debemos asumir que nunca fue otro cocreador el que entró en su despacho y dijo: ‘Stan, tengo una idea para un personaje’? Según Lee, siempre fue idea suya.", continúa en el comunicado.El comunicado publicado es una crítica directa al documental que, según Kirby, trata a su padre (y a otros escritores) como un elemento adicional de la historia de Lee. La disputa de Lee vs. Kirby data de años y este documental mostró, una vez más, la insatisfacción al rededor del reconocimiento en la creación del Universo Marvel.
Los fanáticos de Disney recibieron una increíble noticia: 'Viernes de Locos' tendrá una secuela tras veinte años de su estreno. La película será nuevamente protagonizada por Lindsay Lohan y, la ganadora de un Oscar, Jamie Lee Curtis en sus papeles de Anna Coleman y la Dra. Tess Coleman, respectivamente. Los productores de Disney confirmaron la producción en una conversación con The Hollywood Reporter. La comedia de 2003 en la que las actrices intercambian de cuerpos por una pelea familiar se basó en la novela de 1972 de Mary Rodgers y recaudó más de 160 millones de dólares a nivel mundial. Fue dirigida por el productor estadounidense Mark Waters y el guión fue escrito por Leslie Dixon y Heather Hach.El guión de esta nueva entrega estará a cargo de la guionista Elyse Hollander, que también ha trabajado en proyectos como 'It Was Romance' (2011) y 'An Oda to Demons' (2011).La película, que se ha convertido en un referente cultural, ha marcado también la vida de las actrices. En una entrevista con The New York Times Curtis contó que incluso en 2022, en la gira promocional de Halloween Ends, seguía recibiendo preguntas acerca de Freaky Friday. Por su parte, Lohan afirmó que que ella y Jamie habían hablado al respecto y siempre habían estado abiertas a una posible secuela.La actriz, luego de confirmarse la película, posteó en sus redes sociales un frame de la película en el que aparece con Curtis y en la descripción se lee: "reunidas y se siente tan bien". A pesar de que la adaptación de Disney de 2003 fue la más exitosa, no fue la primera. 'Viernes de Locos' ha tenido tres adaptaciones a partir de la novela homónima de Mary Rodgers, publicada en 1972. Seguramente, muchos fanáticos de la versión de hace veinte años tienen altas expectativas de esta nueva entrega.
El rostro de Raini Rodriguez es familiar para muchísimas personas. La actriz no solo se hizo popular por ser una actriz de Disney Channel, sino que también tiene un video que se popularizó en internet y que cada tanto se viraliza. La estadounidense cumplirá 30 años en julio de 2023, pero muchos no saben qué ha pasado con ella desde que dejó de hacer personajes de adolescente. Raini nació en Texas, Estados Unidos, en 1993 y su familia es de descendencia mexicana. Si bien su español es muy limitado, sus papeles en televisión y cine siempre tienen relación con sus orígenes latinoamericanos.A los 11 años fue descubierta por una agente de talentos que le sugirió a la familia Rodríguez mudarse a California para que Raini y su hermano Rico encontraran papeles en proyectos para televisión y cine. La familia aceptó, se trasladaron a la gran capital del entretenimiento y los castings empezaron a llegar. Inicialmente fue extra en producciones y poco a poco iba teniendo parlamentos cortos en películas y series. En 2007 le dio voz a un personaje en la serie animada de Disney Channel Handy Manny y luego participó en 'Zack & Cody: Gemelos en Acción' en el papel de Betsy.Raini escaló a Hollywood en 2009 cuando fue personaje principal en la comedia Paul Blart: Héroe de Centro Comercial. Allí fue la hija del protagonista y empezó a tener la atención de la industria.Dos años después fue contratada para hacer parte del elenco fijo de la serie de Disney Channel Austin & Ally. Allí fue co-estrella junto con Ross Lynch, Laura Marano y Calum Worthy. La serie tuvo cuatro temporadas y 87 episodios.FIESTA, SALSA QUINCEAÑERALa actriz fue la encargada de interpretar una canción para la película Una Chihuahua de Beverly Hills 3. El tema fue ultra popular en internet y Raini se convirtió en una especie de meme al ser una canción con palabras en español, idioma que evidentemente no domina la artista. En 2015 Raini volvió a ser parte de la continuación de Paul Blart: Héroe de Centro Comercial.Fiesta, Salsa, Quinceañera originalmente se llama Living Your Dreams. A pesar del boom digital, Raini ha sido enfática en que la popularidad de la canción le trajo problemas en su autoestima por el bullying que sufrió. Al abandonar la adolescencia Raini estuvo alejada de proyectos gigantes. En la actuación fue parte de Mutt&Stuff, The Lion Guard, Vampirina, Knight Squad o Bunk'd, pero también ha hecho proyectos como directora.Sus más recientes roles en Hollywood están relacionados con prestarle su voz a personajes animados: Jurassic World Camp Cretaceous entre 2020 y 2022 y en Rugrats de 2021 dándole la voz a Gabi.RAINI RODRIGUEZ, INFLUENCERRaini es hermana de otra estrella joven de Hollywood: Rico Rodriguez, acto de la serie de comedia Modern Family. Tanto él como Raini acumulan millones de seguidores en redes sociales y es en esas plataformas en las que monetizan contenidos. Cerca de 2,6 millones de cuentas siguen a Raini solamente en Instagram, red social en la que tiene un alto engagement. ¡El lado S del cine y la televisión!
Nuestra reina del amor, del despecho y de las canciones que algún día soñamos con dedicar, saca álbum después de siete años. Shakira, la misma que escribió Día de Enero, Antología e Inevitable, tituló ese álbum ‘Las mujeres ya no lloran’.Aquí somos creyentes de que cada una vive la tusa como quiere, pero decir que las figuras pop no influyen en cómo musicalizamos al menos los días en los que tenemos el corazón roto sería mentirnos.Shakira le escribió este álbum a Piqué y cogió la fórmula que le funcionó en el BZRP Session y la convirtió en disco. Bien, si queremos escribirle 100 canciones a nuestros ex pues lo hacemos.¿Cuál es el problema entonces?Que la tristeza y la productividad se consideren excluyentes.Yo crecí como la adolescente que fingía que nada le importaba cuando en el bus lloraba escuchando ‘Pienso en ti’ recordando al peladito o peladita que no me paraba bolas. También crecí siendo la única mujer en una familia de hombres. Toda emoción era limitada por frases como “por eso no me caen bien las niñas, lloran mucho”.Recuerdo escuchar los primeros discos de Shakira y pensar “yo nunca podría ser así de vulnerable”, alimentando la idea de que la sensibilidad, la ternura, la emoción eran sinónimos de fragilidad.Las diferentes corrientes del feminismo llevan peleando por años por esclarecer que el movimiento no busca que las mujeres seamos iguales a los hombres, que no se trata de llegar a ser como ellos porque los hombres no son una meta que añoremos alcanzar.Durante años, la sociedad se ha esforzado en fiscalizar nuestros sentires y las formas de expresarlos. El patriarcado y el capitalismo, que al final tienen como consecuencia la alienación de nuestras emociones, han reproducido la idea de que la emoción nos hace débiles.Sarah Amed, teórica feminista australiana, explica en su texto ‘La política cultural de las emociones’ (2004) que estas se utilizan por diferentes estructuras dentro de la sociedad para regular los cuerpos y las relaciones sociales. Las emociones son a menudo usadas para legitimar o deslegitimar ciertas formas de comportamiento.El punto acá es que la forma en la que expresamos nuestras emociones no sólo influye sobre los estados internos.Las figuras pop marcan el ritmo de consumo, pero también van marcando el ritmo de cómo se gestan las emociones. Estemos de acuerdo o no, así parezca una afirmación exagerada, es un hecho.Actuamos por imitación y nuestras emociones no están exentas de eso. Uno de los ejemplos más claros de eso es el hippismo de la década de los 60 y 70: figuras como Jimi Hendrix, John Lennon y Joni Mitchell personificaron el deseo del amor libre, la revolución sexual y el rechazo al materialismo que se vivió en la época.Artistas como Taylor Swift y Olivia Rodrigo priorizan la tristeza y la rabia en sus canciones. Son emociones que, además de ser completamente naturales, han sido históricamente motores de creación de obras artísticas de todo tipo.Negarnos la capacidad de sentir tristeza bajo el discurso del empoderamiento, como el de Shakira, sólo sirve para meternos, nosotras mismas, nuevamente en esa cajita en la que nos metieron los hombres cuando intentaron convencernos que la emoción y la razón son conceptos excluyentes.La filósofa mexicana Rocío Castillo explica que la razón patriarcal ha construido una dicotomía que separa la razón de las emociones, asociando la primera a lo masculino y la segunda a lo femenino. Una dicotomía que ha sido utilizada para subordinar a las mujeres y negar su capacidad intelectual.Uno de los (muchos) problemas del “empoderamiento”, además de ser una palabra maluquísima, está en que lo que se considera empoderante es imitar el modelo masculino; es decir, desprendernos de lo que se ha considerado algo exclusivamente de mujeres: la sensibilidad y la emoción, entendida como algo irracional y carente de razón.Poner en extremos opuestos monetizar la tusa y llorar es caer en el modelo masculino que niega a la emoción por “absurda” e “improductiva”. Ganar plata cuando se tiene el corazón roto no le cae mal a nadie, pero la emoción (incluída la tristeza) hace parte de la experiencia de vivir.Como una mujer que intentó por años ocultar su sensibilidad por crecer bajo el ideal masculino, extraño las letras desgarradoras de Shakira, las que me hacen sentir entusada sin estarlo.A los hombres que llegaron hasta acá: a ustedes también les han negado por mucho tiempo la capacidad de abrazar su sensibilidad. Lloren con sus amigos, canten abrazados, que en este mundo, que cada vez pierde más el sentido, la ternura es lo único que nos queda.A Shak: ojalá vuelvas a escribir canciones con el corazón, o con el bolsillo, pero mientras te permites llorar.Igual te amo.
A la mitad de la entrevista, El Kalvo detiene por un momento sus reflexiones sobre la xenofobia que persiste al interior del hip-hop colombiano y el valor de hablarle a los trabajadores para buscar alitas de pollo a domicilio. Los ensayos para su presentación en el Festival Estéreo Picnic copan su tiempo, por eso llega tarde la entrevista, anda de afán y el tiempo para almorzar se escapa. Pero si hablamos del Kalvo no solo hablamos de un man que lleva veinte años en el rap, un joven veterano que a codazos y paciencia se ha abierto un espacio como un MC único en el país; hablamos también de alguien conocido por su apetito generoso, capaz de hazañas culinarias y connoisseur de la gastronomía callejera bogotana.Así que cuando es hora de comer, todo puede esperar.Después de Algarabías (2022), El Kalvo se dedicó a encontrar territorios comunes con otros artistas. De esta búsqueda colaborativa resultaron temas como “Agencia de viajes”, con La Radio Bembé Orquesta, y la enternecedora “Lero lero”, con La Muchacha. Cuando empezó el 2023, El Kalvo entró en modo álbum y tomó esas canciones para agruparlas y darles un sentido. Así nació Los tres golpes, el disco con mayor número de colaboraciones en su carrera: Kiño, Penyair, Jam Block Jr, Turek Hem y Horus conforman la polifonía. Un secuaz de confianza como Hi-Kymon se encarga de casi toda la producción, que desde el boom bap se extiende en todas las direcciones.Al principio, El Kalvo pensaba llamar a este nuevo trabajo Kalvokalez, para marcarlo como un proyecto más personal, que reflejaba quién era. Sin embargo, Saga Uno —su aliado para crear el extravagante kit de ocio para el trabajador contemporáneo que acompaña al disco e incluye un recipiente para la comida, un cancionero al estilo de los almanaques Bristol, un rascador, un parqués y una riñonera— lo convenció de que Los tres golpes, el nombre de un tema en el que describe al detalle y con apetito jugoso qué se puede degustar en la capital en distintos momentos del día, era un título mucho mejor. Luego de debatirlo, El Kalvo le dio la razón. En todas las canciones del disco hablaba, aunque fuera por un momento, de comida: “Ordinaria elegancia” no solo define bien su encanto, sino que muestra su ojo meticuloso para describir un buen guiso que, a la vez, es una buena letra de rap.A pesar de que no le puso su nombre, El Kalvo sí vuelca en este disco las distintas inquietudes que caracterizan su rap. Ahí están su pasión por contar historias (“Jesucristo de Maracay” o “Radio Casa Grande”), su perspectiva heterodoxa del rap (“Marquillas”) y su gusto por la bareta (“Préndalo). Están las preguntas incómodas y punzantes que suele hacer, como la que le plantea a los raperos colombiano sobre el trato que le dan a los migrantes venezolanos. Y, finalmente, canciones como “Elías”, un homenaje a su abuelo que puede ser la mejor canción del disco; “He sido”, en la que traza sus memorias a través de todos los trabajos en los que se ha rebuscado el salario; o “El rapado”, como pararse frente al espejo y rapear lo que se ve, profundizan en su biografía.Sobre esto y más hablamos con El Kalvo.***¿Cómo llegó al concepto de Los tres golpes?Yo lo quería llamar Kalvokalez, así como los artistas les ponen sus nombres a sus discos más personales, los que los definen. Pero a Saga le pareció que ese título era muy suave, que Los tres golpes tenía una carga conceptual mucho mayor. Luego de reuniones y llamadas que duraban horas y horas, me convenció, porque además de lo del desayuno, almuerzo y comida, en todas las canciones hablo de comida en algún punto, más inconsciente que conscientemente, güevón. Pero al final es más amplio que eso, tiene muchas historias. Ya he hablado mucho de lo social, de lo político, ese tema me había saturado, entonces me pregunté de qué quería hablar. Los tres golpes es mi manera de definirme como MC, cuál es mi tipo de rap. Y es el comienzo de una búsqueda, de otras temáticas a las que me quise como acercar, otras maneras de decir las cosas. Pero no sé si logré definirme completamente, creo que no, todavía le falta. Menos mal no le puse Kalvokalez.Usted ha explorado llevar los álbumes más allá de las plataformas digitales y más allá del CD, ¿cómo ha sido ese aprendizaje? A mí me gusta insistir en formatos físicos porque me permite innovar, entregar la música de manera distinta. Hoy es más fácil escuchar un vinilo que un CD, güevón. Mucha gente compra un CD para tenerlo, pero no lo puede escuchar. Entonces qué lindo tener otra cosa que sí sirva pa’ algo: qué güevonada comprar algo que uno no va a usar. Tenía que ser algo útil. Ya había hecho un libro, que es útil, pero si lo leíste ya queda ahí, ya fue. Pero al final nos dimos garra con Saga, fue un proceso pesado con muchos problemas técnicos. Le dimos rienda suelta a la imaginación y nos montamos en la película de hacer algo absolutamente novedoso. Y Saga sí me dijo que él lo diseñaba, pero yo me ocupaba de hacerlo. Hágale, le dije. ¿Un cancionero? ¡Hágale! ¿Un diorama? ¡Hágale! ¿Un parqués? ¡Hágale! Fue demasiado.Ahora me decía que está un poco cansado de hablar de temáticas sociales, ¿cómo ha sido para usted existir como rapero en el gobierno de Petro?Cuando quedó Petro yo sí sentí alivio: habíamos ganado algo. Por eso me relajé y dije como bueno, ya, me voy a dedicar a hablar de otras cosas y voy a darle la oportunidad a este man para que haga lo suyo, ¿sí me entiende? La inflación va bajando, el desempleo va bajando, el dólar se mantiene bajito. Esas cosas demuestran que se está haciendo bien la vuelta, mejor de lo que estaríamos con Rodolfo Hernández o Federico Gutiérrez, presunto paramilitar. Pero los medios han vendido la idea de que el cambio no es el cambio porque las transformaciones no han sido instantáneas. Y los de siempre, con mucho cinismo, han dicho que todo sigue igual, pero ellos son los responsables de que las cosas estuvieran así. Igual hay muchas cosas que están mal. Hay mucha gente que se coló, como Agmeth Escaf, Benedetti o la vieja esa que tienen paseando por todos los cargos importantes, quién sabe qué sabe de Petro, güevón. La esposa del man tiene una actitud como toda corrupta y se ha gastado un poco de plata viajando y tiene gente ahí enchufada. Feo, feo, güevón. Son cosas que no deberían pasar.Igual ahora que acabé este proyecto sí estoy sintiendo que otra vez necesito hablar de esos temas. Hace falta análisis. No quiero decir que yo soy el único que pueda analizar la mierda, pero sí siento que como hip-hoppers tomamos la misma actitud al tiempo, como listo, ganó Petro, chao, hablemos de otra mierda, a mí no me jodan. Incluso hay unos que se desconectaron tanto que están diciendo que la mala pa’ Petro, repiten el discurso que les dan las noticias. Es el juego de manipulación. Por eso otra vez siento un impulso muy fuerte por analizar y comentar.Vamos ahora sí con los temas más serios: una encuesta rápida sobre comida colombiana. ¿Mejor frito?Yo diría que la arepaehuevo con carne mechada. Es una obra maestra de la comida sumergida en aceite.¿Postre favorito?Quizás el de tres leches o el de natas. O, no sé si es tan colombiano, pero las islas flotantes de Endulza tu Paseo, gonorrea: esa es la misión.¿Sopa favorita?El ajiaco.¿Algo que le guste que nadie espere que le guste?La comida vegana.¿Cómo surgió la idea de “Jesucristo de Maracay”? ¿Tiene que ver con plantear una postura clara frente a la migración desde la comunidad del rap?Hay mucha xenofobia en el rap. He tenido que ver a parceros raperos que hablan despectivamente de los venezolanos como ratas o chirosos. La mala pa’ las ratas, sí, que nadie robe, pero la estigmatización que vive la población migrante venezolana es muy injusta, porque los que hacen cosas malas es una fracción muy pequeña. Es más fácil ver la paja en el ojo ajeno, pero el problema no son los migrantes, sino la pobreza, la falta de oportunidades, la ignorancia, la mala educación, la corrupción que se roba la plata que debería ser para el bienestar de la gente. Por eso cuando canto “Bacatá” el mensaje es que Bogotá es para el que esté en Bogotá, esta ciudad es pa’ muchos tipos de gentes y hay espacio pa’ todo el mundo. Entonces construí esta historia para cagarme en la xenofobia, pero también en la moral católica de los que son xenófobos y aporofóbicos. ¡Mientras tanto en Palestina están bombardeando el pueblo de Cristo! La gente que está sufriendo en todos lados representa eso. Cristo era un desplazado de la violencia. Y pues es de Maracay y no de Barquisimeto porque me rimaba, y me quedaba re bien para homenajear a los raperos de allá, que son de los más ásperos del hip-hop venezolano. De hecho las historias que me inspiraron fueron las del Topo y Vampi, de Piso Ocho, que nos contaron lo duro que les tocó, pero ellos son de Puerto La Cruz, y así quedaba raro.¿Por qué le dedica este kit de ocio al trabajador contemporáneo? A veces me parece que el rap está montado en una burbuja rara, no se tiene en cuenta el diario vivir, como si todos viviéramos en un videoclip de rap, güevón, y solo hubiera ocio y placer. Quería que el álbum fuera para el descanso, está pensado para disfrutarse después de una larga jornada de trabajo. Para una persona normal la música es un escape de la realidad, una anestesia que escucha en el Transmilenio, caminando, lavando loza o haciendo ejercicio. Por eso tampoco quería hablar de temas pesados, sino más bien como toma, disfrútate esta historia de cosas asquerosas que nos inventamos con Penyair, o esta otra de Jesucristo como un migrante venezolano. Pensaba que qué chimba que el rap que yo haga sea óptimo para el que está saliendo de su camello y se quiera relajar. El disco es para dignificar el esfuerzo, como dice el intro, un tributo al esfuerzo.A propósito de “Protagonista estelar”, ¿cómo ha sido para usted rapear sobre el amor? ¿Y cómo ha cambiado con los años?No es mi temática fuerte, pero en cada trabajo discográfico trato de incluir al menos una canción que hable del tema. Siempre es difícil hacer algo tan personal, ¿no? No puedo hablar del amor como hablo de otras cosas, con esa forma arquetípica de tomar los temas, porque el amor es el amor, ¿sí me entiendes? Yo a mi novia no le puedo cantar cualquier cosa, es cuando más real tengo que ser. Me siento vulnerable. Hay gente que puede estar re parchada y escribe una canción re tusa cortavenas, y la novia está al lado, cagada de la risa. Para mí debe ser algo muy personal, y como con mi novia compartimos las artes audiovisuales, “Protagonista estelar” fue una oda a lo que hacemos juntos. Ella me ayuda a hacer los videos, yo edito cosas para ella. Disfrutamos y creamos juntos. De ahí salió lo de “Hagamos ficción y documental”, porque de verdad lo hemos hecho. Es chimba. Cuando más sincero he sido es en las canciones de amorcito.¿Cuál es su tema favorito de rap romántico?“Querer querernos” de Canserbero. La escuché antes de que saliera, porque el man la tocó una vez que vino a Bogotá como en 2011, re caleto. A toda la banda de pirobos se le salió el aire con el último ponche. Fue como mucho malparido, qué gonorrea.***Hace un tiempo invitamos al Kalvo a parodiar una elección rapeando junto a Neck Talese y El mismoperro, este fue el resultado:
Uno de los headliners del Estéreo Picnic 2024 es una de las figuras más destacadas del reggaetón mundial: Feid. Pero no es la primera vez que hay un reggaetonero en el line-up. En 2022, J Balvin fue el primer artista de este género en el festival. Aunque su presentación fue sumamente comentada (por las razones equivocadas) sin duda hizo historia al abrir espacio a un género que durante mucho tiempo fue inesperado en el Picnic. Aunque hoy sean muy normales los actos de reggaetón en Estéreo Picnic, la cosa no siempre fue así. En sus inicios, el festival tenía la fama de ser un evento solo para "hipsters" y efectivamente, estaba dirigido a un público alternativo. El festival tuvo un arranque exitoso con Matisyahuy 2 Many DJS en 2010 y con Calle 13, Bag Raiders y The Presets en 2011, en 2012, con Caifantes, MGMT y TV on the Radio los resultados no fueron los esperados. Reggaetón: el último recurso para salvar en Estéreo Picnic "El tercer Estéreo Picnic, el del 2012, en el que tocaron Caifanes y MGMT. Esa mierda fue básicamente “apague y vámonos", dijo Sergio Pabón, empresario de Páramo Presenta (en ese entonces T310), en entrevista con Vice en 2024. Pabón continúa: "de verdad no habían señales que indicaran que esto podía llegar a funcionar. Todo era paupérrimo. El apoyo del sector privado era pésimo. El de la gente, peor, no vendíamos nada de boletas. En un punto hicimos una votación y se acordó unánimemente, aunque sin mí, porque yo era el único que estaba en contra de la decisión, de nunca volver a hacer Estéreo Picnic. Ya no resistíamos más. Pero lo volvimos a hacer al año siguiente con The Killers como headliner". "Fue justo en ese momento en el que no le encontrábamos la vuelta, incluso con Balvin se habló y teníamos hasta un negocio acordado. Ahí dijimos como “Armemos una tarima con Balvin, Fonseca, Carlos Vives y toda esa gente para ver si vendemos boletas”, porque es que no podíamos desaparecer por seguir obstinados en una movida musical que no nos estaba devolviendo. Pero al final nos echamos pa’ atrás y dijimos “No, seamos fieles a lo que hemos construido”.Al final Balvin sí llegaría a presentarse en el festival, aunque en circunstancias muy diferentes. En ese momento, era difícil predecir cómo el reggaetón iba a irrumpir en la industria musical mundial, al punto de convertirse en protagonista en los festivales de Colombia y todo el mundo.
Desde el lanzamiento de su exitoso Enema of the State en 1999, supimos que a Blink-182 le gustaba escandalizar. Con el videoclip de What's My Age Again? activaron la censura en varios canales. ¿Pero sabían que una vez también estuvieron a punto de ser demandados por la Cruz Roja Estadounidense?El incidente ocurrió en 1999 cuando la banda estaba dando los toques finales a Enema of the State. La modelo de la icónica portada del álbum fue la actriz para adultos Janine Lindemulder. ¿Qué tiene que ver la Cruz Roja? La primera versión de la portada incluía dos elementos que no están presentes en la versión final que conocemos: una B mayúscula en el nombre de la banda y una pequeña cruz roja en el gorro de enfermera. Ambos están presentes en la portada de las primeras ediciones del álbum.Según la banda, sintieron que su logo y nombre se veían mejor cuando estaban escritos todo en minúsculas y lo cambiaron para la segunda edición, dejando la cruz roja. Sin embargo, poco después del lanzamiento de la segunda edición, la banda recibió una carta legal de la Cruz Roja Estadounidense que les aconsejaba cambiar la portada del álbum nuevamente para quitar la cruz roja del sombrero de Lindemulder o de lo contrario estarían violando los Convenios de Ginebra. "La Cruz Roja se puso en contacto con nosotros para decirnos que, como no somos de ninguna manera una organización médica (lo cual debatiría, una vez cambié una curita), no deberíamos tener una cruz roja en nuestra portada". Si siguiéramos usando el logo de la cruz roja, estaríamos violando la Convención de Ginebra. (verdadero), dijo Mark Hoppus, bajista y vocalista de la banda, en un foro de Reddit. ¿Qué son los Convenios de Ginebra?Los Convenios de Ginebra son los cuatro convenios internacionales que regulan el derecho internacional humanitario que buscan proteger a las víctimas de los conflictos armados."Nuestros emblemas tienen reconocimiento mundial en el derecho nacional e internacional de conformidad con los Convenios de Ginebra de 1949 y sus Protocolos adicionales. Estos son los tratados internacionales que contienen las reglas más importantes que limitan la barbarie de la guerra.Los emblemas de la Cruz Roja y de la Media Luna Roja se remontan al siglo XIX. Aunque ninguno de los emblemas tiene ninguna asociación religiosa, creamos el emblema de Cristal Rojo en 2005 para los estados que desean evitar cualquier percepción de significado religioso.El Movimiento trabaja en conjunto para proteger estos emblemas contra el uso indebido y el abuso. Es esencial que permanezcan indiscutibles como símbolos de asistencia neutral e independiente en todo momento, garantizando la protección en tiempos de conflicto y desastre", dice la página web de La Federación Internacional de Sociedades de la Cruz Roja y de la Media Luna Roja.
Jagged Edge, productora responsable de la comentada Winnie the Pooh: Blood and Honey, anunció una película que reunirá a los muchos personajes clásicos convertidos en villanos sanguinarios. Titulada Poohniverse: Monsters Assemble, la película se estrenará en 2025, luego del lanzamiento de los títulos independientes previamente anunciados Bambi: The Reckoning, Peter Pan's Neverland Nightmare y Pinocchio Unstrung. Será el Twisted Childhood Universe. A partir de Blood and Honey, estrenada en 2023, el Twisted Childhood Universe ha reunido rápidamente personajes que han caído en el dominio público y los ha transformado en asesinos violentos y sucios. Winnie the Pooh: Blood and Honey 2, su próxima película, incluirá nuevos personajes, como Pooh, Piglet, Christopher Robin, Tigger y Owl, de acuerdo con Collider. Las versiones sangrientas de Peter Pan, Tinker Bell y Bambi llegarán en en transcurso de 2024, pero Poohniverse también incluirá otros personajes futuros de Twisted Childhood como El sombrerero loco o la Bella Durmiente. Poohniverse será dirigida por el productor de Jagged Edge y director de las películas Blood and Honey, Rhys Frake-Waterfield, y seguirá a los monstruos mientras unen fuerzas para traer el caos al mundo. "Será una carnicería total", dijo Waterfield en un comunicado oficial. "Estamos fuertemente influenciados por Freddy vs. Jason y Los Vengadores. Nos encantaría ver una película de terror donde los villanos se agrupan y persiguen a sus sobrevivientes. Tenemos algunas escenas increíbles en mente y algunas secuencias que creo que realmente impactarán". "Las películas en las que estamos trabajando ahora como independientes están avanzando hacia Poohniverse: Monsters Assemble"."Al igual que Los Vengadores, seguiremos a Pooh, Tigger, Conejo, Búho, Piglet, Pinocho, La Bella Durmiente, Bambi, El Sombrerero Loco, Peter Pan y Campanilla uniendo fuerzas para causar estragos. Estamos trabajando con un presupuesto a mayor escala en esto. uno y están emocionados por lo que deparará el futuro. Cuando veas las películas independientes, verás las que insinúan el crossover. Algunos de los villanos tampoco estarán de acuerdo, lo que permitirá una matanza dentro del grupo. en alguna secuencia épica de monstruo contra monstruo".¿Qué quiere decir que una obra esté en dominio público? En Estados Unidos, luego de 95 años de publicación de una obra, esta pasa a ser de dominio público. Esto significa que el material de original se puede compartir, interpretar, reutilizar, o readaptar sin permiso ni costo alguno.