Después de estrenar su álbum Soles negros en vivo, la banda bogotana aprovechó el encierro, para dejar plasmado en Las torres, la influencia por la que pasaron durante todo este tiempo. Nuevos sonidos y la curiosidad de experimentar sonoridades electrónicas son el resumen de su nuevo lanzamiento. La canción condujo a Andrés Toro, el guitarrista, a sumar a sus cuerdas un melotrón virtual, y a cantar acompañando a Mateo Paris a lo largo de toda la canción, como también lo hace Andrés Sierra, el bajista. Así, Las Torres se componen de un conjunto de elementos que le dan un toque diferencial a este tema, respecto a toda la producción musical anterior de la banda. ¿Quién está detrás? Los cuatro junto al productor Kiko Castro haciendo una observación de la situación extraña por la que atraviesa el mundo, desde una exploración sonora distinta a la que estamos acostumbrados. ¿A qué suena? Es el resultado del encierro, componiendo y arreglando desde un lugar al que no estamos acostumbrados, pero que queremos explorar. ¿De qué se trata la canción? La canción habla de que todo lo que no esté bien consolidado se va a caer, y que las estructuras que permanezcan van a ser testigo de un cambio. (Una estructura no es solo un lugar físico) ¿Cuándo recomienda escucharla? Recomendamos escucharla siempre que uno necesite reafirmar sus estructuras para estar tranquilo en esta época de cambios. Andrés Sierra – bajista.
Hace siete años que el cantante bogotano Chris Murillo Isaza, decidió presentar su proyecto solista Isaza, su debut lo hizo con la canción Magnum. Es un apasionado del hip hop vieja escuela como lo define él, la moda también ocupa un espacio importante dentro de su propuesta musical, en cada canción hay estéticas recargadas de diferentes estilos. Su sonido mezcla un poco el dubstep, el trap y la música electrónica. En 2018 Isaza estrena el EP En la casa, con 6 temas, producido por Isaza y musicalizado por Juan Antonio Villamizar y Robert Pérez. En el 2019 Isaza se une al colectivo artístico Da Hive, conformado por otros proyectos de hip hop como Bomba Tronik y Alien Cruz. Isaza presenta junto al freestyler bogotano Alien Cruz X amor al arte, un videoclip rodado en cuarentena, que hace parte de una serie de 3 videos, llamaods Un sueños de Isaza. ¿Quién está detrás? La canción fue producido por Qemickal, productor de hip hop entre otros géneros. La letra es de Isaza y Alien Cruz. ¿A qué suena? Suena a rap, queríamos una fusión o un punto intermedio entre el hip hop y trap, esas fueron las influencias. ¿De qué trata? Trata sobre el amor, sacrificio, esfuerzo y dedicación que tenemos que poner como artistas independientes en nuestra música, trata sobre la persistencia y lucha para poder sacar cada canción a flote a pesar de las adversidades y lo difícil que es el medio en este país. ¿Cómo se dio la colaboración? En 2018 estaba conectado en Facebook y vi a Alien por casualidad haciendo algo de freestyle. Me encanto como sonaba y también su estética, soy muy visual y me sentí enganchado con lo que vi. Le escribí y empezamos a hablar de colaborar. Finalmente todo se dio en 2019 cuando Alien me presento a Qemickal pues ellos ya trabajaban juntos. Yo quería ir más en dirección del rap, mis anteriores canciones son más electrónicas y Qemickal lo entiendo perfectamente. Una vez lista la pista Alien me pasó su parte de la letra y fue él quien propuso el tema del que hablaría la canción, yo me sentí bastante identificado así que escribí mi parte y grabamos. ¿Sobre el video qué? Con el vídeo pasaron muchas cosas. Al principio lo iba a hacer con el director Santiago Quiceno artista al que admiro mucho y entiende la moda y la música. Pero cuando empezamos con la cuarentena todos esos planes se vinieron abajo así que el proyecto estuvo congelado un rato. Finalmente decidí que como dice la letra de la canción yo era capaz de sacar esto a flote a pesar de las adversidades y me aventure a hacerlo yo mismo, con los recursos que tenía a la mano pues en ese momento era imposible hacer un rodaje como normalmente se hace. Me inspiré en los sueños que tuve durante la cuarentena. Por aquella época estaba obsesionado con los viajes en el tiempo, el espacio y el fuego. Me soñaba que en medio del encierro viajaba desde mi cama a los confines del universo y que atravesaba agujeros negros que me llevaban a otras épocas con una única conexión, el arte! así que cree algunas situaciones que intentarán emular eso en el vídeo como una especie de marco de títeres o teatrino en el qué estamos a veces en 1500 o así mismo en el futuro o en el presente, las épocas trate de evidenciarlas en los looks del vídeo. También trate de usar el fuego pues es el motor que le da vida a todo por qué está presente en las estrellas y sin estrellas no habría vida, sin vida no habría arte. Use mucho el color verde es el favorito de Alien. ¿Cuándo recomienda escucharla? Está canción es enérgica y trasmite rudeza. Recomiendo escucharla en momentos en los que sintamos que necesitamos un impulso de buena vibra y positivismo. También para trotar o hacer una rutina e ejercicio, me parece genial.
Después de presentar su Ep Mensajes de voz, en inglés y español y su más reciente sencillo Tonight donde invitaba a disfrutar y aceptar la soledad, la cantante norteamericana continúa revelando su versatilidad y sobre todo su deseo de hablar de situaciones y momentos cotidianos en sus canciones. Su nuevo sencillo ¡Párate!, es esa voz de aliento que necesitan muchos en tiempos inciertos. ¿De qué trata la letra? ¡Párate! es un tema que habla acerca de cuando uno se siente tan débil mentalmente y físicamente que eventualmente te hartas y llegas a un punto que te paras y empiezas a moverte en la dirección en cual quieres que tu vida fluya y el crecimiento que deseas. Quiero que cuando la gente la escuche se sienta motivada a hacer cambios o movimientos que le permitan empezar de nuevo y superar nuevos retos. ¿Qué sonidos se destacan en la canción? A mi productor Sam Romans, le encanta la guitarra española, entonces quisimos fusionar los hermosos sonidos de la guitarra acústica con sonidos de hip- hop y R&B ¿La historia del videoclip? A mí me encanta la iconografía mexicana, aunque tengo raíces, la conocí hasta hace muy poco, y estoy enamorada, el video es un collage de iconos cargados de energía y significados. Símbolos que perecen oscuros pero representan buena energía, familia, energía y amor.
Calma Carmona estrena el segundo sencillo de su próximo álbum CALMEEZY. Vibra fue compuesto por la cantante puertorriqueña y producido por J. Rochet. Un dancehall con ritmos de bomba y una carga de sintetizadores. “Es una canción que mira hacia adentro en momentos de aparente soledad, es un respiro, un momento de alivio para todo el que lo necesite, la letra es un mensaje directo para que entiendas que la única persona que puede cuidar de ti, eres tú” - Calma. El video fue grabado en San Juan de Puerto Rico, y dirigido por el puertorriqueño Celso González. En el video se aprecia una línea futurista y minimalista, es un viaje a través del tiempo a otras dimensiones. Aparte de protagonizar el videoclip, Calma debuta como bailarina, pero lo hace de la mano de los reconocidos coreógrafos Lumarie Landrau y Jonathan “Kicker” González. Para el director del video, la idea era mostrar a la mujer en un viaje donde pude explorar la sensualidad sin perder el poder femenino, y lograr con el baile unir estos mundos paralelos con la vibra de cada uno. “La canción reafirma que todos los seres humanos tienen la habilidad de crear su propia energía; cada uno crea su propia vibra, que tendrá un efecto en sí mismo y en todo lo que le rodea” – Calma
Cohetes tenía planeado estrenar un nuevo EP antes del confinamiento obligatorio. Ya tenía algunas canciones y faltaban otras por componer, así que estos meses de aislamiento sirvieron para que fluyera la inspiración y las emociones quedaran registradas en canciones. Juan Pablo Pulido, o simplemente Cohetes, se ha mantenido navegando entre los sonidos del pop, rock y la música electrónica. Este EP fue un reto y un descubrimiento diferente, hablamos con él para entender el universo que creó y el diario que relató en Cuarentenautas. ¿Qué tan inspiradora fue esta época? Le pasan muchas cosas a uno por la cabeza cuando está encerrado. Fue una oportunidad y un chance de entrar en mi mente y en todo lo que está pasando en mi interior y volverlo canción, escribirlo, componerlo. Cuando empecé a escribir Juntos a Plutón lo hice desde el piano. Yo no soy teclista, soy más guitarrista, pero quise experimentar. Con esa fórmula el piano te da otros colores para componer guitarras. ¿De qué hablan las canciones? Las canciones no solamente hablan de sentirse encerrado, también de sentirse solo. Muchas personas nos sentimos muy solas cuando nos tocó encerrarnos por no poder tener acceso a socializar con otras personas ni tener ningún tipo de contacto. A mí me gusta estar en contacto con la gente y me afectó mucho eso. La situación me hizo pensar sobre muchas cosas que viví, personas con las que ya no estoy por culpa mía o por culpa del destino, y de ahí salieron las canciones. Una relación que se terminó y uno le quiere decirle cosas a esa persona, pero no puede... así nació Cuarentenautas. ¿Cómo fue el proceso de grabación? No podía ir a un estudio de grabación entonces me tocó hacerlo en un home studio. Empecé a grabar los teclados, programar las baterías... no soy muy instrumentalista, entonces les decía a muchos amigos: “quiero hacer una línea de bajo para esta parte”. Eloisa Arango, una saxofonista, coloco su saxo, los músicos hicieron cosas desde su casa. Yo iba conectando todo y armando las canciones, y al final uno de mis mejores amigos hizo un gran trabajo de master y de mezcla. Yo no esperaba tener un sonido tan chévere, quedé muy satisfecho y me di cuenta de que uno puede hacer muchas cosas en la casa. Con elementos muy básicos se dan muy buenos resultados. Yo creo que hoy en día muchos artistas de talla grande graban sus discos y sus canciones en un home studio y no se van a estudios con equipos de millones de dólares, sino que en su casa logran hacer un muy buen sonido de manera lowfi. No estamos grabando con la mejor calidad, pero aun así suena muy bien, y hay mucha música de esa. ¿Qué aprendió grabando el EP? Muchas cosas que no había hecho antes. Yo soy compositor, sé algunas cosas de producción, pero nunca me atreví a producir mi propia música o las canciones que yo escribía, siempre me producían otros. Esta vez no fue así y le di un concepto al EP sin planearlo. Cada canción iba mostrándome el color y la onda que debía tener. Aprendí mucho de producción, a darme cuenta de que tengo todas las posibilidades de producir mi música, aunque no lo haré siempre porque es bueno tener otra visión. Eso fue muy bueno, muy enriquecedor. Aprendí muchas cosas solo y estoy muy contento de haberlo hecho. Tuve el tiempo y el espacio, a solas, en el cuarto donde tenía guardado todos mis fantasmas. Fue como convivir con ellos. ¿Cómo ordenó las canciones para armar una historia? Las canciones fueron ubicándose solas en el EP en el lugar donde deberían estar. Al final, cuando tenía todas las canciones dije, “necesitamos un intro”, y el intro suena como yo me lo imaginaba. Suena a estar encerrado, pensativo, a la lluvia, a todos esos elementos. Una persona subiendo las escaleras, con un piano, lo abre comienza a tocar, empieza a escribir y en el fondo se escucha la ciudad, la lluvia. Es como una situación acogedora, nostálgica, medio oscura. Así me imaginé el escenario de las canciones y empecé a componer con acordes, con un beat que me llevara a eso. Yo me imagino a una persona que está sentada en la ventana viendo llover y acordándose de esa persona que ya no está. Y así fue. Al final la última canción es como un cierre y la persona que está ahí termina de tocar, se para y cierra la puerta. Tenía mucho sentido, no lo planee así pero qué bueno que la gente lo haya podido leer así. ¿‘Cuarentenautas’ es un diario musical? Fue un EP hecho en la cuarentena. Le digo a la gente de esta generación que a muchos nunca nos había tocado algo así en la vida y en unos años nos vamos a acordar. Hay muchos elementos que la gente va a conectar. La cuarentena nos enseñó que así estemos en un lugar seguro, no lo estamos realmente porque estamos batallando mucho con nosotros mismos. Nos enseñan a protegernos del virus que está afuera, pero ¿qué pasa con lo que está adentro? Ahí empieza la discusión de la cuarentena. Estas canciones fueron un retrato de todo lo que pensé y sentí en la cuarentena. todos esos elementos le dan el color y el sabor que tiene Cuarentenautas. Después de lanzarlo amigos y mucha gente dicen “muy chévere”, pero creo que ahora esa apreciación fue más real. Me lo dijeron porque se identificaron con las canciones, cada uno a su manera, acordándose de lo que ha vivido, y con las emociones que viene cargado el EP. ¿Cómo fue el encuentro con el R&B? En esta cuarentena llegué a escuchar mucho R&B. Me metí a una plataforma de streaming donde hay una playlist que se llama Alternative R&B y descubrí una cantidad de artistas. He explorado un estilo de Cohetes, que la gente ya conoce y me identifica, pero también me gusta hacer esto: música tranquila que ponga a la gente a dedicarle canciones al ex, a acordarse de una relación, que reviva la tusa y así este tranquila mental o emocionalmente recuerde cosas. Eso lo pasamos todos y ahora en cuarentena más. Entendí qué acordes usan, cuáles son los beats, cómo componen la melodía de la voz, cómo cantan... aún me falta entender mucho del R&B, que es un estilo muy bonito que quisiera sumarle a la fórmula de mi sonido en general. Track by track Cuarentenautas Es una canción en la que uno le dice a esa persona con la que ya no está que uno reconoce que tuvo sus errores, pero en medio de todo amó de verdad. Hay una parte que dice: “aunque no soy perfecto y sé que no fui muy decente, creo que siempre fue real mi amor”. Otro planeta Ya había lanzado en formato full. La compuse una vez que conocí una persona en una reunión y quedé totalmente flechado por ella, pero nunca logré nada y nunca la volví a ver. Estábamos en una reunión tomándonos unos tragos con unos amigos, yo la veía, me imaginaba diez mil historias como novios y viajando. Ella nunca mostró eso y además nunca la volví a ver. Sé quién es, pero nunca tuve la oportunidad de volverla a encontrar, fue una relación amorosa de cuatro horas. En la canción colabora Lunalé. Como el formato es acústico pensé tener colaboraciones de mujeres en este EP. Ya la conocía porque hemos tenido los mismos productores. Juntos a Plutón Habla de cómo cuando terminas con alguien siempre le dejas la puerta abierta. La canción dice que a pesar de todo lo que pasó, o sea que pase, dejo la puerta abierta para que lo volvamos a intentar cuando tú quieras. Tarde La hice el año pasado. Habla de cuando uno ya acepta de que todo se acabó, o tal vez puede darse otra oportunidad, pero en este momento ya es tarde. Conocí por cosas de la vida a una mexicana con una voz increíble, Renee complementó mucho la canción. Me envió como 15 tracks con arreglos que ella había hecho, los acomodé y la canción con la voz de ella quedó más aguda. Lo que te hizo ir Es una canción que habla de perdón, no solo hacia otras personas, sino cómo te ayuda perdonarte a ti mismo. Es mucho más fácil perdonar a otro que perdonarse a sí mismo y a veces uno no se da cuenta de eso y se echa látigo. Yodos cometemos errores.
Jei es un bogotano que desde los 11 años empezó a estudiar música y continuó en su adolescencia y adultez joven cuando en la Universidad estudio violín y canto lírico. A los 20 años terminó su relación con el violín y guiado por Julia María Guillen, una de las más grandes sopranos colombianas, se dedicó al canto. Desde que vivía en Bogotá hacía performance en los escenarios de Gaira, El Teatro Jorge Eliecer Gaitán, Casa E, Festival Iberoamericano de Teatro y en otros lugares del país. Hace tres años llegó a Nueva York con su obra La mujer barbuda, que ganó dos premios como mejor monólogo masculino del HOLA (Hispanic Organitation of Latin Actor) y del LATA (Latinamerica Theather Awards). El monólogo escrito y dirigido por él continúo cosechando premios y reconocimientos. Desde ese momento su pasión por el cabaret y los teatros de Broadway aumentó. “En Colombia no pensaba que podía escribir letras de canciones, escribía más que todo teatro, monólogos y demás, porque sentía que me faltaba la inspiración para escribir música como tal, una canción o algo especial. A través del tiempo me llegó la inspiración y tenía letras específicas que me habían marcado, de ahí salieron Chico raro y Marica, otra de las canciones del EP. Nueva York me permite desarrollar la composición”, cuenta Jei. Chico raro es su EP debut compuesto por cuatro temas: Chico Raro, Pajarxs, Maricas (electro bitch mix), Maricas (Broklyn Underground mix9). Fue producido por Prince of Queens at Búnker y masterizado por Frank Merritt at The Carvery. El videoclip fue grabado en su apartamento en esta época de cuarentena y fue producido por El Búnker Collective. Por estos días está grabando su segundo videoclip, Pajarxs, una canción inspirada en el encierro y los amores tóxicos, para Jei la parte visual es muy importante, es la manera de multiplicar el mensaje de la canción. Al poco tiempo de estar en Nueva York se dio cuenta de la fuerza que tenía el transformismo queer en todas las manifestaciones artísticas, algo que definiría su imagen más adelante. Continuó estudiando música clásica y moderna, y la pandemia le dio el tiempo que necesitaba para trabajar en su proyecto musical. Para eso se reunió con Prince of Queens, el productor, y con Lucho Parra, videografo, para darle vida a las canciones que escribió inspiradas en algunas de sus historias. Juntos armaron lo necesario para debutar con Chico raro, el primer track y su carta de presentación: una canción inspirada en todas las personas que soportan las críticas y el bullying por decidir mostrarse con una orientación o una identidad de género diferente. Su música quiere aportar a esta revolución de ser uno mismo, y espera que sus letras sirvan para construir un mundo más inclusivo. Prince of Queens ha trabajado también con la banda colombiana radicada en Nueva York, Combo Chimbita. Su sello disquero es Kuzumbo Records, dedicado a los sonidos tropicales y africanos de Colombia, Puerto Rico, Panamá, Venezuela, entre otros países. “Soy fanático de la música de los 80, de las divas del jazz, pasando por María Callas, Billie Holiday, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald, todo el sonido retro de los 80, incluso el techo de ahora. Si tuviera que definir un poco mi sonido, diría que está compuesto de sintetizadores y máquinas, y varios géneros en uno, pero que es muy jazz y punk combinado con pop”, cuenta Jei. Su estética esta recargada e inspirada en las Butch Queens (hombres gays que no son ni extremadamente femeninos ni extremadamente masculinos y que pueden retratar fácilmente de ambas maneras). Con una estética masculina brusca que “me gusta porque es punk y visualmente es agresiva, una estética bizarra, con atributos del cabaret”, explica Jei. “Me especialicé en cabaret aquí y es una combinación de todo lo que he hecho en mi carrera que empezó a los 15 años”, añade. La promoción de este primer EP seguirá durante el resto del año, pero Jei sigue haciendo música y afirma que ya tiene otros cuatro temas para un nuevo EP que está trabajando con otro productor, para buscarle un giro a su sonido.
Jei es un bogotano que desde los 11 años empezó a estudiar música y continuó en su adolescencia y adultez joven cuando en la Universidad estudio violín y canto lírico. A los 20 años terminó su relación con el violín y guiado por Julia María Guillen, una de las más grandes sopranos colombianas, se dedicó al canto. Desde que vivía en Bogotá hacía performance en los escenarios de Gaira, El Teatro Jorge Eliecer Gaitán, Casa E, Festival Iberoamericano de Teatro y en otros lugares del país. Hace tres años llegó a Nueva York con su obra La mujer barbuda, que ganó dos premios como mejor monólogo masculino del HOLA (Hispanic Organitation of Latin Actor) y del LATA (Latinamerica Theather Awards). El monólogo escrito y dirigido por él continúo cosechando premios y reconocimientos. Desde ese momento su pasión por el cabaret y los teatros de Broadway aumentó. “En Colombia no pensaba que podía escribir letras de canciones, escribía más que todo teatro, monólogos y demás, porque sentía que me faltaba la inspiración para escribir música como tal, una canción o algo especial. A través del tiempo me llegó la inspiración y tenía letras específicas que me habían marcado, de ahí salieron Chico raro y Marica, otra de las canciones del EP. Nueva York me permite desarrollar la composición”, cuenta Jei. Chico raro es su EP debut compuesto por cuatro temas: Chico Raro, Pajarxs, Maricas (electro bitch mix), Maricas (Broklyn Underground mix9). Fue producido por Prince of Queens at Búnker y masterizado por Frank Merritt at The Carvery. El videoclip fue grabado en su apartamento en esta época de cuarentena y fue producido por El Búnker Collective. Por estos días está grabando su segundo videoclip, Pajarxs, una canción inspirada en el encierro y los amores tóxicos, para Jei la parte visual es muy importante, es la manera de multiplicar el mensaje de la canción. Al poco tiempo de estar en Nueva York se dio cuenta de la fuerza que tenía el transformismo queer en todas las manifestaciones artísticas, algo que definiría su imagen más adelante. Continuó estudiando música clásica y moderna, y la pandemia le dio el tiempo que necesitaba para trabajar en su proyecto musical. Para eso se reunió con Prince of Queens, el productor, y con Lucho Parra, videografo, para darle vida a las canciones que escribió inspiradas en algunas de sus historias. Juntos armaron lo necesario para debutar con Chico raro, el primer track y su carta de presentación: una canción inspirada en todas las personas que soportan las críticas y el bullying por decidir mostrarse con una orientación o una identidad de género diferente. Su música quiere aportar a esta revolución de ser uno mismo, y espera que sus letras sirvan para construir un mundo más inclusivo. Prince of Queens ha trabajado también con la banda colombiana radicada en Nueva York, Combo Chimbita. Su sello disquero es Kuzumbo Records, dedicado a los sonidos tropicales y africanos de Colombia, Puerto Rico, Panamá, Venezuela, entre otros países. “Soy fanático de la música de los 80, de las divas del jazz, pasando por María Callas, Billie Holiday, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald, todo el sonido retro de los 80, incluso el techo de ahora. Si tuviera que definir un poco mi sonido, diría que está compuesto de sintetizadores y máquinas, y varios géneros en uno, pero que es muy jazz y punk combinado con pop”, cuenta Jei. Su estética esta recargada e inspirada en las Butch Queens (hombres gays que no son ni extremadamente femeninos ni extremadamente masculinos y que pueden retratar fácilmente de ambas maneras). Con una estética masculina brusca que “me gusta porque es punk y visualmente es agresiva, una estética bizarra, con atributos del cabaret”, explica Jei. “Me especialicé en cabaret aquí y es una combinación de todo lo que he hecho en mi carrera que empezó a los 15 años”, añade. La promoción de este primer EP seguirá durante el resto del año, pero Jei sigue haciendo música y afirma que ya tiene otros cuatro temas para un nuevo EP que está trabajando con otro productor, para buscarle un giro a su sonido.
La banda Bright Eyes se prepara para lanzar Down in the weeds, where the world one was, su décimo álbum de estudio que estará disponible a partir del 21 de agosto de 2020. La última presentación de la banda fue el 21 de noviembre de 2011 en Hawaii, y desde entonces la banda se había mantenido fuera de los escenarios. Sin embargo recientemente las redes sociales de la banda fueron reactivadas, indicándoles a los fanáticos que algo se traían entre manos. El 23 de junio la banda volvió a presentarse en vivo, en el show de Stephen Colbert, interpretando Mariana Trench, el cuarto sencillo del que será su décimo álbum. Antes de que los fans conocieran Mariana Trench, la banda había liberado otros tres sencillos: Persona non grata, Forced convalescence y One and done, todos pertenecientes a Down in the weeds, where the world one was. Down in the Weeds es el álbum más colaborativo de Bright Eyes. Cambiar radicalmente el proceso de composición tras 25 años podría parecer ser abrumador, pero Conor Oberst, vocalista de la banda, dijo que no hubo trepidación: “Nuestra historia y nuestra amistad, y mi nivel de confianza en ellos, es muy completa y profunda. Quería que se sintiera como un monstruo de tres cabezas". Down in the Weeds, Where the World Once Was es un disco enorme atrapado en el profundo intermedio entre el duelo y la claridad – un brazo luchando contra sus demonios, y el otro sosteniendo la mano del amor, a pesar de ello. El 21 de agosto de 2020, día del lanzamiento del álbum, Bright Eyes realizará un show virtual dedicado a los fanáticos. Los primeros 10 fans que hagan el pre-save del álbum quedarán inscritas para ver el show. Pueden hacerlo aquí:
Hace tres años que La Sociedad de la Sombrilla sorprendió al público con su álbum debut Resiste, nueve tracks con un sonido que tiene influencias del blues y el stoner. Durante estos años rotaron en varios escenarios y grabaron otras canciones que consolidaron a la banda dentro de las nuevas apuestas del rock nacional. En el 2019 grabaron las canciones de su nuevo Ep, Verdad animal. Juan Pablo, Samuel, Nicolás, y Alejandro decidieron a finales del 2018, internarse en una cabaña en Suesca para hacer música acompañados solo de instrumentos musicales en un espacio diminuto, medio punk, que le sumó un feeling especial a las cinco canciones que conforman Verdad animal. Hablamos con Juan Pablo acerca de este nuevo trabajo discográfico y del camino que tomará la Sociedad antes de terminar el 2020. ¿Qué quieren destacar en ‘Verdad animal’? Verdad animal es la profundización de los intereses musicales que presentamos en Resiste. En este álbum nos concentramos un montón en sonidos del stoner rock, del blues rock, y con Verdad animal ahondamos en esos intereses musicales y los llevamos un poco a las profundidades. En la lírica hay canciones que tienen que ver con ideas de transformación, y cambio. Por ejemplo, Verdad animal que le da título a este EP, nos presenta una idea al culto del cambio, abrazar el mañana, echarnos a la corriente, no cuestionarnos si hay un sentido con lo que estamos haciendo, más bien, vamos a gozarnos el camino hasta llegar a donde nos lleve. ¿Con este EP cierran un ciclo? Verdad animal lo hicimos los cuatro, la separación se dio en medio de la cuarentena y nos convertimos en un dúo (Nicolás y Juan Pablo). Con toda esta situación y siendo conscientes frente al panorama nacional, fue la oportunidad perfecta para repensarnos. Nos encanta el rock, pero ¿qué tal si salimos de nuestra zona de confort y exploramos otras posibilidades? Además, en una cuarentena la posibilidad de reunirnos y tocar, como estamos acostumbrados, se imposibilito y decidimos entonces explorar un poco la máquina y nos metimos en el proyecto de versionar nuestro Ep, más electrónico, más bailable. Es nuestra música, pero nos damos la libertad de proponer algo diferente a ser la banda rockera que nos ha definido hasta hoy. ¿Cuál es el reto de la nueva Sociedad? Hoy más que nunca hay un desafío, porque la música alternativa está en discusión con el tema de los géneros y sentimos que los espacios cada día son menores para bandas como La Sociedad de la Sombrilla. Los festivales se están concentrando en otro tipo de propuestas, lo indie influenciada por el pop ochentero, post punk, lo raizal sigue teniendo relevancia. El rock cada vez representa menos interés para el mercado nacional y es difícil mantenernos en esta postura, que al final es lo único que nos sale como banda. Somos conscientes que este cambio representa un gran reto para nosotros, pero queremos mantener una estética oscura y densa. El próximo trabajo discográfico se va a llamar Versiones noche, apelando a un ambiente electrónico y de baile, y a esa añoranza que tenemos de salir a bailar y de un nuevo disco a ver cómo se desarrolla. Track by track Transición Es el primer sencillo. Una canción que introduce elementos que no habíamos usado antes, por ejemplo, la guitarra acústica marcando el tema, la percusión con congas en un segundo plano, y un colchón de sintetizador que hace que la canción sea ambiental y atmosférica. Fue una canción que escribí cuando estaba llamando el cambio, me vi estancado en mi vida personal, emocional, y necesitaba de verdad una transformación, tratando de llamar esas energías como si fuera un amuleto de renovación. Siento que la canción terminó siendo un presagio de un cambio que viviríamos, por lo menos como banda. Madre Tierra Es la canción más sencilla del disco, va al grano, nuevamente esta figura de rock de frente, el riff pesado, muy reflexiva acerca de la humanidad. Hemos construido un escenario de destrucción, ensañados en nuestra vanidad, en la vida pantalla que llevamos y que no nos deja ver más allá de nosotros mismos, y como terminamos sumergidos en un estado de irreflexión por estar todo el tiempo estimulados y estimulando nuestra vanidad. Colabora Sebastián Paness,o guitarrista de los PetitFellas Corriente Apela mucho a un ambiente sexual. Es una invitación a echarse a la suerte si a uno le gusta alguien, no pensarlo mucho y simplemente vivirlo. Es una canción con influencias del stoner rock, del blues rock, y colabora Juan Amaya de Seis Peatones, que nos aporta el momento más alto del tema con un solo de guitarra monumental. Verdad Animal Es una invitación a no preguntarnos tanto sobre el sentido vital de las cosas, sino más bien echarse a la caminata y por esa razón titula el disco: sintetiza la idea de andar como un animal sin ser conscientes de que un día vamos a morir, de que las cosas no tienen sentido, sino vivir a tope, sin ese exceso de análisis que lo lleva a la parálisis de uno mismo. En esta canción colabora Steven Baquero de Apolo 7. La misma mierda Es la única canción con la que llegamos al estudio sin una letra. En ese momento teníamos una idea instrumental y la grabamos en el 2019 junto a las otras canciones y a medida que fue pasando el tiempo nunca lográbamos dar con una letra y con una idea que nos dejara cómodos y satisfechos, y se fue perfilando como una toma descartada del disco. Cuando inició la cuarentena, entendimos un poco la necesidad de estar activos en las plataformas y dijimos ¿qué tal si intentamos retomar el tema?, así tenemos más material para el resto del año. Desempolvamos la sesión y empezamos a trabajar una letra pensando en este escenario pandémico, cómo nos hemos relacionado con la red social y nos inspiramos en eso. Hemos abusado de los medios y de la voz con la que nos expresamos y sentimos que generacionalmente somos la mejor banda, que vamos a sacar las mejores canciones, y lo que sea que se nos ocurra vamos a mostrar que somos los mejores, y al final con toda esa saturación visual terminamos siendo la misma mierda.
Alejandra Guzmán es una de las cantantes más representativas de la música latina. Su poderosa voz, su manera de interpretar las canciones y sus giras la han colocado en un lugar importante dentro de la industria musical. Este año regresa con nueva música como antesala a la celebración de sus tres décadas de trayectoria musical. Vive y deja vivir, junto a Ñengo Flow es el primer corte de su nuevo álbum que espera ver la luz antes de terminar el 2020. Una canción fresca, inspirada en la esencia de la vida misma, Su letra acude a grandes frases de la literatura universal y a los refranes populares. ¿Ser o no ser? ¡Atrévete! Es una invitación a vivir una vida real, intensa, sin pedir opinión o permiso. La canción fue co escrita por la cantante y producida por el colombiano Nicolás Mayorca. Su sonido es una mezcla de música del caribe con música regional mexicana. El videoclip animado muestra a sus protagonistas, Alejandra y Ñengo convertidos en avatars, con super poderes para cambiar a su paso los malos momentos por los que están atravesando algunas personas.
Muchísima gente se alcanzó a preocupar cuando Kevin Parker de Tame Impala informó que había tenido una fractura en la cadera y que estaba en recuperación para poder realizar sin complicaciones los conciertos en América Latina. Contenido recomendado | Estéreo Picnic 2023: la participación de las mujeres en el festivalAunque nunca canceló, muchos sí tenían miedo de que a última hora decidiera no girar para no comprometer su salud.Por suerte los primeros tres shows de la gira por América Latina han sido exitosos: el primero en una Arena en Ciudad de México, el segundo ante más de 50.000 personas en el Lollapalooza Argentina y el tercero en Chile frente a miles de asistentes. Las próximas paradas de la banda australiana de Kevin Parker son: Festival Asuncionico en Paraguay, Estéreo Picnic en Bogotá y Lollapalooza Brasil. En Colombia comparte cartel con Rosalía, Twenty-One Pilots, Billie Eilish, Blondie, Morat, Wu-Tang Clan y Kali Uchis.One more year, Borderline, Nangs, Mind Mischief, Elephant, The Less I Know The Better y New Person, Same Old Mistakes, son algunas de las canciones que hacen parte del listado de canciones para 2023.El show de festivales de Tame Impala por América Latina dura aproximadamente una hora y media con la interpretación de casi catorce canciones en vivo. SETLIST TAME IMPALA EN AMÉRICA LATINA 2023One more year Borderline Nangs Mind Mischief Breathe Deeper Elephant Lost In YesterdayApocalypse Dreams Let It Happen Feels Like We Only Go Backwards Eventually Runway, Houses, City, CloudsThe Less I Know The Better New Person, Same Old MistakesEn video | Estéreo Picnic 2023: camino al festival con las bandas nacionales y datos - Shock PresentaEl evento más importante de música en vivo en Colombia cuenta con una nómina grande de artistas emergentes de diferentes ciudades del país. En este video pueden conocer un poco sobre las propuestas de los invitados nacionales.¡La música en vivo nos une!
El Estéreo Picnic tiene dos picos de emoción. Primero, cuando se realiza el festival y, segundo, cuando se anuncia la nómina de artistas. Para 2023 confirmaron como cabezas de cartel a nueve artistas para los cuatro días. El canadiense Drake; los estadounidenses Billie Eilish, Blink-182, Wu-Tang Clan y Lil Nas X; el australiano Tame Impala; la española Rosalía y los colombianos Morat.Claro que celebramos los invitados de las primeras dos líneas, pero no hay nada más grato que hacer zoom al cartel y encontrar una muestra colombiana tan representativa de lo que está pasando en el país. Dato:En total el #FEP2023 tendrá 83 actos musicales: 37 colombianos y 46 internacionales; es decir que el 44,5% del cartel es protagonizado por talento nacional.En la línea de los cabeza de cartel encontramos a Morat, una de las bandas de pop en español más relevantes de los últimos años y una de las más taquilleras del país. Recordemos que solo en 2022 agotaron 5 fechas en el Movistar Arena y dos en el Estadio Atanasio Girardot de Medellín. En la tercera línea está la reina de Pereira, la colombo estadounidense Kali Uchis. Kali regresa a la tarima del Festival después de su paso en 2018. Será, de hecho, la única artista de raíces colombianas en estar en todos los carteles de los festivales de la región para 2023.En ese mismo renglón están Ryan Castro, Apuesta Shock de 2021, y uno de los reggaetoneros que están cambiando las reglas del juego. RC también actuará en los Lollapalooza de Chile y Argentina. En la cuarta línea del cartel está una leyenda, Alci Acosta, el soledeño tendrá 85 años cuando se suba a la tarima del Festival en 2023.En el quinto renglón está la cantante y compositora bumanguesa Elsa y Elmar quien había sido confirmada para el Festival en 2020, pero que no había sido incluida para el cartel de 2022. Presentará su aclamado disco ya no somos los mismos.Los hermanos caleños Dawer X Damper, la quibdoseña Mabiland, el poderosísimo Frente Cumbiero, el isleño Elkin Robinson y la bogotana ganadora del Latin Grammy Juliana Velásquez están en la línea seis.El dúo colombiano radicado en E.E.U.U Salt Cathedral, los paisas Mr Bleat, Ana María Vahos y Ev, los envigadeños No Rules Clan, las cartageneras Vale, la cantora del pacífico Nidia Góngora y los bogotanos Lee Eye, Ha$lopablito, Lika Nova y Nicolás & Los Fumadores también están firmes en el séptimo renglón.El colombo ecuatoriano Amantina, los bogotanos Flor de Jamaica, Lalo Cortés y Ana Sanz, los paisas La Banda del Bisonte e Higuita en Chanclas, los caleños Junior Zamora y Tropicana Club y el trío femenino La Perla están en el octavo renglón.En el último renglón aparecen los proyectos bogotanos Santiago Navas, Pilar Cabrera y Felipe Orjuela. Y cerrando el cartel, aunque no menos importantes, aparece la agrupación del Pacífico Sur colombiano Semblanzas del Río Guapi.Recomendación:El festival es un encuentro musical para todos los géneros, por eso vamos a insistir mucho en que lleguen temprano y con los oídos muy abiertos para escuchar propuestas nuevas y, de paso, apoyar a los nacionales porque su talento merece de sus aplausos y gritos.¡La música nos une!
Taylor Swift, indudablemente uno de los nombres más poderosos de la industria de la música de todos los tiempos, dio apertura a su gira más ambiciosa 'The Eras Tour' en la que celebra el camino recorrido en casi dos décadas de carrera artística. Contenido recomendado | Lluvia de críticas a Drake por sus shows en los Lollapalooza de Argentina y ChileLa compositora nacida en West Reading, Pennsylvania, ofrece en su nueva gira un show de casi tres horas y quince minutos. El espectáculo está dividido en diferentes actos que a su vez se agrupan en los discos que ha publicado Swift hasta la fecha.The Eras Tour es la sexta gira de Taylor como artista principal y es la primera que hace interpretando temas oficiales de los discos Lover de 2019, Folklore y Evermore de 2020 y Midnights de 2022. El show es exclusivo para estadios y se anunciaron 54 fechas para Estados Unidos.Existen rumores de que pasará por Europa y América Latina, pero las ciudades que suenan para recibir a Swift son México, Brasil, Argentina y posiblemente Chile. Sería una de las primeras giras después de la emergencia sanitaria que no incluye a Colombia.El escenario de 'The Eras' es gigante y contiene tres espacios importantes: el principal con una pantalla gigante y curva, un escenario auxiliar en el medio y una T rectangular hacia el centro del estadio. El creador del montaje dijo que se inpiró en Broadway para todo lo relacionado con el nuevo show de Swift. Aún se desconoce el número exacto de personas que se necesitan para la construcción del escenario día a día en los diferentes estadios.En cuanto a la ropa de Swift, hay varios cambios de diseño a lo largo de las tres horas y pico. Todos están altamente inspirados en sus previos videos musicales o presentaciones en vivo. Versace, Roberto Cavalli, Oscar de la Renta,Christian Louboutin, Etro, Nicole + Felicia Couture, Zuhair Murad y Alberta Ferretti son los diseñadores involucrados en la colección de 'The Eras Tour'.SETLIST OFICIAL 'THE ERAS TOUR' DE TAYLOR SWIFT ACTO 1: LOVER1. Miss Americana2. Cruel Summer3. The Man4. You need to calm down5. Lover6. Ther ArcherActo 2: Fearless7. Fearless8. You Belong With Me9. Love StoryActo 3: Evermore10. Tis the Damn Season11. Willow12. Marjorie13. Champagne Problems14. Tolerate ItActo 4: Reputation15. Are you ready for it?16. Delicate17. Don’t Blame me18. Look What You Made Me DoActo 5: Speak Now19. EnchantedActo 6: Red20. 2221. We are never ever getting back together22. I Knew You Were Trouble23. All Too WellActo 7: FolkloreSeven (Poema)24. Invisible String25. Betty26: The Last Great American Dinasty28. Illicit Affairs29. My Tears Ricochet30. CardiganActo 8: 198831. Style32. Blank Space33. Shake it off34. Wildest dreams35. Bad BloodActo 936. Mirrorball37. Tim McGrawActo 10:38. Lavender Haze39. Anti-Hero40. Midnight Rain41. Vigilante Shit42. Bejeweled43: Mastermind44. Karma¡La música en vivo nos une!
Drake ya llegó a América Latina como acto principal de los festivales de la región: el canadiense es cabeza de cartel en los Lollapalooza de Brasil, Argentina y Chile, más el Festival Estéreo Picnic de Colombia. Contenido recomendado | Drake: todo lo que deben saber sobre su álbum Her LossSu llegada a Sudamérica ha sido muy llamativa: llegó abordo de un avión gigante de su propiedad, ha tenido un equipo de seguridad privada de decenas de escoltas y a última hora informó que no iba a permitir que se transmitiera su show por medio de internet.Las críticas no se han hecho esperar, iniciando con los fans del canadiense que quedaron decepcionados con el hecho de que el show de Drake haya durado menos de lo estipulado. En Argentina, aunque cantó el coro de Muchachos de La Mosca, himno de los hinchas de la Selección campeona de la Copa Mundial de la FIFA, su show solo duró 50 minutos.En Chile el panorama fue menos alentador: el cantante de Work o One Dance cantó la mayoría de sus canciones hasta el coro y solo estuvo en tarima 45 minutos. Varios asistentes a los Lollapalloza han concluido que Drake cortó el tiempo de sus shows porque veía que muchas personas no se sabían la letra de todas sus canciones. Al parecer el golpe fue duro en el ego y por ello decidió no ofrecer todo el set que, se supone, tenía preparado para los conciertos en América Latina.La siguiente fecha en la agenda de Drake en América Latina es en Colombia como cabeza de cartel del Festival Estéreo Picnic de Colombia el próximo viernes 24 de marzo en el Campo de Golf de Briceño, saliendo por el norte de Bogotá. ¡La música en vivo nos une!
Rosalía es cabeza de cartel en los grandes festivales de la región: Lollapalooza Argentina, Brasil y Chile, más el Estéreo Picnic en Colombia. Su show tiene una duración de una hora y quince minutos, una versión reducida de lo que presentó en el Motomami World Tour de 2022.Contenido recomendado | C de carisma: el memorable debut de Rosalía en Colombia con el 'Motomami Tour'Los shows se 2023 de Rosalía incluirá presentaciones en Asunción, Paraguay, Ciudad de México, Coachela en Indio, Primavera Sound en Barcelona, Lollapalooza Francia y conciertos especiales en Portugar, Italia, Dinamarca, España y Grecia.En total interpreta veinte canciones de su repertorio e incluye un cover, también canta algunas de sus colaboraciones más populares que la han llevado a ser la artista española más relevante de los últimos años.SETLIST ROSALÍA, GIRA DE FESTIVALES 2023SAOKO BIZCOCHITO LA FAMA DE AQUÍ NO SALES / BULERÍAS LA NOCHE DE ANOCHE LINDA DIABLO DESPECHÁ BLINDING LIGHTS REMIX HENTAI CANDY REMIX MOTOMAMI PIENSO EN TU MIRÁ LA COMBI VERSACE CON ALTURA HÉROE (ORIGINAL DE ENRIQUE IGLESIAS) | G3N16 MALAMENTE CHICKEN TERIYAKI CUUUUUuuuuuuteLa asistencia a los festivales oscilan entre 30.000 y 70.000 personas por shows. La gira Motomami estaba diseñada para recibir a Rosalía en arenas de aproximadamente 20.000 personas. El día del concierto de Rosalía en Colombia se estrenará el EP RR de la catalana con su pareja Rauw Alejandro, el proyecto incluirá tres canciones que fueron descartadas de los álbumes Motomami y Saturno.En video | ROSALÍA: Motomamis, mujeres y feminismo¿Qué significa ser una Motomami? ¿Empoderamiento? ¿Andar en moto? ¿Ser como se te venga en gana?Mariangela Urbina le da una mirada más profunda al concepto de la Motomami, nos cuenta de su origen y habla con fans de la Rosalía para que nos cuenten qué significa ser Motomami para ellas.¡La música en vivo nos une!