La banda estadounidense Green Day, integrada por Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool, regresa a Sudamérica este año. Se han confirmado las fechas oficiales de los conciertos que ofrecerán por la región y que contará con un invitado de lujo como acto de apertura.Contenido recomendado | La triste historia detrás de ‘Wake me up when september ends’ de Green DayLa primera fecha confirmada es el 9 de septiembre 9 de 2022 en el festival Rock In Rio con Fall Out Boy en Barra Da Tijuca, Brasil. La segunda se realizará el 11 de septiembre en el Estadio de Vélez Sarsfield con Billy Idol. Hasta el momento solo se ha hecho esos dos anuncios, se espera que a lo largo de la jornada se conozcan conciertos en Chile, Perú o Colombia. Entre el primero de junio y el 21 de octubre la banda ofrecerá conciertos alrededor del mundo en países como Alemania, Dinamarca, Noruega, Italia, Austria, Belgica, Paises Bajos, Londres, Irlanda y Estados Unidos.Father of All Motherfuckers es el más reciente álbum de Green Day publicado el 7 de febrero de 2020 y que cuenta con 10 canciones escritas por Billie Joe Armstrong. Con una duración de 26 minutos y 16 segundos, el disco publicado por el sello Reprise Records contiene garage rock revival, pop rock, power pop, rock alternativo y glam rock.¡La música nos une!
La noticia más comentada de 2022 ha sido el conflicto entre Rusia y Ucrania que tuvo sus inicios en 2014 y que se desencadenó en una invasión territorial autorizada por el presidente Vladimir Putin. Medios internacionales han calificado este episodio como uno de los mayores ataques militares que ha habido en Europa.Para leer | Zendaya estrena la canción 'I'm Tired' para cerrar un nuevo ciclo de 'Euphoria'El mundo del entretenimiento no se ha quedado callado y ha tomado postura en la conversación, al punto de cancelar eventos programados en ese país. Por ejemplo, Green Day informó en redes sociales sobre la cancelación definitiva del masivo concierto que tenía programado para mayo en el estadio Spartak de Moscú."Con pesar en el corazón, a la luz de los acontecimientos actuales, sentimos que es necesario cancelar nuestro espectáculo en Moscú. Somos conscientes de que este momento no se trata de un espectáculo de rock de estadio, es mucho más grande que eso. Pero también sabemos que el rock and roll es para siempre y estamos seguros de que habrá un momento y un lugar para que regresemos en el futuro. Reembolsos disponibles en el punto de compra", escribió Billie Joe en su instagram.De igual forma la FIFA anunció algunas medidas sobre Rusia en las competencias oficiales de fútbol: no se disputará ningún torneo internacional en Rusia, los partidos como local se jugarán en territorio neutro y sin espectadores, el equipo que represente a Rusia deberá hacerlo como "Federación Rusa de Fútbol" y no se utilizará la bandera ni el himno ruso.Agencias de noticias indican que la FIFA está preparando el anuncio de que Rusia no participará en el próximo mundial de fútbol en Catar.Eurovision, el concurso musical más importante de ese continente, también informó a su audiencia que este año no permitirá la participación de Rusia en el festival.¡El lado S de la cultura popular!
Es bastante gratificante ver que Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool lleven juntos casi 35 años y que Green Day se mantenga como una de las bandas más activas del rock norteamericano. A lo largo de este tiempo la agrupación ha logrado vender más de 100 millones de discos alrededor del mundo, han lanzado 13 álbumes de estudio y gracias a su música han sido galardonados con premios como los American Music Awards, VMAs de MTV, Grammy, Billboards, entre otros. Son varios los hits que ha tenido Green Day, pero todos coinciden en que hay una canción que los convirtió en un acto global que los puso en el ojo de aquellos que no necesariamente son amantes del pop-punk y sus derivados. El álbum American Idiot de 2004 tiene trece poderosos tracks, pero la canción número once logra resaltar y brillar naturalmente. Wake me up when september ends es una balada nostálgica que tiene un estallido lleno de sentimiento y tristeza. Fue oficialmente el cuarto sencillo del disco y es considerado por Rolling Stone como una de las 500 mejores canciones de la historia.Wake me up when september ends fue escrita de principio a fin por Billie Joe y la música fue hecha por él y sus dos compañeros de banda. La canción fue compuesta siete años después de la muerte de su padre quien falleció por cáncer de esófago en septiembre de 1982, cuando él tenía 10 años. Para el vocalista “septiembre siempre ha sido en mes complicado para mi vida y esta canción es una especie de catarsis de lo complicado que es perder a un padre a tan corta edad”. En la letra de la canción se recuerda constantemente que hay dolores que duran para siempre y heridas que son difíciles de cerrar.El sentimiento de la canción se convirtió en un himno y símbolo de resiliencia en Estados Unidos luego de los desastres ocurridos por el huracán Katrina ocurrido en agosto de 2005. VIDEO MUSICAL La canción tiene una fuerza emotiva especial, pero el videoclip logra convertir esta pieza en algo legendario para la música anglo. El clip fue concebido por su director Samuel Bayer como un cortometraje que se alejara a lo que en ese momento eran los videos musicales, por ello le propuso a Green Day crear un guion que reflejara el dolor de la canción sin necesidad de contar la historia personal de Billie.Para leer | Billie Joe de Green Day pensó que la gente iba a odiar 'Good Riddance'El video se enfoca en una pareja de novios, interpretados por Jamie Bell y Evan Rachel Wood, que están en la etapa más romántica de su relación donde se juran amor eterno y prometen estar juntos para siempre. Sin embargo, en un punto él decide enlistarse en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos y le quiebra el corazón a su pareja que no entiende el porqué de su decisión. Él viaja a Irak y se enfrenta a una batalla en la que es emboscado por insurgentes haciendo que pierda la vida y tenga que ser repatriado a su país de origen. El final del video muestra el dolor y la angustia de perder seres queridos por la guerra.Billie Joe ha declarado en muchas entrevistas, tanto antiguas como recientes, lo complicado que es para él cantar la canción en vivo por el dolor que causa en él.Para ver | Green Day y otros 14 actos musicales que han visitado el Springfield de Los Simpson #LaMúsicaNosUne
Good Riddance (Time of Your Life) se lanzó en 1997 como parte del quinto álbum de Green Day titulado Nimrod. El sencillo fue un éxito rotundo, vendió más de 2 millones de copias, salió en series como E.R. y Seinfeld, y se convirtió en un himno para todos los proms en el mundo. Pero Billie Joe Armstrong, vocalista de Green Day, pensó que la gente iba a odiar la canción, que en realidad fue escrita 3 años antes de su lanzamiento, en 1994, cuando surgió el icónico disco Dookie. Billie no sabía cómo incorporarla en ninguno de los álbumes anteriores y aun cuando lo hizo en 1997, no estaba seguro de cómo reaccionarían los fans, según declaró en entrevista con Kerrang. “Hacer algo como Good Riddance era algo atemorizante para mí, exponerme de esa manera y ser tan vulnerable. Pensé que la gente la iba a odiar, ¿Sabes? Pero creo que la forma en que resonó me hizo decir “ahora realmente logré algo que fue un cambio. Como artista, me sentí empoderado al poder seguir haciendo lo mío sin sentir que tenía que complacer a todo el mundo”, dijo el músico. Billie agregó: “es importante nunca darle a la gente lo que quiere, sino lo que no sabe que quiere”. En la misma entrevista el músico habló sobre la dificultad de crear un equilibrio entre darle a la gente más de lo que le gusta y la posibilidad de expandirse como artista. “Está la etiqueta de estar en Green Day y la gente te asocia con lo que has hecho en el pasado. Las personas tienen una captura de sus propias vidas basada en algo que hiciste hace muchos años y parece que estuvieran incómodos con el cambio. Y a mí me incomoda el cambio también, pero es inevitable: tienes que hacerlo”, dijo el músico. Si bien Good Riddance se convirtió en un himno de graduaciones y despedidas, y nos suena muy cálida y positiva, en realidad es bastante amarga. “La canción es sobre una exnovia que viaja a Ecuador. En la canción traté de ser justo sobre su partida, aun cuando estaba enfurecido. La llamé Good Riddance solo para expresar mi rabia”, dijo Billie a Guitar World. En inglés, la expresión se usa para mostrar alivio luego de liberarnos de algo. En otras palabras, es una forma de mostrar alivio al saber que alguien ya no estará con nosotros. En febrero de 2020, Green Day lanzó su más reciente álbum, titulado Father of All Motherfuckers.
Parece que algunos han tomado este tiempo de cuarentena para trabajar y para crear. Uno de esos ejemplos es Billie Joe Armstrong, vocalista de Green Day, quien estuvo aprovechando este tiempo en casa para hacer realidad todas las ideas que tenía como “pendientes”. En primera instancia le dio vida a seis nuevas canciones que pronto entrarán al estudio con Mike Dirnt y Tré Cool, los otros integrantes de la banda. “Tenía todas estas melodías en mi cabeza, así que escribí como seis canciones desde que todo esto ha estado sucediendo”, mencionó el artista cuando le contó a sus fans, a través de un Instagram Live, todos los proyectos en los que estaba trabajando durante este tiempo. Respecto a las preguntas que le hicieron de cómo estaban sus compañeros e integrantes de la banda, el artista mencionó “no sé cuándo pueda reunirme con Mike y Tré, les dije que se cuiden y se queden en casa por ahora, espero que en el futuro podamos regresar al estudio y trabajar con Butch Walker, el productor de Father Of All”. Además de crear canciones, el vocalista de la banda de rock organizó sus propias sesiones de cuarentena No Fun Mondays y ha participado activamente en el concierto de alivio del Covid-19 transmitido por Elton John. El artista confesó que en su tiempo libre, se da maratones de la serie de televisión The Office y lleva muchos días revisando documentales de punk y rock’noll, tratando de leer un poco aquí y allá, y pasando el rato con sus perros. En cuanto ha cómo se ha sentido emocionalmente con todo lo que ha pasado por el virus, Amstrong dijo: Recordemos que Green Day lanzó en marzo del 2020 un nuevo EP sorpresa de remixes Otis Big Guitar Mix, que incluye nuevas mezclas de pistas sus álbumes Uno!, Dos! yTre! Vea también: Vea a Shakira cantando ‘When I Come Around’ de Green Day
Para el video de Meet Me On The Roof, sencillo de su más reciente disco Father of All Motherfuckers (2020), la banda invitó a Gaten Matarazzo, mejor conocido por su papel de Dustin en Stranger Things. En este videoclip, Gaten es un fan empedernido de Willie Jackson, motociclista interpretado por Billie Joe Armstrong, vocalista de la banda, y se copia de algunos de sus trucos en la moto para llamar la atención de la niña que le gusta. Father of All Motherfuckers es el decimotercer disco de la banda, que desde antes de ser lanzado llamó la atención por su duración de poco más de 26 minutos. Ya conocemos los sencillos Oh Yeah y Father of All. " Es como si Green Day hubiera imaginado cómo sería American Idiot en la era Trump y hubiera hecho lo totalmente opuesto", dice Pitchfork en su reseña del álbum. Llamó la atención que la banda no tuviera un mensaje político en este nuevo álbum. Al respecto, Armstrong declaró a NME: "Era demasiado obvio. Vivimos en momentos peligrosos ahora. Todo se siente impredecible. Estados Unidos está jodido y es difícil tomar inspiración porque me deprime". Green Day se prepara para salir en una ambiciosa gira internacional llamada Hella Mega Tour que los verá visitar ciudades en Europa, Reino Unido y Norteamérica acompañados de Weezer y Fall Out Boy.
Green Day nos presentó el primer sencillo homónimo del álbum que prometieron sacar a mediados de 2020 y que titularon como Father Of All MotherFuckers. Como abrebocas de lo que pasará, Billie Joe Armstrong (cantante principal) y toda su banda aparecieron en el show de Jimmy Kimmel Live para interpretar el título de su nuevo álbum y single principal. Es importante destacar que es la primera presentación pública que hacen luego de que anunciaron el lanzamiento de sus nuevas canciones. Aunque suenan muy bien, no es una propuesta novedosa y que no hayamos escuchado antes. Juzguen ustedes. Este nuevo proyecto será el número 13 de estudio de la banda y su regreso oficial después de no haber sacado álbumes desde Revolution Radio en 2016. Además el grupo iniciará una gira de conciertos, Hella Mega Tour, junto con Fall Out Boy y Weezer en junio de 2020.
Muchas veces nos hemos preguntado qué música escuchan las grandes estrellas de la música mientras hacen aseo (si es que hacen) o mientras se ejercitan. Muchos, gracias a las plataformas digitales, han dado respuesta a esa inquietud creando playlist en Deezer, Spotify o Apple Music y otros prefieren mostrar sus gustos montando videos en sus redes sociales. Recientemente Shakira, que lleva varios meses inactiva y dedicada por completo a su familia, montó un video desde su casa en Miami donde está haciendo ejercicio mientras escucha When I Come Around, una de las canciones más representativas de la banda estadounidense Green Day. Shakira se conoció con la banda liderada por Billie Joe Armstrong en los VMAs de 2009, pero jamás había mostrado su gusto por la música de estadounidenses. When I Come Around es el segundo sencillo del álbum Dookie de Green Day estrenado en 1994. Se dice que Billie Joe Armstrong escribió la canción tras tener una pelea con su esposa Adrienne y necesitaba estar algún tiempo solo (cabe aclarar que siguen juntos y tienen dos hijos). Esta canción llegó al #1 de las listas de rock de Billboard en Estados Unidos. ¿Qué tal le queda a Shakira cantar este tipo de canciones? Recomendado: 20 años de ‘¿Dónde están los ladrones de Shakira? #LaMúsicaNosUne
Fotos y texto: Andrés Alvarado El Corona Capital se ratifica como uno de los mejores festivales del continente, dos días cargados de emoción con un cartel muy bien balanceado, donde hubo para todos los gustos. Phoenix, Dua Lipa, Metronomy y Gorgon City fueron los encargados de poner el público a bailar. Cage The Elephant dio un show impecable donde el descontrol fue el elemento primordial y dejaron claro que festival que pisan dejan marca.La calma estuvo a cargo The XX y Alt – J, dos sets limpios, inspiradores y trascendentales. Cierres impecables de Foo Fighters (sábado) y Green Day (domingo) que se robo el amor de los mexicanos con un set de casi tres horas. Sol, cerveza, mezcal y una gran variedad gastronómica fueron los mejores complementos para un festival supremamente bien organizado que definitivamente tiene que ser una parada obligatoria.
Por: William Martínez // Fotos: Daniel Álvarez Hay agrupaciones que deciden callarse en los conciertos. Todo lo que tienen que decir está en sus letras. Hay agrupaciones que toman posición en medio de una coyuntura política y utilizan la tarima para mandar su mensaje. Hay agrupaciones que, en cambio, optan por discursitos complacientes para levantar los alaridos uniformes de la multitud. Es el caso de Green Day, la banda californiana de pop punk que tocó este viernes en Bogotá. Aunque su más reciente álbum, Revolution Radio, intenta escarbar las razones de los tiroteos masivos en Estados Unidos y narra los pasos a tumbos de algunos jóvenes de ese país, sumidos en drogas y armas, ellos eligieron encoger su discurso, como cualquier agrupación pop reventada por la fama: “No más corrupción. No más leyes. No más homofobia. Estamos celebrando el Rock and roll. Somos amor”, gritaba Billie Joe Amstrong, su vocalista. “No somos Green Day de Estados Unidos. Somos Green Day de Colombia”, continuaba Billie Joe, envuelto en la bandera tricolor, haciendo patria. Si bien un concierto no es un coloquio y Green Day no es una agrupación con pretensiones intelectuales, tampoco su presentación debería parecer el evento de campaña de un político populista. La euforia que desató cada frase de Billie Joe este viernes y también cada frase de Bono hace un mes y de Mick Jagger hace año y medio prueba que a una porción grande de los rockeros colombianos les encanta que les calienten el oído con panfletos moralistas y pobres. Esa tendencia nuestra, tan arraigada, de rendirnos ante el extranjero. Para quien esté sintonizado con el espíritu de Green Day, su puesta en escena resultó de ensueño. Billie Joe alentaba y alentaba y alentaba los coros del público —su voz y su energía siguen vigentes—, el baterista Tré Cool se paseaba en triciclo por el escenario, el bajista Mike Dirnt se ponía máscaras y jugaba con la gente. Al fondo, emergían corrientes de fuego, llovían chispas. Y lo mejor de la noche: la participación de tres seguidores en tarima. Su protagonismo. Billie Joe se apartó en una esquina, mientras ellos, en distintas canciones, agarraron el micrófono y gritaron, bailaron, tropezaron de la emoción y saltaron sobre la masa de cabezas. Ese gesto —derribar la jerarquía artista-público de forma cariñosa, sincera— fue quizás el mayor acierto del performance. Fue, sin embargo, un concierto muy interrumpido. Green Day no tocó tres canciones de corrido porque le dio prioridad al artificio: Billie Joe pidió corear al público de una y mil maneras hasta el hastío, disparó con una manguera chorros de agua, lanzó camisetas, etcétera. Cierta parafernalia que hizo extrañar la sencillez y la intensidad de dos conciertos de punk rock que tuvieron lugar en Bogotá en 2016: Bad Religion y The Offspring. La primera tocó 24 canciones en una hora; la segunda, 19 en una hora y 10 minutos; Green Day, 30 en cerca de tres horas. Los orgasmos no se logran con tantos intervalos. El concierto también fue una montaña rusa emocional. Las tres canciones que sirvieron de antesala al show de los californianos —Bohemian Rhapsody de Queen, Blitzkrieg Bop de los Ramones y Also Sprach Zarathustra de Richard Strauss— fueron coreadas a todo pulmón y tarareadas por el público. La primera fase del toque, que combinó canciones de Revolution Radio y American Idiot, fue explosiva. Tres generaciones —adultos contemporáneos, los nacidos en los noventa y los nacidos en el 2000— se volcaron al pogo. Pero después llegó un tiempo muerto, en el que sobraron los artificios ya mencionados. Durante cuatro o cinco canciones, especialmente de álbumes editados en los años noventa, el público apenas se mecía. Un silencio muy parecido al aburrimiento. El concierto resucitó con los clásicos de Dookie (She y Basket Case) y los de American idiot (American Idiot y Jesus of Suburbia, ésta última encerró para mí el momento estremecedor de la noche). Para finalizar, Billy Joe, guitarra acústica en mano, provocó un aluvión de nostalgia con esa voz que lleva 31 años sonando idéntico. Green Day, con integrantes que rodean los 45 años, demostró su vitalidad musical en Bogotá. Sin embargo, su violencia juvenil pervive tanto como su discurso blandito, endulcorado. Un discurso, una mentalidad, que no logró nunca reventar la costuras de su identidad adolescente.
Uno de los momentos inolvidables de los Grammys 2023 fue la presentación de varias eminencias del ¿hip hop, como Big Boi, Black Thought, Busta Rhymes, De La Soul, DJ Jazzy Jeff, Missy Elliott, GloRilla, Grandmaster Flash, Grandmaster Melle Mel, The Furious Five, Public Enemy, Ice-T, Lil Baby, Lil Uzi Vert, The Lox, Method Man, Nelly, Public Enemy, Queen Latifah, Rahiem, Rakim, Run-D.M.C., Salt-N-Pepa, Scarface, Swizz Beatz y Too $hort. El show fue curado por Questlove, de The Roots. El motivo de la épica presentación fue el aniversario número 50 del hip hop. ¿Por qué se celebra este año? Si bien es difícil establecer una única fecha para el nacimiento de un género musical, hay una que se ha popularizado en el caso del hip hop: 11 de agosto de 1973. ¿Cuál fue la fecha de nacimiento del hip hop?El 11 de agosto de 1973 ocurrió una fiesta organizada por DJ Kool Herc en 1520 Sedgewick Avenue en el Bronx y todos los elementos necesarios para crear lo que ahora llamamos hip-hop se unieron. Gracias a esta fiesta, el 11 de agosto es el Día oficial del hip hop en Estados Unidos. Sin embargo, no es la única fecha aceptada para el nacimiento del hip hop. Afrika Bambataa, otro pionero del género, dijo que el cumpleaños del hip-hop es el 12 de noviembre de 1974. De acuerdo con Bambataa, "fue entonces cuando decidimos llamar hip-hop a toda esta cultura. El hip-hop va incluso más allá, pero decidimos llamarlo hip-hop como cultura, es decir, con los b-boys, los las b-girls, los MC, los escritoras de aerosoles, los grafiteros y los DJ y ese quinto elemento que lo mantiene todo unido", dijo el artista citado por Complex. Bambataa agrega: "Esa es la fecha en la que decidí que deberíamos nombrar esto como una cultura completa y comenzar a movernos desde allí. Noviembre era el momento en que la gente solía festejar adentro de los centros o gimnasios comunitarios o muchos de los clubes internos. que teníamos y donde la gente venía y se divertía. Todos se juntaron y se pusieron al ritmo de la música hip-hop que tocaban todos los grandes pioneros en ese momento". En abril de 2021, noviembre fue declarado el mes oficial de la historia del hip hop por el Congreso de Estados Unidos.
El pasado domingo Madonna se subió en la tarima principal de los Premios Grammys para presentar al artista británico no binario Sam Smith y a la cantante alemana transgénero Kim Petras con un discurso en el que celebraba la rebeldía de los músicos por transmitir honestidad sin pensar en el qué dirán. Contenido recomendado | ¿Por qué les incomoda tanto la vejez de la cantante Madonna?Algunos no pusieron atención a las palabras de la Reina Del Pop y se enfocaron en su imagen, misma que algunos llamaron "la revelación del nuevo rostro de Madoona".Muchos memes se generaron y algunos empezaron a atacar a la cantante por cómo se ve. Y aunque Madonna pudo haber dejado pasar por alto una vez más los ataques sobre su persona, decidió enfrentar el momento y, repetir, que durante cuatro décadas ha sido criticada por el simple hecho de no hacer lo que tradicionalmente está estipulado como correcto.En el texto que acompaña un video en el que aparece celebrando después de los Premios Grammy indica que, si no se dejó afectar por los comentarios sobre ella cuando era joven, mucho menos iba a permitir dejarse afectar por ellos ahora e indicó que "las críticas las recibe con agrado porque así prepara a otras mujeres para que no les importe cuando alguien opine sobre sus maneras de verse, de vestirse o de expresarse".La reina siempre tiene una enseñanza para todo y seguramente en su próxima gira mundial seguirá provocando e incomodando para derribar las barreras que quieren limitar las libertades personales. En su texto también puntualiza que "una vez más estoy atrapada en el resplandor de la discriminación por edad y la misoginia que impregna el mundo en el que vivimos (...) un mundo que se niega a celebrar a la mujer que pasa de los 45 años y siente la necesidad de castigarla si sigue siendo fuerte, trabajadora y aventurera".¡El lado S de la cultura pop!
Como parte de su discurso de agradecimiento por ganar el Grammy a Álbum del año, Harry Styles dijo "esto no suele pasar a personas como yo". Aunque no es claro a qué se refería con "personas como yo", la frase no fue muy bien recibida por muchas personas en redes sociales. Mientras su fans afirman que con "personas como yo" se refería a gente de clase media. Harry Styles nació Redditch, Worcestershire, Inglaterra y aunque desde muy joven msotró gran talento y disposición para la música, en su familia no había mucho dinero para clases, por lo que trabajó una panadería medio tiempo para ganar algo extra. Se presentó con unos amigos a The X Factor y el resto es historia. Otros interpretaron la farse de Styles como una muestra de la desigualdad en la música en la que los hombres blancos heterosexuales suelen tener la mayor ventaja. Pero: ¿Es cierta la frase de Styles? Viendo los ganadores a Álbum del año en la historia de los Grammy, todo parece indicar que no. El premio a Álbum del año se entregó por primera vez en 1959 y su propósito es "honrar los logros artísticos, la competencia técnica y la excelencia general en la industria discográfica, sin tener en cuenta las ventas de álbumes, la posición en las listas o la recepción crítica". En 2019 la categoría se expandió a 8 nominados y en 2022 a 10. En la historia de la categoría, sus principales ganadores han sido hombres, blancos: solistas e integrantes de agrupaciones. Le siguen las mujeres blancas y los hombres negros. Solo 3 mujeres negras han ganado el Grammy en esta categoría: Whitney Houston, Lauryn Hill y Natalie Cole. En el siglo XXI, aunque las victorias de Taylor Swift y Adele sumaron a las mujeres blancas, la tendencia se mantiene aún hacia los hombres blancos. Sin embargo, este año hubo un hito importante para las mujeres negras: Beyoncé es la persona que mas Grammys ha ganado en la historia. Los hombres blancos han sido los prinicpales ganadores en la categoría, lo que permite concluir que la frase de Harry Styles no es cierta, pues quienes suelen llevarse el Grammy a Álbum del año son hombres blancos.
Sean Paul es uno de los artistas de dancehall más destacados del mundo y canciones como Get Busy, We Be Burnin' o Temperature se han convertido en favoritas de nuestras playlists. Sean Paul es uno de los artistas más esperados en La Solar, este 11 de febrero en el Parque Norte de Medellín. Su conocida frase "Sean-Da-Paul" o "Sean-A-Paul" está en casi todas sus canciones. Lo que pocos conocen es que tiene una inspiración bien particular (no, no es su nombre). El artista tomó la referencia de Shivnarine Chanderpaul, jugador de cricket de Guyana y uno de los mejores bateadores de su época. "Hay un famoso jugador de críquet en Trinidad (llamado) Shivnarine Chanderpaul. Todo el mundo decía 'Sean da Paul' y ese nombre se quedó", explicó durante el episodio de una serie documental de Vice sobre su hit Get Busy. Dado que sus nombres comparten una pronunciación similar, adoptó el apodo como un elemento básico para gran parte de su música.Sean Paul agregó: "Entonces comencé a decirlo en los shows. Conocí al tipo Chanderpaul años después, y me saludó". Durante mucho tiempo, varias personas notaron la similitud entre Chanderpaul y Sean-Da-Paul e incluso un fan lo compartió en su Twitter. Hoy ya sabemos que la teoría no era tan lejana de la realidad. Hijo de artistas y deportistas, Sean Paul Francis Henriques desde pequeño se sintió seducido por la música y los sonidos isleños. Fue descubierto en un evento de micrófono abierto en Kingston y el sello de su música siempre ha sido y será el tono de su voz.Su primer disco Stage One impactó los listados en Estados Unidos y se ubicó en lo más alto del listado de álbumes de reggae. Gracias a ello firmó contrato con la discográfica Atlantic Records y empezó a conquistar listados pop de los principales mercados internacionales.Debido a su fuerte conexión con el país, agregó que todavía es donde reside hoy.“Mucha gente me pregunta por qué sigo viviendo aquí”, dijo. “Estas personas me hicieron. Ellos me convirtieron en lo que soy hoy”.
Con la victora de Kim Petras en los Grammy 2023, muchos medios afirmaron que la artista era la primera mujer trans en llevarse un Grammy. Pero antes de Petras, otra mujer trans logró llevarse este galardón: Wendy Carlos, creadora de grandes bandas sonoras y una figura determinante en la música electrónica. Carlos fue clave para el desarrollo del Moog, el primer sintetizador modular comercial, que resultó siendo uno de los principales responsables de la revolución en la música de los sesenta y gracias al cual nacieron proyectos como Kraftwerk, entre muchos otros. En 1968, Wendy Carlos lanzó el disco Switched-On Bach, un álbum formado por varias piezas de Johann Sebastian Bach interpretadas en un sintetizador Moog. Ella fue una de las primeras en explorar el Moog, no sólo como una máquina para hacer efectos, sino como un instrumento en sí mismo, algo que resultó sumamente revolucionario en su momento. Switched-On Bach fue un éxito inesperado y el trabajo que le trajo 3 premios Grammy a Mejor álbum clásico, Mejor interpretación clásica, y Mejor ingeniería de sonido, en 1969. Gracias al trabajo de Carlos y al de compositores como Daphne Oram del Taller Radiofónico de la BBC, el sintetizador generó gran curiosidad. En un clip producido por la BBC, Carlos explica los fundamentos no solo del Moog sino también de la síntesis de sonido en sí. El clip es previo a su transición de género, cuando respondía al nombre de Walter Carlos. Carlos también contribuyó a la banda sonora de películas como La naranja mecánica, Tron, o El resplandor. Wendy Carlos: talento y disforiaDe acuerdo con S Moda, siempre se sintió una niña. Le gustaba llevar el pelo largo y ropa de niña. No entendía por qué sus padres la seguían tratando como niño. A los 10 años compuso su primera pieza musical y en su adolescencia ya experimentaba con sistemas de sonido creados por ella misma. A los 14 años se ganó una beca en informática. Años después entró a la Universidad de Brown donde estudió música y física y luego hizo un máster en composición musical. Era más que evidente su talento y pasión por la música. En 1969 fue invitada a interpretar sus versiones de Bach acompañada de la Orquesta Sinfónica de Saint Louis. Según reveló en una entrevista de 1985 con People, empezó a llorar en su habitación de hotel minutos antes del show y le dijo a su productora, Rachel Elkind, que no quería subir al escenario. ¿La razón? Hace algunos meses había empezado su transición y no quería que el público notara su inicipiente cambio. Minutos antes del show, Carlos quiso disimular sus rasgos femeninos y aunque fue elogiada por su actuación, no quiso volver a presentarse en público. En 1972 Walter Carlos se sometió a una operación de cambio de sexo pero no reveló públicamente su nueva identidad sino hasta 1979, en una entrevista con Playboy. Ella esperaba que la entrevista fuera a centrarse en su música y no en su cambio de género, pero no fue así. No le interesaba ser activista, simplemente quería ser una mujer más. Carlos ha grabado cerca de 14 álbumes de estudio en sus varias décadas de carrera, pero muy poca de su música está licenciada para distribución digital.Wendy Carlos hizo historia y marcó el primer paso de un camino que, para las personas transgénero en la industria musical, todavía está lleno de hitos por alcanzar.
