Después de estrenar su álbum Soles negros en vivo, la banda bogotana aprovechó el encierro, para dejar plasmado en Las torres, la influencia por la que pasaron durante todo este tiempo. Nuevos sonidos y la curiosidad de experimentar sonoridades electrónicas son el resumen de su nuevo lanzamiento. La canción condujo a Andrés Toro, el guitarrista, a sumar a sus cuerdas un melotrón virtual, y a cantar acompañando a Mateo Paris a lo largo de toda la canción, como también lo hace Andrés Sierra, el bajista. Así, Las Torres se componen de un conjunto de elementos que le dan un toque diferencial a este tema, respecto a toda la producción musical anterior de la banda. ¿Quién está detrás? Los cuatro junto al productor Kiko Castro haciendo una observación de la situación extraña por la que atraviesa el mundo, desde una exploración sonora distinta a la que estamos acostumbrados. ¿A qué suena? Es el resultado del encierro, componiendo y arreglando desde un lugar al que no estamos acostumbrados, pero que queremos explorar. ¿De qué se trata la canción? La canción habla de que todo lo que no esté bien consolidado se va a caer, y que las estructuras que permanezcan van a ser testigo de un cambio. (Una estructura no es solo un lugar físico) ¿Cuándo recomienda escucharla? Recomendamos escucharla siempre que uno necesite reafirmar sus estructuras para estar tranquilo en esta época de cambios. Andrés Sierra – bajista.
Hace siete años que el cantante bogotano Chris Murillo Isaza, decidió presentar su proyecto solista Isaza, su debut lo hizo con la canción Magnum. Es un apasionado del hip hop vieja escuela como lo define él, la moda también ocupa un espacio importante dentro de su propuesta musical, en cada canción hay estéticas recargadas de diferentes estilos. Su sonido mezcla un poco el dubstep, el trap y la música electrónica. En 2018 Isaza estrena el EP En la casa, con 6 temas, producido por Isaza y musicalizado por Juan Antonio Villamizar y Robert Pérez. En el 2019 Isaza se une al colectivo artístico Da Hive, conformado por otros proyectos de hip hop como Bomba Tronik y Alien Cruz. Isaza presenta junto al freestyler bogotano Alien Cruz X amor al arte, un videoclip rodado en cuarentena, que hace parte de una serie de 3 videos, llamaods Un sueños de Isaza. ¿Quién está detrás? La canción fue producido por Qemickal, productor de hip hop entre otros géneros. La letra es de Isaza y Alien Cruz. ¿A qué suena? Suena a rap, queríamos una fusión o un punto intermedio entre el hip hop y trap, esas fueron las influencias. ¿De qué trata? Trata sobre el amor, sacrificio, esfuerzo y dedicación que tenemos que poner como artistas independientes en nuestra música, trata sobre la persistencia y lucha para poder sacar cada canción a flote a pesar de las adversidades y lo difícil que es el medio en este país. ¿Cómo se dio la colaboración? En 2018 estaba conectado en Facebook y vi a Alien por casualidad haciendo algo de freestyle. Me encanto como sonaba y también su estética, soy muy visual y me sentí enganchado con lo que vi. Le escribí y empezamos a hablar de colaborar. Finalmente todo se dio en 2019 cuando Alien me presento a Qemickal pues ellos ya trabajaban juntos. Yo quería ir más en dirección del rap, mis anteriores canciones son más electrónicas y Qemickal lo entiendo perfectamente. Una vez lista la pista Alien me pasó su parte de la letra y fue él quien propuso el tema del que hablaría la canción, yo me sentí bastante identificado así que escribí mi parte y grabamos. ¿Sobre el video qué? Con el vídeo pasaron muchas cosas. Al principio lo iba a hacer con el director Santiago Quiceno artista al que admiro mucho y entiende la moda y la música. Pero cuando empezamos con la cuarentena todos esos planes se vinieron abajo así que el proyecto estuvo congelado un rato. Finalmente decidí que como dice la letra de la canción yo era capaz de sacar esto a flote a pesar de las adversidades y me aventure a hacerlo yo mismo, con los recursos que tenía a la mano pues en ese momento era imposible hacer un rodaje como normalmente se hace. Me inspiré en los sueños que tuve durante la cuarentena. Por aquella época estaba obsesionado con los viajes en el tiempo, el espacio y el fuego. Me soñaba que en medio del encierro viajaba desde mi cama a los confines del universo y que atravesaba agujeros negros que me llevaban a otras épocas con una única conexión, el arte! así que cree algunas situaciones que intentarán emular eso en el vídeo como una especie de marco de títeres o teatrino en el qué estamos a veces en 1500 o así mismo en el futuro o en el presente, las épocas trate de evidenciarlas en los looks del vídeo. También trate de usar el fuego pues es el motor que le da vida a todo por qué está presente en las estrellas y sin estrellas no habría vida, sin vida no habría arte. Use mucho el color verde es el favorito de Alien. ¿Cuándo recomienda escucharla? Está canción es enérgica y trasmite rudeza. Recomiendo escucharla en momentos en los que sintamos que necesitamos un impulso de buena vibra y positivismo. También para trotar o hacer una rutina e ejercicio, me parece genial.
Después de presentar su Ep Mensajes de voz, en inglés y español y su más reciente sencillo Tonight donde invitaba a disfrutar y aceptar la soledad, la cantante norteamericana continúa revelando su versatilidad y sobre todo su deseo de hablar de situaciones y momentos cotidianos en sus canciones. Su nuevo sencillo ¡Párate!, es esa voz de aliento que necesitan muchos en tiempos inciertos. ¿De qué trata la letra? ¡Párate! es un tema que habla acerca de cuando uno se siente tan débil mentalmente y físicamente que eventualmente te hartas y llegas a un punto que te paras y empiezas a moverte en la dirección en cual quieres que tu vida fluya y el crecimiento que deseas. Quiero que cuando la gente la escuche se sienta motivada a hacer cambios o movimientos que le permitan empezar de nuevo y superar nuevos retos. ¿Qué sonidos se destacan en la canción? A mi productor Sam Romans, le encanta la guitarra española, entonces quisimos fusionar los hermosos sonidos de la guitarra acústica con sonidos de hip- hop y R&B ¿La historia del videoclip? A mí me encanta la iconografía mexicana, aunque tengo raíces, la conocí hasta hace muy poco, y estoy enamorada, el video es un collage de iconos cargados de energía y significados. Símbolos que perecen oscuros pero representan buena energía, familia, energía y amor.
Calma Carmona estrena el segundo sencillo de su próximo álbum CALMEEZY. Vibra fue compuesto por la cantante puertorriqueña y producido por J. Rochet. Un dancehall con ritmos de bomba y una carga de sintetizadores. “Es una canción que mira hacia adentro en momentos de aparente soledad, es un respiro, un momento de alivio para todo el que lo necesite, la letra es un mensaje directo para que entiendas que la única persona que puede cuidar de ti, eres tú” - Calma. El video fue grabado en San Juan de Puerto Rico, y dirigido por el puertorriqueño Celso González. En el video se aprecia una línea futurista y minimalista, es un viaje a través del tiempo a otras dimensiones. Aparte de protagonizar el videoclip, Calma debuta como bailarina, pero lo hace de la mano de los reconocidos coreógrafos Lumarie Landrau y Jonathan “Kicker” González. Para el director del video, la idea era mostrar a la mujer en un viaje donde pude explorar la sensualidad sin perder el poder femenino, y lograr con el baile unir estos mundos paralelos con la vibra de cada uno. “La canción reafirma que todos los seres humanos tienen la habilidad de crear su propia energía; cada uno crea su propia vibra, que tendrá un efecto en sí mismo y en todo lo que le rodea” – Calma
Cohetes tenía planeado estrenar un nuevo EP antes del confinamiento obligatorio. Ya tenía algunas canciones y faltaban otras por componer, así que estos meses de aislamiento sirvieron para que fluyera la inspiración y las emociones quedaran registradas en canciones. Juan Pablo Pulido, o simplemente Cohetes, se ha mantenido navegando entre los sonidos del pop, rock y la música electrónica. Este EP fue un reto y un descubrimiento diferente, hablamos con él para entender el universo que creó y el diario que relató en Cuarentenautas. ¿Qué tan inspiradora fue esta época? Le pasan muchas cosas a uno por la cabeza cuando está encerrado. Fue una oportunidad y un chance de entrar en mi mente y en todo lo que está pasando en mi interior y volverlo canción, escribirlo, componerlo. Cuando empecé a escribir Juntos a Plutón lo hice desde el piano. Yo no soy teclista, soy más guitarrista, pero quise experimentar. Con esa fórmula el piano te da otros colores para componer guitarras. ¿De qué hablan las canciones? Las canciones no solamente hablan de sentirse encerrado, también de sentirse solo. Muchas personas nos sentimos muy solas cuando nos tocó encerrarnos por no poder tener acceso a socializar con otras personas ni tener ningún tipo de contacto. A mí me gusta estar en contacto con la gente y me afectó mucho eso. La situación me hizo pensar sobre muchas cosas que viví, personas con las que ya no estoy por culpa mía o por culpa del destino, y de ahí salieron las canciones. Una relación que se terminó y uno le quiere decirle cosas a esa persona, pero no puede... así nació Cuarentenautas. ¿Cómo fue el proceso de grabación? No podía ir a un estudio de grabación entonces me tocó hacerlo en un home studio. Empecé a grabar los teclados, programar las baterías... no soy muy instrumentalista, entonces les decía a muchos amigos: “quiero hacer una línea de bajo para esta parte”. Eloisa Arango, una saxofonista, coloco su saxo, los músicos hicieron cosas desde su casa. Yo iba conectando todo y armando las canciones, y al final uno de mis mejores amigos hizo un gran trabajo de master y de mezcla. Yo no esperaba tener un sonido tan chévere, quedé muy satisfecho y me di cuenta de que uno puede hacer muchas cosas en la casa. Con elementos muy básicos se dan muy buenos resultados. Yo creo que hoy en día muchos artistas de talla grande graban sus discos y sus canciones en un home studio y no se van a estudios con equipos de millones de dólares, sino que en su casa logran hacer un muy buen sonido de manera lowfi. No estamos grabando con la mejor calidad, pero aun así suena muy bien, y hay mucha música de esa. ¿Qué aprendió grabando el EP? Muchas cosas que no había hecho antes. Yo soy compositor, sé algunas cosas de producción, pero nunca me atreví a producir mi propia música o las canciones que yo escribía, siempre me producían otros. Esta vez no fue así y le di un concepto al EP sin planearlo. Cada canción iba mostrándome el color y la onda que debía tener. Aprendí mucho de producción, a darme cuenta de que tengo todas las posibilidades de producir mi música, aunque no lo haré siempre porque es bueno tener otra visión. Eso fue muy bueno, muy enriquecedor. Aprendí muchas cosas solo y estoy muy contento de haberlo hecho. Tuve el tiempo y el espacio, a solas, en el cuarto donde tenía guardado todos mis fantasmas. Fue como convivir con ellos. ¿Cómo ordenó las canciones para armar una historia? Las canciones fueron ubicándose solas en el EP en el lugar donde deberían estar. Al final, cuando tenía todas las canciones dije, “necesitamos un intro”, y el intro suena como yo me lo imaginaba. Suena a estar encerrado, pensativo, a la lluvia, a todos esos elementos. Una persona subiendo las escaleras, con un piano, lo abre comienza a tocar, empieza a escribir y en el fondo se escucha la ciudad, la lluvia. Es como una situación acogedora, nostálgica, medio oscura. Así me imaginé el escenario de las canciones y empecé a componer con acordes, con un beat que me llevara a eso. Yo me imagino a una persona que está sentada en la ventana viendo llover y acordándose de esa persona que ya no está. Y así fue. Al final la última canción es como un cierre y la persona que está ahí termina de tocar, se para y cierra la puerta. Tenía mucho sentido, no lo planee así pero qué bueno que la gente lo haya podido leer así. ¿‘Cuarentenautas’ es un diario musical? Fue un EP hecho en la cuarentena. Le digo a la gente de esta generación que a muchos nunca nos había tocado algo así en la vida y en unos años nos vamos a acordar. Hay muchos elementos que la gente va a conectar. La cuarentena nos enseñó que así estemos en un lugar seguro, no lo estamos realmente porque estamos batallando mucho con nosotros mismos. Nos enseñan a protegernos del virus que está afuera, pero ¿qué pasa con lo que está adentro? Ahí empieza la discusión de la cuarentena. Estas canciones fueron un retrato de todo lo que pensé y sentí en la cuarentena. todos esos elementos le dan el color y el sabor que tiene Cuarentenautas. Después de lanzarlo amigos y mucha gente dicen “muy chévere”, pero creo que ahora esa apreciación fue más real. Me lo dijeron porque se identificaron con las canciones, cada uno a su manera, acordándose de lo que ha vivido, y con las emociones que viene cargado el EP. ¿Cómo fue el encuentro con el R&B? En esta cuarentena llegué a escuchar mucho R&B. Me metí a una plataforma de streaming donde hay una playlist que se llama Alternative R&B y descubrí una cantidad de artistas. He explorado un estilo de Cohetes, que la gente ya conoce y me identifica, pero también me gusta hacer esto: música tranquila que ponga a la gente a dedicarle canciones al ex, a acordarse de una relación, que reviva la tusa y así este tranquila mental o emocionalmente recuerde cosas. Eso lo pasamos todos y ahora en cuarentena más. Entendí qué acordes usan, cuáles son los beats, cómo componen la melodía de la voz, cómo cantan... aún me falta entender mucho del R&B, que es un estilo muy bonito que quisiera sumarle a la fórmula de mi sonido en general. Track by track Cuarentenautas Es una canción en la que uno le dice a esa persona con la que ya no está que uno reconoce que tuvo sus errores, pero en medio de todo amó de verdad. Hay una parte que dice: “aunque no soy perfecto y sé que no fui muy decente, creo que siempre fue real mi amor”. Otro planeta Ya había lanzado en formato full. La compuse una vez que conocí una persona en una reunión y quedé totalmente flechado por ella, pero nunca logré nada y nunca la volví a ver. Estábamos en una reunión tomándonos unos tragos con unos amigos, yo la veía, me imaginaba diez mil historias como novios y viajando. Ella nunca mostró eso y además nunca la volví a ver. Sé quién es, pero nunca tuve la oportunidad de volverla a encontrar, fue una relación amorosa de cuatro horas. En la canción colabora Lunalé. Como el formato es acústico pensé tener colaboraciones de mujeres en este EP. Ya la conocía porque hemos tenido los mismos productores. Juntos a Plutón Habla de cómo cuando terminas con alguien siempre le dejas la puerta abierta. La canción dice que a pesar de todo lo que pasó, o sea que pase, dejo la puerta abierta para que lo volvamos a intentar cuando tú quieras. Tarde La hice el año pasado. Habla de cuando uno ya acepta de que todo se acabó, o tal vez puede darse otra oportunidad, pero en este momento ya es tarde. Conocí por cosas de la vida a una mexicana con una voz increíble, Renee complementó mucho la canción. Me envió como 15 tracks con arreglos que ella había hecho, los acomodé y la canción con la voz de ella quedó más aguda. Lo que te hizo ir Es una canción que habla de perdón, no solo hacia otras personas, sino cómo te ayuda perdonarte a ti mismo. Es mucho más fácil perdonar a otro que perdonarse a sí mismo y a veces uno no se da cuenta de eso y se echa látigo. Yodos cometemos errores.
Jei es un bogotano que desde los 11 años empezó a estudiar música y continuó en su adolescencia y adultez joven cuando en la Universidad estudio violín y canto lírico. A los 20 años terminó su relación con el violín y guiado por Julia María Guillen, una de las más grandes sopranos colombianas, se dedicó al canto. Desde que vivía en Bogotá hacía performance en los escenarios de Gaira, El Teatro Jorge Eliecer Gaitán, Casa E, Festival Iberoamericano de Teatro y en otros lugares del país. Hace tres años llegó a Nueva York con su obra La mujer barbuda, que ganó dos premios como mejor monólogo masculino del HOLA (Hispanic Organitation of Latin Actor) y del LATA (Latinamerica Theather Awards). El monólogo escrito y dirigido por él continúo cosechando premios y reconocimientos. Desde ese momento su pasión por el cabaret y los teatros de Broadway aumentó. “En Colombia no pensaba que podía escribir letras de canciones, escribía más que todo teatro, monólogos y demás, porque sentía que me faltaba la inspiración para escribir música como tal, una canción o algo especial. A través del tiempo me llegó la inspiración y tenía letras específicas que me habían marcado, de ahí salieron Chico raro y Marica, otra de las canciones del EP. Nueva York me permite desarrollar la composición”, cuenta Jei. Chico raro es su EP debut compuesto por cuatro temas: Chico Raro, Pajarxs, Maricas (electro bitch mix), Maricas (Broklyn Underground mix9). Fue producido por Prince of Queens at Búnker y masterizado por Frank Merritt at The Carvery. El videoclip fue grabado en su apartamento en esta época de cuarentena y fue producido por El Búnker Collective. Por estos días está grabando su segundo videoclip, Pajarxs, una canción inspirada en el encierro y los amores tóxicos, para Jei la parte visual es muy importante, es la manera de multiplicar el mensaje de la canción. Al poco tiempo de estar en Nueva York se dio cuenta de la fuerza que tenía el transformismo queer en todas las manifestaciones artísticas, algo que definiría su imagen más adelante. Continuó estudiando música clásica y moderna, y la pandemia le dio el tiempo que necesitaba para trabajar en su proyecto musical. Para eso se reunió con Prince of Queens, el productor, y con Lucho Parra, videografo, para darle vida a las canciones que escribió inspiradas en algunas de sus historias. Juntos armaron lo necesario para debutar con Chico raro, el primer track y su carta de presentación: una canción inspirada en todas las personas que soportan las críticas y el bullying por decidir mostrarse con una orientación o una identidad de género diferente. Su música quiere aportar a esta revolución de ser uno mismo, y espera que sus letras sirvan para construir un mundo más inclusivo. Prince of Queens ha trabajado también con la banda colombiana radicada en Nueva York, Combo Chimbita. Su sello disquero es Kuzumbo Records, dedicado a los sonidos tropicales y africanos de Colombia, Puerto Rico, Panamá, Venezuela, entre otros países. “Soy fanático de la música de los 80, de las divas del jazz, pasando por María Callas, Billie Holiday, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald, todo el sonido retro de los 80, incluso el techo de ahora. Si tuviera que definir un poco mi sonido, diría que está compuesto de sintetizadores y máquinas, y varios géneros en uno, pero que es muy jazz y punk combinado con pop”, cuenta Jei. Su estética esta recargada e inspirada en las Butch Queens (hombres gays que no son ni extremadamente femeninos ni extremadamente masculinos y que pueden retratar fácilmente de ambas maneras). Con una estética masculina brusca que “me gusta porque es punk y visualmente es agresiva, una estética bizarra, con atributos del cabaret”, explica Jei. “Me especialicé en cabaret aquí y es una combinación de todo lo que he hecho en mi carrera que empezó a los 15 años”, añade. La promoción de este primer EP seguirá durante el resto del año, pero Jei sigue haciendo música y afirma que ya tiene otros cuatro temas para un nuevo EP que está trabajando con otro productor, para buscarle un giro a su sonido.
Jei es un bogotano que desde los 11 años empezó a estudiar música y continuó en su adolescencia y adultez joven cuando en la Universidad estudio violín y canto lírico. A los 20 años terminó su relación con el violín y guiado por Julia María Guillen, una de las más grandes sopranos colombianas, se dedicó al canto. Desde que vivía en Bogotá hacía performance en los escenarios de Gaira, El Teatro Jorge Eliecer Gaitán, Casa E, Festival Iberoamericano de Teatro y en otros lugares del país. Hace tres años llegó a Nueva York con su obra La mujer barbuda, que ganó dos premios como mejor monólogo masculino del HOLA (Hispanic Organitation of Latin Actor) y del LATA (Latinamerica Theather Awards). El monólogo escrito y dirigido por él continúo cosechando premios y reconocimientos. Desde ese momento su pasión por el cabaret y los teatros de Broadway aumentó. “En Colombia no pensaba que podía escribir letras de canciones, escribía más que todo teatro, monólogos y demás, porque sentía que me faltaba la inspiración para escribir música como tal, una canción o algo especial. A través del tiempo me llegó la inspiración y tenía letras específicas que me habían marcado, de ahí salieron Chico raro y Marica, otra de las canciones del EP. Nueva York me permite desarrollar la composición”, cuenta Jei. Chico raro es su EP debut compuesto por cuatro temas: Chico Raro, Pajarxs, Maricas (electro bitch mix), Maricas (Broklyn Underground mix9). Fue producido por Prince of Queens at Búnker y masterizado por Frank Merritt at The Carvery. El videoclip fue grabado en su apartamento en esta época de cuarentena y fue producido por El Búnker Collective. Por estos días está grabando su segundo videoclip, Pajarxs, una canción inspirada en el encierro y los amores tóxicos, para Jei la parte visual es muy importante, es la manera de multiplicar el mensaje de la canción. Al poco tiempo de estar en Nueva York se dio cuenta de la fuerza que tenía el transformismo queer en todas las manifestaciones artísticas, algo que definiría su imagen más adelante. Continuó estudiando música clásica y moderna, y la pandemia le dio el tiempo que necesitaba para trabajar en su proyecto musical. Para eso se reunió con Prince of Queens, el productor, y con Lucho Parra, videografo, para darle vida a las canciones que escribió inspiradas en algunas de sus historias. Juntos armaron lo necesario para debutar con Chico raro, el primer track y su carta de presentación: una canción inspirada en todas las personas que soportan las críticas y el bullying por decidir mostrarse con una orientación o una identidad de género diferente. Su música quiere aportar a esta revolución de ser uno mismo, y espera que sus letras sirvan para construir un mundo más inclusivo. Prince of Queens ha trabajado también con la banda colombiana radicada en Nueva York, Combo Chimbita. Su sello disquero es Kuzumbo Records, dedicado a los sonidos tropicales y africanos de Colombia, Puerto Rico, Panamá, Venezuela, entre otros países. “Soy fanático de la música de los 80, de las divas del jazz, pasando por María Callas, Billie Holiday, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald, todo el sonido retro de los 80, incluso el techo de ahora. Si tuviera que definir un poco mi sonido, diría que está compuesto de sintetizadores y máquinas, y varios géneros en uno, pero que es muy jazz y punk combinado con pop”, cuenta Jei. Su estética esta recargada e inspirada en las Butch Queens (hombres gays que no son ni extremadamente femeninos ni extremadamente masculinos y que pueden retratar fácilmente de ambas maneras). Con una estética masculina brusca que “me gusta porque es punk y visualmente es agresiva, una estética bizarra, con atributos del cabaret”, explica Jei. “Me especialicé en cabaret aquí y es una combinación de todo lo que he hecho en mi carrera que empezó a los 15 años”, añade. La promoción de este primer EP seguirá durante el resto del año, pero Jei sigue haciendo música y afirma que ya tiene otros cuatro temas para un nuevo EP que está trabajando con otro productor, para buscarle un giro a su sonido.
La banda Bright Eyes se prepara para lanzar Down in the weeds, where the world one was, su décimo álbum de estudio que estará disponible a partir del 21 de agosto de 2020. La última presentación de la banda fue el 21 de noviembre de 2011 en Hawaii, y desde entonces la banda se había mantenido fuera de los escenarios. Sin embargo recientemente las redes sociales de la banda fueron reactivadas, indicándoles a los fanáticos que algo se traían entre manos. El 23 de junio la banda volvió a presentarse en vivo, en el show de Stephen Colbert, interpretando Mariana Trench, el cuarto sencillo del que será su décimo álbum. Antes de que los fans conocieran Mariana Trench, la banda había liberado otros tres sencillos: Persona non grata, Forced convalescence y One and done, todos pertenecientes a Down in the weeds, where the world one was. Down in the Weeds es el álbum más colaborativo de Bright Eyes. Cambiar radicalmente el proceso de composición tras 25 años podría parecer ser abrumador, pero Conor Oberst, vocalista de la banda, dijo que no hubo trepidación: “Nuestra historia y nuestra amistad, y mi nivel de confianza en ellos, es muy completa y profunda. Quería que se sintiera como un monstruo de tres cabezas". Down in the Weeds, Where the World Once Was es un disco enorme atrapado en el profundo intermedio entre el duelo y la claridad – un brazo luchando contra sus demonios, y el otro sosteniendo la mano del amor, a pesar de ello. El 21 de agosto de 2020, día del lanzamiento del álbum, Bright Eyes realizará un show virtual dedicado a los fanáticos. Los primeros 10 fans que hagan el pre-save del álbum quedarán inscritas para ver el show. Pueden hacerlo aquí:
Hace tres años que La Sociedad de la Sombrilla sorprendió al público con su álbum debut Resiste, nueve tracks con un sonido que tiene influencias del blues y el stoner. Durante estos años rotaron en varios escenarios y grabaron otras canciones que consolidaron a la banda dentro de las nuevas apuestas del rock nacional. En el 2019 grabaron las canciones de su nuevo Ep, Verdad animal. Juan Pablo, Samuel, Nicolás, y Alejandro decidieron a finales del 2018, internarse en una cabaña en Suesca para hacer música acompañados solo de instrumentos musicales en un espacio diminuto, medio punk, que le sumó un feeling especial a las cinco canciones que conforman Verdad animal. Hablamos con Juan Pablo acerca de este nuevo trabajo discográfico y del camino que tomará la Sociedad antes de terminar el 2020. ¿Qué quieren destacar en ‘Verdad animal’? Verdad animal es la profundización de los intereses musicales que presentamos en Resiste. En este álbum nos concentramos un montón en sonidos del stoner rock, del blues rock, y con Verdad animal ahondamos en esos intereses musicales y los llevamos un poco a las profundidades. En la lírica hay canciones que tienen que ver con ideas de transformación, y cambio. Por ejemplo, Verdad animal que le da título a este EP, nos presenta una idea al culto del cambio, abrazar el mañana, echarnos a la corriente, no cuestionarnos si hay un sentido con lo que estamos haciendo, más bien, vamos a gozarnos el camino hasta llegar a donde nos lleve. ¿Con este EP cierran un ciclo? Verdad animal lo hicimos los cuatro, la separación se dio en medio de la cuarentena y nos convertimos en un dúo (Nicolás y Juan Pablo). Con toda esta situación y siendo conscientes frente al panorama nacional, fue la oportunidad perfecta para repensarnos. Nos encanta el rock, pero ¿qué tal si salimos de nuestra zona de confort y exploramos otras posibilidades? Además, en una cuarentena la posibilidad de reunirnos y tocar, como estamos acostumbrados, se imposibilito y decidimos entonces explorar un poco la máquina y nos metimos en el proyecto de versionar nuestro Ep, más electrónico, más bailable. Es nuestra música, pero nos damos la libertad de proponer algo diferente a ser la banda rockera que nos ha definido hasta hoy. ¿Cuál es el reto de la nueva Sociedad? Hoy más que nunca hay un desafío, porque la música alternativa está en discusión con el tema de los géneros y sentimos que los espacios cada día son menores para bandas como La Sociedad de la Sombrilla. Los festivales se están concentrando en otro tipo de propuestas, lo indie influenciada por el pop ochentero, post punk, lo raizal sigue teniendo relevancia. El rock cada vez representa menos interés para el mercado nacional y es difícil mantenernos en esta postura, que al final es lo único que nos sale como banda. Somos conscientes que este cambio representa un gran reto para nosotros, pero queremos mantener una estética oscura y densa. El próximo trabajo discográfico se va a llamar Versiones noche, apelando a un ambiente electrónico y de baile, y a esa añoranza que tenemos de salir a bailar y de un nuevo disco a ver cómo se desarrolla. Track by track Transición Es el primer sencillo. Una canción que introduce elementos que no habíamos usado antes, por ejemplo, la guitarra acústica marcando el tema, la percusión con congas en un segundo plano, y un colchón de sintetizador que hace que la canción sea ambiental y atmosférica. Fue una canción que escribí cuando estaba llamando el cambio, me vi estancado en mi vida personal, emocional, y necesitaba de verdad una transformación, tratando de llamar esas energías como si fuera un amuleto de renovación. Siento que la canción terminó siendo un presagio de un cambio que viviríamos, por lo menos como banda. Madre Tierra Es la canción más sencilla del disco, va al grano, nuevamente esta figura de rock de frente, el riff pesado, muy reflexiva acerca de la humanidad. Hemos construido un escenario de destrucción, ensañados en nuestra vanidad, en la vida pantalla que llevamos y que no nos deja ver más allá de nosotros mismos, y como terminamos sumergidos en un estado de irreflexión por estar todo el tiempo estimulados y estimulando nuestra vanidad. Colabora Sebastián Paness,o guitarrista de los PetitFellas Corriente Apela mucho a un ambiente sexual. Es una invitación a echarse a la suerte si a uno le gusta alguien, no pensarlo mucho y simplemente vivirlo. Es una canción con influencias del stoner rock, del blues rock, y colabora Juan Amaya de Seis Peatones, que nos aporta el momento más alto del tema con un solo de guitarra monumental. Verdad Animal Es una invitación a no preguntarnos tanto sobre el sentido vital de las cosas, sino más bien echarse a la caminata y por esa razón titula el disco: sintetiza la idea de andar como un animal sin ser conscientes de que un día vamos a morir, de que las cosas no tienen sentido, sino vivir a tope, sin ese exceso de análisis que lo lleva a la parálisis de uno mismo. En esta canción colabora Steven Baquero de Apolo 7. La misma mierda Es la única canción con la que llegamos al estudio sin una letra. En ese momento teníamos una idea instrumental y la grabamos en el 2019 junto a las otras canciones y a medida que fue pasando el tiempo nunca lográbamos dar con una letra y con una idea que nos dejara cómodos y satisfechos, y se fue perfilando como una toma descartada del disco. Cuando inició la cuarentena, entendimos un poco la necesidad de estar activos en las plataformas y dijimos ¿qué tal si intentamos retomar el tema?, así tenemos más material para el resto del año. Desempolvamos la sesión y empezamos a trabajar una letra pensando en este escenario pandémico, cómo nos hemos relacionado con la red social y nos inspiramos en eso. Hemos abusado de los medios y de la voz con la que nos expresamos y sentimos que generacionalmente somos la mejor banda, que vamos a sacar las mejores canciones, y lo que sea que se nos ocurra vamos a mostrar que somos los mejores, y al final con toda esa saturación visual terminamos siendo la misma mierda.
Alejandra Guzmán es una de las cantantes más representativas de la música latina. Su poderosa voz, su manera de interpretar las canciones y sus giras la han colocado en un lugar importante dentro de la industria musical. Este año regresa con nueva música como antesala a la celebración de sus tres décadas de trayectoria musical. Vive y deja vivir, junto a Ñengo Flow es el primer corte de su nuevo álbum que espera ver la luz antes de terminar el 2020. Una canción fresca, inspirada en la esencia de la vida misma, Su letra acude a grandes frases de la literatura universal y a los refranes populares. ¿Ser o no ser? ¡Atrévete! Es una invitación a vivir una vida real, intensa, sin pedir opinión o permiso. La canción fue co escrita por la cantante y producida por el colombiano Nicolás Mayorca. Su sonido es una mezcla de música del caribe con música regional mexicana. El videoclip animado muestra a sus protagonistas, Alejandra y Ñengo convertidos en avatars, con super poderes para cambiar a su paso los malos momentos por los que están atravesando algunas personas.
Es cierto que los cuatro integrantes de Maná son reconocidos por el público, pero no se puede negar el hecho de que Fher Olvera, su vocalista, y Alex González, su baterista, son los más populares por los roles de 'showman' que tienen dentro de la banda. La legendaria agrupación mexicana se presentó en el Festival Cordillera de Bogotá y en el Estadio Atanasio Girardot de Medellín luego de muchos años sin venir a Colombia y demostraron porque siguen siendo tan taquilleros.Este espacio va a ser dedicado a Alex González, el icónico baterista que ayudó a posicionar a su banda como uno de los proyectos de rock en español más memorables de todos los tiempos. Alex es estadounidense, nacionalizado mexicano, de padre paisa y de madre cubana. Nació en Miami en 1969 y, cuenta él, que desde los tres años andaba tocando objetos como si fueran percusiones.La primera batería que tuvo fue de juguete y desde entonces el instrumento ha sido su obsesión. En la adolescencia se fue a vivir a Guadalajara y su padrastro le mostró un anuncio de un periódico publicado por Fher Olvera en el que invitaban a adicionar a bateristas para formar parte de una banda.La agrupación en efecto era Sombrero Verde, una de las más populares de la época. La audición se realizó y Fher quedó muy contento con lo que mostró Alex en la batería. Entre tanto Alex trabajó con productores y diferentes bandas a las que le tocaba la batería en bares. Luego de unas semanas se oficializó su llegada a la banda Sombrero Verde y, aunque muchas veces pensó en renunciar, le hizo caso a Fher que veía entre ellos una conexión poderosa. Al poco tiempo de la llega de Alex a la banda, otro de sus integrantes anuncia su renuncia, por lo que Fher toma la decisión de terminar Sombrero Verde e iniciar una nueva banda, con nuevo aires.Así nació Maná, el nombre en español se le conoce popularmente como 'Pan de Dios', pero la banda lo eligió de una palabra en polinesio que significa energía positiva. En 1987, por primera vez publican un álbum bajo el nombre Maná con Fher en la voz, Juan Calleros en el bajo y Alex en la batería.De ahí en adelante Alex ha participado en todos los álbumes de Maná. Alex también hace parte del grupo De La Tierra, una agrupación de heavy metal que es integrada por músicos de otras bandas: Andreas Kisser de Sepultura, Andrés Giménez de A.N.I.M.A.L y Harold Hopkins de Puya. La idea de la banda nació en 2004, pero se concretó en 2012. Maldita historia fue su primer sencillo y el álbum debut se llama De La Tierra.'El Animal', como es su apodo musical, ha girado el mundo con Maná y se ha ganado a pulso el respeto. González ha sido nombrado por varias revistas como el mejor baterista de América Latina. ¡La música nos une!
El tema más discutido en las redes sociales de Colombia durante 2022, naturalmente, ha sido el cambio de Gobierno. Pero este año dos hechos musicales que se metieron con fuerza en la agenda de las redes sociales. El primero fue la cancelación a última hora del Jamming Festival en marzo; el segundo, el concierto de Harry Styles en Bogotá. Claramente, estos últimos dos casos no son comparables. Lo ocurrido con el Jamming Festival en Ibagué fue grave para la industria, el público y los empresarios que creyeron en el festival. Lxs fanáticxs de Harry Styles, en cambio, han hecho del primer concierto como solista del británico en el país una conversación mediática porque tienen una preocupación genuina por las condiciones del evento. Esto es lo que ha pasado con Harry Styles en ColombiaLa primera vez que se habló de Harry Styles en Colombia fue en abril de 2020. Sí, todos estábamos encerrados por la pandemia, pero se seguían haciendo anuncios. El cantante, se supone, iba a estar en Colombia el 19 de octubre en el Movistar Arena de Bogotá. No sabíamos qué iba a pasar. Todo empeoró y la agenda de eventos multitudinarios se canceló.Pasaron varios meses y las fanáticas de Styles seguían a la espera de un nuevo anuncio o de una cancelación definitiva para pedir el dinero de las boletas adquiridas en 2020. Llegó febrero de 2022 y ya los conciertos grandes en Colombia empezaron también. Ese mismo mes se anunció la nueva fecha de Harry Styles en Colombia, pero con un cambio que animó a unos y sorprendió a otros.Styles ya no se realizaría en el Movistar Arena para 14.000 personas. El nuevo lugar sería el Parqueadero del Salitre Mágico, para más de 28.000 asistentes. El cambio se dio principalmente por una razón: Harry Styles pasó de ser un acto pop conocido a ser el artista masculino en inglés más escuchado de las plataformas digitales.Durante el 2020 y 2022, Harry Styles triplicó sus reproducciones, ganó Grammy, Brit Awards y se convirtió en el hombre más comentado de redes sociales. Muchos empezaron a twittear que el Salitre Mágico no era un espacio cómodo para conciertos: ni para el artista, ni para las seguidoras. Ocesa, empresa productora del evento, dio un parte de tranquilidad asegurando que estaban adecuando el parqueadero para que el día del concierto se viviera como un concierto épico al aire libre. Aunque muchos quedaron desanimados, el debate se tranquilizó, pero se volvió a activar en septiembre. Dua Lipa, otra de las figuras pop del momento, se presentó en el Parqueadero del Salitre Mágico bajo la producción de Ocesa. La mañana siguiente se volvió tendencia la mala experiencia de los fans que compraron su boleta, especialmente para verla desde la localidad general.Las fuertes críticas no solo iban en texto, también tenían videos que acompañaban las denuncias: filas que ingresaban a los conjuntos residenciales, pocos espacios de basura, una logística que no tenía claro cómo era el ingreso de las personas, fallas en el sonido, una tarima lejana y con una altura que no permitía que las personas de atrás pudieran ver siquiera las pantallas. El concierto de Dua Lipa fue un domingo. Desde el lunes empezaron a reclamar el cambio de Harry Styles de lugar para que sus seguidores no vivieran la misma mala experiencia que en Dua Lipa. Ese mismo lunes la directora de Ocesa habló con W Radio Colombia y dijo: "Queremos manifestar a los fanáticos que los estamos escuchando. Para nosotros es un compromiso y una responsabilidad atender sus sugerencias y seguir trabajando para que las cosas sucedan".En esa conversación también dijo que era muy difícil que Harry pudiera presentarse en otro espacio, porque había partidos de fútbol en el Estadio El Campín, un lugar que puede acoger hasta 39.000 personas, y que el concierto del británico no podía hacerse en Movistar Arena o Coliseo Live porque los espacios no están diseñados para recibir la cantidad de personas que ya tiene su boleta para Styles.La entrevista en W Radio puso en alerta a las fans, que iniciaron la campaña #HarryEnElCampin para que Ocesa encuentre la manera de hacer el concierto en ese estadio. Más adelante, se conoció que Ocesa habló con la Dimayor, empresa que organiza los partidos de fútbol en Colombia, para llegar a un acuerdo, pero esto no fue posible.A la par, en Internet se inició una confrontación entre lxs fans de Harry y los hinchas de Santa Fe y Millonarios. Ese intercambio de trinos, algunos subidos de tono, lo único que han hecho es que el tema cada día tenga más comentarios. Se han tejido rumores sobre el cambio de espacio. Uno de ellos era que Harry cantara en el Estadio de la Universidad Nacional, pero este espacio no fue aprobado por el equipo del británico. Mientras escribimos este artículo (finales de septiembre de 2022) sigue en firme el Parqueadero de Salitre Mágico como el lugar que recibirá a Harry Styles en Colombia. Ocesa no ha hecho ninguna actualización sobre el concierto.LO QUE FANS DE HARRY STYLES LE PIDEN A OCESAVarios seguidores se unieron e hicieron un pliego de peticiones para que el concierto sea lo más parecido a lo que ellxs sueñan. Acá se los compartimos.PETICIONES1.VENUE1.1 Solicitamos enfáticamente que se realice el cambio del venue del Parque Salitre Mágico al Estadio Nemesio Camacho El Campín. Comprendemos que para esa fecha ya existen otros compromisos importantes en el lugar. Sin embargo, este es el lugar más adecuado para que se lleve a cabo el concierto. Aquí algunas de las razones:•Es un lugar central en Bogotá.•Tiene el aforo necesario para el show.•Es mucho más cómodo para todos, en especial para los menores de edad y las personas con movilidad reducida y discapacitadas.•Se ubica en una zona residencial y, por ende, más segura, especialmente para las mujeres que son la mayoría de las asistentes.•La acústica del estadio es buena, lo que permite que todos los asistentes escuchen de la manera adecuada.•Es un escenario acorde a la estrella de talla internacional que se presenta.•Tiene buenas vías de acceso.•La visibilidad desde las distintas localidades está garantizada.•Es más fácil de evacuar en caso de emergencia.•OCESA y 911 ya tienen experiencia manejando multitudes en el Campín. La segunda fecha de Coldplay estuvo "mejor" organizada que la primera.•En el Campín no habría problemas de sonido ocasionados por Rock al Parque, el cual se llevará a cabo en las inmediaciones del Salitre en la misma fecha.1.2 Estudiar la posibilidad y viabilidad de hacer una pasarela más larga en el escenario, como originalmente la maneja el artista en sus conciertos.1.3 Garantizar que el sonido y la visibilidad (sea directa o a través de pantallas) sea la óptima para que todos los asistentes puedan disfrutar del evento.2. LOGÍSTICA2.1 Garantizar la seguridad de todos los asistentes al evento, lo cual incluye prever y mitigar cualquier inconveniente o disturbio que pueda afectar su integridad. 2.2 Garantizar que el personal de logística que se contrate sea el idóneo y esté bien capacitado para resolver dudas y dar instrucciones. Esto incluye también pagarles lo justo para que se reduzca la posibilidad de que se vean tentados a aceptar sobornos de asistentes que quieran saltarse los controles.2.3 Garantizar y controlar la entrada previa o early entrance a todos aquellos que pagaron por el servicio.2.4 Garantizar y controlar que al concierto ingresen únicamente las personas que tengan su boleta, aunque ello implique que haya encargados en las puertas durante todo el espectáculo.3. SALUD E HIGIENE3.1 Establecer brigadas y puntos de primeros auxilios que sean de fácil acceso y claramente identificables dentro y fuera del concierto y también en la fila de ingreso.3.2 Adecuar espacios de baños públicos suficientes fuera del lugar del evento que puedan ser usados por los asistentes mientras ingresan al evento.3.3 Garantizar que los baños públicos dentro del lugar del evento estén en buenas condiciones para su uso durante el tiempo que dure el concierto.3.4 Ubicar puntos de hidratación en diferentes zonas que sean de fácil acceso y claramente identificables.3.5 Disponer de varios puntos de recolección de residuos durante la fila previa al concierto.3.6 Garantizar un espacio con buenas condiciones, tanto acústicas como de visibilidad, para las personas que padezcan algún tipo de discapacidad.Además de todo lo expuesto, EXIGIMOS que OCESA Colombia comunique públicamente qué medidas y acciones están tomando para evitar que lo acontecido en el concierto de Dua Lipa se repita en el show de Harry Styles.Agradecemos obtener una pronta respuesta a todas las peticiones presentadas.Atentamente, asistentes al evento "HARRY STYLES LOVE ON TOUR 2022"¡La música nos une!
Rihanna fue anunciada como la artista principal del show de medio tiempo del Super Bowl 2023. Su presentación será el próximo 12 de febrero. El anuncio fue sorprendente, pues Rihanna lleva más de 6 años sin lanzar música y otros más sin presentarse en vivo. Cabe recordar que no es la primera vez que piden a Rihanna cantar en este evento. En una entrevista con Vogue en 2019, Rihanna reveló que la NFL le había pedido que actuara en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl. En ese momento, la NFL todavía estaba lidiando con la reacción violenta por su censura al ex mariscal de campo Colin Kaepernick, luego de que comenzara a arrodillarse durante el himno nacional en 2016 en protesta por la injusticia racial en los Estados Unidos. La cantante de Diamonds se solidarizó con Kaepernick y ese año cantó Maroon 5. "La NFL y la CBS querían a Rihanna como intérprete en Atlanta. Se lo ofrecieron y ella dijo que no, por la polémica de la arrodillada. Ella no está de acuerdo con la posición de la NFL", declaró una fuente que prefirió no decir su nombre, a la revista US Weekly.“No podra atreverme a hacer eso. ¿Para qué?", dijo la artista. “¿Quién gana con eso? No mi gente. Simplemente no podía ser una vendida. No podría ser una facilitadora. Hay cosas dentro de esa organización con las que no estoy de acuerdo en absoluto, y no estaba dispuesta a ir y servirles de ninguna manera”.Más tarde en 2019, Roc Nation de Jay-Z, con la que firmó Rihanna, se hizo cargo de la producción del espectáculo de medio tiempo, y desde entonces ha estado a cargo de los shows con Shakira y Jennifer López en 2020, The Weeknd en 2021 y el más reciente que incluyó a Dr Dre. Eminem. Snoop Dogg, Mary J Blige, 50 Cent y Kendrick Lamar. Así como Rihanna, Pink rechazó la invitación de presentarse en el evento, de acuerdo con Entertainment Tonight. También se dice que la NFL consideró a Cardi B (la artista colaboró con Maroon 5 en Girls Like You), pero la rapera, al igual de Rihanna y Pink decidió "boicotear a la NFL hasta que vuelva a contratar a Kaepernick". En el show de medio tiempo de 2022, Eminem hizo referencia a ese momento al arrodillarse durante su show.
Recientemente, la Liga Antidifamación (Anti-Defamation League), una de las principales organizaciones mundiales contra el odio y la discriminación, publicó un informe en el que se critica a Spotify por tomar pocas acciones ante los contenidos de odio que se encuentran en la plataforma. En su informe, la Liga encontró 40 artistas supremacistas blancos en varios géneros y subgéneros musicales con el objetivo de difundir ideología supremacista blanca, promover el antisemitismo y el racismo, y promover el fascismo. Muchos de los artistas identificados fueron verificados, afirmó la organización, y utilizaron sus perfiles para compartir enlaces a otros espacios extremistas. Ser verificado en Spotify permite que los artistas supremacistas blancos se incluyan en las listas de reproducción oficiales seleccionadas de la plataforma, según concluye el informe. Estos son los géneros que, según el informe de la Liga, esconden contenidos supremacistas blancos. FashwaveSubgénero de música electrónica. Fue creado para difundir la ideología de la supremacía blanca, con su nombre derivado de la palabra fascismo. Rock Aganist CommunismEste subgénero destá lleno de canciones que promueven la ideología supremacista blanca como el antisemitismo y el racismo. Mientras algunos describen al RAC (Rock Aganist Communism o Rock contra el Comunismo) como un subgénero musical, otros lo identifican como un eufemismo para música con contenido racista y/o antisemita.“Aquellos que usan el término RAC a menudo lo hacen como una forma de camuflar la verdadera naturaleza de la música racista, porque el término no hace explícita la naturaleza racista de la música”, dice la Liga Antidifamación en su página web .Rock Against Communism fue el nombre de un concierto realizado en 1978. El concierto pretendía ser un contraataque a la organización Rock Against Racism. El primer concierto de RAC fue en Leeds, Inglaterra, con bandas de punk nazi como The Dentists y The Ventz.Black Metal NacionalsocialistaEste subgénero del black metal se enfoca en promover ideas de fascismo y supremacía blanca. Mayhem y Übermensch. Muchas de las ideas comunicadas en las letras de su música promueven el extremismo, la violencia y la guerra."A pesar de agregar condiciones anti-extremistas explícitas a su política de contenido, Spotify permite que florezca el contenido extremista. Entre el contenido extremista que se encuentra en las biografías de algunos artistas, los mensajes de supremacía blanca en las letras de algunas bandas y las imágenes de supremacía blanca que se encuentran en la portada, Spotify todavía tiene mucho trabajo por hacer para implementar su nueva política", concluye el informe. Bandas eliminadas de Spotify por discurso de odioEl informe agrega que tras su publicación, la música de 2 bandas fue eliminada de Spotify: la primera era Pugilato NSHC, una banda española con 4.000 oyentes mensuales en Spotify que, según el informe, tiene letras que promueven el nacionalsocialismo. El sencillo más reciente de la banda, titulado A3OB(AZOV), es una canción que apoya la lucha del Regimiento AZOV en Ucrania, que ha sido celebrada por muchos en la comunidad supremacista blanca por sus conexiones pasadas con el neonazismo.Otra banda eliminada fue Wiking 1940. El grupo está compuesto por dos miembros, uno de los cuales se conoce con el nombre de Lord Himmler (una referencia al político nazi Heinrich Himmler). Una de sus canciones comienza con el audio de un discurso de Adolf Hitler e incluye una letra antisemita.Spotify declaró que había eliminado 12 000 episodios de podcast, 19 000 listas de reproducción, 160 pistas de música y casi 20 álbumes por violar su política de contenido de odio a nivel mundial, según informa Gizmodo.
El BIME se ha posicionado como un punto de encuentro vital para la industria cultural iberoamericana. Luego de su paso por Bogotá, el encuentro llegará a Bilbao del 26 al 29 de octubre de 2022. Por esos días, la ciudad española en uno de los epicentros de la música, la innovación y los negocios internacionales. Además, se alista para regresar a Bogotá en 2023. Anoten en el calendario, porque el BIME vuelve a Colombia entre el 3 y el 7 de mayo. Qué hay para ver en el BIME Bilbao 2022Uno de los principales objetivos del BIME siempre ha sido el diálogo entre lo local y lo mundial dentro de la industria musical, además de ofrecer dentro de su programación una serie de conciertos en vivo en el marco del evento. La programación general del encuentro está dividida en dos partes: BIME PRO, un congreso principalmente dirigido a un público profesional en el que se realizan tres jornadas de networking, ponencias, talleres y masterclasses, que se desarrollarán en el Palacio Euskalduna; y el BIME LIVE, una programación de música en directo de la cual podrá disfrutar todo el mundo en salas y/o escenarios al aire libre.Este año el BIME tendrá la participación de países como Portugal, Brasil, Chile, Argentina, Venezuela, México, Cuba, Perú o República Dominicana, Alemania, Países Bajos, Francia, Finlandia y Austria, entre otros. Colombia estará participando en la programación de Bime Bilbao con una delegación encabezada por Leila Cobo, vicepresidenta de contenido latino de Billboard, Mónica Zuluaga, directora de mercadeo digital e innovación de Caracol Next, Beatriz de la Pava, periodista de la BBC de Londres, Mauricio Salazar, director General de Social Colectivo y TedX BogotáDentro de las figuras que también harán parte del bloque pedagógico estarán Afo Verde, presidente y CEO de Sony Music Latin-Iberia; Rebeca León, manager de Rosalía; Christine White, programadora de más de 500 actuaciones de Jazz & del Heritage Festival de Nueva Orlean; Jeff Rona, compositor para legendarios como Ridley Scott o Steven Spilberg, entre muchos otros.Más de 65 conciertos al aire libre: estos son los artistas del BIME LIVEBilbao se llenará de música por cuatro días consecutivos. Un total de 65 artistas de Alemania, Cuba, Francia, Colombia, Austria, Chile, Países Bajos, Argentina, Polonia, Portugal y España, se presentarán de miércoles a sábado en diferentes escenarios al aire libre y salas de la ciudad. Además, se le sumará una serie de proyecciones de documentales musicales para completar la programación musical.Estos son los artistas que se presentarán en el BIME LIVE 2022 en Bilbao. La lista incluye actos colombianos como el de La Muchacha Isabel, N. Hardem y Caro Castilla. 31FAM (ES)AIKO EL GRUPO (ES)ALBERTINE SARGES (DE)ANAÏS (DE)ANNA MAJIDSON (FR)ATZUR (AT)BEA PELEA (ES)BENGO (ES)BEN YART (ES)BRENDA NAVARRETE (CU)BUM MOTION CLUB (ES)CARLOTA FLANEUR (ES)CARRERA (ES)CARO CASTILLA (CO)CHAQUETA DE CHANDAL (ES)CHEF'SPECIAL (NL)CHINI PNG (CL)COSMIC WACHO (ES)CUT_ (NL)DANI (ES)DELAURENTIS (FR)DEREK.V.BULCKE (ES)EDU ERREA BAND (ES)ENRY-K (ES)ERIK URANO & MERCA BAE (ES)EUSKOPRINCESS (ES)FAXU (ES)FRIOLENTO (CO)GHOULJABOY (ES)GIANLUCA (CL)HIPNOTICA (AR)HOFE (ES)IDOIA (ES)IDOIPE (ES)IFI UDE (PL)JUDELINE (ES)KARAVANA (ES)KARMENTO (ES)KATANGA DUB (ES)LA ÉLITE (ES)LAGUNA GOONS (ES)LA MUCHACHA (CO)LOS BESOS (AR)LOS PUNSETES (ES)MAELFOY (DE)MAGIA BRUTA (ES)MARCELINO, EL MARCIANO (ES)MERINA GRIS (ES)MICE (ES), MUERDO (ES)N. HARDEM (CO)NIÑOS DEL CERRO (CL)QUERALT LAHOZ (ES)RAKKY RIPPER (ES)ROSARIO LA TREMENDITA (ES)ROSIN DE PALO (ES)SAMURAÏ (ES)SANDRA MONFORT (ES)SANTERO Y LOS MUCHACHOS (ES)SEÑORA (ES)SCOTCH & WATER (DE)SHAKIRA MARTINEZ (ES)SHEGO (ES)SKAKEITAN (ES)STAYTONS (ES)TIGRE Y DIAMANTE (ES)VVV [TRIPPIN'YOU] (ES)YAEL MEYER (CL)YIN YIN (NL).El BIME busca así acercar su programación tanto al público profesional que se encontrará en el congreso musical como al público final de Bilbao, democratizando el acceso a la cultura y convirtiéndose en una celebración de la música que apuesta por el nuevo talento artístico, situándose en el centro mismo de la ciudad.
