Sin duda, Sabrina Carpenter está en su mejor año profesionalmente. Faltando dos meses para que lance su sexto álbum de estudio, Short N’ Sweet, su más reciente sencillo Please Please Please se convirtió en número uno en la lista Billboard Hot 100. Esta es la primera vez que la artista ocupa el primer puesto de Billboard Hot 100, la lista de los 100 sencillos más vendidos en Estados Unidos. Con esta noticia, Sabrina Carpenter alcanza un punto álgido y esperado para la carrera de cualquier artista. Las buenas noticias no terminan ahí. Una semana antes de alcanzar el primer puesto, Please Please Please debutó en la lista de Billboard Hot 100 en el segundo puesto. Además, de terceras quedó Espresso, otro de sus más recientes y populares sencillos. Estos acontecimientos volvieron a Sabrina Carpenter la primera artista solista en conseguir dos puestos en el top de la lista simultáneamente en los 66 años de Billboard Hot 100. Según Variety, el éxito de Sabrina Carpenter se extiende también a su disquera, Island Records, ya que con Please Please Please consiguió también su número uno en Billboard Hot 100. En este momento, la disquera también hace su aparición en la lista con Good Luck, Babe!, el último sencillo de otra de las artistas de pop en ascenso, Chappell Roan. Please Please PleasePlease Please Please se estrenó el 6 de junio y, actualmente, tiene alrededor de 51 millones de reproducciones y más de 34 millones de vistas en el videoclip oficial en YouTube. La canción no solo ha sido un éxito por su ritmo y su letra, sino que Carpenter invitó a Barry Keoghan a protagonizar junto a ella el video oficial. Esto hizo que muchos de sus fanáticos unieran las pistas (no solo el video, sino el hecho de que la letra de la canción hace referencia a que está saliendo con un actor) y confirmaran aún más la relación entre el actor de 31 años y la cantante. ***Les recomendamos leer: ¿Quién es Sabrina Carpenter y por qué todo el mundo está hablando de ella?
Charli XCX, cantante británica, lanzó el pasado 7 de junio su álbum Brat. El disco ha recibido buenos comentarios del público y la crítica que lo han llamado "su álbum más vulnerable hasta ahora". Von Dutch, lanzado en febrero, fue el primer sencillo. Brat ha sido descrito como un disco netalmente para bailar. El álbum evoca la escena rave ilegal de Londres, donde Charli XCX empezó a actuar cuando tenía cerca de 14 años. "XCX ofrece puro hedonismo de chica fiestera. Ritmos filtrados, sintetizadores atrevidos, producción innovadora y líneas vocales que revolotean entre chistes y frases honestas", dice NME en su reseña. ¿Cómo hacer un diseño como el disco de Charlie XCX? Después del lanzamiento de Brat, en redes sociales han circulado varias imágenes que evocan la portada del álbum. ¿Cómo hacer una igual? Solo hay que entrar a la página web www.bratgenerator.com y escribir el texto deseado, tomar una captura de pantalla, y listo. Diseñada como un cuadrado verde brillante mal pixelado con “brat” en fuente sans serif, la portada del álbum utiliza una tipografía irónica de Internet similar a los memes como estrategia de marketing y ha sido un éxito. La portada fue diseñada por el estudio neoyorquino Special Offer y en su momento recibió críticas. "Quise elegir un tono de verde ofensivo y fuera de tendencia para provocar la idea de que algo va mal. Me gustaría que nos cuestionáramos nuestras expectativas de la cultura pop: ¿por qué algunas cosas se consideran buenas y aceptables y otras malas? Me interesan las narrativas que hay detrás y quiero provocar a la gente. No hago las cosas para ser amable", dijo Charli en entrevista con Vogue Singapur. Slug considera que es una reminiscencia a la obra Fuente, de Marcel Duchamp de 1917. "Charli desafía la noción de lo que es digno de ser considerado arte, o carátula de álbum, en este caso. Se burla de las tácticas efectistas desplegadas por artistas de mayor éxito comercial que inflan sus registros de streaming y ventas con innumerables variantes de álbumes, optando en lugar de ello por un solo diseño que a cualquiera le habría tomado cinco minutos crear".
Los Pet Shop Boys han dejado una huella imborrable en la industria musical global. La fórmula del éxito del dúo fue, en apariencia, natural para una banda visionaria tanto en la composición como en el conocimiento de la industria. Su participación en la escena undergound de clubes gay en Londres y Nueva York, la capacidad de escritura y composición de Neil Tennant combinada con su conocimiento de la industria musical por haber trabajado como periodista en la revista 'Circulation', y su capacidad de hacer hits con motivos sencillos pero novedosos en la música electrónica, les valieron un reconocimiento global temprano. En una entrevista con la BBC Neil señaló que, en la música pop, las limitaciones construyen la identidad. El compositor señala que el éxito del proyecto fue saber que tipo de música no iban a hacer, y que estéticas no iban a incorporar. La historia de los Pet Shop Boys es larga y aún hay camino por recorrer. Pero su participación en el auge del pop y su vigencia actual tienen muchas curiosidades para seguir descifrando uno de los fenómenos más celebrados de la música pop. "West End Girls": el resurgimiento con EMI La primera grabación de "West End Girls" no alcanzó la notoriedad que tendría después de que los Pet Shop Boys firmaran con EMI. Este remaster transformó la canción en un hit global, demostrando la influencia de una importante discográfica en la difusión y éxito de una obra musical. El episodio destaca la importancia de las decisiones estratégicas en la industria musical y cómo un cambio en la dirección puede transformar la suerte de una canción."Go West": de encargo para Rusia a la controversia La canción "Go West", originalmente de Village People, fue encargada para ser presentada en Rusia. Aunque inicialmente los Pet Shop Boys no estaban entusiasmados con la idea, decidieron aceptar el desafío. La elección de interpretarla en Moscú añade un matiz controversial, revelando las tensiones entre el mundo occidental y la búsqueda de libertad. Neil Tennant expresó su tristeza por la situación actual en Rusia, sugiriendo que no ve posible volver a presentarse en dicho país. Colaboración con David Bowie: Un viaje desde Ziggy Stardust La conexión de los Pet Shop Boys con David Bowie comenzó con su interés en la sonoridad de Ziggy Stardust. Bowie fue quien los llamó para colaborar, marcando un capítulo significativo en la historia del dúo. Las letras de ambos se basan en lo dramático y en la fantasía. La colaboración se materializó en 1989, fusionando el mundo teatral y fantasioso de ambos artistas. Un día Neil le dijo a Bowie que siempre había imaginado a Major Tom en una de las naves rusas que nunca volvían. David Bowie se mostró sorprendido y respondió: "Oh, con que ahí está."De proyecto de estudio a fenómeno global en gira Los Pet Shop Boys fueron inicialmente un proyecto de estudio, enfrentando limitaciones para realizar giras debido a la naturaleza única de sus shows y la incertidumbre sobre la audiencia. Sin embargo, cuando finalmente comenzaron a girar, se dieron cuenta del impacto fenomenal que generaban en cada lugar que visitaban. Su revelación en la interacción por el público subraya la evolución del dúo de ser un proyecto de estudio a convertirse en un fenómeno global en el escenario.Enfrentando el movimiento "Disco Sucks" y la evolución musical El proyecto de los Pet Shop Boys desafió el movimiento "Disco Sucks" en Estados Unidos, que buscaba elevar al rock mientras destronaba al disco. Este fenómeno influyó temporalmente en la industria, pero la evolución del disco al pop y a la música electrónica generó un movimiento interesante.En una entrevista, los Pet Shop Boys destacaron que el rock no estaba innovando, a diferencia del pop y la música electrónica, que continuaron evolucionando y ofreciendo algo nuevo al público.El legado de los Pet Shop Boys va más allá de la música; encapsula el enfoque romántico del pop que buscaba transmitir mensajes de amor al mundo. Su estilo de composición único, con elementos dramáticos, referencias literarias y éxitos icónicos, consolida a los Pet Shop Boys como la banda de synthpop más influyente del mundo.
La artista, que recientemente rompió dos récords en spotify: el álbum más escuchado en un sólo día de 2023 y el álbum de country más reproducido en un día en la historia de la plataforma con ‘Speak Now (Taylor’s Version)’, tiene una de las carreras más largas en la industria de la música. Taylor Swift fue, además, la primera artista que consigue vender más de un millón de copias de tres de sus álbumes en su semana de lanzamiento.Swift se ha consolidado como una artista que piensa todo a nivel creativo, nada es gratuito. Así que cada referencia, cada decisión creativa va cargada con un mensaje que deja a disposición de nosotros para interpretar. Muchas de sus canciones tocan temas que, como ella misma ha mencionado, atraviesan toda su carrera musical según algunos medios. Las relaciones, el desamor y la sobreexigencia a las mujeres en la industria son algunas críticas que la artista hace en algunos de sus tracks.Vean también: ¿Importan más las relaciones de Taylor Swift que su música?: el límite de la vida personalDesde referencias a sucesos de la cultura pop como el episodio en el Open de Estados Unidos en el que Serena Williams "atacó a un árbitro" o la entrevista de Cher que se popularizó porque la artista afirmó que los hombres no son necesarios, pasando por referencias literarias clásicas como 'Romeo y Julieta' de Shakespeare o el cuento original de Peter Pan escrito por J. M. Barrie, hasta guiños cinematográficos a películas como 'El quinto elemento' (1997) o 'Bladerunner 2049' (2017). Acá les dejamos algunas referencias que Taylor Swift ha usado en su música:También les puede interesar: Taylor Swift y las Swifties, el caso de estudio de una relación parasocial
Nueva York ha sido históricamente una de las ciudades más importantes para la historia de la música. El Jazz, la salsa, el rock, el punk y el hip hop se han colado en diferentes clubes de la ciudad en distintas épocas. Desde el barrio de Harlem, pasando por el Distrito del Bronx, hasta Manhattan NYC tiene historias de la música escondidas en cada esquina.Acá vamos a sugerirles una guía de sitios históricos relacionados con la música por si están o tienen planeado ir a Nueva York. Muchos de estos lugares fueron visitados por grandes figuras del jazz como Ella Fitzgerald, algunos guardan historias de bandas icónicas como Ramones y los Rolling Stones y otros presenciaron a tantos artistas pasar por ahí que perdieron la cuenta.Historia de la salsa en Nueva YorkLa historia de la salsa en Nueva York es una mezcla de culturas, migraciones y estilos musicales que se unieron para crear un género único. La salsa llegó en la década de 1960 y 1970 a los barrios con afluencia latina de Nueva York y se convirtió en un fenómeno musical.La salsa surgió de una fusión de estilos musicales anteriores, como el son cubano, el mambo, el cha-cha-chá y el jazz afrocubano. Los músicos y cantantes puertorriqueños y cubanos, así como otros inmigrantes latinoamericanos, fueron fundamentales en la popularización de la salsa en la ciudad. Artistas y bandas como Tito Puente, Celia Cruz, Héctor Lavoe, Willie Colón, Rubén Blades, Eddie Palmieri, Ray Barretto y La Sonora Ponceña, entre muchos otros, contribuyeron a la expansión y difusión de la salsa.A finales de la década de 1960, el periodista de música y crítico de Nueva York, Izzy Sanabria, utilizó por primera vez el término "salsa" para describir el género musical emergente. Acá les dejamos algunos datos de la salsa y los clubes de salsa en Nueva York:¡La música nos une!
Reik cumple 20 años de historia musical, una que empezó en 1993 cuando Jesús, Bibi y Julio se reunieron en Mexicali, Baja California, para crear canciones románticas con el estilo propio que tuvo el pop mexicano de principios de Milenio. Si bien tuvieron gran éxito en la primera década del siglo, entre 2011 y 2023 han seguido vigentes en la industria de la música con sencillos que acumulan miles de millones de reproducciones en plataformas digitales. Esto los ha llevado a tener admiración en la industria porque son pocos los proyectos mexicanos de los 2000 que siguen activos y con éxito.Antes de su primer concierto en Colombia, y el debut de los tres en el Movistar Arena de Bogotá, hablamos con Julio Ramírez para hacer un repaso sobre lo que han sido estas dos décadas de trabajo con sus compañeros.¿Cómo imaginaban que iba a ser el futuro de Reik en 2003 cuando empezaron?La verdad es que siempre hemos pensado en el presente y en disfrutar lo que tenemos. A veces el futuro es incierto y muchas veces pensábamos que no íbamos a durar tanto o que nos íbamos a separar porque es lo que normalmente pasa. Luego pensábamos que íbamos a estar en todos los países del mundo y que íbamos a ser los más famoso. Los sueños y las metas iban con la edad. Y ahora me doy cuenta que es una bendición estar donde estamos, estamos juntos, los tres de Méxicali y hemos llegado a niveles mucho más grandes de lo que soñábamos. Y aún tenemos muchos sueños por cumplir.Decía que lo normal es que los grupos se separen, pero ese no ha sido el caso de ustedes, ¿cuál ha sido la clave para mantenerse firme en la idea de seguir los tres juntos en este viaje?Me atrevería a decir que el mayor éxito ha sido la comunicación y el respeto que nos tenemos. No podría enlistar todas las cosas en las que no estamos de acuerdo, no siempre estamos en la misma ni a nivel personal ni a nivel personal. Pero nos tenemos un cariño y un respeto que es el que todos los humanos deberían tener. Somos un trío, debemos ponernos de acuerdo y tener una meta en común. Ahí todo se vuelve interesante. Entre nosotros no hay nada que no nos podamos decir. Ustedes son el proyecto de pop mexicano de los 2000 que sigue vigente y generando cifras importantes en plataformas, estoy seguro que mucha gente les pregunta cómo ha sido el reto de evolucionar con los cambios de la música.Eso ha sido un trabajo 100% en equipo. Yo batallo mucho en decir "hay que cambiar", a mí me gustan las baladas y cantar con el corazón, pero somos un proyecto pop y en teoría nuestro trabajo es hacer lo que sea así, mainstream y conocer lo que sucede en el mundo. Jesús es muy pop y también nuestro manager fue el primero en darse cuenta de que el pop estaba migrando al urbano, al inicio estábamos muy renuentes, pero supimos escuchar y dejarnos guiar. Ya que aceptamos y lo hicimos con toda. Trabajamos en Medellín con Nicki Jam, luego con Wisin y Ozuna, también con Zion & Lennox y conocimos los procesos de nuestros colegas del reggaetón.Algo que fue muy sorprendente para todos es la colaboración con Super Junior y la llegada de Reik al k-pop de la mano de estos genios de Corea. ¿Cómo fue esa experiencia que a veces parece tan ajena a la cultura latina?Super ajeno, fue muy loco y muy interesante porque nos dimos cuenta de una industria super distinta. Nosotros crecimos en una industria, claramente hablo de mi generación que fue hace casi veinte años, en la que todo era mucho más relajado por ejemplo hoy estoy con una gorra y un hoddie y está bien, pero de repente vas al universo del k-pop y ves que son unas máquinas: tienen sus oficinas donde hacen sus coreografías y planean sus videos, donde hacen todo. Super Junior es una agrupación gigante con una estructura enorme. Fue interesante ver esa cultura más disciplinada y me recordó el pop estadounidense de los noventa al estilo de Backstreet Boys. Convivimos solo una noche, pero nos llevamos la mejor de las sorpresas.Van a estar en Colombia: conciertos en Bogotá y Medellín. ¿Cómo es el show de Reik en pleno 2023?A mí lo que más me gusta de nuestro show son las canciones. Nos enfocamos en que desde la primera canción, Yo Quisiera, hasta la última sean para el público. Nos gusta cantar los éxitos y no tanto saciar el capricho de cantar las que casi no conocen. A nosotros nos gusta mucho oír al público conectado. Hay de todo y es una celebración a la relación poderosa que tenemos con los que nos escuchan.¡La música nos une!
La música argentina siempre ha tenido mucha relevancia en el resto de América Latina, ya sea con el boom del rock en español de los noventa o el impacto del trap y el freestyle a finales de los 2010. En la primera década del siglo XXI el electro-pop colorido de Miranda! se regó por todo el continente con sus canciones y videoclips. En su momento de mayor popularidad, Miranda tuvo cinco integrantes: Ale Sergi, Juliana Gattas, Bruno De Vincenti, Leandro «Lolo» Fuentes y Nicolás «Monoto» Grimaldi. En medios de comunicación aparecían juntos y se les conocía a todos como miembros de Miranda.En febrero de 2007 Bruno se fue de la banda por diferencias artísticas, luego en 2014 se confirmó la salida de Lolo Fuentes como guitarrista y en marzo de 2017 Miranda! informó sobre la desvinculación de Monoto Grimaldi.Desde 2017 Miranda! es un dúo con músicos rotatorios, pero con el paso del tiempo se ha conocido que los problemas al interior de la banda no fueron menores. Si bien en un punto todos tenían el mismo protagonismo, con el tiempo todo se inclinó hacia sus vocalistas Ale Sergi y Jualiana Gattas. Las salidas de los otros tres integrantes también fueron polémicas y rara vez los argentinos hablan sobre sus excompañeros. Aunque muchas cosas se han mantenido en la cordialidad, el mayor conflicto entre Sergi y Gattas ha sido con Lolo, quien tiene una de las frases más icónicas de la música latina de los 2000.Es la guitarra de LoloUno de los momentos más importantes de los conciertos de Miranda! es cuando inicia el tema Don que, hasta la fecha, es el más popular de los argentinos -junto con Perfecta-. En esta canción, antes de un memorable solo de guitarra se pronuncia la frase "¿es un solo? es la guitarra de Lolo" y entra a sonar los acordes que inmortalizaron a Lolo.Desde la salida de Lolo Fuentes, la guitarra la toca otro músico y, para evitar conflictos con él, la banda prefiere no mencionar nada en este segmento y pasarle la voz al público para que sean ellos quienes digan y canten el estribillo. Lolo ha estado en varios programas de televisión hablando de su mal tiempo en Miranda!, pero se conoce que él también tenía fallas dentro de la banda al ausentarse de ensayos o llegar tarde a los shows. Tal es el grado de enemistad que Ale y Juliana piden que no se hable de sus excompañeros en las entrevistas y cuando se les pregunta por ellos prefieren cortar la conversación con los medios de comunicación.En 2022 lanzaron una nueva versión de Don en compañía de Ca7riel y, efectivamente, no mencionan a Lolo cuando llega la parte de 'es la guitarra'. ¡La música nos une!
Agridulce, el nuevo disco de Soy Emilia nos recuerda que el amor y el deseo tienen matices, y que en ese realismo agridulce puede haber más sabor que en la idealización empalagosa.¿Qué es el deseo? Cuando nos detenemos sobre esa palabra nos surgen imágenes de todo tipo: desde un helado hasta fantasías sexuales, pasando por dinero o la realización de proyectos profesionales. Es como si la idea del deseo no se dejara ver, como si se escondiera de quien quiere entenderla detrás de cosas que brillan: joyas, personas que nos atraen, cariño o ideales.En vez de intentar eludir las que parecen distracciones, el tercer disco de Soy Emilia nos lleva a mirarlas más de cerca. En esta oportunidad, la producción y la composición forman un hechizo para que la música de Juanita Carvajal tenga el efecto del espejo mágico de Harry Potter, que muestra escenas de lo que deseamos.¿A qué suena Agridulce?Ocho canciones pop llenas de sintetizadores ochenteros pintan distintas facetas del deseo y de las relaciones sexoafectivas, poniendo siempre en el centro de sus letras su rol activo como mujer que desea: un acercamiento al deseo que es libre, consciente de los riesgos, los engaños y los matices, y que aun así insiste en el disfrute. Son canciones que coquetean con el reggaetón y el house y se detienen sobre los grises de algunas dinámicas del amor y el sexo en los tiempos de la fiesta desde una postura muy madura, que sabe lo que quiere y a qué atenerse.El disco empezó a surgir en 2019, mientras terminaba su anterior lanzamiento, Expuesta. A diferencia de esa entrega, y de su primer EP, que son mucho más intimistas, Agridulce está pensado para el en vivo. “Yo quería que este disco fuera más de fiesta, para que la gente bailara. Yo siempre, desde chiquita, me imaginé a mí misma en escenarios, tocando en vivo frente a gente que coreaba”, dice Juanita. “Pero me imaginaba tocando White Stripes o I Love Rock and Roll de Joan Jett”. Lo que está pasando es muy distinto, y tiene perfecto sentido siendo que ella lleva tanto recorrido como bajista de sesión, que acompañó entre 2010 y 2018 a Esteman y hace parte del Live Set de Julio Victoria. Su sonido hoy es mucho más fiestero, y su bajo groovero mucho más protagónico que el de esos referentes de infancia y el de sus anteriores discos.Por tener ese bajo como centro, también se siente como el más propicio para improvisar y jugar con las estructuras cuando está en vivo con su banda. Es clave tener en cuenta a Moloko como inspiración central: es un sonido pop hecho para bailar, atravesado por el disco y el house para así recrear una atmósfera de fiesta.Para lograr esa sensación, Juanita hizo gran parte del trabajo de producción de la mano de Julián Salazar (Mitú), cuya mano es perceptible especialmente en sintetizadores y fraseos de guitarra. Las excepciones son Sugar Daddy, que produjo con el mexicano Bruno OG para romper con el sonido “alternativo colombiano”, y la nueva versión de Dos Extraños, su colaboración con Cero39. Además, los teclados fueron grabados por Duplat, que ha colaborado con Mitú desde inicios de la pandemia. Y aunque haya varias manos, estilos y emociones representadas, es un disco con coherencia sonora, que fluye como pistas en manos de un buen dj.Ocho sabores y ocho cancionesDesde “High”, el tema de apertura, se siente uno en medio de una fiesta, bailando pegado con alguien que acabamos de conocer, con quien vivimos la primera chispa de atracción después de una racha de peleas y tusa. Al vincular la sensación de estar con esa persona al estar drogado queda marcado un primer tipo de amor matizado: el apasionado y finito, que se usa como escape de lo demás, y que da plenitud justamente por ser espontáneo y fugaz.Soy Emilia - High (Video Oficial)En el segundo tema ya sabemos que este no es un disco con un hilo conductor narrativo. Todo Lo Tiene, parece sintetizar la idea central. El tema tiene un beat housero con adornos que recuerdan al sonido de SALTA y Los Ángeles, de Mitú. Sobre ese sonido animado, Juanita canta letras oscuras, sobre situaciones opuestas, aunque no sean evidentes a primera vista: es el caso de “Tienes todo, no buscas más / Lo deseas, va a llegar”, del coro que habla de tenerlo todo pero estar vacío por dentro y del verso sobre los amigos imaginarios que se disipan al final de la fiesta (¿son alucinaciones?) y te dejan, aunque te aterre la soledad.Soy Emilia - Todo lo tiene (Video Oficial)“El disco es como una montaña rusa”, dice. “Nunca terminan en subida ni en caída libre”. Es decir, no trata solamente de los picos de la fiesta, de la lujuria o las sustancias, ni de la quietud de la tristeza, sino que junta el rompecabezas. Es como si en Todo Lo Tiene nos hablara de un after en casa, con la euforia continuada de la fiesta anterior. Sin necesidad de meternos en otro escenario y otros sonidos, pone sobre la mesa la ansiedad por el momento en el que se acabará todo: el bajón, la soledad y el guayabo que nos recordarán que nuestra soberbia fiestera (“Es momento de saltar/ a tu grandeza, cerca al sol”) tendrá retaliación.Aunque de sonido dulce, Lo Cura es otra canción duramente realista. “Nos mintieron cuando nos dijeron / con amor lo curas todo”. La tormenta de la ruptura puede ser algo profundamente dramático, en parte porque tendemos a creer que en ciertas relaciones estará la solución a nuestros problemas. Lo empeñamos todo por sostenerlas. Solo cuando dejamos de creer en esa versión utilitarista del amor (que puede ser la lo-cura del título) podemos darnos cuenta de que el esfuerzo fue excesivo y no correspondido, o no merecido.Soy Emilia - Lo Cura (Video Oficial)Por su parte, Sugar Daddy encuentra terreno común entre el sonido pop fiestero y el reggaetón con un beat cercano a la música de The Change, algunos temas de Bomba Estéreo y, por supuesto, a los mexicanos Ghetto Kids, con quienes ha trabajado constantemente Bruno OG, el productor.Soy Emilia - Sugar DaddyEn principio parece romantizar la relación de poder entre hombres y mujeres que existe en mucha de la música popular hecha por hombres en nuestros tiempos, en especial en el trap y el perreo. Pero cuando se escucha con cuidado surge algo más, que no es ni ese rol de objeto de los videos musicales y las fiestas, de “mujer trofeo” o “sugar baby”, ni es igual a la apuesta de empoderamiento de referentes como Karol G o Doja Cat. Es una alternativa que sigue la corriente, que aprovecha la propuesta de que le gasten fiestas y viajes con sus amigas y que, aunque agradece, es consciente de que eso no es amor ni es lo que ella quiere a largo plazo.A mi parecer, en esa “no-inocencia” no quedan borrados ni promovidos los problemas estructurales de ese tipo de relación entre hombres y mujeres, sino que queda retratada una alternativa que no suele narrada, pero que existe: que por la razón que sea, la libertad y el trato como igual también implican poder querer entrar en ese tipo de dinámicas como un adulto, con consentimiento. “No me siento identificada con la victimización”, dice Juanita. “Desde que empezó el proyecto estoy determinada a que eso no va a hacer parte de mi música”.Tu y Yo, el quinto tema, explora una dinámica especialmente presente en la pandemia y en las relaciones de larga duración en las que las personas tienden a alejarse en todo menos en el sexo, y que parecen disfrutar ese acuerdo, esa distancia y ese juego de contradecirse y no ser del todo compatibles. Es a esta altura del disco donde quizás se puede perder la atención, pues es un tema plano en contraste con los demás.Soy Emilia - Tu y yo Videoclip OficialPor su parte, Cada Noche, con la mexicana Ana Rizo, parece retomar la relación del Sugar Daddy, pero no en el momento de su cierre, sino antes. “Creo en todas sus mentiras / cuando me dice que soy única en su vida” reafirma esa idea de que se puede establecer la fantasía de esas relaciones espontáneas, discontinuas, sostenidas por fiesta y dinero, con plena consciencia y no por ingenuidad. Lastimosamente parece algo ya dicho y de manera más efectiva y cómoda (el “solo quiero compartir / hasta el amanecer” es particularmente forzado o cliché).Soy Emilia -Cada noche ft Ana Rizo (Cover Audio)Incontrolable parece romper con el tema de los contrastes y los matices, pero el que fácilmente es una de las composiciones más divertidas vuelve sobre la idea clave de que el deseo es, paradójicamente, carencia. Deseamos lo que no tenemos. En la desesperación por satisfacer la tensión sexual o el extrañar a alguien volvemos a caer en el delirio de que tenerlo solucionará todo. Y allí vuelve a pensarse en el “High”, en la plenitud a la que queremos volver, casi como adicción.Soy Emilia -Incontrolable (Cover Audio)Finalmente, Dos Extraños (+ Extraños) soluciona esa tensión. Es una versión más oscura de la original. Juanita cuenta que surgió el mismo día que conoció a Mauricio Álvarez (Cero39): “ese mismo día fui a su casa a trabajar y me dio una maqueta que grabamos”. Para ella, darle otra vida a este tema de 2018, y de esta manera, implica darle un giro a una favorita suya y del público desde un nuevo ángulo que enfatiza en el baile, en lo corporal y en lo lascivo, que es un territorio donde no se piensa en ese agrio y ese dulce, sino exclusivamente en el placer.Sabor agridulceCuando revisamos nuestra pinta antes de ir de fiesta, ¿qué vemos? ¿Qué es lo que buscamos ser entre tanta gente? ¿Qué queremos allí? ¿Qué implica? ¿Qué hay en las relaciones amorosas que se marchitan y en los levantes de una sola noche? ¿Qué hay en la idea del sugar daddy y la sugar baby?Aunque lo parezcan no son preguntas de respuesta tan fácil. Se pueden resumir con cinismo o con inocencia, pero la respuesta honesta, que realmente considera el todo, será siempre más compleja, y por ello más fértil de posibilidades, menos aburrida y castrante.Desde que estaba en el colegio, Juanita Carvajal ha sido desafiante a la hora de reclamar lo que quiere. Se ha negado constantemente a ser encasillada. En sus clases de música a los 12 años le decían que no podía tocar el bajo si no sabía ya, y que se dedicara a la voz y la guitarra que ya conocía. Perseveró en un instrumento comúnmente masculino a pesar de la tendinitis y la forma pensada para hombres bajistas, y después se opuso a que la llamaran solo “la bajista de” para, sobre todo, ser Emilia y ser Juanita.Siguiendo esa historia progresiva, este puede ser el disco en el que mayor compromiso demuestre con esa dualidad, con su personaje, y con los riesgos musicales que toma. La primera mitad da resultado en ese sentido: logra canciones bailables y pegajosas, con letras originales e ingeniosas aunque sencillas. Los momentos más ingeniosos del disco, como Todo Lo Tiene e Incontrolable, brillan y brillan fuerte por emanar una pasión descarnada. Sin embargo, parece que faltara algo para traducir esa vocación por los desafíos para tener un resultado más contundente y disruptivo a lo largo del disco. Por ejemplo, Tu y Yo y Cada Noche no aumentan la apuesta, sino que parecen repeticiones menos ambiciosas de ideas que ya nos había mostrado en su carrera y en el disco. Y aunque esos aspectos valiosos de la primera mitad y del concepto del disco destaquen, en general parece algo que podría ser más ambicioso aún, más disruptivo con respecto a sus referentes, como lo es por momentos la letra de Sugar Daddy, con su pregunta por la no-inocencia.¡La música nos une!
El tour Entre Mar y Palmeras de Juan Luis Guerra llegará al Movistar Arena de Bogotá los próximos viernes 25 de noviembre y domingo 27 de noviembre, continuando la gira iniciada por el cantautor dominicano en Punta Cana y que ha recorrido varios países como España, Puerto Rico y Estados Unidos.Contenido recomendado | Grandes conciertos que ocurrirán en Colombia a lo largo del 2022Después de tres años Juan Luis Guerra regresa a la capital colombiana con lo mejor de su repertorio musical enmarcado en una colorida propuesta con elementos innovadores en lo referente al show.La Bachata y el Merengue vuelven a encontrarse de una manera integral en la gira “Entre Mar y Palmeras”, nombre que surgió, a raíz de un concierto ofrecido por Juan Luis Guerra en la Playa Esmeralda, Miches, el cual fue difundido por HBO.“Rosalía”, “El Farolito”, “Visa Para un Sueño”, “La Bilirrubina”, “El Niágara en Bicicleta”, “Las Avispas”, “A Pedir Su Mano”, entre otros, serán los éxitos que los asistentes al Movistar Arena podrán disfrutar en vivo en una velada que promete ser inolvidable.Este es uno de los grandes conciertos que restan en el 2022 gracias a la cooperación de dos importantes promotoras de la industria como lo son, SD Concerts y TBL-Live, quienes se han encargado de traerle a todos los colombianos lo mejor del entretenimiento.La boletería del concierto de Juan Luis Guerra “Entre Mar y Palmeras” estará disponible en la página oficial de Tuboleta.com.Preventa preferencial Movistar: Será a partir de las 10:00 am del martes 20 de septiembre y hasta las 9:59 am del 22 de septiembre.Preventa clientes Bancos Aval: #ExperienciasAval, la plataforma de entretenimiento de los Bancos Aval: (Bogotá, Occidente, Popular, Av Villas), reafirma su compromiso con la industria del entretenimiento y continúa apoyando el fomento de la cultura en el país, anunciando hoy la preventa exclusiva para sus clientes, a partir del 22 de septiembre a las 10 am hasta el 24 de septiembre a las 9:59 am.PRECIOS JUAN LUIS GUERRA 2022 EN MOVISTAR ARENA BOGOTÁVenta para público general: Inicia a partir de las 10:00 am del 24 de septiembre hasta agotar existencias.¡La música nos une!
Big Time Rush se convirtió en una sensación en el 2009 desde el lanzamiento de la serie de televisión de Nickelodeon Big Time Rush. El programa fue un gran éxito y catapultó al grupo al estrellato en la vida real.Lanzaron 3 álbumes de estudio y se presentaron en diferentes partes del mundo, incluidas cinco giras de 2011 a 2014. En junio de 2020, la banda celebró una reunión virtual sorpresa. para celebrar el décimo aniversario de su tema “Worldwide”, lo que provocó una histeria masiva entre sus fanáticos y en los medios. En marzo de 2021, las cuatro temporadas de Big Time Rush de Nickelodeon se agregaron a Netflix y la banda se volvió viral una vez más, lo que aumentó la demanda de los fanáticos de una reunión oficial. Poco después, la banda anunció que se unirían para dos shows especiales en vivo en Nueva York y Chicago, que se agotaron en cuestión de minutos.Ahora, con el lanzamiento de su gira Forever Tour y el lanzamiento de toda la música nueva, incluidos los sencillos "Honey", "Fall", "Not Giving You Up" y "Call It Like I see It", los fanáticos pueden esperar ver mucho más del grupo en los próximos años.Hoy, Big Time Rush anuncia su próxima gira Forever Tour en América del Sur. Producida por Live Nation, la gira de cinco espectáculos comenzará en el 2023 y las fechas serán las siguientes: el 24 de febrero en el Teatro Caupolicán de Santiago, con paradas en Buenos Aires, Bogotá y São Paulo, antes de concluir en Vivo Rio en Río de Janeiro el 5 de marzo de ese mismo año. Las boletas saldrán a la venta para el público en general a partir de 2 de septiembre en eticket.coEl Forever Tour ha tenido un gran éxito desde su lanzamiento a principios de este año, con fechas agotadas en lugares icónicos desde el Madison Square Garden de Nueva York hasta una etapa de tres espectáculos en México, no es ningún secreto que la banda está de vuelta y para quedarse.Big Time Rush también ha llevado su música a todo el mundo con el reciente lanzamiento de su primer sencillo latino "Dale Pa' Ya" junto al productor Maffio, tres veces ganador del premio Latin GRAMMY. Escúchalo AQUÍ. Este es el primer sencillo de su próximo EP producido por Maffio.¡La música nos une!
Ale Sergi es el vocalista de Miranda una de las agrupaciones más esperadas del Festival Cordillera 2024, y una propuesta clave en el electropop latinoamericano. En 2022, el integrante de la banda argentina dio una entrevista que se hizo viral, sobre la piratería en la música. "A mí nunca me tocó ganar plata con la venta de CDs", dijo Sergi, en entrevista con Terapia picante. "De hecho nosotros atravesamos, yo creo el peor momento de la industria discográfica. Cuando nosotros tuvimos el disco de más éxito que fue el de "Don" y "Yo te diré", me la pasaba firmando discos piratas", comentó.En eso Sergi tenía razón. Según Forrester Research citado por CNN, los ingresos totales por ventas y licencias de música en Estados Unidos cayeron a 6.300 millones de dólares en 2009. En 1999, esa cifra de ingresos era de 14.600 millones de dólares.Sergi desarrolló: "La gente no tiene la culpa. A mí me molestaba cuando la compañía nos venía a decir que hagamos un video para decirle a la gente que compre original. Me parece que la gente lo que quiere es escuchar la música. Y la va a escuchar, y la va a conseguir como sea", puntualizó.Al tiempo que manifestó: "Y yo no me puedo ofender porque un pibe fue a la casa de un amigo y se copió el CD, o porque fue al mantero y se lo compró a un cuarto de precio de lo que lo venden en las disquerías. Él lo que quiere, no es hacerme daño a mí. Quiere escuchar mi música ¿Cómo me voy a enojar yo con esa persona?", cuestionó.El músico agregó: "El problema lo tiene que solucionar el que se encarga de venderlo. Se enfocó mal el tema de la piratería. Muy mal, se enfocó en que el usuario era el culpable. Yo me acuerdo que los VHS que vos alquilabas que venían con un anuncio de `piratería es screamer y venía la policía y vos estaban mirando una película y te metían preso`. Era una locura ¿qué les pasaba?", comentó sobre las campañas antipiratería de finales de los 90 y comienzos de los 2000 en las que se criminalizaba al usuario.
Celine Dion hizo su gran regreso a los escenarios durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 2024 en París, interpretando una versión de L’Hymne à l’amour, original de Edith Piaf, quizá la cantante frances amás importante de toda la historia.La actuación, que tuvo lugar después del encendido de la antorcha olímpica, marcó un gran hito para Dion, que había prometido volver a los escenarios en medio de su continua batalla contra el síndrome de la persona rígida. El ícono del pop lanzó recientemente un documental sobre el tema, titulado I Am: Celine Dion.¿De qué trata L’Hymne à l’amour?Esta canción fue escrita para el amante y el amor de la vida, el boxeador francés Marcel Cerdan. El 28 de octubre de 1949, Cerdan murió en el accidente del vuelo 009 de Air France cuando viajaba de París a Nueva York para verla. Piaf grabó la canción el 2 de mayo de 1950. La letra describe la profundidad del amor y la devoción que la cantante siente por su pareja, incluso ante un posible desastre o pérdida. Ella dice que incluso si el cielo se cae o la tierra se derrumba, no importa mientras ella sea amada.¿Qué enfermedad tiene Celine Dion? El síndrome de persona rígida es una enfermedad neurológica muy rara que, según datos del Instituto Nacional de Trastornos Neurológicos y Accidentes Cerebrovasculares de EE.UU.citado por CNN, afecta a más mujeres que a hombres.Entre los síntomas se encuentran rigidez muscular, hipersensibilidad a ruidos, estrés emocional, posibles espasmos. Hasta el momento, la causa de la enfermedad no ha sido descubierta. Si bien los síntomas pueden tratarse, no tiene cura."Las posturas anormales, a menudo encorvadas y rígidas, son características del trastorno. Las personas con este síndrome pueden estar demasiado discapacitadas para caminar o moverse, o tienen miedo de salir de casa porque los ruidos de la calle, como el sonido de una bocina, pueden desencadenar espasmos y caídas", dice el Instituto, citado por NPR.Celine Dion es la cantante canadiense más exitosa de la historia. Durante los noventa vendió más de 100 millones de discos en un periodo de diez años.
Canciones para decir no más. Himnos para liberarse y quererse a sí mismo. Colaboraciones inesperadas. Fuerza Regida, Amantina, Kei Linch, Israel B, Irepelusa, ARIA VEGA y más en la playlist Recarga LatinX de la semana del 26 de julio de 2024. Estas son las canciones favoritas del equipo de Shock ordenadas aleatoriamente.1. MAMBRÚ! – AmantinaEl colombo ecuatoriano Amantina cogió el dolor y la pena y los hizo fiesta como un hechicero.2. Ké Mal - Elsa y ElmarEl dolor estaba ahí y no lo vimos. Pero esta canción conmovedora es para sacudirse, liberarse y no darse palo.3. Estoy mejor sin ti – Israel B, Kei Linch, LOWLIGHTMándenle esta colaboración colombo-española a el/la ex al que no le quieren volver a ver la jeta. Rap de combate para dedicarse a sí mismo.4. Hablas – Jesse BaezUn R&B dramático del guatemalteco Jesse Báez para los tergiversadores y chantajistas emocionales. Ahora hay un término para eso. Es la canción del gaslighting.5. Un porrito – ARIA VEGA, IrepelusaNunca había sonado tan tierna e inspiradora una combinación de estimulantes: hongos, café y porrito.6. Mosaico Pirata – Duplat, Juan Pablo VegaSentirse viejo. Contar bolardos. Viajar a tierra caliente y poner música. Costumbrimo colombiano hecho pop. Esto podría ser la banda sonora de un roadtrip como El Paseo.7. Me provoca - El clooy, COQEDesde Medellín, Perreo estricto para descontrolarse.8. Luna - Lee EyeCanción para acalorarse en una noche fría. Lee Eye reflexiona, hipnotiza y agradece “aunque a veces se le olvida” que está.9. Jardín del paraíso- Monsieur Periné, BejucoUna canción que suena a Latinoamérica libre, un canto contemplativo de la naturaleza y un clamor de paz. El jardín del paraíso suena a la marimba de Bejuco.10. Matiné - La banda del bisonteDistorsión, planetas en el cielo e imaginación en una celebración con guitarras del mejor plan del mundo, el matiné en las cobijas.11. Modo animal - Mesita, CazzuDel EP del uruguayo Mesita, Tsunami, una colaboración salvaje y pegajosa con la mamá de la movida del trap en el sur.12. ALV – Ximena SariñanaSe puede decir ya no más, pero el lenguaje universal, después del reconocimiento, nos lo traduce Ximena Sariñana: ALV.13. Nada para siempre - Peces RarosSencillo del nuevo álbum de la banda argentina Peces Raros, titulado Artificial. Un viaje ochentero por las máquinas y una reflexión sobre la intrascendencia.14. 2K – Saygi, Oblivion´s Mighty TrashSaygi, el paisa detrás de los beats de Oblivion´s Mighty Trash, montó su propio paisaje en un álbum propio. Acá colabora con su secuaz de siempre en una canción en dos actos.15. SOFIA – Fuerza Regida, Major Lazer, AlokFuerza Regida estrenó álbum, PERO NO TE ENAMORES. Una de las cabezas del corrido mexicano colabora con uno de los nombres más importantes del EDM de la década pasada, Major Lazer.Estas son las canciones de la Recarga LatinX del 19 de julio. ¡La música nos une!
En 1992, se estrenó el capítulo de Los Simpson La primera palabra de Maggie (temporada 4 capítulo 10). Mientras intentan que Maggie hable, Marge cuenta la historia sobre cómo llego la familia a la casa cuando Bart era pequeño y Marge estaba embarazada de Lisa, en el marco de los Olímpicos de 1984, que ocurrieron en Los Ángeles. Como subtrama de ese capítulo, vemos a Krusty ofreciendo una promoción de Hamburguesas Krusty: recibe una tarjeta raspa y gana con tu pedido y, si Estados Unidos gana una medalla en el evento de tu tarjeta, ganas una hamburguesa. Luego Krusty se sorprende cuando los países comunistas boicotean los Juegos Olímpicos, lo que le da a Estados Unidos victorias fáciles y lo obliga a ofrecer mucha comida gratis. La promoción real de hamburguesa en la que se inspiró Los SimpsonLo que sucedió en el capítulo, sucedió también en la vida real, en Mc Donald's. La promoción funcionó la forma muy similar a como se describe en el capítulo: al comprar una hamburguesa en Mc Donald's, el cliente recibía una tarjeta para raspar con un evento olímpico. Si el equipo estadounidense ganaba el oro en ese evento, el cliente recibía una Big Mac. Si el equipo ganaba la plata, el cliente recibía papas fritas. El bronce significaba una gaseosa gratis. El lema era "Estados Unidos gana, tú ganas".Hubo un factor que la marca no tuvo en cuenta: la Unión Soviética no se uniría a los Juegos. Estados Unidos había boicoteado los Juegos Olímpicos de 1980, celebrados en Moscú, debido a la invasión soviética en Afganistán. A su vez, los soviéticos (así como Alemania del Este y varias otras naciones comunistas) rechazaron la invitación para ir a Los Ángeles en los de 1984 La ausencia de los comunistas también significó la ausencia de los gimnastas soviéticos, los nadadores de Alemania del Este y los fenómenos del tenis de mesa de Corea del Norte. Esto significó que Estados Unidos continuaría arrastrando a la oposición por el barro. Si bien los estadounidenses habían obtenido 94 medallas en los Juegos Olímpicos de 1976 (34 de ellas de oro), terminarían sumando 174 medallas en 1984, con 83 de ellas en primer lugar.Mucha gente recibió comida gratis. Un artículo del New York Times de 1984 señaló que "algunos de los 6.600 locales de McDonald's en Estados Unidos se habían quedado sin Big Macs". Los representantes de McDonald's se negaron a dar una estimación de cuánto desembolsarían por la promoción (probablemente para evitar la vergüenza de la prensa), pero el Times había asumido que la suma era "alucinante".LAist publicó el testimonio de un hombre al quien la promoción le ayudó a mantener a su familia por semanas. Sin duda una estrategia de marketing costosa, pero dejó huella.
Roger Waters, miembro fundador de la icónica banda de rock Pink Floyd, manifestó su apoyo a Nicolás Maduro antes de las elecciones presidenciales en Venezuela del 28 de julio.Waters publicó un video en sus cuentas oficiales de redes sociales instando a los venezolanos a votar por Maduro. En el video, enfatizó que Venezuela pertenece a su gente, no a las corporaciones extranjeras, y elogió la Revolución Bolivariana en curso a pesar de sus desafíos.En su publicación, Waters criticó a Juan Guaidó, recordando la agitación de años pasados, y expresó sus esperanzas de una victoria de Maduro. La elección ha atraído una atención regional significativa, con las calles de Caracas repletas de partidarios de ambos bandos, según reporta Ámbito. Maduro busca un tercer mandato consecutivo, mientras que González tiene el respaldo de la líder de la oposición María Corina Machado.El músico es conocido ampliamente por su activismo político. En 2022, pidió a los colombianos apoyar a Gustavo Petro en las elecciones, y en 2023, durante su visita a Bogotá instó al mandatario a lazar su voz contra el genocido al pueblo palestino¿Cuándo son las elecciones en Venezuela?Las elecciones presidenciales en Venezuela serán el domingo 28 de julio de 2024, con el fin de elegir al presidente para un mandato constitucional de seis años. Los venezolanos votarán este domingo 28 de julio por el presidente de la República para el período 2025-2031, en un proceso que, según Voice of America, llevará a una “consolidación autoritaria” o a un proceso de “transición democrática” en el país.En estos comicios son 10 candidatos, pero de ellos son dos los candidatos principales: el aspirante a la reelección, Nicolás Maduro y el candidato opositor, Edmundo González Urrutia. Los otros candidatos son: Enrique Márquez, Antonio Ecarri, Daniel Ceballos, Luis Eduardo Martínez, Javier Bertucci, Benjamin Rausseo, Claudio Fermín y José Brito.La toma de posesión del mandatario electo ocurrirá el 10 de enero de 2025, como establece la Constitución venezolana.