Después de estrenar su álbum Soles negros en vivo, la banda bogotana aprovechó el encierro, para dejar plasmado en Las torres, la influencia por la que pasaron durante todo este tiempo. Nuevos sonidos y la curiosidad de experimentar sonoridades electrónicas son el resumen de su nuevo lanzamiento. La canción condujo a Andrés Toro, el guitarrista, a sumar a sus cuerdas un melotrón virtual, y a cantar acompañando a Mateo Paris a lo largo de toda la canción, como también lo hace Andrés Sierra, el bajista. Así, Las Torres se componen de un conjunto de elementos que le dan un toque diferencial a este tema, respecto a toda la producción musical anterior de la banda. ¿Quién está detrás? Los cuatro junto al productor Kiko Castro haciendo una observación de la situación extraña por la que atraviesa el mundo, desde una exploración sonora distinta a la que estamos acostumbrados. ¿A qué suena? Es el resultado del encierro, componiendo y arreglando desde un lugar al que no estamos acostumbrados, pero que queremos explorar. ¿De qué se trata la canción? La canción habla de que todo lo que no esté bien consolidado se va a caer, y que las estructuras que permanezcan van a ser testigo de un cambio. (Una estructura no es solo un lugar físico) ¿Cuándo recomienda escucharla? Recomendamos escucharla siempre que uno necesite reafirmar sus estructuras para estar tranquilo en esta época de cambios. Andrés Sierra – bajista.
Hace siete años que el cantante bogotano Chris Murillo Isaza, decidió presentar su proyecto solista Isaza, su debut lo hizo con la canción Magnum. Es un apasionado del hip hop vieja escuela como lo define él, la moda también ocupa un espacio importante dentro de su propuesta musical, en cada canción hay estéticas recargadas de diferentes estilos. Su sonido mezcla un poco el dubstep, el trap y la música electrónica. En 2018 Isaza estrena el EP En la casa, con 6 temas, producido por Isaza y musicalizado por Juan Antonio Villamizar y Robert Pérez. En el 2019 Isaza se une al colectivo artístico Da Hive, conformado por otros proyectos de hip hop como Bomba Tronik y Alien Cruz. Isaza presenta junto al freestyler bogotano Alien Cruz X amor al arte, un videoclip rodado en cuarentena, que hace parte de una serie de 3 videos, llamaods Un sueños de Isaza. ¿Quién está detrás? La canción fue producido por Qemickal, productor de hip hop entre otros géneros. La letra es de Isaza y Alien Cruz. ¿A qué suena? Suena a rap, queríamos una fusión o un punto intermedio entre el hip hop y trap, esas fueron las influencias. ¿De qué trata? Trata sobre el amor, sacrificio, esfuerzo y dedicación que tenemos que poner como artistas independientes en nuestra música, trata sobre la persistencia y lucha para poder sacar cada canción a flote a pesar de las adversidades y lo difícil que es el medio en este país. ¿Cómo se dio la colaboración? En 2018 estaba conectado en Facebook y vi a Alien por casualidad haciendo algo de freestyle. Me encanto como sonaba y también su estética, soy muy visual y me sentí enganchado con lo que vi. Le escribí y empezamos a hablar de colaborar. Finalmente todo se dio en 2019 cuando Alien me presento a Qemickal pues ellos ya trabajaban juntos. Yo quería ir más en dirección del rap, mis anteriores canciones son más electrónicas y Qemickal lo entiendo perfectamente. Una vez lista la pista Alien me pasó su parte de la letra y fue él quien propuso el tema del que hablaría la canción, yo me sentí bastante identificado así que escribí mi parte y grabamos. ¿Sobre el video qué? Con el vídeo pasaron muchas cosas. Al principio lo iba a hacer con el director Santiago Quiceno artista al que admiro mucho y entiende la moda y la música. Pero cuando empezamos con la cuarentena todos esos planes se vinieron abajo así que el proyecto estuvo congelado un rato. Finalmente decidí que como dice la letra de la canción yo era capaz de sacar esto a flote a pesar de las adversidades y me aventure a hacerlo yo mismo, con los recursos que tenía a la mano pues en ese momento era imposible hacer un rodaje como normalmente se hace. Me inspiré en los sueños que tuve durante la cuarentena. Por aquella época estaba obsesionado con los viajes en el tiempo, el espacio y el fuego. Me soñaba que en medio del encierro viajaba desde mi cama a los confines del universo y que atravesaba agujeros negros que me llevaban a otras épocas con una única conexión, el arte! así que cree algunas situaciones que intentarán emular eso en el vídeo como una especie de marco de títeres o teatrino en el qué estamos a veces en 1500 o así mismo en el futuro o en el presente, las épocas trate de evidenciarlas en los looks del vídeo. También trate de usar el fuego pues es el motor que le da vida a todo por qué está presente en las estrellas y sin estrellas no habría vida, sin vida no habría arte. Use mucho el color verde es el favorito de Alien. ¿Cuándo recomienda escucharla? Está canción es enérgica y trasmite rudeza. Recomiendo escucharla en momentos en los que sintamos que necesitamos un impulso de buena vibra y positivismo. También para trotar o hacer una rutina e ejercicio, me parece genial.
Después de presentar su Ep Mensajes de voz, en inglés y español y su más reciente sencillo Tonight donde invitaba a disfrutar y aceptar la soledad, la cantante norteamericana continúa revelando su versatilidad y sobre todo su deseo de hablar de situaciones y momentos cotidianos en sus canciones. Su nuevo sencillo ¡Párate!, es esa voz de aliento que necesitan muchos en tiempos inciertos. ¿De qué trata la letra? ¡Párate! es un tema que habla acerca de cuando uno se siente tan débil mentalmente y físicamente que eventualmente te hartas y llegas a un punto que te paras y empiezas a moverte en la dirección en cual quieres que tu vida fluya y el crecimiento que deseas. Quiero que cuando la gente la escuche se sienta motivada a hacer cambios o movimientos que le permitan empezar de nuevo y superar nuevos retos. ¿Qué sonidos se destacan en la canción? A mi productor Sam Romans, le encanta la guitarra española, entonces quisimos fusionar los hermosos sonidos de la guitarra acústica con sonidos de hip- hop y R&B ¿La historia del videoclip? A mí me encanta la iconografía mexicana, aunque tengo raíces, la conocí hasta hace muy poco, y estoy enamorada, el video es un collage de iconos cargados de energía y significados. Símbolos que perecen oscuros pero representan buena energía, familia, energía y amor.
Calma Carmona estrena el segundo sencillo de su próximo álbum CALMEEZY. Vibra fue compuesto por la cantante puertorriqueña y producido por J. Rochet. Un dancehall con ritmos de bomba y una carga de sintetizadores. “Es una canción que mira hacia adentro en momentos de aparente soledad, es un respiro, un momento de alivio para todo el que lo necesite, la letra es un mensaje directo para que entiendas que la única persona que puede cuidar de ti, eres tú” - Calma. El video fue grabado en San Juan de Puerto Rico, y dirigido por el puertorriqueño Celso González. En el video se aprecia una línea futurista y minimalista, es un viaje a través del tiempo a otras dimensiones. Aparte de protagonizar el videoclip, Calma debuta como bailarina, pero lo hace de la mano de los reconocidos coreógrafos Lumarie Landrau y Jonathan “Kicker” González. Para el director del video, la idea era mostrar a la mujer en un viaje donde pude explorar la sensualidad sin perder el poder femenino, y lograr con el baile unir estos mundos paralelos con la vibra de cada uno. “La canción reafirma que todos los seres humanos tienen la habilidad de crear su propia energía; cada uno crea su propia vibra, que tendrá un efecto en sí mismo y en todo lo que le rodea” – Calma
Cohetes tenía planeado estrenar un nuevo EP antes del confinamiento obligatorio. Ya tenía algunas canciones y faltaban otras por componer, así que estos meses de aislamiento sirvieron para que fluyera la inspiración y las emociones quedaran registradas en canciones. Juan Pablo Pulido, o simplemente Cohetes, se ha mantenido navegando entre los sonidos del pop, rock y la música electrónica. Este EP fue un reto y un descubrimiento diferente, hablamos con él para entender el universo que creó y el diario que relató en Cuarentenautas. ¿Qué tan inspiradora fue esta época? Le pasan muchas cosas a uno por la cabeza cuando está encerrado. Fue una oportunidad y un chance de entrar en mi mente y en todo lo que está pasando en mi interior y volverlo canción, escribirlo, componerlo. Cuando empecé a escribir Juntos a Plutón lo hice desde el piano. Yo no soy teclista, soy más guitarrista, pero quise experimentar. Con esa fórmula el piano te da otros colores para componer guitarras. ¿De qué hablan las canciones? Las canciones no solamente hablan de sentirse encerrado, también de sentirse solo. Muchas personas nos sentimos muy solas cuando nos tocó encerrarnos por no poder tener acceso a socializar con otras personas ni tener ningún tipo de contacto. A mí me gusta estar en contacto con la gente y me afectó mucho eso. La situación me hizo pensar sobre muchas cosas que viví, personas con las que ya no estoy por culpa mía o por culpa del destino, y de ahí salieron las canciones. Una relación que se terminó y uno le quiere decirle cosas a esa persona, pero no puede... así nació Cuarentenautas. ¿Cómo fue el proceso de grabación? No podía ir a un estudio de grabación entonces me tocó hacerlo en un home studio. Empecé a grabar los teclados, programar las baterías... no soy muy instrumentalista, entonces les decía a muchos amigos: “quiero hacer una línea de bajo para esta parte”. Eloisa Arango, una saxofonista, coloco su saxo, los músicos hicieron cosas desde su casa. Yo iba conectando todo y armando las canciones, y al final uno de mis mejores amigos hizo un gran trabajo de master y de mezcla. Yo no esperaba tener un sonido tan chévere, quedé muy satisfecho y me di cuenta de que uno puede hacer muchas cosas en la casa. Con elementos muy básicos se dan muy buenos resultados. Yo creo que hoy en día muchos artistas de talla grande graban sus discos y sus canciones en un home studio y no se van a estudios con equipos de millones de dólares, sino que en su casa logran hacer un muy buen sonido de manera lowfi. No estamos grabando con la mejor calidad, pero aun así suena muy bien, y hay mucha música de esa. ¿Qué aprendió grabando el EP? Muchas cosas que no había hecho antes. Yo soy compositor, sé algunas cosas de producción, pero nunca me atreví a producir mi propia música o las canciones que yo escribía, siempre me producían otros. Esta vez no fue así y le di un concepto al EP sin planearlo. Cada canción iba mostrándome el color y la onda que debía tener. Aprendí mucho de producción, a darme cuenta de que tengo todas las posibilidades de producir mi música, aunque no lo haré siempre porque es bueno tener otra visión. Eso fue muy bueno, muy enriquecedor. Aprendí muchas cosas solo y estoy muy contento de haberlo hecho. Tuve el tiempo y el espacio, a solas, en el cuarto donde tenía guardado todos mis fantasmas. Fue como convivir con ellos. ¿Cómo ordenó las canciones para armar una historia? Las canciones fueron ubicándose solas en el EP en el lugar donde deberían estar. Al final, cuando tenía todas las canciones dije, “necesitamos un intro”, y el intro suena como yo me lo imaginaba. Suena a estar encerrado, pensativo, a la lluvia, a todos esos elementos. Una persona subiendo las escaleras, con un piano, lo abre comienza a tocar, empieza a escribir y en el fondo se escucha la ciudad, la lluvia. Es como una situación acogedora, nostálgica, medio oscura. Así me imaginé el escenario de las canciones y empecé a componer con acordes, con un beat que me llevara a eso. Yo me imagino a una persona que está sentada en la ventana viendo llover y acordándose de esa persona que ya no está. Y así fue. Al final la última canción es como un cierre y la persona que está ahí termina de tocar, se para y cierra la puerta. Tenía mucho sentido, no lo planee así pero qué bueno que la gente lo haya podido leer así. ¿‘Cuarentenautas’ es un diario musical? Fue un EP hecho en la cuarentena. Le digo a la gente de esta generación que a muchos nunca nos había tocado algo así en la vida y en unos años nos vamos a acordar. Hay muchos elementos que la gente va a conectar. La cuarentena nos enseñó que así estemos en un lugar seguro, no lo estamos realmente porque estamos batallando mucho con nosotros mismos. Nos enseñan a protegernos del virus que está afuera, pero ¿qué pasa con lo que está adentro? Ahí empieza la discusión de la cuarentena. Estas canciones fueron un retrato de todo lo que pensé y sentí en la cuarentena. todos esos elementos le dan el color y el sabor que tiene Cuarentenautas. Después de lanzarlo amigos y mucha gente dicen “muy chévere”, pero creo que ahora esa apreciación fue más real. Me lo dijeron porque se identificaron con las canciones, cada uno a su manera, acordándose de lo que ha vivido, y con las emociones que viene cargado el EP. ¿Cómo fue el encuentro con el R&B? En esta cuarentena llegué a escuchar mucho R&B. Me metí a una plataforma de streaming donde hay una playlist que se llama Alternative R&B y descubrí una cantidad de artistas. He explorado un estilo de Cohetes, que la gente ya conoce y me identifica, pero también me gusta hacer esto: música tranquila que ponga a la gente a dedicarle canciones al ex, a acordarse de una relación, que reviva la tusa y así este tranquila mental o emocionalmente recuerde cosas. Eso lo pasamos todos y ahora en cuarentena más. Entendí qué acordes usan, cuáles son los beats, cómo componen la melodía de la voz, cómo cantan... aún me falta entender mucho del R&B, que es un estilo muy bonito que quisiera sumarle a la fórmula de mi sonido en general. Track by track Cuarentenautas Es una canción en la que uno le dice a esa persona con la que ya no está que uno reconoce que tuvo sus errores, pero en medio de todo amó de verdad. Hay una parte que dice: “aunque no soy perfecto y sé que no fui muy decente, creo que siempre fue real mi amor”. Otro planeta Ya había lanzado en formato full. La compuse una vez que conocí una persona en una reunión y quedé totalmente flechado por ella, pero nunca logré nada y nunca la volví a ver. Estábamos en una reunión tomándonos unos tragos con unos amigos, yo la veía, me imaginaba diez mil historias como novios y viajando. Ella nunca mostró eso y además nunca la volví a ver. Sé quién es, pero nunca tuve la oportunidad de volverla a encontrar, fue una relación amorosa de cuatro horas. En la canción colabora Lunalé. Como el formato es acústico pensé tener colaboraciones de mujeres en este EP. Ya la conocía porque hemos tenido los mismos productores. Juntos a Plutón Habla de cómo cuando terminas con alguien siempre le dejas la puerta abierta. La canción dice que a pesar de todo lo que pasó, o sea que pase, dejo la puerta abierta para que lo volvamos a intentar cuando tú quieras. Tarde La hice el año pasado. Habla de cuando uno ya acepta de que todo se acabó, o tal vez puede darse otra oportunidad, pero en este momento ya es tarde. Conocí por cosas de la vida a una mexicana con una voz increíble, Renee complementó mucho la canción. Me envió como 15 tracks con arreglos que ella había hecho, los acomodé y la canción con la voz de ella quedó más aguda. Lo que te hizo ir Es una canción que habla de perdón, no solo hacia otras personas, sino cómo te ayuda perdonarte a ti mismo. Es mucho más fácil perdonar a otro que perdonarse a sí mismo y a veces uno no se da cuenta de eso y se echa látigo. Yodos cometemos errores.
Jei es un bogotano que desde los 11 años empezó a estudiar música y continuó en su adolescencia y adultez joven cuando en la Universidad estudio violín y canto lírico. A los 20 años terminó su relación con el violín y guiado por Julia María Guillen, una de las más grandes sopranos colombianas, se dedicó al canto. Desde que vivía en Bogotá hacía performance en los escenarios de Gaira, El Teatro Jorge Eliecer Gaitán, Casa E, Festival Iberoamericano de Teatro y en otros lugares del país. Hace tres años llegó a Nueva York con su obra La mujer barbuda, que ganó dos premios como mejor monólogo masculino del HOLA (Hispanic Organitation of Latin Actor) y del LATA (Latinamerica Theather Awards). El monólogo escrito y dirigido por él continúo cosechando premios y reconocimientos. Desde ese momento su pasión por el cabaret y los teatros de Broadway aumentó. “En Colombia no pensaba que podía escribir letras de canciones, escribía más que todo teatro, monólogos y demás, porque sentía que me faltaba la inspiración para escribir música como tal, una canción o algo especial. A través del tiempo me llegó la inspiración y tenía letras específicas que me habían marcado, de ahí salieron Chico raro y Marica, otra de las canciones del EP. Nueva York me permite desarrollar la composición”, cuenta Jei. Chico raro es su EP debut compuesto por cuatro temas: Chico Raro, Pajarxs, Maricas (electro bitch mix), Maricas (Broklyn Underground mix9). Fue producido por Prince of Queens at Búnker y masterizado por Frank Merritt at The Carvery. El videoclip fue grabado en su apartamento en esta época de cuarentena y fue producido por El Búnker Collective. Por estos días está grabando su segundo videoclip, Pajarxs, una canción inspirada en el encierro y los amores tóxicos, para Jei la parte visual es muy importante, es la manera de multiplicar el mensaje de la canción. Al poco tiempo de estar en Nueva York se dio cuenta de la fuerza que tenía el transformismo queer en todas las manifestaciones artísticas, algo que definiría su imagen más adelante. Continuó estudiando música clásica y moderna, y la pandemia le dio el tiempo que necesitaba para trabajar en su proyecto musical. Para eso se reunió con Prince of Queens, el productor, y con Lucho Parra, videografo, para darle vida a las canciones que escribió inspiradas en algunas de sus historias. Juntos armaron lo necesario para debutar con Chico raro, el primer track y su carta de presentación: una canción inspirada en todas las personas que soportan las críticas y el bullying por decidir mostrarse con una orientación o una identidad de género diferente. Su música quiere aportar a esta revolución de ser uno mismo, y espera que sus letras sirvan para construir un mundo más inclusivo. Prince of Queens ha trabajado también con la banda colombiana radicada en Nueva York, Combo Chimbita. Su sello disquero es Kuzumbo Records, dedicado a los sonidos tropicales y africanos de Colombia, Puerto Rico, Panamá, Venezuela, entre otros países. “Soy fanático de la música de los 80, de las divas del jazz, pasando por María Callas, Billie Holiday, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald, todo el sonido retro de los 80, incluso el techo de ahora. Si tuviera que definir un poco mi sonido, diría que está compuesto de sintetizadores y máquinas, y varios géneros en uno, pero que es muy jazz y punk combinado con pop”, cuenta Jei. Su estética esta recargada e inspirada en las Butch Queens (hombres gays que no son ni extremadamente femeninos ni extremadamente masculinos y que pueden retratar fácilmente de ambas maneras). Con una estética masculina brusca que “me gusta porque es punk y visualmente es agresiva, una estética bizarra, con atributos del cabaret”, explica Jei. “Me especialicé en cabaret aquí y es una combinación de todo lo que he hecho en mi carrera que empezó a los 15 años”, añade. La promoción de este primer EP seguirá durante el resto del año, pero Jei sigue haciendo música y afirma que ya tiene otros cuatro temas para un nuevo EP que está trabajando con otro productor, para buscarle un giro a su sonido.
Jei es un bogotano que desde los 11 años empezó a estudiar música y continuó en su adolescencia y adultez joven cuando en la Universidad estudio violín y canto lírico. A los 20 años terminó su relación con el violín y guiado por Julia María Guillen, una de las más grandes sopranos colombianas, se dedicó al canto. Desde que vivía en Bogotá hacía performance en los escenarios de Gaira, El Teatro Jorge Eliecer Gaitán, Casa E, Festival Iberoamericano de Teatro y en otros lugares del país. Hace tres años llegó a Nueva York con su obra La mujer barbuda, que ganó dos premios como mejor monólogo masculino del HOLA (Hispanic Organitation of Latin Actor) y del LATA (Latinamerica Theather Awards). El monólogo escrito y dirigido por él continúo cosechando premios y reconocimientos. Desde ese momento su pasión por el cabaret y los teatros de Broadway aumentó. “En Colombia no pensaba que podía escribir letras de canciones, escribía más que todo teatro, monólogos y demás, porque sentía que me faltaba la inspiración para escribir música como tal, una canción o algo especial. A través del tiempo me llegó la inspiración y tenía letras específicas que me habían marcado, de ahí salieron Chico raro y Marica, otra de las canciones del EP. Nueva York me permite desarrollar la composición”, cuenta Jei. Chico raro es su EP debut compuesto por cuatro temas: Chico Raro, Pajarxs, Maricas (electro bitch mix), Maricas (Broklyn Underground mix9). Fue producido por Prince of Queens at Búnker y masterizado por Frank Merritt at The Carvery. El videoclip fue grabado en su apartamento en esta época de cuarentena y fue producido por El Búnker Collective. Por estos días está grabando su segundo videoclip, Pajarxs, una canción inspirada en el encierro y los amores tóxicos, para Jei la parte visual es muy importante, es la manera de multiplicar el mensaje de la canción. Al poco tiempo de estar en Nueva York se dio cuenta de la fuerza que tenía el transformismo queer en todas las manifestaciones artísticas, algo que definiría su imagen más adelante. Continuó estudiando música clásica y moderna, y la pandemia le dio el tiempo que necesitaba para trabajar en su proyecto musical. Para eso se reunió con Prince of Queens, el productor, y con Lucho Parra, videografo, para darle vida a las canciones que escribió inspiradas en algunas de sus historias. Juntos armaron lo necesario para debutar con Chico raro, el primer track y su carta de presentación: una canción inspirada en todas las personas que soportan las críticas y el bullying por decidir mostrarse con una orientación o una identidad de género diferente. Su música quiere aportar a esta revolución de ser uno mismo, y espera que sus letras sirvan para construir un mundo más inclusivo. Prince of Queens ha trabajado también con la banda colombiana radicada en Nueva York, Combo Chimbita. Su sello disquero es Kuzumbo Records, dedicado a los sonidos tropicales y africanos de Colombia, Puerto Rico, Panamá, Venezuela, entre otros países. “Soy fanático de la música de los 80, de las divas del jazz, pasando por María Callas, Billie Holiday, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald, todo el sonido retro de los 80, incluso el techo de ahora. Si tuviera que definir un poco mi sonido, diría que está compuesto de sintetizadores y máquinas, y varios géneros en uno, pero que es muy jazz y punk combinado con pop”, cuenta Jei. Su estética esta recargada e inspirada en las Butch Queens (hombres gays que no son ni extremadamente femeninos ni extremadamente masculinos y que pueden retratar fácilmente de ambas maneras). Con una estética masculina brusca que “me gusta porque es punk y visualmente es agresiva, una estética bizarra, con atributos del cabaret”, explica Jei. “Me especialicé en cabaret aquí y es una combinación de todo lo que he hecho en mi carrera que empezó a los 15 años”, añade. La promoción de este primer EP seguirá durante el resto del año, pero Jei sigue haciendo música y afirma que ya tiene otros cuatro temas para un nuevo EP que está trabajando con otro productor, para buscarle un giro a su sonido.
La banda Bright Eyes se prepara para lanzar Down in the weeds, where the world one was, su décimo álbum de estudio que estará disponible a partir del 21 de agosto de 2020. La última presentación de la banda fue el 21 de noviembre de 2011 en Hawaii, y desde entonces la banda se había mantenido fuera de los escenarios. Sin embargo recientemente las redes sociales de la banda fueron reactivadas, indicándoles a los fanáticos que algo se traían entre manos. El 23 de junio la banda volvió a presentarse en vivo, en el show de Stephen Colbert, interpretando Mariana Trench, el cuarto sencillo del que será su décimo álbum. Antes de que los fans conocieran Mariana Trench, la banda había liberado otros tres sencillos: Persona non grata, Forced convalescence y One and done, todos pertenecientes a Down in the weeds, where the world one was. Down in the Weeds es el álbum más colaborativo de Bright Eyes. Cambiar radicalmente el proceso de composición tras 25 años podría parecer ser abrumador, pero Conor Oberst, vocalista de la banda, dijo que no hubo trepidación: “Nuestra historia y nuestra amistad, y mi nivel de confianza en ellos, es muy completa y profunda. Quería que se sintiera como un monstruo de tres cabezas". Down in the Weeds, Where the World Once Was es un disco enorme atrapado en el profundo intermedio entre el duelo y la claridad – un brazo luchando contra sus demonios, y el otro sosteniendo la mano del amor, a pesar de ello. El 21 de agosto de 2020, día del lanzamiento del álbum, Bright Eyes realizará un show virtual dedicado a los fanáticos. Los primeros 10 fans que hagan el pre-save del álbum quedarán inscritas para ver el show. Pueden hacerlo aquí:
Hace tres años que La Sociedad de la Sombrilla sorprendió al público con su álbum debut Resiste, nueve tracks con un sonido que tiene influencias del blues y el stoner. Durante estos años rotaron en varios escenarios y grabaron otras canciones que consolidaron a la banda dentro de las nuevas apuestas del rock nacional. En el 2019 grabaron las canciones de su nuevo Ep, Verdad animal. Juan Pablo, Samuel, Nicolás, y Alejandro decidieron a finales del 2018, internarse en una cabaña en Suesca para hacer música acompañados solo de instrumentos musicales en un espacio diminuto, medio punk, que le sumó un feeling especial a las cinco canciones que conforman Verdad animal. Hablamos con Juan Pablo acerca de este nuevo trabajo discográfico y del camino que tomará la Sociedad antes de terminar el 2020. ¿Qué quieren destacar en ‘Verdad animal’? Verdad animal es la profundización de los intereses musicales que presentamos en Resiste. En este álbum nos concentramos un montón en sonidos del stoner rock, del blues rock, y con Verdad animal ahondamos en esos intereses musicales y los llevamos un poco a las profundidades. En la lírica hay canciones que tienen que ver con ideas de transformación, y cambio. Por ejemplo, Verdad animal que le da título a este EP, nos presenta una idea al culto del cambio, abrazar el mañana, echarnos a la corriente, no cuestionarnos si hay un sentido con lo que estamos haciendo, más bien, vamos a gozarnos el camino hasta llegar a donde nos lleve. ¿Con este EP cierran un ciclo? Verdad animal lo hicimos los cuatro, la separación se dio en medio de la cuarentena y nos convertimos en un dúo (Nicolás y Juan Pablo). Con toda esta situación y siendo conscientes frente al panorama nacional, fue la oportunidad perfecta para repensarnos. Nos encanta el rock, pero ¿qué tal si salimos de nuestra zona de confort y exploramos otras posibilidades? Además, en una cuarentena la posibilidad de reunirnos y tocar, como estamos acostumbrados, se imposibilito y decidimos entonces explorar un poco la máquina y nos metimos en el proyecto de versionar nuestro Ep, más electrónico, más bailable. Es nuestra música, pero nos damos la libertad de proponer algo diferente a ser la banda rockera que nos ha definido hasta hoy. ¿Cuál es el reto de la nueva Sociedad? Hoy más que nunca hay un desafío, porque la música alternativa está en discusión con el tema de los géneros y sentimos que los espacios cada día son menores para bandas como La Sociedad de la Sombrilla. Los festivales se están concentrando en otro tipo de propuestas, lo indie influenciada por el pop ochentero, post punk, lo raizal sigue teniendo relevancia. El rock cada vez representa menos interés para el mercado nacional y es difícil mantenernos en esta postura, que al final es lo único que nos sale como banda. Somos conscientes que este cambio representa un gran reto para nosotros, pero queremos mantener una estética oscura y densa. El próximo trabajo discográfico se va a llamar Versiones noche, apelando a un ambiente electrónico y de baile, y a esa añoranza que tenemos de salir a bailar y de un nuevo disco a ver cómo se desarrolla. Track by track Transición Es el primer sencillo. Una canción que introduce elementos que no habíamos usado antes, por ejemplo, la guitarra acústica marcando el tema, la percusión con congas en un segundo plano, y un colchón de sintetizador que hace que la canción sea ambiental y atmosférica. Fue una canción que escribí cuando estaba llamando el cambio, me vi estancado en mi vida personal, emocional, y necesitaba de verdad una transformación, tratando de llamar esas energías como si fuera un amuleto de renovación. Siento que la canción terminó siendo un presagio de un cambio que viviríamos, por lo menos como banda. Madre Tierra Es la canción más sencilla del disco, va al grano, nuevamente esta figura de rock de frente, el riff pesado, muy reflexiva acerca de la humanidad. Hemos construido un escenario de destrucción, ensañados en nuestra vanidad, en la vida pantalla que llevamos y que no nos deja ver más allá de nosotros mismos, y como terminamos sumergidos en un estado de irreflexión por estar todo el tiempo estimulados y estimulando nuestra vanidad. Colabora Sebastián Paness,o guitarrista de los PetitFellas Corriente Apela mucho a un ambiente sexual. Es una invitación a echarse a la suerte si a uno le gusta alguien, no pensarlo mucho y simplemente vivirlo. Es una canción con influencias del stoner rock, del blues rock, y colabora Juan Amaya de Seis Peatones, que nos aporta el momento más alto del tema con un solo de guitarra monumental. Verdad Animal Es una invitación a no preguntarnos tanto sobre el sentido vital de las cosas, sino más bien echarse a la caminata y por esa razón titula el disco: sintetiza la idea de andar como un animal sin ser conscientes de que un día vamos a morir, de que las cosas no tienen sentido, sino vivir a tope, sin ese exceso de análisis que lo lleva a la parálisis de uno mismo. En esta canción colabora Steven Baquero de Apolo 7. La misma mierda Es la única canción con la que llegamos al estudio sin una letra. En ese momento teníamos una idea instrumental y la grabamos en el 2019 junto a las otras canciones y a medida que fue pasando el tiempo nunca lográbamos dar con una letra y con una idea que nos dejara cómodos y satisfechos, y se fue perfilando como una toma descartada del disco. Cuando inició la cuarentena, entendimos un poco la necesidad de estar activos en las plataformas y dijimos ¿qué tal si intentamos retomar el tema?, así tenemos más material para el resto del año. Desempolvamos la sesión y empezamos a trabajar una letra pensando en este escenario pandémico, cómo nos hemos relacionado con la red social y nos inspiramos en eso. Hemos abusado de los medios y de la voz con la que nos expresamos y sentimos que generacionalmente somos la mejor banda, que vamos a sacar las mejores canciones, y lo que sea que se nos ocurra vamos a mostrar que somos los mejores, y al final con toda esa saturación visual terminamos siendo la misma mierda.
Alejandra Guzmán es una de las cantantes más representativas de la música latina. Su poderosa voz, su manera de interpretar las canciones y sus giras la han colocado en un lugar importante dentro de la industria musical. Este año regresa con nueva música como antesala a la celebración de sus tres décadas de trayectoria musical. Vive y deja vivir, junto a Ñengo Flow es el primer corte de su nuevo álbum que espera ver la luz antes de terminar el 2020. Una canción fresca, inspirada en la esencia de la vida misma, Su letra acude a grandes frases de la literatura universal y a los refranes populares. ¿Ser o no ser? ¡Atrévete! Es una invitación a vivir una vida real, intensa, sin pedir opinión o permiso. La canción fue co escrita por la cantante y producida por el colombiano Nicolás Mayorca. Su sonido es una mezcla de música del caribe con música regional mexicana. El videoclip animado muestra a sus protagonistas, Alejandra y Ñengo convertidos en avatars, con super poderes para cambiar a su paso los malos momentos por los que están atravesando algunas personas.
Marvel estrenará la primera semana de noviembre de 2021 su nueva película Eternals que promete convertirse en el gran éxito taquillero de fin de año en el marco de la reactivación del cine, industria fuertemente afectada por la pandemia. Son varios los puntos llamativos de Eternals, pero el principal y más fuerte es el de su elenco: un listado de actores de Hollywood que buscan convertirse en los superhéroes favoritos de los seguidores de los comics.Angelina Jolie, Gemma Chan, Richard Madden, Kumail Nanjiani, Lia McHugh, Brian Tyree Henry, Lauren Ridloff, Barry Keoghan, Don Lee, Harish Patel, Kit Harington y Salma Hayek integran el elenco de la película.Antes de llegar a las salas de cine de todo el mundo, Marvel debe enviar la película a todos los países para que estos hagan la clasificación oficial que determine el público que puede verla o si es apta para niños o no. Recientemente se conoció que Rusia no permitirá que menores de edad puedan entrar a ver el título de Marvel.¿La razón? hay personajes LGBTIQ+ que tienen escenas románticas y esto es considerado en la política de ese país como propaganda gay, tema polémico que ha sido impulsado por el gobierno ruso desde 2013.Phastos, el Eternal interpretado por Brian Tyree Henry es homosexual en la historia de la película y comparte besos en la boca con su pareja.Eternals ya enfrenta la posibilidad de ser prohibida en China debido a las críticas de la directora Chloe Zhao al gobierno del país en una entrevista de 2013. Zhao se convirtió a principios de 2021 en la segunda mujer en ganar el premio Oscar en la categoría de dirección por su trabajo en la película NomadLand.En video | Spider-Man: todos los villanos de Peter Parker en las películas del Hombre Araña - Shock¡El lado S del cine y la televisión!
Se dieron a conocer los nominados a la nueva entrega de los Latin Grammy Awards que se llevarán a cabo en Las Vegas, Nevada el próximo 18 de noviembre.Colombianos como Camilo, Farina, Paula Arenas, Carlos Vives, Diamante Eléctrico, Diana Burco, Juliana Velásquez y Juanes son finalistas en distintas categorías.El cantante de reggaetón J Balvin también recibió dos nominaciones por la canción Agua, tema producido por Tainy que está incluido en la banda sonora de la película Bob Esponja.Contenido recomendado | Premios Latin Grammy 2021: Lista completa de nominadosSin embargo 'el dueño del negocio' no quedó contento con los seleccionados y al igual que hace un par de años cuando apoyó la campaña "sin reggaetón no hay Grammys" criticó la falta de representación de canciones o álbumes del género en las categorías principales."Los Grammys no nos valoran , pero nos necesitan. Es mi opinión y nada contra los otros géneros porque se merecen todo el respeto, pero ya el truco está aburrido. Les damos rating, pero no nos dan el respeto Estoy nominado para que no vengan que estoy dolido", twitteó Balvin después de conocer los nominados.Jose, su nombre de nacimiento, también invitó a sus colegas a no asistir a la ceremonia: "los que tienen poder en el género NINGUNO DEBERÍA IR, es decir todos porque somos un movimiento".J Balvin ha ganado anteriormente premios por los proyecto Energía, Colores y Con Altura junto a Rosalía. El cantante lanzó en el mismo día del anuncio de los nominados el video oficial de su canción vestido, track incluido en su disco Jose. En video | FEID: ¿Por qué le dicen Ferxxo si su nombre es Salomón? | Retos + Preguntas Shock¡La música colombiana nos une!
¿Cuáles son los elementos que hacen que sepamos que estamos viendo una película del agente 007? Los ‘gadgets’ de alta tecnología son algunos de ellos. La elegancia del protagonista y su afición por los autos de lujo no pueden faltar. Tampoco sería lo mismo si el personaje principal no se enfrenta a un exagerado villano con un ejército de esbirros. Pero sobre todo, tienen que haber mujeres sexis. El agente con licencia para matar estrena un nuevo romance —o varios— en cada película y las “chicas bond” son toda una institución. Es por eso que la historia de Teresa di Vicenzo, la esposa de James Bond, resulta tan trágica.Por: Julián Ramírez // @Sir_LagunaEs posible que muchos fanáticos de James Bond no supieran que el agente 007 había estado casado. Aunque este detalle es referenciado en varias de sus películas, es algo que pasa fácilmente por alto. Además, el filme en el que su mujer es parte importante de la trama suele ser injustamente ignorado por muchos.Si en un juego de trivia le preguntamos a alguien quiénes son los actores que han interpretado a James Bond, seguramente responderá que son Sean Connery, Roger Moore, Pierce Brosnan y Daniel Craig. Algunos recordarán también que Timothy Dalton fue el agente 007 en un par de películas a finales de los años ochenta. Pero muy pocos mencionarán a George Lazenby. Él ocupó el rol de Bond en Al servicio secreto de su majestad en 1969. No regresó al rol después de esa película.Al servicio secreto de su majestad rompió con muchos de los estándares de la saga. Dejó de lado los ‘gadgets’ y la mayoría de las excentricidades de las películas anteriores. La crítica y los fanáticos de su tiempo la odiaron, principalmente porque extrañaban a Connery en el rol principal. Por eso, las palabras más fuertes contra el filme se hicieron a costa de Lazenby. Hoy en día, este filme es mucho más apreciado y algunos fanáticos de Bond incluso lo consideran uno de los mejores de la franquicia.La trama tiene al agente 007 buscando desesperadamente a Ernst Stavro Blofeld, líder de la malvada organización SPECTRE, para acabar de una vez por todas con sus planes. Aunque no faltan los tiroteos, infiltraciones en bases enemigas y persecuciones —incluyendo una extendida secuencia de esquí que influenció muchas películas de ahí en adelante—, Al servicio secreto de su majestad se destaca por la importancia que da a su historia de amor.Al comienzo del filme, Bond salva a una mujer que pretende suicidarse en la playa. Ella es la condesa Teresa di Vicenzo —Tracy para los amigos— una misteriosa ‘femme fatale’ que lo cautiva de inmediato. Las anteriores ‘chicas bond’ solían ser simples mujeres que se vieron involucradas en los hechos y villanas que se rendían antes los encantos del 007. A diferencia de todas ellas, Tracy no está definida por su relación con Bond o el villano de turno. Tiene mucho más trasfondo que todas las mujeres que han pasado por su vida.Tracy es hija de un poderoso mafioso italiano, capo de una de las más importantes organizaciones criminales de Europa. Tras la muerte de su madre y una adolescencia “perdida” en un internado, se convirtió en una bella mujer dispuesta a llevarle la contraria a su padre. Se dedicó a las fiestas y la rumba. Cuando dejó de recibir dinero de su progenitor, se casó con un conde italiano para mantener su estilo de vida.Pero la tragedia la golpeó durante su matrimonio. Tuvo un hijo que murió poco tiempo después de nacer y se divorció de su esposo, que más adelante murió en un accidente de auto. A pesar de haberse quedado con su herencia y títulos, Tracy quedó sumergida en una profunda depresión y sin rumbo en la vida. Son pocas las mujeres de la franquicia con un pasado tan detallado como este.Incluso en los sesentas, las películas de Bond ya eran criticadas por la objetificación que hacían de las mujeres. Inicialmente, parecía que esta entrega iba a ser más de lo mismo. Tracy es objeto de un trato de su padre con Bond. El mafioso le ayudaría a encontrar a Blofeld si el agente británico ayuda a “enderezar” a su hija fingiendo una relación con ella. Por supuesto, Tracy se entera y decide no dejarse manipular de esta manera, obligando a su padre a revelar la información de todos modos.Fascinado por su actitud, y con la frase de cajón “no te pareces a ninguna mujer que haya conocido antes”, Bond decide conquistarla y comienza a salir con ella aunque ya no tenía que cumplir con su parte del trato.Este es un buen momento para mencionar que Tracy di Vicenzo fue interpretada por Diana Rigg. En ese momento, ella era conocida principalmente por su papel como Emma Peel en la popular serie de televisión Los Vengadores.Pero ella era más que una simple actriz de televisión. Rigg tuvo una gran carrera en el teatro y sus papeles en obras de Shakespeare le hicieron ganar varios galardones, incluyendo el codiciado Premio Tony. También tenía un BAFTA y un Emmy sobre su mesa de noche.Como si eso fuera poco, fue nombrada Comandante de la Orden del Imperio británico por la Reina Isabel II en 1988. Tristemente Diana Rigg murió en 2020. Nos dejó varios roles legendarios para recordarla, incluyendo el de Lady Olenna en Juego de Tronos. Sin embargo, este no fue su último papel. Todavía nos falta verla en El misterio de Soho, que se estrenará en Colombia a comienzos de noviembre.Volvamos a hablar de Al servicio secreto de su Majestad, avisando que de aquí en adelante encontrarán ‘spoilers’ sobre este filme.¿Por qué una mujer acostumbrada a interpretar a una superheroína en televisión se “rebajaría” a ser una dama en apuros en una película? Bueno, Tracy no es ninguna mujer indefensa. De hecho, es ella quien salva a Bond cuando es perseguido por los hombres de Blofeld y se encuentra acorralado. Luego demuestra un gran talento conduciendo a alta velocidad para escapar de ellos.Es después de esto que el agente 007 le pide matrimonio. La verdad es que es fácil creer que está enamorado de ella. El Bond de Lazenby la mira con una fascinación que el de Connery nunca demostró hacia sus mujeres. Lo que no sabemos es si le iba a ser fiel. Como dijimos al principio, “un nuevo romance en cada aventura” es un sello de identidad de Bond y en esta película ya lo habíamos visto acostarse con dos mujeres a pesar de estar saliendo con Tracy.Tristemente, la historia no nos permitirá saberlo.Como muchas películas, Al servicio secreto de su Majestad termina con una boda. Bond y su esposa parten en su auto de ‘recién casados’ cuando la tragedia golpea de nuevo. La bala de un secuaz de Blofeld le arrebata la vida a Tracy. Esta cinta termina con el agente 007 sosteniendo el cuerpo de su mujer en sus brazos, en negación por lo que acaba de ocurrir.A muchos les gusta creer que cada encarnación de Bond representa un mundo nuevo al de sus predecesores y esto definitivamente es cierto con los filmes protagonizados por Daniel Craig, pero no siempre fue así. La muerte de Tracy es mencionada en La espía que me amó y vemos a James visitar su tumba tanto en Solo para tus ojos, en la que es interpretado por Roger Moore, como en Licencia para matar, en la que es Timothy Dalton. Otras películas hacen referencia a “la mujer que no pudo salvar” y “los seres queridos que ha perdido”.Es claro que Bond sufrió mucho por la muerte de su esposa y nunca dejó de amarla. También podemos reinterpretar muchas de sus relaciones teniendo en cuenta su pérdida. Su promiscuidad no sólo se explica como una especie de fantasía masculina, sino como un hombre incapaz de comprometerse en una nueva relación seria por miedo a salir herido de nuevo.En Casino Royale, vemos a un Bond dispuesto para entrar en una relación con una mujer: Vesper Lynd (Eva Green). Pero ella también lo deja solo. Durante los siguientes filmes vemos a un Bond violento y amargado hasta SPECTRE, en el que encuentra un nuevo amor en la Dra. Madeleine Swann (Léa Seydoux). Ella volverá a aparecer en Sin tiempo para morir, pero no tenemos claro el estado de su relación. En una entrevista, la actriz dijo que su presencia es importante para que Bond resuelva los traumas con los que está cargando desde la muerte de Lynd. Hubiera sido bueno para las anteriores encarnaciones del personaje resolver los problemas emocionales que tuvo tras la muerte de su esposa. Tal vez le hubiera permitido tener relaciones más sanas.Tracy di Vicenzo —o mejor, Tracy Bond— es un claro ejemplo del cliché de “la mujer en la nevera”, en el que los personajes femeninos son asesinados para crear motivación o desarrollo en un personaje masculino. Su razón de ser, tanto en la película como en el libro en que está basada, es morir para que Bond odie a Blofeld con más fuerza. Algunos críticos interpretan la muerte de Tracy como “un castigo contra ella” por atreverse a intentar “amarrar” al soltero empedernido más popular del mundo. Por arriesgarse a acabar con la fantasía sexual masculina del aventurero sin ataduras.La verdad es que no imaginamos cómo hubiera continuado esta saga con un Bond casado. ¿Saldría en aventuras junto a su mujer? ¿Se habrían divorciado pronto debido a constantes infidelidades? ¿Su esposa toleraría sus ‘indiscreciones’? ¿Las habría tolerado el público sabiendo que él ya no era un hombre libre?Es divertido pensar en estas cosas, pero la historia del agente 007 y su esposa siguió por otro camino. Ver de nuevo Al servicio secreto de su majestad es prepararse para tener el corazón roto. Sabemos que las sonrisas y alegrías de su boda pronto se convertirán en lágrimas. Ver a Bond decirle a su esposa sin vida que todo va a estar bien y que tienen todo el tiempo del mundo por delante es una verdadera tragedia.
La Fiesta Pre Jamming es el comienzo de la celebración de los 10 años del Jamming Festival, uno de los eventos musicales más importantes del país. La fiesta será el 9 de octubre, en el Centro de Eventos de la Autopista Norte.Más de un año de espera para volver a disfrutar de la música en vivo, es la excusa perfecta para comenzar a celebrar la reactivación gradual de eventos y la apertura de escenarios. El sector musical es uno de los más afectados, los artistas no han podido hacer conciertos y el público ha tenido que limitarse a disfrutar de shows virtuales.Por eso la Fiesta Pre Jamming será el inicio de una celebración que no terminará aquí, sino que continuará con más actividades hasta el gran evento, el Jamming Festival en marzo de 2022.El cartel para e la fiesta está conformado por artistas como: Maelo Ruíz,Herencia De Timbiquí, Kafu Banton, Aterciopelados, Superlitio, Doctor Krápula, Alcolirycoz, Los PetitFellas, Afaz Natural, Fidel Nadal y Pablo Molina (show histórico, interpretando sus grandes éxitos como solistas y también sus canciones con bandas icónicas como Mano Negra, Todos Tus Muertos, Lumumba y Radio Bemba). También estarán presentes, De Bruces A Mí, Ras Jahonnan, Hey Swagga, Dancehall Paradise y el Colectivo Casa Babylon (Chiqui Dubs, Mr. Fishbone, Yeyo, Sas, Soundkilla, Gara, Danny)Esta programación le apuesta a la diversidad sonora, así como a los nuevos formatos en directo que van por cuenta de este cartel de artistas y bandas encargadas de adelantar la celebración y anunciar el regreso del Jamming Festival, uno de los eventos musicales más importantes de Latinoamérica.El Jamming Festival 2022, celebrará una década durante días, 19, 20 y 21 de marzo de 2022 en Ricaurte, Cundinamarca.La organización del Festival estará revelando en sus redes sociales novedades de todo lo que sucederá en este reencuentro con el público. La boletería ya está a la venta aquí.
Desde que la megacorporación Disney compró a FOX y a ESPN la oferta de la vieja televisión lineal empezó a caer más de lo que ya venía cayendo. Disney quiere que sus productos más destacados habiten, exclusivamente, en sus servicios de streaming pago: Disney Plus y Star Plus.Los cableoperadores se están quedando sin mucho que ofrecer frente al streaming. La pelea por los consumidores está dura y, desde que el 31 de agosto nació el servicio de streaming Star Plus, que tiene todo el catálogo de ESPN y de FOX, empezaron a desaparecer algunos de los contenidos más preciados en canales regulares. Pasó con algunos partidos de la Premier League de Inglaterra y la Ligue 1 de Francia, que se transmitían por el canal regular de ESPN y pasó con uno de los programas más preciados de lo que antes era Fox Channel y hoy es Star Channel: Los Simpson, pues redujeron a la mitad su tiempo en pantalla. Desde hace unas semanas, la franja No molestar (en la que daban sus series de animación), que antes duraba dos horas, se redujo a una. Así las cosas, en su parrilla de contenido diaria ya no transmiten más de dos capítulos seguidos de la animación más popular de la historia.Haciendo clic aquí pueden suscribirse a Star+No hay comunicaciones oficiales de la compañía, ni se sabe si el cambio será permanente, pero la intención es clara: hay que pagar. De hecho, durante la programación habitual, aparece un aviso que anuncia que Star Plus tiene todas las temporadas de Los Simpson. Sus canales están dando un vuelco y se están convirtiendo en una especie de televentas de su propio servicio en streaming. Todo indica que para los que viven viendo a la familia Simpson en bucle y se saben sus diálogos parece ser que solo quedará una vía: suscribirse a Star+. ¿Cuánto cuesta Star+?El precio de la suscripción mensual a Star+ en Colombia es de $31.900 mensuales. El plan anual cuesta $319.900 y el combo con Disney+ tiene un valor de $38.900 mensuales.
