Después de estrenar su álbum Soles negros en vivo, la banda bogotana aprovechó el encierro, para dejar plasmado en Las torres, la influencia por la que pasaron durante todo este tiempo. Nuevos sonidos y la curiosidad de experimentar sonoridades electrónicas son el resumen de su nuevo lanzamiento. La canción condujo a Andrés Toro, el guitarrista, a sumar a sus cuerdas un melotrón virtual, y a cantar acompañando a Mateo Paris a lo largo de toda la canción, como también lo hace Andrés Sierra, el bajista. Así, Las Torres se componen de un conjunto de elementos que le dan un toque diferencial a este tema, respecto a toda la producción musical anterior de la banda. ¿Quién está detrás? Los cuatro junto al productor Kiko Castro haciendo una observación de la situación extraña por la que atraviesa el mundo, desde una exploración sonora distinta a la que estamos acostumbrados. ¿A qué suena? Es el resultado del encierro, componiendo y arreglando desde un lugar al que no estamos acostumbrados, pero que queremos explorar. ¿De qué se trata la canción? La canción habla de que todo lo que no esté bien consolidado se va a caer, y que las estructuras que permanezcan van a ser testigo de un cambio. (Una estructura no es solo un lugar físico) ¿Cuándo recomienda escucharla? Recomendamos escucharla siempre que uno necesite reafirmar sus estructuras para estar tranquilo en esta época de cambios. Andrés Sierra – bajista.
Hace siete años que el cantante bogotano Chris Murillo Isaza, decidió presentar su proyecto solista Isaza, su debut lo hizo con la canción Magnum. Es un apasionado del hip hop vieja escuela como lo define él, la moda también ocupa un espacio importante dentro de su propuesta musical, en cada canción hay estéticas recargadas de diferentes estilos. Su sonido mezcla un poco el dubstep, el trap y la música electrónica. En 2018 Isaza estrena el EP En la casa, con 6 temas, producido por Isaza y musicalizado por Juan Antonio Villamizar y Robert Pérez. En el 2019 Isaza se une al colectivo artístico Da Hive, conformado por otros proyectos de hip hop como Bomba Tronik y Alien Cruz. Isaza presenta junto al freestyler bogotano Alien Cruz X amor al arte, un videoclip rodado en cuarentena, que hace parte de una serie de 3 videos, llamaods Un sueños de Isaza. ¿Quién está detrás? La canción fue producido por Qemickal, productor de hip hop entre otros géneros. La letra es de Isaza y Alien Cruz. ¿A qué suena? Suena a rap, queríamos una fusión o un punto intermedio entre el hip hop y trap, esas fueron las influencias. ¿De qué trata? Trata sobre el amor, sacrificio, esfuerzo y dedicación que tenemos que poner como artistas independientes en nuestra música, trata sobre la persistencia y lucha para poder sacar cada canción a flote a pesar de las adversidades y lo difícil que es el medio en este país. ¿Cómo se dio la colaboración? En 2018 estaba conectado en Facebook y vi a Alien por casualidad haciendo algo de freestyle. Me encanto como sonaba y también su estética, soy muy visual y me sentí enganchado con lo que vi. Le escribí y empezamos a hablar de colaborar. Finalmente todo se dio en 2019 cuando Alien me presento a Qemickal pues ellos ya trabajaban juntos. Yo quería ir más en dirección del rap, mis anteriores canciones son más electrónicas y Qemickal lo entiendo perfectamente. Una vez lista la pista Alien me pasó su parte de la letra y fue él quien propuso el tema del que hablaría la canción, yo me sentí bastante identificado así que escribí mi parte y grabamos. ¿Sobre el video qué? Con el vídeo pasaron muchas cosas. Al principio lo iba a hacer con el director Santiago Quiceno artista al que admiro mucho y entiende la moda y la música. Pero cuando empezamos con la cuarentena todos esos planes se vinieron abajo así que el proyecto estuvo congelado un rato. Finalmente decidí que como dice la letra de la canción yo era capaz de sacar esto a flote a pesar de las adversidades y me aventure a hacerlo yo mismo, con los recursos que tenía a la mano pues en ese momento era imposible hacer un rodaje como normalmente se hace. Me inspiré en los sueños que tuve durante la cuarentena. Por aquella época estaba obsesionado con los viajes en el tiempo, el espacio y el fuego. Me soñaba que en medio del encierro viajaba desde mi cama a los confines del universo y que atravesaba agujeros negros que me llevaban a otras épocas con una única conexión, el arte! así que cree algunas situaciones que intentarán emular eso en el vídeo como una especie de marco de títeres o teatrino en el qué estamos a veces en 1500 o así mismo en el futuro o en el presente, las épocas trate de evidenciarlas en los looks del vídeo. También trate de usar el fuego pues es el motor que le da vida a todo por qué está presente en las estrellas y sin estrellas no habría vida, sin vida no habría arte. Use mucho el color verde es el favorito de Alien. ¿Cuándo recomienda escucharla? Está canción es enérgica y trasmite rudeza. Recomiendo escucharla en momentos en los que sintamos que necesitamos un impulso de buena vibra y positivismo. También para trotar o hacer una rutina e ejercicio, me parece genial.
Después de presentar su Ep Mensajes de voz, en inglés y español y su más reciente sencillo Tonight donde invitaba a disfrutar y aceptar la soledad, la cantante norteamericana continúa revelando su versatilidad y sobre todo su deseo de hablar de situaciones y momentos cotidianos en sus canciones. Su nuevo sencillo ¡Párate!, es esa voz de aliento que necesitan muchos en tiempos inciertos. ¿De qué trata la letra? ¡Párate! es un tema que habla acerca de cuando uno se siente tan débil mentalmente y físicamente que eventualmente te hartas y llegas a un punto que te paras y empiezas a moverte en la dirección en cual quieres que tu vida fluya y el crecimiento que deseas. Quiero que cuando la gente la escuche se sienta motivada a hacer cambios o movimientos que le permitan empezar de nuevo y superar nuevos retos. ¿Qué sonidos se destacan en la canción? A mi productor Sam Romans, le encanta la guitarra española, entonces quisimos fusionar los hermosos sonidos de la guitarra acústica con sonidos de hip- hop y R&B ¿La historia del videoclip? A mí me encanta la iconografía mexicana, aunque tengo raíces, la conocí hasta hace muy poco, y estoy enamorada, el video es un collage de iconos cargados de energía y significados. Símbolos que perecen oscuros pero representan buena energía, familia, energía y amor.
Calma Carmona estrena el segundo sencillo de su próximo álbum CALMEEZY. Vibra fue compuesto por la cantante puertorriqueña y producido por J. Rochet. Un dancehall con ritmos de bomba y una carga de sintetizadores. “Es una canción que mira hacia adentro en momentos de aparente soledad, es un respiro, un momento de alivio para todo el que lo necesite, la letra es un mensaje directo para que entiendas que la única persona que puede cuidar de ti, eres tú” - Calma. El video fue grabado en San Juan de Puerto Rico, y dirigido por el puertorriqueño Celso González. En el video se aprecia una línea futurista y minimalista, es un viaje a través del tiempo a otras dimensiones. Aparte de protagonizar el videoclip, Calma debuta como bailarina, pero lo hace de la mano de los reconocidos coreógrafos Lumarie Landrau y Jonathan “Kicker” González. Para el director del video, la idea era mostrar a la mujer en un viaje donde pude explorar la sensualidad sin perder el poder femenino, y lograr con el baile unir estos mundos paralelos con la vibra de cada uno. “La canción reafirma que todos los seres humanos tienen la habilidad de crear su propia energía; cada uno crea su propia vibra, que tendrá un efecto en sí mismo y en todo lo que le rodea” – Calma
Cohetes tenía planeado estrenar un nuevo EP antes del confinamiento obligatorio. Ya tenía algunas canciones y faltaban otras por componer, así que estos meses de aislamiento sirvieron para que fluyera la inspiración y las emociones quedaran registradas en canciones. Juan Pablo Pulido, o simplemente Cohetes, se ha mantenido navegando entre los sonidos del pop, rock y la música electrónica. Este EP fue un reto y un descubrimiento diferente, hablamos con él para entender el universo que creó y el diario que relató en Cuarentenautas. ¿Qué tan inspiradora fue esta época? Le pasan muchas cosas a uno por la cabeza cuando está encerrado. Fue una oportunidad y un chance de entrar en mi mente y en todo lo que está pasando en mi interior y volverlo canción, escribirlo, componerlo. Cuando empecé a escribir Juntos a Plutón lo hice desde el piano. Yo no soy teclista, soy más guitarrista, pero quise experimentar. Con esa fórmula el piano te da otros colores para componer guitarras. ¿De qué hablan las canciones? Las canciones no solamente hablan de sentirse encerrado, también de sentirse solo. Muchas personas nos sentimos muy solas cuando nos tocó encerrarnos por no poder tener acceso a socializar con otras personas ni tener ningún tipo de contacto. A mí me gusta estar en contacto con la gente y me afectó mucho eso. La situación me hizo pensar sobre muchas cosas que viví, personas con las que ya no estoy por culpa mía o por culpa del destino, y de ahí salieron las canciones. Una relación que se terminó y uno le quiere decirle cosas a esa persona, pero no puede... así nació Cuarentenautas. ¿Cómo fue el proceso de grabación? No podía ir a un estudio de grabación entonces me tocó hacerlo en un home studio. Empecé a grabar los teclados, programar las baterías... no soy muy instrumentalista, entonces les decía a muchos amigos: “quiero hacer una línea de bajo para esta parte”. Eloisa Arango, una saxofonista, coloco su saxo, los músicos hicieron cosas desde su casa. Yo iba conectando todo y armando las canciones, y al final uno de mis mejores amigos hizo un gran trabajo de master y de mezcla. Yo no esperaba tener un sonido tan chévere, quedé muy satisfecho y me di cuenta de que uno puede hacer muchas cosas en la casa. Con elementos muy básicos se dan muy buenos resultados. Yo creo que hoy en día muchos artistas de talla grande graban sus discos y sus canciones en un home studio y no se van a estudios con equipos de millones de dólares, sino que en su casa logran hacer un muy buen sonido de manera lowfi. No estamos grabando con la mejor calidad, pero aun así suena muy bien, y hay mucha música de esa. ¿Qué aprendió grabando el EP? Muchas cosas que no había hecho antes. Yo soy compositor, sé algunas cosas de producción, pero nunca me atreví a producir mi propia música o las canciones que yo escribía, siempre me producían otros. Esta vez no fue así y le di un concepto al EP sin planearlo. Cada canción iba mostrándome el color y la onda que debía tener. Aprendí mucho de producción, a darme cuenta de que tengo todas las posibilidades de producir mi música, aunque no lo haré siempre porque es bueno tener otra visión. Eso fue muy bueno, muy enriquecedor. Aprendí muchas cosas solo y estoy muy contento de haberlo hecho. Tuve el tiempo y el espacio, a solas, en el cuarto donde tenía guardado todos mis fantasmas. Fue como convivir con ellos. ¿Cómo ordenó las canciones para armar una historia? Las canciones fueron ubicándose solas en el EP en el lugar donde deberían estar. Al final, cuando tenía todas las canciones dije, “necesitamos un intro”, y el intro suena como yo me lo imaginaba. Suena a estar encerrado, pensativo, a la lluvia, a todos esos elementos. Una persona subiendo las escaleras, con un piano, lo abre comienza a tocar, empieza a escribir y en el fondo se escucha la ciudad, la lluvia. Es como una situación acogedora, nostálgica, medio oscura. Así me imaginé el escenario de las canciones y empecé a componer con acordes, con un beat que me llevara a eso. Yo me imagino a una persona que está sentada en la ventana viendo llover y acordándose de esa persona que ya no está. Y así fue. Al final la última canción es como un cierre y la persona que está ahí termina de tocar, se para y cierra la puerta. Tenía mucho sentido, no lo planee así pero qué bueno que la gente lo haya podido leer así. ¿‘Cuarentenautas’ es un diario musical? Fue un EP hecho en la cuarentena. Le digo a la gente de esta generación que a muchos nunca nos había tocado algo así en la vida y en unos años nos vamos a acordar. Hay muchos elementos que la gente va a conectar. La cuarentena nos enseñó que así estemos en un lugar seguro, no lo estamos realmente porque estamos batallando mucho con nosotros mismos. Nos enseñan a protegernos del virus que está afuera, pero ¿qué pasa con lo que está adentro? Ahí empieza la discusión de la cuarentena. Estas canciones fueron un retrato de todo lo que pensé y sentí en la cuarentena. todos esos elementos le dan el color y el sabor que tiene Cuarentenautas. Después de lanzarlo amigos y mucha gente dicen “muy chévere”, pero creo que ahora esa apreciación fue más real. Me lo dijeron porque se identificaron con las canciones, cada uno a su manera, acordándose de lo que ha vivido, y con las emociones que viene cargado el EP. ¿Cómo fue el encuentro con el R&B? En esta cuarentena llegué a escuchar mucho R&B. Me metí a una plataforma de streaming donde hay una playlist que se llama Alternative R&B y descubrí una cantidad de artistas. He explorado un estilo de Cohetes, que la gente ya conoce y me identifica, pero también me gusta hacer esto: música tranquila que ponga a la gente a dedicarle canciones al ex, a acordarse de una relación, que reviva la tusa y así este tranquila mental o emocionalmente recuerde cosas. Eso lo pasamos todos y ahora en cuarentena más. Entendí qué acordes usan, cuáles son los beats, cómo componen la melodía de la voz, cómo cantan... aún me falta entender mucho del R&B, que es un estilo muy bonito que quisiera sumarle a la fórmula de mi sonido en general. Track by track Cuarentenautas Es una canción en la que uno le dice a esa persona con la que ya no está que uno reconoce que tuvo sus errores, pero en medio de todo amó de verdad. Hay una parte que dice: “aunque no soy perfecto y sé que no fui muy decente, creo que siempre fue real mi amor”. Otro planeta Ya había lanzado en formato full. La compuse una vez que conocí una persona en una reunión y quedé totalmente flechado por ella, pero nunca logré nada y nunca la volví a ver. Estábamos en una reunión tomándonos unos tragos con unos amigos, yo la veía, me imaginaba diez mil historias como novios y viajando. Ella nunca mostró eso y además nunca la volví a ver. Sé quién es, pero nunca tuve la oportunidad de volverla a encontrar, fue una relación amorosa de cuatro horas. En la canción colabora Lunalé. Como el formato es acústico pensé tener colaboraciones de mujeres en este EP. Ya la conocía porque hemos tenido los mismos productores. Juntos a Plutón Habla de cómo cuando terminas con alguien siempre le dejas la puerta abierta. La canción dice que a pesar de todo lo que pasó, o sea que pase, dejo la puerta abierta para que lo volvamos a intentar cuando tú quieras. Tarde La hice el año pasado. Habla de cuando uno ya acepta de que todo se acabó, o tal vez puede darse otra oportunidad, pero en este momento ya es tarde. Conocí por cosas de la vida a una mexicana con una voz increíble, Renee complementó mucho la canción. Me envió como 15 tracks con arreglos que ella había hecho, los acomodé y la canción con la voz de ella quedó más aguda. Lo que te hizo ir Es una canción que habla de perdón, no solo hacia otras personas, sino cómo te ayuda perdonarte a ti mismo. Es mucho más fácil perdonar a otro que perdonarse a sí mismo y a veces uno no se da cuenta de eso y se echa látigo. Yodos cometemos errores.
Jei es un bogotano que desde los 11 años empezó a estudiar música y continuó en su adolescencia y adultez joven cuando en la Universidad estudio violín y canto lírico. A los 20 años terminó su relación con el violín y guiado por Julia María Guillen, una de las más grandes sopranos colombianas, se dedicó al canto. Desde que vivía en Bogotá hacía performance en los escenarios de Gaira, El Teatro Jorge Eliecer Gaitán, Casa E, Festival Iberoamericano de Teatro y en otros lugares del país. Hace tres años llegó a Nueva York con su obra La mujer barbuda, que ganó dos premios como mejor monólogo masculino del HOLA (Hispanic Organitation of Latin Actor) y del LATA (Latinamerica Theather Awards). El monólogo escrito y dirigido por él continúo cosechando premios y reconocimientos. Desde ese momento su pasión por el cabaret y los teatros de Broadway aumentó. “En Colombia no pensaba que podía escribir letras de canciones, escribía más que todo teatro, monólogos y demás, porque sentía que me faltaba la inspiración para escribir música como tal, una canción o algo especial. A través del tiempo me llegó la inspiración y tenía letras específicas que me habían marcado, de ahí salieron Chico raro y Marica, otra de las canciones del EP. Nueva York me permite desarrollar la composición”, cuenta Jei. Chico raro es su EP debut compuesto por cuatro temas: Chico Raro, Pajarxs, Maricas (electro bitch mix), Maricas (Broklyn Underground mix9). Fue producido por Prince of Queens at Búnker y masterizado por Frank Merritt at The Carvery. El videoclip fue grabado en su apartamento en esta época de cuarentena y fue producido por El Búnker Collective. Por estos días está grabando su segundo videoclip, Pajarxs, una canción inspirada en el encierro y los amores tóxicos, para Jei la parte visual es muy importante, es la manera de multiplicar el mensaje de la canción. Al poco tiempo de estar en Nueva York se dio cuenta de la fuerza que tenía el transformismo queer en todas las manifestaciones artísticas, algo que definiría su imagen más adelante. Continuó estudiando música clásica y moderna, y la pandemia le dio el tiempo que necesitaba para trabajar en su proyecto musical. Para eso se reunió con Prince of Queens, el productor, y con Lucho Parra, videografo, para darle vida a las canciones que escribió inspiradas en algunas de sus historias. Juntos armaron lo necesario para debutar con Chico raro, el primer track y su carta de presentación: una canción inspirada en todas las personas que soportan las críticas y el bullying por decidir mostrarse con una orientación o una identidad de género diferente. Su música quiere aportar a esta revolución de ser uno mismo, y espera que sus letras sirvan para construir un mundo más inclusivo. Prince of Queens ha trabajado también con la banda colombiana radicada en Nueva York, Combo Chimbita. Su sello disquero es Kuzumbo Records, dedicado a los sonidos tropicales y africanos de Colombia, Puerto Rico, Panamá, Venezuela, entre otros países. “Soy fanático de la música de los 80, de las divas del jazz, pasando por María Callas, Billie Holiday, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald, todo el sonido retro de los 80, incluso el techo de ahora. Si tuviera que definir un poco mi sonido, diría que está compuesto de sintetizadores y máquinas, y varios géneros en uno, pero que es muy jazz y punk combinado con pop”, cuenta Jei. Su estética esta recargada e inspirada en las Butch Queens (hombres gays que no son ni extremadamente femeninos ni extremadamente masculinos y que pueden retratar fácilmente de ambas maneras). Con una estética masculina brusca que “me gusta porque es punk y visualmente es agresiva, una estética bizarra, con atributos del cabaret”, explica Jei. “Me especialicé en cabaret aquí y es una combinación de todo lo que he hecho en mi carrera que empezó a los 15 años”, añade. La promoción de este primer EP seguirá durante el resto del año, pero Jei sigue haciendo música y afirma que ya tiene otros cuatro temas para un nuevo EP que está trabajando con otro productor, para buscarle un giro a su sonido.
Jei es un bogotano que desde los 11 años empezó a estudiar música y continuó en su adolescencia y adultez joven cuando en la Universidad estudio violín y canto lírico. A los 20 años terminó su relación con el violín y guiado por Julia María Guillen, una de las más grandes sopranos colombianas, se dedicó al canto. Desde que vivía en Bogotá hacía performance en los escenarios de Gaira, El Teatro Jorge Eliecer Gaitán, Casa E, Festival Iberoamericano de Teatro y en otros lugares del país. Hace tres años llegó a Nueva York con su obra La mujer barbuda, que ganó dos premios como mejor monólogo masculino del HOLA (Hispanic Organitation of Latin Actor) y del LATA (Latinamerica Theather Awards). El monólogo escrito y dirigido por él continúo cosechando premios y reconocimientos. Desde ese momento su pasión por el cabaret y los teatros de Broadway aumentó. “En Colombia no pensaba que podía escribir letras de canciones, escribía más que todo teatro, monólogos y demás, porque sentía que me faltaba la inspiración para escribir música como tal, una canción o algo especial. A través del tiempo me llegó la inspiración y tenía letras específicas que me habían marcado, de ahí salieron Chico raro y Marica, otra de las canciones del EP. Nueva York me permite desarrollar la composición”, cuenta Jei. Chico raro es su EP debut compuesto por cuatro temas: Chico Raro, Pajarxs, Maricas (electro bitch mix), Maricas (Broklyn Underground mix9). Fue producido por Prince of Queens at Búnker y masterizado por Frank Merritt at The Carvery. El videoclip fue grabado en su apartamento en esta época de cuarentena y fue producido por El Búnker Collective. Por estos días está grabando su segundo videoclip, Pajarxs, una canción inspirada en el encierro y los amores tóxicos, para Jei la parte visual es muy importante, es la manera de multiplicar el mensaje de la canción. Al poco tiempo de estar en Nueva York se dio cuenta de la fuerza que tenía el transformismo queer en todas las manifestaciones artísticas, algo que definiría su imagen más adelante. Continuó estudiando música clásica y moderna, y la pandemia le dio el tiempo que necesitaba para trabajar en su proyecto musical. Para eso se reunió con Prince of Queens, el productor, y con Lucho Parra, videografo, para darle vida a las canciones que escribió inspiradas en algunas de sus historias. Juntos armaron lo necesario para debutar con Chico raro, el primer track y su carta de presentación: una canción inspirada en todas las personas que soportan las críticas y el bullying por decidir mostrarse con una orientación o una identidad de género diferente. Su música quiere aportar a esta revolución de ser uno mismo, y espera que sus letras sirvan para construir un mundo más inclusivo. Prince of Queens ha trabajado también con la banda colombiana radicada en Nueva York, Combo Chimbita. Su sello disquero es Kuzumbo Records, dedicado a los sonidos tropicales y africanos de Colombia, Puerto Rico, Panamá, Venezuela, entre otros países. “Soy fanático de la música de los 80, de las divas del jazz, pasando por María Callas, Billie Holiday, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald, todo el sonido retro de los 80, incluso el techo de ahora. Si tuviera que definir un poco mi sonido, diría que está compuesto de sintetizadores y máquinas, y varios géneros en uno, pero que es muy jazz y punk combinado con pop”, cuenta Jei. Su estética esta recargada e inspirada en las Butch Queens (hombres gays que no son ni extremadamente femeninos ni extremadamente masculinos y que pueden retratar fácilmente de ambas maneras). Con una estética masculina brusca que “me gusta porque es punk y visualmente es agresiva, una estética bizarra, con atributos del cabaret”, explica Jei. “Me especialicé en cabaret aquí y es una combinación de todo lo que he hecho en mi carrera que empezó a los 15 años”, añade. La promoción de este primer EP seguirá durante el resto del año, pero Jei sigue haciendo música y afirma que ya tiene otros cuatro temas para un nuevo EP que está trabajando con otro productor, para buscarle un giro a su sonido.
La banda Bright Eyes se prepara para lanzar Down in the weeds, where the world one was, su décimo álbum de estudio que estará disponible a partir del 21 de agosto de 2020. La última presentación de la banda fue el 21 de noviembre de 2011 en Hawaii, y desde entonces la banda se había mantenido fuera de los escenarios. Sin embargo recientemente las redes sociales de la banda fueron reactivadas, indicándoles a los fanáticos que algo se traían entre manos. El 23 de junio la banda volvió a presentarse en vivo, en el show de Stephen Colbert, interpretando Mariana Trench, el cuarto sencillo del que será su décimo álbum. Antes de que los fans conocieran Mariana Trench, la banda había liberado otros tres sencillos: Persona non grata, Forced convalescence y One and done, todos pertenecientes a Down in the weeds, where the world one was. Down in the Weeds es el álbum más colaborativo de Bright Eyes. Cambiar radicalmente el proceso de composición tras 25 años podría parecer ser abrumador, pero Conor Oberst, vocalista de la banda, dijo que no hubo trepidación: “Nuestra historia y nuestra amistad, y mi nivel de confianza en ellos, es muy completa y profunda. Quería que se sintiera como un monstruo de tres cabezas". Down in the Weeds, Where the World Once Was es un disco enorme atrapado en el profundo intermedio entre el duelo y la claridad – un brazo luchando contra sus demonios, y el otro sosteniendo la mano del amor, a pesar de ello. El 21 de agosto de 2020, día del lanzamiento del álbum, Bright Eyes realizará un show virtual dedicado a los fanáticos. Los primeros 10 fans que hagan el pre-save del álbum quedarán inscritas para ver el show. Pueden hacerlo aquí:
Hace tres años que La Sociedad de la Sombrilla sorprendió al público con su álbum debut Resiste, nueve tracks con un sonido que tiene influencias del blues y el stoner. Durante estos años rotaron en varios escenarios y grabaron otras canciones que consolidaron a la banda dentro de las nuevas apuestas del rock nacional. En el 2019 grabaron las canciones de su nuevo Ep, Verdad animal. Juan Pablo, Samuel, Nicolás, y Alejandro decidieron a finales del 2018, internarse en una cabaña en Suesca para hacer música acompañados solo de instrumentos musicales en un espacio diminuto, medio punk, que le sumó un feeling especial a las cinco canciones que conforman Verdad animal. Hablamos con Juan Pablo acerca de este nuevo trabajo discográfico y del camino que tomará la Sociedad antes de terminar el 2020. ¿Qué quieren destacar en ‘Verdad animal’? Verdad animal es la profundización de los intereses musicales que presentamos en Resiste. En este álbum nos concentramos un montón en sonidos del stoner rock, del blues rock, y con Verdad animal ahondamos en esos intereses musicales y los llevamos un poco a las profundidades. En la lírica hay canciones que tienen que ver con ideas de transformación, y cambio. Por ejemplo, Verdad animal que le da título a este EP, nos presenta una idea al culto del cambio, abrazar el mañana, echarnos a la corriente, no cuestionarnos si hay un sentido con lo que estamos haciendo, más bien, vamos a gozarnos el camino hasta llegar a donde nos lleve. ¿Con este EP cierran un ciclo? Verdad animal lo hicimos los cuatro, la separación se dio en medio de la cuarentena y nos convertimos en un dúo (Nicolás y Juan Pablo). Con toda esta situación y siendo conscientes frente al panorama nacional, fue la oportunidad perfecta para repensarnos. Nos encanta el rock, pero ¿qué tal si salimos de nuestra zona de confort y exploramos otras posibilidades? Además, en una cuarentena la posibilidad de reunirnos y tocar, como estamos acostumbrados, se imposibilito y decidimos entonces explorar un poco la máquina y nos metimos en el proyecto de versionar nuestro Ep, más electrónico, más bailable. Es nuestra música, pero nos damos la libertad de proponer algo diferente a ser la banda rockera que nos ha definido hasta hoy. ¿Cuál es el reto de la nueva Sociedad? Hoy más que nunca hay un desafío, porque la música alternativa está en discusión con el tema de los géneros y sentimos que los espacios cada día son menores para bandas como La Sociedad de la Sombrilla. Los festivales se están concentrando en otro tipo de propuestas, lo indie influenciada por el pop ochentero, post punk, lo raizal sigue teniendo relevancia. El rock cada vez representa menos interés para el mercado nacional y es difícil mantenernos en esta postura, que al final es lo único que nos sale como banda. Somos conscientes que este cambio representa un gran reto para nosotros, pero queremos mantener una estética oscura y densa. El próximo trabajo discográfico se va a llamar Versiones noche, apelando a un ambiente electrónico y de baile, y a esa añoranza que tenemos de salir a bailar y de un nuevo disco a ver cómo se desarrolla. Track by track Transición Es el primer sencillo. Una canción que introduce elementos que no habíamos usado antes, por ejemplo, la guitarra acústica marcando el tema, la percusión con congas en un segundo plano, y un colchón de sintetizador que hace que la canción sea ambiental y atmosférica. Fue una canción que escribí cuando estaba llamando el cambio, me vi estancado en mi vida personal, emocional, y necesitaba de verdad una transformación, tratando de llamar esas energías como si fuera un amuleto de renovación. Siento que la canción terminó siendo un presagio de un cambio que viviríamos, por lo menos como banda. Madre Tierra Es la canción más sencilla del disco, va al grano, nuevamente esta figura de rock de frente, el riff pesado, muy reflexiva acerca de la humanidad. Hemos construido un escenario de destrucción, ensañados en nuestra vanidad, en la vida pantalla que llevamos y que no nos deja ver más allá de nosotros mismos, y como terminamos sumergidos en un estado de irreflexión por estar todo el tiempo estimulados y estimulando nuestra vanidad. Colabora Sebastián Paness,o guitarrista de los PetitFellas Corriente Apela mucho a un ambiente sexual. Es una invitación a echarse a la suerte si a uno le gusta alguien, no pensarlo mucho y simplemente vivirlo. Es una canción con influencias del stoner rock, del blues rock, y colabora Juan Amaya de Seis Peatones, que nos aporta el momento más alto del tema con un solo de guitarra monumental. Verdad Animal Es una invitación a no preguntarnos tanto sobre el sentido vital de las cosas, sino más bien echarse a la caminata y por esa razón titula el disco: sintetiza la idea de andar como un animal sin ser conscientes de que un día vamos a morir, de que las cosas no tienen sentido, sino vivir a tope, sin ese exceso de análisis que lo lleva a la parálisis de uno mismo. En esta canción colabora Steven Baquero de Apolo 7. La misma mierda Es la única canción con la que llegamos al estudio sin una letra. En ese momento teníamos una idea instrumental y la grabamos en el 2019 junto a las otras canciones y a medida que fue pasando el tiempo nunca lográbamos dar con una letra y con una idea que nos dejara cómodos y satisfechos, y se fue perfilando como una toma descartada del disco. Cuando inició la cuarentena, entendimos un poco la necesidad de estar activos en las plataformas y dijimos ¿qué tal si intentamos retomar el tema?, así tenemos más material para el resto del año. Desempolvamos la sesión y empezamos a trabajar una letra pensando en este escenario pandémico, cómo nos hemos relacionado con la red social y nos inspiramos en eso. Hemos abusado de los medios y de la voz con la que nos expresamos y sentimos que generacionalmente somos la mejor banda, que vamos a sacar las mejores canciones, y lo que sea que se nos ocurra vamos a mostrar que somos los mejores, y al final con toda esa saturación visual terminamos siendo la misma mierda.
Alejandra Guzmán es una de las cantantes más representativas de la música latina. Su poderosa voz, su manera de interpretar las canciones y sus giras la han colocado en un lugar importante dentro de la industria musical. Este año regresa con nueva música como antesala a la celebración de sus tres décadas de trayectoria musical. Vive y deja vivir, junto a Ñengo Flow es el primer corte de su nuevo álbum que espera ver la luz antes de terminar el 2020. Una canción fresca, inspirada en la esencia de la vida misma, Su letra acude a grandes frases de la literatura universal y a los refranes populares. ¿Ser o no ser? ¡Atrévete! Es una invitación a vivir una vida real, intensa, sin pedir opinión o permiso. La canción fue co escrita por la cantante y producida por el colombiano Nicolás Mayorca. Su sonido es una mezcla de música del caribe con música regional mexicana. El videoclip animado muestra a sus protagonistas, Alejandra y Ñengo convertidos en avatars, con super poderes para cambiar a su paso los malos momentos por los que están atravesando algunas personas.
Varios artistas de la banda sonora de la serie Fallout de Amazon Prime Video han visto aumentar dramáticamente sus números en plataformas de streaming. Los oyentes mensuales de Sheldon Allman aumentaron de 88,881 a 184,767 en la semana posterior al lanzamiento de Fallout, según el boletín TheMusicXP. El programa usó su canción Crawl Out Through The Fallout en el primer episodio.Jack Shaindlin y Connie Conway también vieron un aumento del 80 por ciento en su número de oyentes mensuales, como cita NME. I'm Tickled Pink de Shaindlin cierra el episodio seis, mientras que Let's Go Sunnin aparece en el episodio cuatro, y Conway tiene dos temas en el estreno de la temporada de Fallout: Who Do You Suppose y Brighter Side.Artistas legendarios como Nat King Cole, Bing Crosby y Johnny Cash también han visto un aumento en el número de oyentes mensuales de Spotify luego de su inclusión en la banda sonora de la serie. ¿Quién está en la banda sonora de Fallout?La banda sonora de Fallout se inspira en gran medida en las décadas de 1940 y 1950, al igual que los videojuegos en los que se basa. "No se puede subestimar lo popular que es esta música entre los fans", escribe Mat Ombler de The MusicEXP. "Quería resaltar el éxito de esta música porque imagino que muchas personas en el mundo de la sincronización no asociarían a los artistas de esta época con los jugadores, pero los fanáticos de Fallout no se cansan de escucharlo".Fallout: lista completa de canciones en su banda sonora Episodio 1Orange Colored Sky - Nat King ColeDon’t Let The Stars Get In Your Eyes - Perry ComoWho Do You Suppose - Connie ConwaySome Enchanted Evening - The CastellsStart It Slow - Mari JonesKeep That Coffee Hot - Scatman CrothersA Nervous Kiss - Carl CoccomoSo Doggone Lonesome - Johnny CashAll Over Again - Johnny CashBrighter Side - Connie ConwayCrawl Out Through The Fallout - Sheldon AllmanEpisodio 2Into Each Life Some Rain Must Fall - The Ink Spots featuring Ella FitzgeraldDon't Fence Me In - Bing Crosby & The Andrews SistersIt's A Man - Betty HuttonI Don't Want To Set The World On Fire - The Ink SpotsEpisodio 3:Maybe - The Ink SpotsWe'll Meet Again - The Ink SpotsTweedle-Dee - LaVern BakerIn The Mood - Glenn Miller OrchestraAct Naturally - Buck Owens And The BuckaroosEpisodio 4Let's Go Sunning - Jack ShaindlinIt Ain't The Meat It's The Motion - The SwallowsJourney Into Melody – Sam FonteynI Can Dream Can't I? - The Andrews SistersEpisodio 5 Henry - The Jet TonesRobin In The Pine - Bonnie GuitarLadyfingers - Herb Alpert & The Tijuana BrassWhat A Difference A Day Made - Dinah WashingtonIt's Just A Matter Of Time - Brook BentonEpisodio 6The Theme From A Summer Place – Percy FaithLonely Hours – Gene Armstrong and His Texas Nite HawksSummer in Love – I Marc 4Give Me the Simple Life – June ChristySkitter Skatter – MetrotonesLonely Hours - Gene Armstrong & His Texas Nite HawksEpisodio 7I'm Tickled Pink - Jack ShaindlinSixteen Tons - Merle TravisOnly You - The PlattersWhat a Difference a Day Made – Dinah WashingtonYou're Everything - The DanleersFrom The First Hello To the Last Goodbye - Jane MorganEpisodio 8I Don't Want To See Tomorrow - Nat King ColeWe Three (My Echo, My Shadow, And Me) - The Ink Spots
En esta nueva entrega del Panorama musical de marzo de 2024, curado por los medios que integran la Alianza Faro, hay jazz, synth pop, amapiano, afrobeats, pop-rock y psicodelia alucinógena. Les presentamos a 8 agrupaciones con lanzamientos recientes y, además, como cada mes, una playlist con nuestras canciones favoritas. Acá pueden escuchar la playlist actualizada del Panorama de marzo en Faro. ArgentinaMaquillada en la cama – Juliana GattasPor Juampa Barbero de Indie HoyMaquillada en la cama, el primer álbum solista de Juliana Gattas, nos adentra en un universo de glamour y excentricidad.La cantante de Miranda! recorre una amplia gama de géneros, desde el electrodance, el synth pop y algunos guiños al jazz, para develar su versatilidad y carisma camaleónico.A través de cada canción, Gattas da vida a diversos personajes y estados de ánimo, canalizando sus experiencias personales con un toque de humor e ironía, combinando la euforia del baile con la melancolía del corazón roto.La argentina se luce en tracks como "Borracha en un baño ajeno" y "Maquillada en la cama" -los primeros adelantos del disco-, donde su habilidad interpretativa brilla al encarnar a una diva que vive en el filo entre lo absurdo y lo sublime. La producción en manos del chileno Alex Anwandter evoca una estética retro y moderna a la vez en un puñado de canciones llenas de elegantes arreglos de cuerdas, sintetizadores vibrantes y emociones a flor de piel.BrasilJUÇARA MARÇAL – DEBRMXPor Scream&YellSi para los ciudadanos de a pie las situaciones extremas son casi una cuestión de vida o muerte, para los artistas suele ser el momento de dar un salto al vacío. El aislamiento impuesto por la pandemia llevó a la cantautora Juçara Marçal y a su socio productor Kiko Dinucci a buscar la manera de crear un álbum en un periodo en el que la gente no podía reunirse. El resultado fue un clásico: Delta Estácio Blues, el álbum de brío electrónico anclado en la experimentación y los collages publicado en 2021, fue votado disco del año por varias publicaciones, entre ellas Scream & Yell, obtuvo un EP (también imperdible) de sobras en 2022 (EPDEB) y, ahora en marzo, un bombástico disco de remezclas, DEBRMX (2024), que amplifica radicalmente el sonido del proyecto original. Son 15 temas remezclados por 19 destacados artistas de la música electrónica, que van del funk al techno, del amapiano al industrial, ampliando la idea original del álbum de reunir músicas negras de todos los rincones del mundo. Para escuchar con auriculares y volverse loco.CHILEdoblesanto - Joven (Aún)Por POTQMientras vivimos el fin del mundo aún es posible bailar suavecito y acompasado. Esto, gracias al disco debut de doblesanto, Joven (Aún). En una época de estandarización apabullante y el algoritmo nos juega malas pasadas mostrando las mismas caras de siempre, estas doce canciones son un tesoro —esperamos que cada vez menos escondido— dentro de la música chilena. Aquí aparecen los sonidos latinos que son parte de una memoria viva del continente, pasando por el bolero o la cumbia más cadenciosa, por ejemplo, pero desde la perspectiva de los que crecieron en democracia, con internet, maquinitas y una guitarra clásica en su cuarto. El quinteto se aleja de cualquier ejercicio de estilo, por el contrario, las texturas y los juegos vocales que ofrecen cada uno de los temas de este disco, lo que más muestran es curiosidad y libertad pero con los pies bien puestos en su tierra. Excelente debut.ColombiaBochinche - DawerxDamperPor ShockA finales de 2019 en Shock presentamos a los hermanos Dawer y Damper, nacidos en Cali, Colombia, como una colorida promesa del afrofuturismo. Recién habían ganado un torneo de bandas local que organizamos y apenas se construía su proyecto. Antes, conformaron un quinteto de funk llamado Alto Volumen. Hoy, cinco años después, los DawerXDamper son la punta de lanza de un movimiento próspero en nombres, colores y Flow. Un movimiento de jóvenes negros, de la ciudad de Cali, comprometidos con explorar sus barrios, su identidad y la música afrodiásporica fuera de cualquier cliché atribuible a la etiqueta de lo “urbano”. Ya fueron nominados a un premio Grammy latino por su álbum ‘Donde Machi’ y ahora lanzaron este EP, ‘Bochinche’, con colaboraciones en las que se divierten con el ritmo y con el lenguaje. Bochinche, en Colombia, significa fiesta, alboroto, escándalo. Pues, bien: lo de DawerxDamper es un bochinche elegante, formado en el barrio a punta de color y afrobeats.CUBA Los Palos Gozadores • Michael OliveraPor Magazine AM:PMDejando claro el disfrute que hay detrás de estos diez temas, Michael Olivera saca a la luz su tercer álbum, acompañado de los reconocidos músicos Alex Conde y Gastón Joya. En un viaje entre nostálgico y de reafirmación por varios clásicos de la música cubana e internacional como Could you be loved o La Comparsa, el percusionista cubano quiere proponer un nuevo punto de vista. Con un formato de trío aparentemente sencillo, reinterpreta los motivos melódicos y los traduce al lenguaje del jazz —que ya ha hecho suyo—. Juegos armónicos ingeniosos, improvisaciones bien integradas al flujo del fonograma, y la selección íntima y equilibrada de las piezas hacen de la más reciente entrega de Olivera una propuesta sólida, que evidencia la madurez del artista no solo como compositor e instrumentista, sino también como productor. Sin dejar a un lado la influencia de las raíces afrocubanas —que han caracterizado siempre su estilo— Los palos gozadores es un álbum que trasciende estas fronteras para deleitar a cualquier amante del género.EspañaShinova - “El presente”Por Mondo Sonoro“El presente” supone el quinto trabajo de la banda vizcaina Shinova y una muestra más de que siguen en el camino de la exploración que, desde sus inicios, ha marcado su trayectoria. Junto a Manuel Colmenero –con quien repiten en la producción– parecen haber dado con la tecla adecuada para seguir escribiendo una trayectoria que parece no tener techo. Y es que la historia de Shinova es digna de estudio. En “El presente”, la banda continúa dando pasos de gigante no solamente echando mano de una cuidadísima producción, sino también desmenuzando un amplio catálogo de lo que pueden aportar todavía a su pop-rock marca de la casa. Lo evidencian temas como “Alas” o “Gloria”, medios tiempos ideales para tomar aire como la luminosa “Nuestra postal”, “No cambiaría nada” o la melódicamente delicada “Los días que vendrán”. Por el caminointroducen sonidos electrónicos con un los que enriquecen canciones como “Diciembre” o “Antes de que todo acabe”. Shinova se reafirman con este “El presente” como una de las grandes bandas de su generación. SergioIglesias. México Niño Baca – ‘Días fueron’Por Ana Li Rodríguez de Indie Rocks!El cuarteto mexicano conformado por Niño, Bruno, Keks y Blati finalmente lanza su primer material discográfico. Nueve canciones conforman Días Fueron, este LP que consigue ver la luz gracias a HEP Records! y a la magia e intensidad cósmica de Sebastián Garrido quien apoyó en todo momento la producción, mezcla y masterización del debut de Niño Baca. Además, en este viaje de kraut y psicodelia le acompaña Angélica Victoria (angelicodiablo) en una colaboración burbujeante en el track “D5”. El joven proyecto compila lo mejor de la amistad y el hangueo en un disco ameno, divertido con el que pasarás varios minutos desconectado de la realidad.URUGUAYALUCINACIONES EN FAMILIA - ALUCINACIONES EN FAMILIA IIIPor PiiilaDesde su primer disco editado en 2015, Alucinaciones en Familia –con Pau O’Bianchi a la cabeza– continuó el camino que venían transitando sus miembros en la esfera independiente de la música montevideana, llegando a nuevas alturas. Eso es: salir de los sótanos y agotar entradas en algunos de los escenarios más importantes de la ciudad.Ahora, con su tercer volumen alucinógeno la banda pulió este sonido amorfo que ya los caracteriza (experimentos desprejuiciados que combinan pop, psicodelia y rock), poniendo más al frente la voz. Y tal vez sin planearlo hicieron que sus evocativas letras capturen aún más la curiosidad, sea desde la metáfora y el juego de imágenes, pero más a menudo desde la descripción cruda y directa de lo real.Así es que este disco, más que los anteriores, lanza al escucha en una montaña rusa de emociones y dinámicas. A veces se va cayendo desde altos eufóricos y coreables, pero tras alguna vuelta afable la cuesta arriba se hace más difícil, cargando con dolor y duelo. Esta es una celebración de la vida mientras se convive con la muerte; la transformación del dolor en algo deforme pero hermoso.Vean aquí el Panorama de febrero
Blessd se une a una de las leyendas más grandes del futbol mundial, Ronaldinho Gaucho, para jugar un partido de futbol. La cita será el 16 de mayo en el marco del Si Sabe Fest Deluxe en el Coliseo Cubierto Iván De Bedout de Medellín. La entrada es gratuita, hasta completar el aforo. El paisa presenta su nuevo trabajo musical “BLESSDELUXURY” a través del fútbol, una de sus más grandes pasiones. Ya hubo una primera fecha entre los 2 en Miami, así que Blessd espera una victoria en su tierra. “Estamos listos para romper de nuevo, pero ahora en nuestra ciudad, vamos a hacer la revancha y todas las entradas serán gratuitas exclusivamente para los fanáticos del Bendito y del buen futbol Si Sabe … Prometo esta vez ganarle a Ronaldinho y a los cracks que lo acompañan”, dice Blessd. El juego será una exhibición en compañía de una nómina de lujo que contará con dos grandes figuras en la dirección técnica de ambos equipos. Dirigiendo al equipo de Blessd estará una de las glorias del futbol, el portero de la selección Colombia René Higuita y dirigiendo al equipo de Ronaldinho estará Francisco Maturana, uno de los directores técnicos más recordados quienes dejarán toda su experiencia en la cancha en un espectáculo especial para todos los asistentes. Para quienes no puedan entrar, la transmisión estará a cargo de Westcol, unos de los streamers más conocidos del mundo y el #1 de ColombiaAmbos capitanes Blessd y Ronaldinho lo dejarán todo en la cancha. ¿Quién es Blessd?Stiven Mesa Londoño, conocido artísticamente como Blessd, es un cantante y compositor colombiano nacido en Medellín el 27 de enero del año 2000. Desde pequeño, Blessd estuvo rodeado de música gracias a la influencia de su tío rapero, quien lo introdujo al mundo del freestyle y las batallas de rap.Su pasión por la música lo llevó a comenzar su carrera como aficionado a los 15 años, participando en competencias y presentaciones locales. A los 17 años, compaginaba su pasión por la música con el trabajo familiar, vendiendo frutas y verduras en la Central Mayorista de Antioquia.
El Tribunal de apelaciones de Nueva York anuló la condena de Harvey Weinstein por delitos sexuales el jueves 25 de abril del 2024. La juez Jenny Rivera, la voz mayoritaria del tribunal, aseguró que la decisión fue tomada porque en el juicio se cometieron errores fundamentales. El veredicto, con cuatro votos a favor y tres en contra, llevó a que se ordenara un nuevo juicio demostrando que en el juicio del 2020, en el que se le dictaminó una condena de 23 años de cárcel, se permitió injustamente que mujeres que no eran parte de los cargos iniciales testificaran contra Weinstein.El abogado del exproductor de Hollywood, Barry Kamins, dijo en una entrevista que Harvey Weinstein se presentará frente a un juez en Manhattan para solicitar la libertad bajo fianza mientras se establece la fecha del nuevo juicio. "Nos complace que el tribunal haya acordado que al Sr. Weinstein se le negó su derecho fundamental a un juicio justo", comunicó Kamis. La juez Rivera resaltó que, el hecho de haber incluido injustamente los testimonios de mujeres que no hacían parte del caso, hacían que se reforzara la posición en contra al exproductor de 72 años por conductas anteriores y no solo por las que estaba siendo imputado. Incluso, podía haberle impedido a testificar en su favor. Por su lado, Barry Kamis y Arthur Aidala, otro abogado de Weinstein, consideran que en el proceso judicial del 2020, el juez "abandonó repetidamente su deber de salvaguardar las garantías constitucionales y los derechos procesales de Weinstein". Por esto, lo dejó "impotente para defenderse de un fiscal incontrolado".La condena por delitos sexuales de Harvey Weinstein en CaliforniaSin embargo, esta no es la única demanda que enfrenta Harvey Weinstein. Actualmente, también está condenado en California a 16 años en prisión por violar a Evgeniya Chernyshova en un hotel de Beverly Hills en el 2013. Por esto, el exproductor deberá seguir en prisión. El caso está ahora en manos del fiscal del distrito de Manhattan, Alvin Bragg, quien aseguró a través de un portavoz que: “Haremos todo lo que esté en nuestra mano para volver a juzgar este caso, y seguiremos firmes en nuestro compromiso con las supervivientes de agresiones sexuales”.¿Un retroceso para el movimiento #MeToo?Ashley Judd, la actriz estadounidense de cine y una de las voces más destacadas detrás de la demanda, consideró esta anulación como una "traición institucional". Asimismo, el abogado de Evgeniya Chernyshova, la mujer detrás de la demanda en California, afirmó que "está obviamente decepcionada" y "se siente mal por las víctimas que soportaron ese juicio y las posteriores apelaciones, sólo para ver cómo se revocaban las condenas".Los abogados también se han manifestado a favor y preocupados por sus defendidas. Por un lado, Lindsay Goldbrum, quien ha representado a seis víctimas, dijo que: "Lamentablemente, la sentencia de hoy arroja una oscura sombra sobre su valentía y, sin duda, disuadirá a futuras víctimas de agresiones sexuales de denunciar". Por el otro lado, Douglas Wigdor, abogado de ocho víctimas, subrayó una de las consecuencias más impactantes y crueles de la anulación. “La decisión de hoy supone un gran paso atrás en la exigencia de responsabilidades por actos de violencia sexual. Anular el veredicto es trágico porque obligará a las víctimas a soportar otro juicio más”. Scott Berkowitz, el fundador y presidente de la organización contra la violencia RAINN, también se manifestó y comunicó que: "Anular la condena de Harvey Weinstein es una decisión horrible que no protege el debido proceso: pone en peligro la justicia para las supervivientes de sus crímenes".
El concierto de Megadeth fue uno de los más esperados del año. La banda liderada por Dave Mustaine sorpendió no solo con su show, sino con la acción de los fans de una bandera gigante de Colombia en el Movistar Arena, que se hizo viral en redes sociales. https://www.instagram.com/reel/C6DOr2os6QN/?igsh=bDR2dWd4Mm9rMTU2"La idea de la acción en el concierto surge porque nosotros desde el 2011, que fue la primera visita de Megadeth a Colombia", nos cuenta Dick Carvajal, presidente del club de fans de la banda. "Empezamos a hacer esos fan action, en esa oportunidad fue con carteles y tuvimos visita de 2011 a 2014 y cada año hacíamos algo diferente. La última visita fue en 2014, pasaron 10 años, y en esta oportunidad era un escenario mucho más grande", agrega Carvajal. Los fans crearon un cartel con instrucciones precisas para lograr el efecto deseado. Carvajal dice: "Me inspiré en cosas que yo habia visto en otros países y el Movistar Arena ayuda muchísimo". No era necesario ser miembro oficial del fan club para sorprender a la banda, el único requisito era leer las instrucciones, hacer las actividades y disfrutar del show.A algunos fans del metal no les gustan este tipo de acciones, argumentando que los conciertos son para disfrutar de la música, y no para grabar el celular. "Algunos fanáticos del metal son un poco radicales y no les gusta este tipo de cosas porque les parece un poco blando y no es lo que es el metal que suele ser un poco rudo", según nos cuenta Carvajal. Él explica que en la primera visita de Megadeth en Colombia asistieron 3.000 personas y hoy se agotaron 2 fechas en el Movistar Arena, lo que demuestra el creciente interés por la banda en diferentes generaciones, no solo en los metaleros más consagrados. ¿Como se acercó el cub de fans a Dave Mustaine?El club de fans de Megadeth colombiano es sumamente cercano a Mustaine. Como nos cuenta Carvajal, "esto ocurrió en 2012 cuando hicimos una acción que nos salió muy bien y estaba el Royal Center lleno de carteles. "Él se da cuenta, y pide conocerme. me reúno con él y empieza una amistad con Dave Mustaine y en los años siguientes me ha recibido varias veces en el hotel en las ciudades que ha visitado. En 2022, Dave Mustaine me regaló un ingreso para el festival Hell and Heaven en México, y pude ver a la banda desde el escenario". *Justamente en su último show en Bogotá, me agradeció por todo lo que hice, y le dijo a los fans que gracias a mí era muy especial venir a Colombia. Fue muy bonito y emotivo".