Tory Lanez le disparó a Megan Thee Stallion y por dos años, nadie le creyó. Raperos famosos se dedicaron a hacerle campaña a Tory para quitarle credibilidad a Megan, haciendo chistes sobre sus supuestas mentiras, memes sobre su aspecto y abiertamente poniéndose de parte de Lanez. Aquí hay un recuento detallado de los hechos, para que vean cómo se desenvolvió uno de los mayores escándalos de la escena del rap estadounidense en 2022.El día del disparoEl 12 de julio, Tory y Megan habían estado pasando el rato junto con otras personas en casa de Kylie Jenner. Aunque no eran precísamente mejores amigos, y mucho menos novios, ambos raperos sostuvieron una breve relación casual durante la pandemia. A la madrugada del día siguiente, el 13 de julio, Lanez, su guardaespaldas, Megan y su entonces mejor amiga, Kelsey Nicole, se fueron de la casa de Jenner en la camioneta de Lanez. En un momento los cuatro comenzaron a tener una discusión agitada. Lanez dice que Kelsey y Megan comenzaron a discutir al enterarse de que Lanez se había acostado con ambas, pero Megan insiste en que no se trataba de eso, y que los publicistas de Lanez utilizan ese argumento para desacreditar a Megan como parte de una campaña sexista. También dicen que Megan golpeó a Tory, lo que ha sido desmentido tanto por Kelsey como por Megan.Atormentada por la discusión y con el fin de detenerla, Megan dice que se bajó de la camioneta, y unos pasos adelante escuchó a Lanez gritarle "Baila, perra, baila" desde la ventana del auto. Luego dice que el rapero le disparó varias veces a los pies, hiriéndola una vez, por lo que dice que se agachó y gateó hasta estar segura.No pasó mucho tiempo antes de que la policía de Los Ángeles recibiera reportes de disparos por parte de vecinos en Hollywood Hills. Al llegar a la escena, con el caso de George Floyd tan reciente, Megan dice que temió involucrar a la policía, por lo que les dijo que se había cortado el pie. Por tener un arma no registrada en su camioneta, la policía arrestó a Tory Lanez, quien más tarde saldría bajo una fianza de 35.000 USD.El misterio alrededor del disparoEn ese momento no era público que le habían disparado a Megan, pero los rumores empezaron inmediatamente después del incidente. Ninguno había hablado públicamente de la situación. Sin embargo, los rumores en los tabloides comenzaron a salirse de control, y en agosto 19 de 2020, Megan Thee Stallion publicó una foto del disparo en su pie en Instagram, con el fin de desmentir los rumores de que se trataba de una movida publicitaria.En agosto 20 Megan hizo un live en su cuenta de Instagram contando en detalle la situación, y llamando mentiroso a Lanez por negar haberle disparado. Fue en ese live en el que contó por qué le mintió a la policía y confirmó "a mí no me cortó ningún vidrio".Lanez no hizo ninguna declaración hasta el 24 de septiembre, cuando se disculpó por su silencio. Convenientemente, "rompió el silencio" un día antes del lanzamiento de su nuevo álbum, que incluía varios comentarios negando las acusaciones de Megan en sus canciones.La batalla legal de Lanez comienzaEl 8 de octubre de 2020, el Fiscal de Distrito le imputó cargos a Tory Lanez por asalto agravado, cargos de los cuales se declaró inocente y pagó una elevada fianza. Fue entonces cuando el público hizo de Lanez una especie de O.J. Simpson: en la escena del rap. Todo el mundo parecía tener una opinión.Megan Thee Stallion habló unos días después públicamente como víctima de violencia de género, y dijo que "proteger a las mujeres negras no debería ser controversial". Mientras varias raperas y artistas negras mostraban su apoyo público a Megan Thee Stallion, la mayoría de raperos guardaban silencio o hablaban abiertamente a favor de Lanez.La fiscalía le puso orden de alejamiento de 100 yardas a Tory para mantenerlo alejado de Megan, y le impuso contacto cero con la rapera.Lanez obedeció la orden hasta el festival Rolling Loud el 25 de julio del 2021, cuando violó el alejamiento, pues Megan Thee Stallion estaba en el mismo show. Ese deslíz le costó un aumento en su fianza a 250.000 USD.Poco después, en la audiencia de los cargos, la fiscalía alegó que Lanez había ofrecido dinero y disculpas a Megan. Tory inmediatamente negó el hecho. En abril 25 de 2022, en vista de que sus tweets violaban la regla de contacto cero con Megan, la fiscalía elevó la fianza de Lanez aún más, a la elevada suma de 350.000 USD.Eventualmente Lanez sería puesto bajo arresto domiciliario.El mundo vs. Megan Thee StallionMegan Thee Stallion se vio forzada a defender su versión constantemente, pues era la narrativa popular en la escena del rap que era una mentirosa y que estaba intentando permanecer relevante.Mientras se acercaba el veredicto, varios raperos acusaron a Megan de estar mintiendo. Drake, en su nuevo álbum con 21 Savage dijo en su canción Circo Loco que ella estaba "mintiendo sobre que le habían disparado" y que "se había graduado pero no ha aprendido nada".El rapero 50 Cent comparó a Megan con Jesse Smollett, quien es famoso por haber creado un ataque racista contra sí mismo para obtener publicidad, diciendo "no sé qué pensar", y publicando un meme en el que Megan se transformaba en Jesse.Por otro lado, varias raperas apoyaron a Megan, como Cardi B, quien dijo en un live que no entendía por qué alguien mentiría sobre algo así; Doja Cat, quien dijo que el tema era demasiado sensible como para mentir; Keke Palmer, quien cuestionó al público por no creerle.El veredictoDespués de dos años del hecho, un jurado de Los Ángeles encontró a Tory Lanez culpable de los tres cargos que se le imputaban: asalto con un arma semiautomática, disparar un arma y tener un arma sin registrar en su vehículo. Al rapero le esperan hasta 22 años de prisión, y podría ser deportado de vuelta a su natal Canadá.Al declarársele culpable, el padre de Tory le gritó furioso al fiscal, diciéndole que "sabía lo que había hecho".Quienes siempre apoyaron a Megan celebraron y le compartieron su apoyo en twitter, por al fin poder cerrar este tormentoso capítulo de dos años de su vida. Aunque aún existen quienes no le creen a Megan y sostienen que miente, el fallo sirvió para apaciguar muchas de esas voces.Si algo nos enseñó el caso de Megan Thee Stallion es que, aunque la escena del rap llora constantemente a sus muertos por la violencia con armas, está lista para voltear ese discurso cuando se trata de una mujer negra como la víctima. Esperemos que la próxima vez que algo así ocurra, el eslógan de "protejan a las mujeres negras" que todos compartieron durante Black Lives Matter les pese.
"Esta vez le apostaron a la inclusión y por eso a las 6 de la tarde no habían ni mil gatos allá. Hagan su festival pop otro día y ya. Las cosas como son: si la propuesta es contundente que se gane el espacio, no porque son mujeres o lo que sea", dijo un metalero furioso en los comentarios del perfil de Instagram en Rock al Parque. "Con una alcalde lesbiana, obviamente las directrices son meter esa comunidad a las malas en toda parte", dijo otro. "Estas viejas no le calzan una bota a Judas [Priest]", comentó un tercero.Estos, seguramente, son los mismos tipos que se sueñan con una mujer metalera, que botan baba cada vez que ven a Simone Simons en un corset, que no salen sin la camiseta de Nightwish, que cantaron en el mismo escenario de Rock al Parque la música de Nervosa a grito herido.Tienen un conflicto interno: el machismo que los hace despreciar a las mujeres en espacios que consideran "de hombres", y su amor por el metal que les produce una fascinación por las mujeres en la escena. Les recomendamos leer | Peacemaker, la masculinidad tóxica y el glam metalSólo hay que mirar el trato que reciben las mujeres en la industria del metal para ver lo machista y hostil que es. Rosemary Lucy Hill hizo una investigación sobre el Metal y el machismo. En ella habló sobre el "mito de la igualdad" en la escena que se usa para reprimir el discurso feminista: el sentido de comunidad que crea la subcultura alivia la sensación de machismo, cuya presencia se materializa cuando es hora de "castigar" a una mujer por no quedarse en su lugar.Hill explica que lastimosamente la cultura alrededor del metal está plagada de símbolos machistas que se notan desde el arte de las portadas de los discos hasta en los cuestionamientos sólo a las mujeres para "probar" la autenticidad de su gusto por el metal o en la "representación de las mujeres como groupies, interesadas en el músico y no en la música". La música ya es una industria difícil para las mujeres tras bambalinas, para las que son administrativas y ni siquiera se suben a los escenarios.¿Se acuerdan de Gloria Calavera, la manager de Sepultura? Hasta de muerte la amenazaban sólo por estar en un espacio "de hombres". La volvieron la Yoko Ono del metal y le echaron el agua sucia cuando Max Calavera se salió de la banda. A Wendy Dio frecuentemente la tratan de "la mujer del cantante de Black Sabbath", en lugar de lo que era: la manager. Ahora, imaginen cómo es para las mujeres que ponen la cara y son las líderes de sus bandas. A muchas las sexualizan y tratan como objetos y no como artistas. Así lo hizo, por ejemplo, la revista Hard Rock en su edición del décimo aniversario de Metal Female Voices Fest: pusieron a Zuberoa Aznárez (Diabulus in Musica), Tarja Turunen (ex-Nightwish), y Charlotte Wessels (Delain) semidesnudas en la portada, a Angela Gossow (Arch Enemy) con un bong y a Sarah Jezebel Diva (Angtoria) con un vibrador en la mano.La misma Simone Simons (Epica) ha contado que constantemente la acosan sexualmente en los conciertos, y aunque ella dice que se ha endurecido frente al acoso por estar rodeada de hombres siempre, y que le da risa, eso no hace que deje de ser acoso.Alissa White Gluz (ex The Agonist, Arch Enemy) dice que en el metal es popular odiar el feminismo y tildar a las mujeres que hablen de ello como 'feminazis', pero insiste en que la pelea no acaba. Es este ambiente hostil y anti-mujer que se ha formado en el metal lo que hace que las bandas lideradas por mujeres sean deshechadas como "pop", "copias", "aburridas" o simplemente como menos que las bandas lideradas por hombres. Y eso se ve en los carteles de los festivales. Bloodstock sólo tuvo una banda con una mujer en 2018, Nightwish; y su apuesta por "paridad de género" el año pasado resultó en un mísero 15% de bandas con mujeres. Aunque una de sus directores, Vicky Hungerford, es una mujer, no hay mucho que pueda hacer para contrarrestar el machismo rampante en su comunidad: ella misma contó que un ayudante de escenario un día le pidió una mamada creyendo que era una groupie.Ya tenemos que dejar de decirnos mentiras, a muchos metaleros les molesta la paridad de género. La escena tiene un problema de machismo grave, y sólo admitiendo que hay un problema se puede empezar a pensar en la solución.Lean también | Rock al parque 2022: las mujeres escribieron un nuevo capítulo en el día del metal
Drake se autodenomina "feminista", incluso ha sido alabado como tal en los medios: un ejemplo es cuando sacó su canción "Nice for What", con un video impecable dirigido por una mujer. Incluso en una entrevista contó como empezó a deconstruirse "Una vez estábamos hablando sobre mujeres y la manera en la que lo hacíamos era tan descarada e irrespetuosa [...] él me escribió '¡Nos hemos convertido en los hombres de los que se divorciaron nuestras madres?´". Sin embargo estas palabras se quedan cortas cuando sus comportamientos hacia las mujeres lo evidencian como otro de los muchos hombres machistas de la industria.La fachada del "chico bueno" es eso, una fachada, y Drake muestra a la perfección por qué la mayoría de mujeres no confían en los hombres que se muestran dulces y "feministas" como estrategia de conquista.El nuevo disco de Drake, Her Loss, incluye muchos comentarios hacia muchos artistas, pero el que más ha resaltado es su aparente acusación a Megan Thee Stallion de haber mentido sobre la violencia que sufrió. En 2020, la rapera tejana contó que se encontraba en un auto con el rapero canadiense Tory Lanez. Los dos raperos discutían en el auto y, al bajarse, dice que Lanez le disparó.Muchas personas cuestionaron en su momento la versión de Megan, insistiendo en que se trataba de una estafa para obtener publicidad, pero más tarde Megan mostró sus registros médicos, que incluían restos de bala en su pie. Adicionalmente, Megan publicó un pantallazo de su conversación en mensajes privados con Lanez, en la que él le pedía disculpas y se excusaba con que estaba demasiado ebrio.A pesar de toda la evidencia de que el acontecimiento ocurrió, muchos en la escena del rap continúan cuestionando a Megan y poniéndose de parte de Lanez, diciendo que él no le hizo nada, que es una mentirosa, mientras lamentan la violencia armada que le ha quitado la vida a muchos raperos. Ahora a esta ola de odio se suma Drake, que dice “This bitch lie ’bout gettin’ shots, but she still a stallion.” (esta perra miente sobre recibir disparos, pero sigue siendo un semental) en su canción "Circo Loco".A la canción, Megan Thee Stallion respondió con el trino "Dejen de usar mi tiroteo para obtener fama, negros cobardes ¿desde cuándo carajos está bien burlarse de que le dispararon a una mujer? Ustedes, especialmente los raperos, dan lástima. Listos para boicotear por zapatos o ropa pero se la montan a una mujer negra cuando dice que uno de sus amigos la abusó".Otra frase que causó ruido en su nuevo álbum es "I'm a gentleman, I'm generous, I blow a half a million on you hoes, I'm a feminist" ("Soy un caballero, soy generoso, boto medio millón en ustedes, perras, soy feminista"). La ironía no se pierde: "ustedes, las perras, yo, el feminista". Drake es el perfecto ejemplo del "chico bueno" que reproduce la misoginia de los que él mismo califica de misóginos, con sus acciones.Drake se ha dedicado una buena parte de su carrera a mostrarse como un hombre romántico y duce. Su temática de hombre bueno y sufrido es consistente en sus canciones, en las que usualmente él es demasiado bueno, una especie de premio, y las mujeres antagonizadas de su vida no se lo merecen. De hecho ese es el título del álbum, "Her Loss" (Ella se lo pierde). Cómo olvidar su estrategia de lovebombing con Rihanna, cuando se le declaró públicamente, y ella se ganó una ola de reclamos en internet por no copiarle.En el mismo álbum, Drake envía un mensaje pro-aborto para recibir el apoyo de las mujeres en su canción "Spin Bout You", diciendo “Damn, just turned on the news and seen that men who never got p*ssy in school Are makin’ laws about what women can do" (Rayos, acabo de poner las noticias y ví que hombres que nunca consiguieron c*** en el colegio están haciendo leyes diciéndole a las mujeres qué hacer), pero tiene canciones enteras en álbumes anteriores acerca de cómo sus ex novias no se están comportando como él quiere, como "Hotline Bling" y "Jaded", el himno del "chico bueno".Drake es un artista que ha roto cada récord posible, y definitivamente un ícono del género, pero hacerlo un ícono de los pobres chicos buenos que las mujeres no aprovechan es absurdo. Detrás de la máscara de adorable, respetuoso, y supuestamente feminista, hay un hombre misógino, como cualquier otro en la industria.
A veces las personas logran inspirar a otros con el simple hecho de ser, hacer y existir. Un poco ese es el caso de María Elisa Ayerbe, una de las ingenieras de grabación y mezcla más relevantes de la música latina. Ella tiene un oído fino y una sensibilidad artística única que la han llevado a trabajar en proyectos gigantes de estrellas como Julio Reyes Copello, Juanes, Alejandro Sanz, Marc Anthony, Laura Pausini, Paula Arenas e Il Divo, por mencionar solo a algunos. Así mismo ha sido fundamental para que nuevos proyectos tengan una calidad de audio de primer nivel, como es el caso de César Pinzón, los inicios serios de Farina, la fase pop de Mau & Ricky y Rosa Rosa, esto últimos son artistas firmados por South Mountain Music, un sello musical latino e independiente fundado por ella que tiene como sede la ciudad de Miami. Desde que estaba en la Universidad empezó a involucrarse en la música, inicialmente muy enfocada en lo clásico y después saltando al pop. Desde 2015 vive en Miami, Estados Unidos, y gracias a su trabajo es miembro activa de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación y de la Academia Latina de la Grabación (los que entregan los premios Grammy y Latin Grammy), quienes le otorgaron en 2019 el reconocimiento Leading Lady of Entertaiment. Ella, como pocas, ha trabajado para la industria gringa y también para la latina. En esas ha tenido que enfrentarse al machismo que existe por parte de dinosaurios que se resisten al cambio, a la diversidad y a la inclusión equitativa de las mujeres. Hablamos con María Elisa Ayerbe sobre su carrera, la misma que ha llevado a que nuevos chicas y chicos se interesen por ser parte de la industria del entretenimiento. Su nombre es muy reconocido en la industria de la música latina, pero queremos que brevemente nos cuenta cómo entró a este universo. Realmente no sé en qué momento dije “voy a entrar a la industria, pero yo estudié música en la Universidad Javeriana y unos semestres de Ingeniería de Sonido en Chile. En Bogotá empecé a trabajar produciendo a artistas que eran amigos míos e hice varias grabaciones. Siendo asistente me sale la oportunidad de ser asistente de grabación de un disco de la Filarmónica de Bogotá. Ahí consolidé la idea de que quería hacer música, discos y participar más activamente de eso. En 2009 me contactan de Pereira para mezclar reggaetón porque Farina estaba buscando una ingeniera mujer. Ese fue mi primer crédito grande como ingeniera de mezcla. ¿Por qué el equipo de Farina en ese año estaba buscando específicamente a una ingeniera mujer? En ese disco Farina, que era su primer álbum después del reality, tenía una canción llamaba Descaradamente Bella que habla de empoderamiento femenino. Entonces para la producción le pareció consecuente que la mayor cantidad de personal involucrado fuera femenino. Me contaron que ellos googlearon “ingeniera de mezcla en Colombia” y resulta que yo era la única que aparecía. A ellos les gustó mi trabajo y aún en Bogotá existía un estigma hacia el género, pero ellos me ofrecieron seguir involucrada con ellos porque tenían más artistas urbanos en desarrollo. ¿En qué momento da el salto y decide irse de Colombia? En el 2012 me voy a Nashville a estudiar una Maestría en grabación, pero de forma remota sigo trabajando para clientes en Colombia. Allí me meto de lleno a trabajar con la escena. Y Nashville es como uno lo imagina lleno de música country, ¿o es diferente? Hay de todo, pero es como Valledupar. Puede que en Valledupar haya salsa, pero a nadie le importa. Es full country, americana, blues, rock y todos los géneros muy norteamericanos. Fue una experiencia grande para mi porque esos géneros están relacionados con una gran calidad de audio, todo se toca, es muy poco lo programado, completamente diferente a lo que sucede actualmente en el mainstream pop. Al terminar la maestría viajo a Miami y empiezo a ver las opciones para ser ‘zapatero a sus zapatos’. En Nashville llegó un punto en que ser ingeniera, mujer y colombiana era como exprimir mucho ese limón. Cuando apareció el mp3 y el streaming le pegó muy duro a Miami y mucha gente se fue de aquí a trabajar a Los Ángeles, en 2015 que yo llegué me encuentro que Julio Reyes está muy establecido, también Andrés Castro, mucha gente colombiana y una nueva ola de producción. Allí pensé que ese era el lugar para mí. ¿Qué oportunidades se abrieron en Miami para usted? Llevaba diez días trabajando en un estudio y me contacta Julio Reyes Copello que estaba trabajando con Il Divo. Él necesitaba un ingeniero permanente porque el proyecto era enorme, donde necesitaba grabar orquestas y hacer toda la producción de voces de Il Divo. Yo nunca dejé de grabar música clásica, en Nashville hice mucha música de orquesta. Julio supo que mi perfil era de alguien que sabía de pop, pero también de conocimiento de música clásica y entré a trabajar con él. Además de Il Divo, ¿qué otros proyectos tuvo a cargo? Laura Pausini, mezclarle a Ricky Martín, grabarle a Marc Anthony, trabajar música de JLo. Obviamente otro nivel. ¿Qué diferencias hay entre mezclar música como la de Farina en 2009 a hacer una grabación como la de Il Divo? Para empezar, hay que entender que la música urbana pop o reggaetón el 80 o 90% de la música que se graba es programada por computador donde se usan librerías, simples, muestras de audio pre-hechas, porque son géneros que no nacen de alguien tocando instrumentos. Es muy diferente cuando se tiene que trabajar todos los sonidos de cero porque vienen grabados por músico profesionales donde hay orquestas, bateristas, guitarristas. Las diferencias de recursos que uno como ingeniero debe usar son muy diferentes. Así yo esté recibiendo todo ya hecho, es muy importante haber tenido la experiencia de entender cómo se capturaron esos sonidos para saber cómo los puedo procesar. Se requiere tener mucha más experiencia. Desde su punto de vista, ¿cómo es el reggaetón? Evidentemente el género ha ido evolucionando y cambiando porque antes todo trataba de emular lo que se hacía en Puerto Rico con Vico C, Daddy Yankee y Don Omar que sonaban demasiado específico. Ahora estamos en un punto donde los grandes como Balvin, Maluma, no se mezcla en Colombia sino en Estados Unidos. La evolución de ese sonido urbano ha hecho que los ingenieros más top de USA trabajen las mezclas de los grandes artistas latinos. ¿Qué opinión tiene sobre el término pop urbano cuando se habla de reggaetón? Y lo pregunto porque mucha gente no está de acuerdo con el término porque el reggaetón de ahora no sale precisamente del barrio, de las calles, como fue en sus inicios. Para mí lo que es urbano es el nuevo pop, pero como siempre tenemos que clasificar las cosas para entenderlas o justificarlas. Esa música tiene herencia del dembow y ‘tupa tupa tupa’ no le podemos decir pop porque el pop convencional de las baladas se siente afligido, entonces se le dice pop urbano. Aquí en Estados Unidos hay un debate grande por decirle urbano porque entonces urbano quiere decir que viene de las clases bajas y el término ha tenido una asociación discriminatoria. Estoy de acuerdo con reivindicar el término urbano, pero entonces qué nuevo nombre le vamos a dar porque inventarse la rueda de nuevo es difícil. Regresando a la anécdota de Farina, ¿cómo veía a las mujeres en roles técnicos en ese 2009-2010 y cuáles han sido los avances para ustedes en esta década? En ese momento fue chévere porque yo crecí con una generación de mujeres ingenieras que estábamos en la universidad y había varios puntos de referencia. Nosotras en Colombia siempre hemos tenido como referencia a Marta de Francisco, que es una señora que estudió para prepararse para ser ingeniera de grabación de música clásica en la Alemania de los 70 y luego ella se quedó viviendo por fuera. Es una de las principales profesoras de la carrera más tradicional e importante de grabación de música clásica que existe. Crecimos viéndola a ella como una de las más exitosas de la ingeniería, pero lo que se sentía desde el lado nuestra era que estábamos completamente abandonadas y solas, cada una nadando por su propio cuento y estrellándonos con barreras, prejuicios, machismo y de ausencia de querer vincularnos en absoluto. Muchas de mis compañeras no se dedican a esto, otras como Marcela Zorro y Alejandra Bernal son importantes docentes de ingeniería de sonidos y tienen una carrera espectacular en el teatro musical y la música clásica. Realmente la que pasó a la música popular fui yo y, por fortuna, detrás vienen muchas chicas que no han tirado la toalla como por ejemplo Ali Stone, productora y artistas, Natalia Bautista que han estado nominados a las categorías más importantes de los Grammy. Chévere porque vienen generaciones de chicas haciendo muchas cosas. Mencionaba esto porque es muy raro ver a una mujer en las historias que suben los artistas desde el estudio de grabación. A veces hay siete, ocho personas y solo está presente una o dos mujeres y en el peor de los casos ninguna. Es muy extraño que aún haya equipos de trabajo donde no haya ni una mujer. Sin querer hacer el punto de comparación, pero, así como algunos dicen en Estados Unidos que el racismo no existía, hay gente que dice que la discriminación por género no existe y eso es completamente falso porque hay mujeres como yo que trabajamos en medios que son dominados por hombres y nos damos cuenta de eso todos los días. Puede ser con discriminación oculta o comentarios directos como “esto no es un trabajo para una mujer” y comentarios que pueden pasar desapercibidos, pero que son terriblemente hirientes. Esos comentarios dejan en el aire algo que es cero positivo para uno, pero en la medida en que existamos mujeres que de alguna manera queremos seguir trabajando en esta industria, y que hacemos un trabajo mental constante para no dejarnos afectar por esas situaciones, se demuestra que por medio del talento se puede conseguir el éxito, lo que queramos llamar éxito, o por lo menos tener una carrera profesional y soportarnos económicamente de esto; pues va a lograr inspirar a otras chicas a continuar ese proceso. De esta forma toda la industria empieza a ver las cosas de otra manera. Ha recibido menciones por su trabajo en la industria de la música como el de Leading Ladies Of Entertainment 2019. ¿Cómo ha sido este camino para ser referente para las mujeres en el entretenimiento? Ese premio reconoce a diferentes mujeres en el entretenimiento y relacionadas a la música. Lo otorgan por el trabajo y esfuerzo que hemos hecho desde diferentes campos, por eso tienes abogadas, cantantes, vinculados con los sellos, ingenieras, productoras, etc. Yo fui la segunda ingeniera y creo que, al entregar este honor, emitir comunicados de prensa, al hacer eventos para la entrega y al escuchar quienes somos nosotros, se le muestra al mundo quienes son esas mujeres que están haciendo algo y que sienta un precedente en la industria. En mi caso se logró desde el trabajo con el Recording Academy por mi trabajo en los comités que buscan mejorar la inclusión y la diversidad de género y de razas. También participo en organizaciones como She Is The Music, Women in Music y mi trabajo allí nace de la necesidad personal de vincularme a cosas más grandes para poder tener un impacto mayor en la música. Porque yo sola desde mi estudio tratando de decir “hola, yo existo, contraten a las mujeres” es muy poco el impacto que puedo tener, mientras que siendo parte de esos organismos se amplifica el mensaje. Además, se logra trabajar con otras mujeres que están en la misma onda y que quieren lograr lo mismo para todas. Al final eso tiene un impacto mayor y se ve que hay muchas mujeres liderando. Eso es chévere ¿Cómo es su labor con las academias? Con la Latina: soy miembro del círculo de ingenieros y productores de la Academia Latina y somos un grupo de personas que estamos todo el tiempo tratando de mantenernos al tanto de cómo está funcionando nuestra industria, cómo las nuevas tecnologías están formando la música que se está produciendo y también haciendo una veeduría respecto a las categorías de los Premios Latin Grammy que nos conciernen a nosotros. En la norteamericana tengo un rol con más responsabilidades, vale aclarar que no trabajamos para la Academia, sino que servimos a la Academia. Uno se vincula pagando una membresía, pero al ser miembro se tiene derecho a ser pasivo o decidir participar activamente en otros frentes. Aquí yo soy representante del board del capítulo de Florida donde decidimos y abogamos por las personas que pertenecen a nuestro capítulo. Soy presidenta del capítulo local de productores e ingenieros de la Florida para el país y participo en diferentes comités que buscan la diversificación dentro de la Academia norteamericana. Tener una voz y un grupo de apoyo causa un impacto y se pueden hacer muchas cosas. Solo dos mujeres en los Premios Latin Grammy se han llevado el galardón a Álbum del año. Shakira en 2006 con Fijación Oral y Rosalía en 2019 con El Mal Querer, ¿cree que en esta década que arranca la tendencia pueda cambiar y el hecho de que una mujer sea premiada en la categoría más importante no sea algo que pasa cada 15 años? Esperaría que no. Este año están Kany García, Natalia Lafourcade y Jesse & Joy, el de Debi Nova también anda rotando por ahí. El hecho de que Rosalía haya ganado el año pasado es una entrada revolucionaria a la industria musical global en cuanto a la producción y el concepto. Ahí se sentó un precedente fuerte de cómo se están haciendo las cosas ahora. Rosalía en su discurso dijo que este disco fue hecho en un computador de escritorio en un estudio casero y es algo que también dijo Finneas, el creador y productor del álbum de Billie Eilish ganador en 2020 de 6 Premios Grammy. ¿Cómo ve ese cambio de que los discos más importantes del año no son grabados en grandes y costosos estudios, sino que se hacen desde casa? Eso no lo devuelve nadie porque la capacidad de tener la tecnología ahora es muy accesible y para muchos cambian las reglas del juego. Un par de hermanos en una casa con un excelente gusto musical y un nivel de creatividad tipo Dios puedan hacer un disco como When We All Fall Asleep, Where Do We Go? sin tener que endeudarse la vida entera o esperar que un sello les tienda la mano y les haga un préstamo. De alguna forma toda esta tecnología democratiza el acceso para hacer música increíble. Sé de muchos artistas que tienen la capacidad de ser multitasking: intérpretes, compositores, productores, mixers e ingenieros. Pero me gustaría saber ¿por qué cree los creadores de canciones deben considerar tener entre su presupuesto a un jugador como María Elisa Ayerbe que se encargue de la ingeniería de sonido y mezcla? Es una pregunta chévere porque siempre creo que los proyectos artísticos se nutren de la participación de diferentes personas, con diferentes culturas, diferentes maneras de ver la vida. Entre más puntos de vista haya, el producto puede ser llegar a ser algo de mejor calidad. En el caso puntual de la música, hay personas que pueden hacerlo todo de principio a fin y mantienen su visión, pero hay otras que no lo logran. Siempre que uno está en el proceso de elaboración creativa hay tendencia para el bloqueo. Por ejemplo, un libro no se escribe solo; está el escritor, pero él tiene un editor que lo va a ayudar a sacar la mejor versión de su libro. En la música tener a un ingeniero de mezcla participando en la canción lo que hace es que amplifica, mejora o le saca el mejor partido al arreglo y la producción porque es una persona que entra con oídos frescos, con un nivel de desapego al producto que hace que uno pueda dar un paso atrás y mirar objetivamente lo que se está haciendo para entregar una nueva versión que puede llevar todo a un nuevo nivel. Para ver | Las polémicas más sonadas en la historia de los Grammys #LaMúsicaNosUne
La representación femenina en las obras de ficción, además de ser escasa, está en gran parte basada en tropos y estereotipos de género que nos ha costado mucho desaprender. Aunque esto ha cambiado en las últimas décadas y cada vez son más las guionistas que escriben historias de mujeres que se pegan más a la realidad del comportamiento y la profundidad de los personajes femeninos, sigue habiendo una gran subrepresentación del género en las pantallas y páginas de obras destinadas a nuestro entretenimiento. Por: Vanessa Velásquez Mayorga // @vanessavm__ Sin embargo, la ficción no solo entretiene, sino que también es una manera de reinterpretar el mundo en que vivimos. Es por eso que la mala representación de las mujeres, relegándolas a papeles secundarios, como accesorios que existen para el placer y el servicio de los personajes masculinos o eliminándolas de tajo de las historias es un fenómeno que debe ser problematizado. Una historia sin mujeres no necesariamente es machista, así como una historia con solo protagonistas femeninas no es feminista. Buscar una apropiada representación femenina en la ficción no es abogar porque todas las historias sean escritas desde un enfoque de género y respondan a las problemáticas que atraviesan el ser mujer a lo largo de la historia. Es, en cambio, reclamar un lugar que nos corresponde porque existimos más allá de los estereotipos que se nos han adjudicado. En las últimas décadas, y mientras las narrativas cambian de a poco, han surgido propuestas críticas de las obras de ficción que sirven para identificar o juzgar qué tan diversa es dicha obra o si es discriminatoria en cuestión de género. Aquí les resumimos algunas. Test de Bechdel Este es el más conocido. Nació en 1985 en una tira cómica de la caricaturista Alison Bechdel. En ella, un personaje le decía al otro que solo veía películas que cumplieran con tres características: 1. Al menos dos de los personajes deben ser mujeres y deben ser nombradas 2. Deben hablar la una con la otra 3. El tema de conversación no debe ser un hombre Que una película pase el test de Bechdel no necesariamente significa que su cuota femenina esté bien representada y que su papel en la historia sea importante. El diálogo entre ellas puede ser algo sencillo, como que una le pida la hora a la otra, o puede ser una conversación en torno a una temática estereotípicamente asociada al género femenino, como hablar de dietas o de dónde compraron sus zapatos. Test de Mako Mori Pacific Rim es una película que, aunque no pasa el test de Bechdel, nos presenta a un personaje femenino fuerte, no estereotipado y que da nombre al siguiente test para evaluar cómo es la representación de las mujeres en las obras de ficción. Este test o criterio de evaluación de una obra de ficción fue propuesto por Chaila, un usuario de Tumblr que está ahora inactivo. Basándose en el personaje de Mako Mori, una mujer fuerte que aporta a la trama de la película y no es valorada en razón de su sexualidad ni descrita con rasgos estereotipados, Chaila destacó tres elementos que debe tener una película para pasar este test: 1. La película debe contar con al menos un personaje femenino 2. Este personaje debe tener su propio arco narrativo 3. El arco narrativo de este personaje femenino no debe existir en función de que avance la trama de un personaje masculino Que una película pase el test de Mako Mori no la hace más o menos feminista que una que no pasó el test de Bechdel. Solo significa que los personajes femeninos están mejor perfilados y valorados, y que aportan algo a la narración en vez de ser simples accesorios. Y hay películas con personajes femeninos fuertes que no pasan este test. Rey, de la tercera trilogía de Star Wars, es un ejemplo. Es la protagonista de las sagas, tiene su propio arco narrativo, pero su papel está en función de que Luke Skywalker complete su trama. Síndrome de Pitufina Star Wars también sirve para ejemplificar otro fenómeno que puede considerarse sexista en las obras de ficción. En sus primeras tres películas, la saga de Star Wars solo incluyó a un personaje femenino, Leia. Esto es común en muchos productos audiovisuales populares como The Big Bang Theory en sus primeras dos temporadas, Transformers, Stranger Things o Los 4 fantásticos. El nombre Síndrome de Pitufina lo acuñó la ensayista Katha Pollitt en una pieza para el New York Times en 1991 y lo define como un programa en el que “un grupo de amigos hombres que es acentuado por una mujer solitaria y definida estereotípicamente”. Pollitt agrega varios ejemplos de dibujos animados, pues es una columna que nace desde una experiencia con su hija pequeña. Menciona a Kanga, la única mujer en Winnie the Pooh que es madre. O Piggy de los Pequeños Muppets, una versión más pequeña de Miss Piggy, la diva exagerada de los Muppets. “El mensaje es claro”, dice Pollitt en su columna: “los chicos son la norma, las chicas la variación; los chicos son centrales, las chicas periféricas; los chicos son individuos, las chicas son estereotipos. Los chicos definen el grupo, su historia y su código de valores. Las chicas existen solo en relación con los chicos”. El ejercicio del reemplazo Otra propuesta para evaluar la inclusión y diversidad al momento de crear una historia de ficción invita a hacer un ejercicio hipotético sencillo: ¿Puedes cambiar a tu personaje por otro con distintas características sin que ese cambio afecte al desarrollo de la historia? Las características de este reemplazo pueden variar. Por ejemplo la periodista y crítica feminista Ellen Willis pregunta ¿sigue teniendo sentido la historia si cambiamos el género del protagonista? Si, por ejemplo, Frodo fuera Froda, ¿se altera la historia que nos quiso contar Tolkien en El Señor de los Anillos? Si el protagonista no fuera Harry sino Harriett, ¿no se hubiera podido derrotar al Señor Oscuro en la saga de Harry Potter? Este ejercicio apela a un sesgo inicial que tienden a tener los creadores de historias que eligen hacer tener un protagonista masculino a pesar de que el género de este no influya en nada. ¿Y es que acaso las mujeres no se tocan? El placer femenino en el cine y la TV Tal vez haciéndole caso a Willis es que hemos visto en los últimos años que se han hecho remakes de películas populares como Los Cazafantasmas o La gran estafa, pero con elencos completamente femeninos sin que el núcleo de la historia se alterara. Hay otro intercambio un poco más irónico y que fue propuesto por la escritora de Marvel Kelly Sue DeConick en el panel ‘De víctima a héroe’ en 2013 en el que dijo: “Existe el test de Bechdel, y yo tengo otro test que funciona igual de bien. El test de la lámpara sexy: si puedes sacar a un personaje femenino y reemplazarlo con una lámpara sexy, eres un puto fraude”. Es un término que ella aplica en su trabajo diario como escritora de cómics y al que hace referencia constantemente, como en esta entrevista para IGN. DeConick se refiere con esto a las mujeres en las películas que están de adorno, incluidas en la trama para el placer, cuidado o redención del protagonista. Por ejemplo, Vanessa en la primera película de Deadpool o Lois Lane en El hombre de Acero. Ambas pudieron haber sido reemplazadas por una lámpara sexy y sus diálogos reemplazados con un post-it. Piensen en la lámpara sexy como esas mujeres en las películas cuya única función es servirle un vaso de agua al protagonista, cuidarle cuando está malherido para que al recuperarse continúe con el desarrollo de su trama o el ejemplo más sencillo: la damisela indefensa y en peligro a la que el héroe debe rescatar. La mujer en la nevera En 1999 Gail Simone, otra escritora de cómics, creó un término para el papel de las mujeres en las narrativas de ficción. La mujer en la nevera se refiere a personajes femeninos y cómo son constantemente maltratadas, asesinadas, violadas o abusadas para así motivar las acciones de un protagonista masculino. El término nace con base a una escena de un cómic de Linterna Verde en el que el héroe vuelve a casa donde se encuentra a su novia, asesinada por el villano Major Force y desmembrada y metida en la nevera. Una mujer en la nevera es, por ejemplo, Sansa Stark cuando los guionistas utilizan su violación por parte de Ramsey Bolton como detonante para que Theon actúe, o en Se7en, cuando el personaje de Kevin Spacey le entrega al personaje de Brad Pitt la cabeza cercenada de su esposa, interpretada por Gwyneth Paltrow, para demostrar que está un paso adelante de ella. O Meg, en la película animada Hércules, que muere debajo de una columna para que el semidiós vaya a retar a Hades. El test de Furiosa Este test lo propuso un usuario de Twitter como respuesta a la gran cantidad de hombres que quisieron boicotear el lanzamiento de la película Mad Max: Furia en el camino y quienes se quejaban de que en esta película, y las muchas otras que han salido en las últimas décadas con protagónicos femeninos (el remake de Las Cazafantasmas, por ejemplo, o Capitán Marvel) quieren imponer una agenda feminista. Como propone la usuaria en Twitter, una obra de ficción pasa el test de Furiosa si incita a que los hombres la boicoteen para proteger sus derechos.
¿Le ha ocurrido que está en una fiesta familiar o escuchando música en la radio y de pronto se da cuenta que hay canciones muy famosas de las que usted desconocía el mensaje? Por ejemplo, se había enterado de que en la canción Talento de Televisión interpretada por Willie Colón el artista se limita a reducir a una mujer en sus atributos físicos y que es admirada simplemente por su “trasero que causa sensación” o también se ha preguntado cómo es que Café Tacvba terminó contando la historia de un feminicidio en su canción Ingrata de 1994, tema que muchos saltamos y coreamos durante años, pero que la banda ya no interpreta en vivo porque su mensaje no va acorde con los nuevos ideales de los mexicanos. Ejemplos así hay un montón en los que se habla tranquilamente de relaciones amorosas y sexuales con menores de edad; en el vallenato, en el rock, en la salsa, el merengue, en las rancheras y en el reggaetón, demostrando que no es una falla de un género musical sino del machismo que ha existido desde siempre. Lea también: El Gran Varón de Willie Colón y la incomodidad que generaba entre algunos gais Pero hoy no solo hablaremos de canciones machistas, sino que resaltaremos temas musicales que romantizaron las relaciones amorosas y sexuales de hombres adultos con menores. Algunas de las composiciones también pueden ser consideradas pedófilas al incluir historias con colegialas o niñas de catorce años, que en su momento no fueron escandalosas porque eran historias comunes en zonas de nuestro continente, principalmente en las rurales. Para Beatriz Váldes, periodista de Colombia 2020 de El Espectador, muchas (MUCHAS) canciones de vallenato tocan el tema porque hace parte de las historias personales de los artistas que tienen un estatus importante en varios lugares de Colombia, “en la Costa los vallenateros son un hombre deseable, se sabe que son mujeriegos, pero eso no importa porque había una normalización de que las niñas ya estaban en edad de casarse y de merecer por eso es común ver en poblaciones rurales que hay mujeres de 13 y 14 años embarazadas, algunas veces por adultos, aunque ahora es más común que sea con personas de su misma edad”. Para la periodista feminista Mariángela Urbina de Las Igualadas es necesario resaltar que las décadas de los años 80, 90 y 2000 recibieron una herencia cultural en la que veían cómo sus bisabuelas, abuelas y hasta madres pudieron ser forzadas a tener hijos o casarse con hombres mayores, aún siendo menores de edad y no importaba si habitaban zonas rurales, sectores populares o privilegiados, para ella "nunca ha sido mal visto ver a un hombre mayor con una mujer menor, lo que se ha criticado más en la sociedad es cuando una mujer mayor se mete con un hombre menor". La música, sea del género que sea, es un reflejo de las historias que nos rodean y las canciones que serán mencionadas muestran un poco el panorama social que se vivía en el momento en que fueron estrenadas; años donde temas de igualdad o equidad no tenían espacio en los medios de comunicación. ¿Qué habrá motivado a compositores y artistas a hablar en sus canciones de estos temas? ¿Qué opinarán ellos de esas canciones en la actualidad? Párele bolas a estas canciones que han gozado durante años de gran popularidad, al punto de que aún suenan en radio Demasiado niña – Eddie Herrera Este tema hasta tiene video en el que el cantante se ve que es un señor, mientras que en la canción hace referencia a una niña de 13 años que él ve como una “fruta nueva que no se debe tumbar”. Básicamente sabe que está mal hecho coquetearle a una menor, pero no le importa y lo hace. La colegiala – Silvestre Dangond El guajiro que tenía 24 años en el momento en que se publicó esta canción canta sobre cómo suele pasar por el colegio de la mujer que no lo deja dormir donde la admira por lo linda que se ve en uniforme. En la canción resalta que los padres de ella no están de acuerdo con su relación, principalmente porque él es cantante. Ceniza Fría – Los Chiches En este tema los compositores hablan de cómo un hombre está dolido porque se enteró de que su ex novia prefirió perder la virginidad con otro tipo y no lo hizo con él. El profe – Miranda La canción de electropop habla descaradamente del gusto de un hombre mayor por una chica, de hecho, en una parte del tema dice “quisiera que me mientas cuando pregunte tu edad (…) voy a engañarte tonta, solo para tocar tu boca”. La composición de Ale Sergi es pegajosa, pero el mensaje es claro: engañar a una menor para poder saciar el deseo sexual del mayor. La Martina – Antonio Aguilar El mexicano ya era un señor cuando lanzó esta canción en la que inicia hablando de que su experiencia sexual con una mujer de quince años. La canción habla sobre cómo un señor se da cuenta de que su nueva mujer no es virgen y la devuelve a sus padres por ser una “mañosa”. Sorprendentemente la composición es de una mujer, Consuelo Castro. Celos de mi guitarra – José Luis Perales Esta canción relata la historia de un señor, que aclara que su adolescencia ya pasó, pero que cree que la mujer de quince años con la que ha compartido tiempo siente celos de cómo él toca a su guitarra. Claramente habla de una relación prohibida, pero en un punto él hace entender que la dejó “vivir sus quince años” mientras él “promete soñarlo”. Amor de colegio – Héctor & Tito Cuando la canción salió en 2004, los artistas tenían entre 23 y 25 años, y en ella cuentan cómo van al colegio de una menor para recogerla y después “besuquearla toda”. En él video muestra cómo los tres hombres llegan en motos y carros a las afueras del colegio para demostrarle a otros hombres que “no está sola”. #LaMúsicaNosUne
En 2018, los hombres superaron 3 veces a las mujeres en presencia en los listados musicales. De las 100 canciones más populares del año, 91 eran de hombres o de grupos de solo hombres, frente a 30 de mujeres, grupos de mujeres o colaboraciones mixtas, según un estudio publicado por la BBC. De las 100 canciones, 13 fueron solo de mujeres (en 2008 fueron 35 de 100). A pesar de que en 2018 vimos a mujeres como Cardi B, Dua Lipa o Ariana Grande con canciones y álbumes muy populares, este estudio concluyó que la brecha de género ha aumentado en la última década. ¿La razón? En momentos en los que las colaboraciones mandan la parada en la música, los hombres cada vez colaboran más con otros hombres, pero pocas mujeres colaboran con otras mujeres (y si lo hacen, no son uniones muy populares). Si bien no hay menos mujeres en la música que hace una década, el número de hombres sí ha aumentado en un 50%. El estudio se basa en los listados anglo, pero en Latinoamérica cada vez hay más colaboraciones femeninas. Becky G. con Natti Natasha en Sin pijama o Anitta con Greeicy Rendón en Jacuzzi son buenos ejemplos. El récord de The Beatles que rompió Ariana Grande Es claro que la brecha de género en la música es un tema del cada vez se habla más. Varios colectivos femeninos en el mundo han puesto el dedo en la llaga sobre la participación femenina en los festivales. Ruidosa de Chile realizó una investigación sobre la participación femenina en los festivales y concluyó que aún nos falta mucho para lograr la equidad. Un resultado similar concluyeron al analizar la presencia de mujeres en premios musicales. ¿Dónde han quedado las mujeres artistas en los conciertos en Colombia?
Por estos días Brasil estrenó gobierno y entre todas las frases y cambios anunciados, se destacaron las declaraciones de la nueva Ministra de Mujer, Familia y Derechos Humanos, Damares Alves, quien afirmó que "los niños deben vestir de azul y las niñas de rosa". Por Paula Ricciulli // @ricciup Esta cita desató la polémica y miles de personas mostraron su desacuerdo, entre ellos el músico Caetano Veloso: Más allá de la connotación machista y heteronormativa de la frase de la Ministra (quien después dijo que su declaracion se trató de una metáfora sobre respetar la "identidad biológica de los niños") nos surge la pregunta: ¿Quién fue el de la idea de que el azul es para los niños y el rosado para las niñas? ¿Por qué el resto de colores no están asociados a ningún género? Curiosamente, y contrario a lo que dijo la Ministra Alves, hace algunos años el tema era al revés: los niños usaban rosado y las niñas azul. Desde el siglo XVIII, el rojo era un color sociado a la riqueza y la virilidad, por lo que era principalmente usado por hombres. Los niños, al ser versiones pequeñas de sus padres, usaban el rosado, que era una variación del rojo. Reina Victoria y Príncipe Arturo, sí, de rosado. (Franz Xaver Winterhalter). "La regla generalmente aceptada es rosado para los niños y azul para las niñas. La razón es que, el rosado, al ser un color más decidido y fuerte, es más apropiado para los niños, mientras que el azul, es más delicado y bello para las niñas", según un artículo de Earnshaw's, publicado en 1918, citado por The Smithsonian. ¿Entonces qué cambió? En 1927, Time publicó un listado de los colores apropiados para cada sexo, según las preferencias de los padres. Los resultados fueron mixtos y mientras algunas tiendas sugerían azul para niñas y rosa para niños, otras indicaban lo contrario. Según le dijo a Broadly, Jo B. Paoletti, autora de Pink and Blue:Telling the Boys From the Girls in America, todo fue gracias a la interpretación de un estudio de mercadeo realizado en 1940, a tiendas y vendedores. Hasta ese punto, la tradición era que los niños recién nacidos usaran prendas blancas sin impotar su género. Desde entonces se hicieron cada vez más frecuentes las representaciones de lo femenino con el rosado, desde Barbie a las Pink Ladies de Grease o esta escena de la película Funny Face. Nuestra percepción del azul y el rosado fue determinada por el mercadeo, pero ¿Y si hubiera sido al revés y el rosado se hubiera mantenido como un color masculino? A la Ministra Alves se le olvida que somos nosotros quienes cambiamos el significado de los colores y así lo hemos hecho con las convenciones de lo que significa ser hombre o mujer. Los colores no son los que determinan la identidad de género, somos nosotros.
Bastante se ha hablado ya sobre la imposición del ejercicio de la maternidad a la mujer. Ante un embarazo adolescente pocos preguntan por quién eyacula adentro de la jovencita y en cambio, en algo que ha evolucionado incluso al meme y el chiste fácil, los juicios sobre la que “abrió las piernas” llueven a cántaros. Por Carmenza Zá // @Zacarmenza. Ilustración Raúl Orozco // @raeioul A algunos incluso les parece sensato preguntar “¿dónde estaba la mamá -no el papá- de esa niña?” como si para meterlo y venirse no bastaran un par de minutos apenas o como si fuera necesaria la autorización firmada de los padres de familia. A las madres solteras se les estigmatiza, señala e hipersexualiza: “Mujer con hijo, polvo fijo” se repite como mantra en el argot popular. No existen chistes o refranes que ridiculicen al abandonador porque ni siquiera se considera reprochable que nunca vea por el hijo engendrado. (Eso sí, aplaudimos como si fueran héroes a los padres que medianamente responden por sus obligaciones) Cuando una mujer decide abortar aparecen los defensores del no nacido a preguntar que por qué no se cuidó y a señalar que quién la manda. Hay posibilidad de ser flexibles con el discurso “pro vida” en los casos de violación para demostrar que lo que se castiga siempre es la libertad sexual de la mujer; no es cierto que les importe el feto, lo urgente es recordarle a la embarazada que, salvo ella, todos tienen derecho a decidir sobre su vida. Llamamos revolución sexual a la posibilidad de que las mujeres nos embriagáramos con hormonas para poder tirar con la mitad de la tranquilidad mental con la que - libres de útero y con el permiso de abandonar- tiran ellos. Hormonas que tienen costos altísimos sobre la salud de las mujeres y que, además, hacen parte de una industria farmacéutica que comercializa con los cuerpos femeninos como con ningún otro. El embarazo, la maternidad y la crianza se perpetúan sobre la vida de las mujeres como un destino tan violentado como inevitable y, sin embargo, parece haber una amnesia colectiva sobre el hecho de que un polvo heterosexual es el único camino para hacer efectivo ese destino. Parece entonces que, pese a que la función reproductiva compete a hombres y mujeres, el único ámbito en el que es imprescindible la participación masculina es, bueno, en la parte divertida: el sexo. Ya sabemos que después de venirse, ellos tienen toda la licencia para irse. Gabrielle Blair publicó un brillante texto sobre cómo el 100% de los embarazos no deseados son culpa de los hombres. Blair afirma que son ellos los que son fértiles 365 días al año y los que, aun así, deciden poner en riesgo a las mujeres (quitándose el condón, por ejemplo) a cambio de algunos minutos de un poquito más de placer sexual. No hay que olvidar que todo embarazo -deseado o no- fue primero un orgasmo masculino. Mientras tanto, según Blair, “el orgasmo de una mujer no tiene nada que ver con embarazos o fertilidad -su clítoris existe únicamente para el placer, no para crear nuevos humanos. Sin importar cuántos orgasmos tenga ella, ninguno puede embarazarla” Tal vez si las mujeres renunciáramos a (o al menos disminuyéramos la participación de) los hombres en la actividad sexual, tal como ellos han renunciado a las actividades de cuidado y paternidad, podamos de verdad preguntarnos por todo aquello que evita que las mujeres vivamos nuestra sexualidad como algo verdaderamente recíproco y placentero. Con seguridad, ante la amenaza de no tener sexo con hombres hasta que la maternidad y la crianza dejen de ser un asunto que nada más compete a la mujer, ellos decidan ponerse un condón, hacerse la vasectomía o asumir la paternidad con responsabilidad. O, tal vez, incursionar en el sexo lésbico sea mucho mejor que todo lo que conocemos hasta entonces y el embarazo deje por fin de ser una preocupación para todas nosotras... mientras somos felices teniendo muchos orgasmos que no embarazan a nadie. No sé, habrá que probarlo.
El rapero Mac Miller fue encontrado muerto el pasado 7 de septiembre por una presunta sobredosis (la causa oficial no se ha confirmado oficialmente). Durante cerca de 2 años el músico estuvo en una relación con Ariana Grande, hasta mayo pasado. Por Paula Ricciulli // @ricciup Tras la muerte de Miller, Ariana Grande recibió comentarios en sus redes sociales que la culpaban de este fallecimiento y miles de usuarios viralizaron el hahstag #ArianaAsesina. Al momento de redacción de esta nota, la artista tiene los comentarios desactivados en su cuenta de Instagram. Aunque según representantes de ambos la ruptura se dio en buenos términos, Ariana sugirió en una publicación de su cuenta de Twitter que se trataba de una relación tóxica. "Qué absurdo que algunos se atrevan a minimizar el amor propio y la valía de las mujeres que afirma que alguien debería permanecer en una relación tóxica solo porque la otra persona escribió un álbum acerca de ella, lo que por cierto no es verdad, solo la canción Cenicienta trata sobre mí. No soy una niñera o una madre y ninguna mujer debería sentirse así en una relación. Lo he querido y he apoyado su recuperación durante años (y siempre lo haré), pero culpar a una mujer por la incapacidad de un hombre de controlar sus mierdas es un problema grave. Dejemos de hacerlo, por favor”, dijo Ariana en el post. Brittany Spanos, en Rolling Stone, nos recuerda que en la música, no es la primera vez que una mujer es culpada por las decisiones negativas de su pareja. A esto incluso le han dado el nombre de “Efecto Yoko Ono”, que hace referencia al odio que despiertan las parejas de grandes músicos. A pesar de que el mismo Paul Mc Cartney ha declarado que Yoko no fue la responsable de la separación de los Beatles, la artista sigue cargando con ese estigma por muchas décadas después. Algo similar le sucede a Courtney Love, que más de 20 años después del suicidio de Kurt Cobain, sigue alimentando teorías de conspiración según las cuales ella es responsable de su muerte. Mientras en agosto pasado ante la sobredosis de Demi Lovato muchos dijeron “se lo buscó”, con Mac Miller muchos corrieron a culpar a Ariana. Lo cierto es que ninguna persona es responsable por el comportamiento autodestructivo de su pareja. Un novio o novia puede ser un apoyo para alguien que se encuentra en dificultades, pero en ningún caso reemplazar la ayuda de un profesional. La depresión no es chiste ni ganas de joder. Hay que hablar de ella. Decir que Ariana es la culpable de la muerte de Mac Miller es un mensaje pésimo para aquellas personas que quieren salir de relaciones tóxicas, pero no se atreven, pues se sienten responsables de lo que pueda hacer su pareja sin ellas (el típico "si me dejas, te mato"). Ella no es ninguna villana por empezar una relación con otra persona. La lástima o el miedo no son motivos suficientes para estar con alguien, si no se está cómodo o feliz en la relación. Ariana Grande no es responsable de la muerte de Mac Miller. Nadie está obligado a estar con alguien que no quiere, sin importar el momento personal difícil en el que se encuentre. Dejemos de culpar a las mujeres por las malas decisiones de sus parejas.
Usher encabezará el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl de Apple Music 2024. El Super Bowl LVIII se llevará a cabo el 11 de febrero en el Allegiant Stadium de Paradise, Nevada. El cantante estadounidense sigue el espectáculo de medio tiempo 2023 de Rihanna, que fue su regreso a las presentaciones en vivo después de cinco años. En el de 2022, participaron Dr. Dre, Snoop Dogg, Eminem, Mary J. Blige, 50 Cent, y Kendrick Lamar. Así, Usher se une a la lista de artistas afroamericando que se han presentado en el evento, en la que también está Michael Jackson, Whitney Houston, Beyoncé, y Ella Fitzgerald. Usher: referente del R&B Usher Raymond IV debutó en 1994 con su álbum homónimo y desde entonces se ha convertido en un icono de R&B. El artista ha vendido 23,8 millones de álbumes y 38,2 millones de canciones digitales en los Estados Unidos. Internacionalmente, ha vendido 80 millones de discos en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los artistas musicales con más ventas de todos los tiempos.El álbum Confessions (2004) lo estableció como uno de los artistas musicales más vendidos de la década de 2000, con cuatro sencillos número uno consecutivos del Billboard Hot 100: Yeah! (con Lil Jon y Ludacris), Burn, Confessions Part II y My Boo (con Alicia Keys). El músico ha lanzado 8 álbumes a lo largo de sus casi 3 décadas de carrera. Ha ganado ocho premios Grammy, 35 premios ASCAP, 18 premios Billboard Music, 14 premios BMI, nueve premios Soul Train Music y ocho premios American Music."Ha estado en mi lista de deseos durante mucho tiempo", dijo Usher en una entrevista reciente con Zane Lowe, sobre cantar en el evento. "Me han preguntado muchas veces: '¿Cuáles son los puntos de referencia o cuáles son las cosas que más te importan?' Obviamente actuar, pero poder actuar en ese escenario porque tantos artistas increíbles lo han adornado e hicieron un trabajo increíble". trabajo. Por supuesto que empieza la obsesión por eso, pero hombre, la emoción de este momento y poder saborear este momento. Recuerdas la primera vez que escuchaste tu disco en la radio. Esto es así para mí”.Actualmente, el músico ganador del Grammy está en Las Vegas para su Usher: My Way The Vegas Residency.Ninguno de los artistas que se presenta en el Super Bowl cobra por su presentación, pues la ganancia se refleja en la visibilidad y, por consiguiente, en los "streams" y descargas que les representan formar parte de este evento.
50 First Dates o Como si fuera la primera vez es una de las películas más recordadas de Adam Sandler. La película narra la historia de Henry, un hombre que vive en Hawai que se enamora de Lucy, una mujer que no tiene memoria a largo plazo (Drew Barrymore). Dado que Lucy no puede crear nuevos recuerdos, Henry debe lograr que se enamore de él todos los días. La película es un clásico de las comedias románticas y fue un éxito de taquilla: con un presupuesto de 75 millones de dólares, recaudó 198 millones. ¿50 First Dates está basada en una historia real?La película dice que Lucy tiene el "síndrome de Goldfield", que es un trastorno inventado. Pero sí hay bastante de realidad en la película, de acuerdo con Cheat Sheet. Lo que vemos en la película es muy similar a la historia real de Michelle Philpots. Su anmesia es el resultado de dos accidentes automovilísticos distintos. En 1985, mientras conducía una moto, Philpots tuvo un accidente con un vehículo y, como resultado, sufrió un traumatismo cerebral. Cinco años después, esta vez mientras iba en coche, Philpots sufrió otro accidente de tráfico. Una vez más, la joven sufrió un traumatismo cerebral.Unos años más tarde, en 1994, la condición de Philpots comenzó a empeorar y le diagnosticaron epilepsia. Además de convulsiones, Philpots empezó a experimentar problemas de memoria.Philpots incluso fue despedida de su trabajo después de pasar un día fotocopiando continuamente un solo documento una y otra vez, de acuerdo con Cosmopolitan. La condición de Philpots era un misterio médico. Incapaz de crear nuevos recuerdos a largo plazo, Philpots se despierta todos los días creyendo que tiene 23 años y que estamos en 1994.Incluso crear recuerdos diarios a corto plazo no suele ser posible para Philpots. En 2010, apareció en Today para hablar sobre su amnesia anterógrada, e incluso en la entrevista, los espectadores vieron cómo olvidaba el nombre del presentador que la estaba entrevistando. Afortunadamente, a diferencia de lo que pasa en la película, Philpots conoció a su esposo antes del accidente. "Puede ser muy frustrante para mí, pero tengo que ser paciente y comprender. Tengo que mantener la calma porque la amo", dijo, y añadió: "Tengo suerte de que nos conociéramos antes de que ella sufriera los accidentes porque puede recordarme". Por suerte tenemos muchas fotos para recordárselo, de lo contrario lo olvidaría todo", dice su esposo, citado por Cosmopolitan.
Blink-182 lanzó 2 nuevas canciones de su próximo álbum One More Time. El sencillo principal es una balada emotiva autobiográfica de los integrantes de la banda, mientras que More Than You Know es más representativa del sonido clásico del grupo. El noveno trabajo de estudio de Blink-182 llega el 20 de octubre. En octubre pasado, la banda reveló Edging, el sencillo principal de su nuevo álbum, entonces sin título, que fue producido por el baterista Travis Barker.One More Time es el primer álbum de Blink-182 con Tom DeLonge desde 2011 y contará de 17 canciones. En la canción One More Time, el grupo aborda la fragilidad de las relaciones y la importancia de la amistad."Ojalá nos dijeran que no debería ser necesario una enfermedad / o que los aviones caigan del cielo", que hace referencia a las experiencias que cambiaron la vida de Travis Barker (su accidente aéreo en 2008) y el diagnóstico de cáncer de Mark Hoppus en 2021. "Cuando me dijo que estaba enfermo, eso fue lo más retorcido. Fue como si nada importara realmente", confesó DeLonge en entrevista con Zane Lowe, y agregó: "Para mí siempre fue una gran pesadez para mi corazón que nuestra amistad no fuera reparada. Todos hemos vivido, ahora atraviesas tragedias que destrozan lugares de tu corazón y tienes que repararlos y descubrir cómo ser una mejor versión de ti mismo"."Esta canción y este vídeo me habrían dejado en un completo caos a mí, de 16 años. Yo, de 29 años, no estoy a un millón de millas de distancia. Una hermosa oda a las amistades complicadas, la hermandad y la perspectiva obtenida a través de las dificultades" escribió un fan via X (Twitter). More Than You Know, la otra canción nueva de Blink-182, es más rápida y más cargada, pero es igual de sincera.El regreso de Tom DeLongeDeLonge dejó Blink-182 en 2015 y dijo recientemente que no creía que alguna vez volvería a la música. Se mantuvo ocupado con su Academia de Artes y Ciencias To The Stars, trabajando intensamente en la investigación de ovnis. Ese trabajo ha dado sus frutos este año, ya que audiencias gubernamentales públicas sobre ovnis y vida extraterrestre han arrojado información que sugiere que se han recuperado restos no humanos del lugar del accidente. DeLonge también presentó recientemente su debut como director: la pelicula paranormal Monsters of California. DeLonge le contó a Lowe que el diagnóstico de cáncer de su compañero de banda Mark Hoppus en 2021 ayudó a dar forma a una nueva perspectiva, lo que lo llevó de regreso a Blink-182.
Morrissey, ex líder y vocalista de The Smiths, se vio obligado a reprogramar varios de sus conciertos en Latinoamérica en septiembre. El músico se habría contagiado de la enfermedad del Dengue. Sin embargo, ya anunció nuevas fechas: el concierto de Bogotá, que estaba programado para el 17 de septiembre, cambió para el 10 de febrero de 2024 y también cambió de lugar: pasó del Teatro Jorge Eliécer Gaitán al Movistar Arena. “Gracias por el increíble tour en Sudamérica. Ha sido la mejor gira de mi vida. Nada de lo antes experimentado me preparó para el amor que recibí por la gente de Chile, Perú, Brasil, Colombia y Argentina", contó Steven Patrick Morrissey en 2012 luego de la gira que lo trajo por primera vez a nuestro país.El británico interpretará himnos de Morrissey The Smiths en vivo, como There Is a Light That Never Goes Out, Suedehead, This Charming Man, Everyday Is Like Sunday, First of the Gang to Die y Heaven Knows I'm Miserable Now entre otras, canciones que hacen parte de la banda sonora del indie rock de los últimos 40 años.Morrissey: cuatro décadas de un icono alternativo Steven Patrick Morrissey nació el 22 de mayo de 1959 en Manchester, Inglaterra. Es hijo de Peter, un guardia de seguridad nocturno, y Elizabeth, una bibliotecaria. Morrissey dejó la escuela a los 17 años. LTrabajó como empleado de la administración pública, portero de hospital y vendedor de tiendas de discos. Fue la invitación del guitarrista Johnny Marr en 1982 para unirse a una banda lo que finalmente lo sacó de casa. En cuestión de meses, los Smiths irrumpieron en la escena musical británica. The Smiths estuvo activa entre 1982 y 1987, y considerada una de las bandas más improtantes de la escena independiente en Inglaterra. Las diferencias personales entre Morrissey y Johnny Marr, cofundador de la banda, resultaron en la separación del grupo. A Morrissey se le atribuye el mérito de ser una figura fundamental en el surgimiento del indie pop, el indie rock y el britpop. En una encuesta de 2006 para el programa Culture Show de la BBC, Morrissey fue votado como el segundo ícono cultural británico vivo más grande. Morrissey ha generado controversia por sus opiniones contundentes a favor del vegetarianismo y los derechos de los animales, contra la realeza y a los políticos prominentes. En una encuesta de 2006 para The Culture Show de la BBC, fue votado como el segundo mayor icono cultural británico viviente.
En Recarga Latin X semanalmente les compartimos las novedades la música colombiana y latinoamericana, una selección de canciones hecha minuciosamente por el equipo de Shock con sencillos recién salidos del horno que van directo a miles de playlist de oyentes del continente.Hora Loca - Rawayana, Monsieur PerinéVenezuela y Colombia en la casa. Ambos proyectos estarán en horario estelar del Festival Cordillera en Bogotá. Esta canción pertenece al álbum ‘¿Quién trae las cornetas?’.Verano en NY - Manuel MedranoOficialmente Medrano inicia una nueva era musical. La producción es de dos genios colombianos: Juan Ariza y Jona Camacho.Llegará - Grupo Enkelé, Ana NaranjaDicen que no hay que correr porque lo que hay que ser será y llegará, esa es solo una de las enseñanzas que nos deja este junte poderoso.Daniela - Laura Maré, ManúLos dos proyectos tienen varias cosas en común, por eso hace mucho tiempo se veía venir un junte entre ellos. La producción musical es del nominado al Latin Grammy German ‘Mango’ Duque.Marchito – TelebitDaniel Acosta, Felipe Rondón y Nicolás Zaldúa regresan a la carretera musical. Primer vistazo de su próximo proyecto discográfico.Tenerlo todo - Armenia, IrepelusaHace un tiempo la venezolana se juntó con el grupo colombiano en una sesión que ve la luz en el marco del lanzamiento del disco ARMN.Leleki - Jossman, BombyCuando dos reyes se juntan solo se puede esperar una explosión. Tremendo feat el que se nos da con los máximos exponentes colombianos del afrobeat y del corrinche.Otros lanzamientos recomendadosTumor - Bella ÁlvarezLeleki - Jossman, BombyLo que falta de mi - Juan Pablo Vega, Leonel GarcíaBlam Blam - Farina, ChescaSUSTANCIAS EN MI CORAZÓN - DannyLux, StrangehumanLejos estoy - 2 minutos, Ciro PertusiPantano – SaikoroInvestido - WOS, SANTIAGO MOTORIZADO, EVLAYPez Colibrí – Lucio Feuilliet, Alejandro y María LauraLa última bala – MayppelEl nuevo proyecto discográfico del músico colombiano está afuera. Nueve canciones; todas de menos de tres minutos.¡La música nos une!
