Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Segunda parte de Laura Stangl.Segunda parte - Laura Stangl¿Quién está detrás? Es una cantautora caleña nacida en 1998 y que se proyectaba en su niñez como deportista, sin embargo una enfermedad la alejó de ese primer sueño y la llevó a acercarse a la música como parte de su proceso de rehabilitación. Su sencillo debut fue Casa en la montaña en 2020, pero ahora viene respaldada con un equipo de trabajo fuerte que la ayudarán a llegar a más personas.Contenido relacionado | Paula Arenas hace una pausa en su carrera para estrenar ‘Mis amores’¿De qué trata? El tema fue escrito por Laura en compañía de Natalia Bautista, Susana Isaza y Pablo Arévalo, allí se narra la historia de una persona que revive los sentimientos por un amor que creía superado. Segunda parte es solo la primera de varias canciones que Laura presentará en el segundo semestre de 2021, temas con los que se siente plenamente identificada y que reflejan su visión artística.¿A qué suena? La canción es el resultado de diferentes géneros musicales que han influenciado a Laura durante toda su vida. Sobre el proceso de musical revela que “indiscutiblemente es pop, pero en la producción musical, que la hicimos Nicolas Ladrón, Agustino y yo, metimos elementos que no pueden faltar en una canción de pop como una guitarra, batería, piano, pero si escuchas bien se nota la influencia de otros géneros como el house donde usamos "vocal chops" y rises muy propios de ese género”.¿Sobre el video qué? Es una obra visual bastante llamativa y en la que la calidad es demasiado alta. El video muestra detalles de la vida personal de la artista y hace un recorrido por sus colores favoritos, carros antiguos, algunos acertijos y un montón de mensajes secretos que se podrán ir descifrando a medida que transcurre el video.¿Cuándo escucharla? Laura sueña con que la gente se identifique con las letras que salen de su corazón y esta canción perfectamente se puede adaptar a la vida personal de miles de oyentes. El nacimiento de una promesa del pop latino.En video | Natalia Jiménez repasa las letras de sus canciones más populares¡La música nos une!
Noviembre sin ti, Fui, Inolvidable, Creo en tí o Yo quisiera son apenas cuatro canciones que se han popularizado internacionalmente en la voz de Jesús Navarro, líder de la agrupación mexicana Reik y nuevo jurado del concurso de televisión colombiano La Voz Kids Colombia que se transmite en Caracol Televisi´ón.Contenido relacionado | Natalia Jiménez: “Siempre he querido hacer ranchera y cantar regional”Jesús comenzó a cantar en el coro de las iglesias cuando era un niño y fue en esos recintos que descubrió la conexión natural que tenía con la música. En su adultez temprana conoció al productor musical Abelardo Vásquez Ramos quien lo motivó a juntarse con Julio Ramírez Eguía para grabar unos demos.En 2004 llegó al proyecto Gilberto Marín “Bibi” y finalmente se consolidó la banda Reik que después logró un contrato discográfico con Sony Music BMG. Para 2005 ya estaba en todas las tiendas de discos Reik, el primer álbum del trío mexicano que contiene varias composiciones del legendario Kiko Cibrián.Rápidamente Jesús y Reik se convirtieron en un fenómeno internacional que ha podido adaptarse a los tiempos y que cumplirá pronto veinte años de carrera artística.La voz de Navarro es considerada tipo tenor y se adapta fácilmente a diferentes géneros como la balada, el pop rock y hasta el reggaetón. Estas son algunas canciones que han definido la carrera de Jesús y que hoy lo llevan a ser un ícono musical latinoamericano.Yo quisieraInolvidableQué gano olvidándoteSi me dices que sí con Camilo y FarrukoAmigos con derechos con MalumaIndeciso con J Balvin y Lalo EbrattPoco con Christian NodalUn año con Sebastián YatraNoviembre sin ti Malo con Elsa y Elmar, Tom CollinsLa malquerida con Christian Castro y Melissa RoblesNunca es tarde con Natalia JiménezYa me enteréFui¡La música nos une!
Kendall Schmidt, James Maslow, Carlos Pena, Jr. y Logan Henderson alcanzaron un nivel alto de popularidad hace una década cuando protagonizaron la serie de Nickelodeon Big Time Rush de la que se desprendió una boy band del mismo nombre. Seis años después de haber anunciado su separación dieron a conocer que se reúnen para una gira de conciertos.Para leer | CNCO empieza a desintegrarse: Joel Pimentel renuncia a la boy bandTal vez muchos no recuerdan el proyecto, ni las canciones que fueron exitosas, pero tal vez les suene familiar Boyfriend, su colaboración con el dios del rap Snoop Dogg. Este sencillo certificó Oro en Estados Unidos por vender más de 700.000 copias. Además, fue el primer top 20 de BTR en listados de Billboard y top 40 entre charts de pop adulto.Luego de crear expectativa en redes sociales, donde cada uno de los integrantes cambió su foto de perfil por un punto rojo, la banda ha confirmado que retomarán el proyecto que quedó inactivo en 2015.Con la frase “recuperemos el tiempo perdido” la banda anunció las primeras dos fechas de una gira de conciertos que tendrá varios shows en territorio norteamericano.El concierto inicial se realizará el 15 de diciembre de 2021 en el Chicago Theatre de Chicago, Illinois. El segundo se hará tres días después, el 18 de diciembre de 2021, en el Manhattan Center Hammerstein Ballroom de Nueva York.Contenido relacionado | La nueva temporada de 'ICarly' en Paramount+ no es apta para niñosPara comprar los boletos del concierto de Big Time Rush y conocer los precios puede ingresar a la página web oficial de la banda.Actualmente todas las temporadas de la serie de Nickelodeon están disponibles en Netflix Estados Unidos y en Paramount+ de varias regiones del mundo.En video | ¿Qué se le puede aprender a los grupos de K-Pop? CNCO responde - 1P Shock¡La música nos une!
Vamos a empezar este artículo dando un gran dato: una de las personas que más nominaciones ha tenido en la historia de los Video Music Awards de MTV no es un músico o agrupación sino un cineasta, el sur coreano Joseph Kahn. El creativo nacido en 1982 es la mente detrás de videos musicales que han marcado la cultura popular.Para leer | Voguing y cultura del ballroom en Colombia: un espacio de expresión LGBTIQ+Kahn nació en Busan, Corea del Sur, en los años setenta, pero desde pequeño vivió en Italia y cuando cumplió siete años su familia se mudó definitivamente a los Estados Unidos.Durante los noventa trabajó en un teatro de cine y luego su pasión lo llevó a empezar a dirigir videos musicales de hip hop con presupuestos limitados para luego consagrarse y empezar a ser contratado por los nombres más importantes de la industria.Dato: Joseph ha dirigido (hasta junio de 2021) más de 182 vídeos musicales, 4 películas y 2 programas de televisión. También se le acredita como director de fotografía en 4 videos musicales.Estos son sus trabajos más épicos que, a la fecha, acumulan millones y millones de reproducciones en Youtube.Everybody (Backstreet's Back) - Backstreet Boys (1997)Doesn't Really Matter - Janet Jackson (2000)Say My Name - Destiny’s Child (2000)Fly Away from Here - Aerosmith (2000)Hero - Enrique Iglesias (2001)Without me - Eminem (2002)The sweet escape - Gwen Stefani, Akon (2006)Toxic (2004) y Womanizer (2008) - Britney SpearsLove Game - Lady Gaga (2009)All the lovers - Kylie Minogue (2010)Love the way you lie - Eminem, Rihanna (2010)Blank Space, Bad Blood y Wildest Dreams - Taylor Swift (2014)Can’t remember to forget you - Shakira y Rihanna (2014)Dinero - Cardi B, Jennifer López (2018)All I Want for Christmas Is You (Make My Wish Come True Edition) - Mariah Carey (2019)En video | 11 películas con historias LGBTIQ+ que han marcado el séptimo arte¡La música nos une!
Los documentalistas y las grandes productoras de cine le han sacado bastante jugo a la música y a sus protagonistas: los músicos. Y This is pop es una historia que profundiza en ello. Pero tiene mucho más. La serie, disponible en Netflix y realizada por la productora canadiense Banger Films, es una mirada histórica y cercana al interior de la música pop. La primera temporada tiene ocho episodios. Cada uno dura 44 minutos y se centra en un tema especial. Todos son momentos que marcaron cambios significativo en la cultura pop. Ya lo dijimos: hay muchos documentales de música, pero cada vez hay obras audiovisuales más precisas, con material de archivo inédito. El ejercicio de archivo visual es cada vez más impresionante. ¿Cuáles son los eventos que aborda This Is Pop?El abanico es amplio. La serie va desde la historia del brit-pop a través de dos de sus grandes rivales y protagonistas; Blur y Oasis; pasa por el nacimiento de festivales como Glastonbury; el fenómeno del auto-tune y la combinación de estilos en su tiempo impensables, como cuando se juntaron el country, el hip hop y el pop.Los que cuentan las anécdotas son los mismísimos nombres que protagonizaron muchas de ellas. Artistas como Shania Twain, Chuck D, T-Pain, Boyz II Men, Carly Rae Jepsen, Orville Peck , Men At Work y muchos otros hacen parte de este documental, que seguro será un documento de consulta para historiadores de la música y aficionados. "Empezamos con la pregunta '¿Qué es Pop?' y nos encontramos con respuestas que nunca esperábamos: es mucho más que las listas de éxitos o lo que sale flotando de la radio de un auto; es una cápsula del tiempo perfecta de cómo vivía la gente y cómo bailaron, amaron y lloraron cuando se escuchó cada canción", afirmó Amanda Burt, productora de la serie.
Backstreet Boys y Nsync son 2 de las boybands más exitosas de los 90. Recientemente, sus integrantes estuvieron compartiendo en redes algunas imágenes de miembros de ambas bandas ensayando una coreografía de Bye, Bye, Bye, clásico de Nsync. En el video se observa a Nick Carter y AJ McLean, de Backstreet Boys, junto a Lance Bass y Joey Fatone de Nsync. Los 4 se unieron para un concierto en Los Ángeles a favor de la comunidad LGBTIQ+. En otro video publicado por Nick se observa que están cantando el hit de Backstreet Boys I Want it That Way La publicación está acompañada del hashtag #BackSync. No se sabe si fue algo de una sola vez o habrá algo más alrededor de la unión Por el momento, esto declaró Nick a varios medios: "No podemos revelar demasiado. Básicamente, Lance, Joey, yo y AJ solo vamos a decir que vamos a hacer algo especial. Lo anunciaremos en la próxima semana ... Y será enorme. Será realmente grande y estamos muy emocionados". No es la primera vez que surgen rumores de una reunión entre ambos grupos. A comienzos de 2020, en una entrevista con Good Morning America, los Backstreet Boys no descartaron una gira junto a Nsync. "Tal vez en el futuro podamos hacer una gira con Backstreet y Nsync, tal vez como una gira de paquete", declaró Carter en ese momento. Durante varios años existió el rumor de la rivalidad entre ambos grupos, pues los 2 fueron creados por el empresario Lou Pearlman, quien incentivó la competencia entre los 2. A finales de los 90, miembros de las 2 bandas descubrieron que Pearlman los estaba estafando. El hombre fue arrestado en 2008 por fraude y lavado de dinero y falleció en la cárcel en 2016. Ahora que la rivalidad entre Backstreet Boys y Nsync es cosa del pasado, parece que es el mejor momento para la reunión de ambos. ¿Qué opinan?
Noel Schajris ha escrito tantas canciones que podría publicar un libro con ellas, su inspiración se mantiene conectada todo el tiempo con situaciones que ha vivido. Su quinto álbum, Mi Presente, es un trabajo que lo tiene muy contento porque reunió a sus amigos en él. Hablamos con él de Sin Bandera, del futuro de la música y de su más reciente placa discográfica.¿Cómo está la inspiración en esta época?Hay muchas cosas muy profundas que suceden en estos tiempos y nos invita a pensar y sacar conclusiones juntos de ¿qué funciona?, ¿qué no funciona como sociedad? como raza humana y en lo personal. Esta conciencia renovada sobre el sistema inmunológico, la salud, la alimentación, sobre el sistema que queremos que hereden las nuevas generaciones en el mundo. Un sistema más igualitario, más justicia social, y que no haya tantos millones de personas viviendo en escasez. Con mi música y mi arte intento dejar algo. Nina Simone decía que un artista debe representar su tiempo, tiene que hablar de lo que está viviendo, y creo que tenía razón, es la función de un artista, poner en palabras en una canción o en una pintura, una obra de teatro, lo que sea, poner en manifiesto algo que tal vez la conciencia colectiva está pensando, está sintiendo. Me gusta creer que soy un artista que puede expresar cosas que a muchos les haga bien y no ser solamente un "entretenedor", sino alguien que te haga sentir, pensar, que te haga sentirte conectado con el resto del universo. Entretener está bien, pero creo que el propósito de una artista es más profundo.‘Mi Presente’ es un álbum con coautorías y colaboraciones. ¿Estaba planeado así?Siempre digo que la música es para compartir y no para competir, he tenido la fortuna de tener alrededor muchos amigos y mucha gente talentosa y maravillosa. Claudia Brand que es mi hermana desde hace 26 años, tenemos 300 canciones juntos o mi compañero de Sin Bandera Leonel García, ¡Dios mío!, en este disco Mi presente, tengo desde un Paul Williams que es una leyenda de la música, hasta Luis Enrique, Alex Cuba, Gian Marco, hay un montón de coautores en este disco. Son canciones que he hecho en los últimos 20 años de mi vida y ellos han estado ahí, es inevitable que haya canciones junto a todos mis amigos.¿Cómo van los planes para celebrar estos 20 años?Mi Presente Tour hace parte de esta celebración. La gira en Estados Unidos es muy importante para mí, vivo en Los Ángeles hace 4 años, somos la minoría más fuerte, más de 50 millones de personas, es una fuerza increíble. La boletas ya están a la venta en mi propia plataforma noelschajris.fan, es otro sueño que se realizó en los últimos tiempos. Serán 20 shows en Estados Unidos, voy de gira donde me abran la puerta, donde me quieran ver. Hay un show para Monterrey, México y poco a poco se van abriendo los eventos en Latinoamérica.¿Qué es noelschajris.fan?Es una plataforma que al principio fue mi manera de estar más cerca de mis fans, de mi familia extendida como yo los llamo, ahí se pueden inscribir y tener contacto conmigo, me puedan pedir un saludo, pedir una clase de canto, comprar, Cds, casetes, vinilos, y también merchandising y un montón de cosas. Obviamente en una etapa siguiente tiene que ser una plataforma para que otros artistas puedan conectar con sus fans, una plataforma para nuevos talentos, con mi productora Dinamo Producciones empezar a desarrollar esos talentos, ayudarlos, impulsarlos y ser una disquera y productora totalmente novedosa, porque jamás le voy a pedir el master al artista. Creo y soy defensor como artista de lo importante que es ser dueño de tus masters, tu propia música, tu arte, yo como disquera jamás me voy a adueñar de los masters de ningún artista, eso es muy importante. De esto hablaba Ray Charles en los 40 y 50, él fue el primer artista que le dijo a las disqueras, ‘yo soy dueño de mis masters’, es un genio. Prince en los 80 se rebeló contra esa situación: "¿Cómo es posible que sean dueños de mi música", es una locura. Muchos de mis compañeros artistas se están dando cuenta de esa realidad, es el futuro. Estoy presentando en Latinoamérica el modelo del artista dueño de su plataforma, dónde siempre han sido las "majors", no quiere decir que no sigo en Sony, vamos a sacar música nueva este año, y sigo en las plataformas de streaming, pero también tengo mi propia plataforma, ese será el patrimonio para mis hijos.¿Qué significa el capítulo de Sin Bandera en estas dos décadas?Sin Bandera es nuestra marca, nuestro motor, es el grupo que potencia todo lo que podemos hacer como solistas y es nuestro bebe, nuestro proyecto, a nivel súper empresarial es nuestro activo, nuestra fuerza, nuestra turbina, es una bendición en nuestra vida. Lo que generamos juntos es irrepetible, es único, y solo existe cuando Leo y yo abrimos la boca y cantamos juntos, se genera una tercera entidad, energía, la combinación de estos dos individuos, de estas dos almas, somos como el Yin y el yang, somos tan diferentes en muchas cosas. Es llamativo que cuando cantamos generamos algo tan interesante, un balance cósmico, cuando nos ves en nuestras vidas somos diferentes. Sin Bandera también está cumpliendo 20 años, estamos componiendo unas canciones buenísimas y se viene la gira el año que viene.¿Cuáles son las canciones más grandes en la música?Gracias a la vida de Violeta Parra, esa canción me toca el corazón, es un arreglo precioso. Imagine de John Lennon, es especial, para mí es la mejor canción en inglés, y Gracias a la vida en español. De las que compuse Momentos, la vida es un millón de momentos, y los días de prisa se van, estos 20 años han pasado como agua, en mis 47 años que cumplo el 19 de julio, atesoro cada momento porque sé muy bien que 20 años no es nada...¿Por qué ‘Mi Presente’ representa la celebración de dos décadas?Mi Presente representa 20 canciones que simbolizan 20 momentos, y 20 rincones de mi alma y mi ser que estaban abandonados, estaban en cajones cibernéticos que no habían sido grabadas, rescatarlas y rescatar mi corazón y rescatar esas partes de mí, fue un poco el proceso el año pasado de la pandemia, donde abrazo todos los rincones de mi ser y les doy una voz en el presente. Hay una especie de mucha paz y aceptación de lo que soy, de lo que fui y de lo que seré, gracias a lo que fui y seré, pasado presente y futuro en este presente que es el regalo de vivir y valorarlo como nunca.
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2020 en este especial. En esta oportunidad les presentamos Cinco a Cero de TIMØ. Cinco a Cero - TIMØ¿Quién está detrás? Alejandro Ochoa, Andrés Vásquez y Felipe Galat se conocieron en los salones de la Universidad Javeriana mientras estudiaban la carrera de música. Luego de unas clases empezaron a hacer canciones que compartían por WhatsApp y empezaron a viralizarse por el voz a voz en varios sectores de Bogotá. Se pusieron las pilas, le invirtieron al proyecto, grabaron videos, estrenaron sencillos y se volvieron un fenómeno. Universal Music se dio cuenta de su talento, los firmó y Cinco a Cero es el primer tema que conocemos de esta nueva era para el trío de pop.Para leer | ‘Algo diferente’, el EP de TIMØ para cerrar un año de trabajo maratónico¿A qué suena? TIMØ empezó como un proyecto que homenajeaba el tropipop, pero ha evolucionado en su sonido y encontrado nuevos elementos musicales que son la fusión de muchos géneros. Esta canción dista mucho de sus hits fiesteros Se escaló, Juernes o Bebamos, pero en la evolución está la clave del éxito.El toque reggaetonero de este tema, que los pone a sonar mucho más internacional y menos local, es producto del trabajo de TIMØ con los productores Andrés Torres y Mauricio Rengifo quienes han estado detrás del éxito de canciones como Despacito, Ruanway o A dónde vamos, entre otras.¿De qué trata? Cinco a Cero es un término futbolero que representa una goleada poderosa. En el tema se habla de las ganas que tiene una persona de lograr una relación en serio con alguien sabiendo que tiene muchas oportunidades de triunfar, a pesar de que el objetivo “está con otro man”.¿Sobre el video qué? Sobre el clip la banda cuenta que “para nosotros era importante mostrar la esencia musical de esta banda, siempre nos imaginamos el video con nuestros instrumentos para que la gente sepa lo que puede vivir en uno de nuestros conciertos”. Fue dirigido por JASZ, quien ha trabajado en videos musicales de Dylan Fuentes y Mau & Ricky.¿Cuándo escucharla? La canción tiene vibras ideales para una tardeada de sábado. Hay que estar atento a los próximos lanzamientos para entender (y disfrutar) de esta nueva era musical de TIMØ.En video | Morat se le mide a nuestro reto ‘¿Quién es quién?’¡La música nos une!
Este 2021 se está celebrando la primera década del estreno de uno de los álbumes más importantes de la carrera de Lady Gaga: Born This Way, un disco que rompio records y que marcó a una generación.. La australiana Kylie Minogue se une a la fiesta grabando su versión de Marry The Night, uno de los tracks y sencillos del disco.Al inicio fueron rumores, pero llegada la media noche del 10 de junio las cantantes empezaron a intercambiar mensajes en la red social Twitter que iban calentando los ánimos entre los fans.Kylie escribió “Oye Lady Gaga, ¿qué estás haciendo esta noche? a lo que la estadounidense le respondió con unas lunas. A la hora ya estaba subida en Spotify y las demás plataformas de música en streaming la versión reimaginada de Marry The Night.La verdad es que la versión es impecable y se ajusta mucho al estilo musical de la solista australiana, un electro pop del que ella siempre ha sido abanderada.El hecho de que Kylie, una diosa del pop que se ha mantenido vigente en la música desde la década de los noventa, interprete un hit de la madre monstruo es un sueño cumplido para aquellos que siguen la carrera musical de las divas del pop. Para leer | 10 videoclips que han hecho legendaria a Kylie Minogue en el universo popSería aún más espectacular si algún día las dos compartieran escenario, grabaran un video juntas o entraran al estudio de grabación para planear una colaboración futura. Big Freedia con Judas y Orville Peck con Born This Way han sido otros proyectos musicales que se han unido a la celebración de Gaga e Interscope Records.En video | Born This Way de Lady Gaga: 10 años del himno LGBTI que marcó a una generación que buscaba expresarse ¡La música nos une!
Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial con reseñas de discos colombianos (álbumes de estudio y EP) para que se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales en este especial con lo mejor del 2020. En esta oportunidad les presentamos A tu lado de Paula Arenas.A tu lado - Paula Arenas¿Quién está detrás? La cantautora colombiana Paula Arenas ha logrado con su música varios reconocimiento entre los que se destacan las múltiples nominaciones al premio Latin Grammy y su participación en el Festival Viña del Mar. Después de hacer un alto en su carrera por su embarazo y maternidad, Paula regresa con música nueva.¿De qué trata? A tu lado, compuesta por María Elisa Ayerbe y Paula Arenas, es de esas canciones de amor profundo que no se le pueden dedicar a cualquiera. Relata la historia de la relación entre dos personas que estaban destinadas a encontrarse y vivir intensamente el romanticismo con sus altas y sus bajas.¿A qué suena? El sencillo tiene una calidad de sonido altísima donde cada elemento tiene la función de hacer brillar aún más la voz de Paula. Es una balada cautivadora que logra estremecer al oyente por cuatro minutos. La producción musical corrió por cuenta de Sebastián Mejía y María Ayerbe.¿Sobre el video qué? Es una pieza visual protagonizada por Paula y su pareja, a quien ya habíamos visto en el video Una vida contigo. Este clip está grabado en escala de grises y eso le da un nivel mayor de intimidad entre la artista y el espectador.¿Cuándo escucharla? La letra se puede acomodar a sus relaciones, pero tienen que estar muy seguros de que sea el amor de su vida porque un tema así no se le dedica a alguien pasajero.Para ver | Chavela Vargas: ¿por qué es un ícono de la cultura latinoamericana?¡La música nos une!
“Lollapalooza se fundó con base en la diversidad, la inclusión, el respeto y el amor. Con eso en mente, DaBaby ya no actuará en Grant Park esta noche. La actuación de Young Thug ahora tendrá lugar a las 9:00 pm en el Bud Light Seltzer Stage, y G Herbo actuará a las 4:00 pm en el T-Mobile Stage”. Así anunció el festival su rechazo a los comentarios de DaBaby. La semana pasada, durante una actuación en el festival Rolling Loud de Miami, el cantante originario de Ohio lanzó una serie de comentarios despectivos sobre los hombres homosexuales, el VIH y el SIDA. Se disculpó, pero empeoró las cosas, lanzando un video donde usaba nuevamente el SIDA como un insulto.Durante un concierto presencial el rapero hizo una pausa para analizar los ánimos del público. Todo parecía normal hasta que dijo: “enciendan la luz de su celular si no se están aquí con VIH, SIDA u otras de esas enfermedades de transmisión sexual que hacen que te mueras en dos o tres semanas (...) chicas, si su vagina huele a agua, enciendan la luz del celular; chicos, si no chupan pene en los parqueaderos, enciendan la luz del celular”.El momento se viralizó rápidamente en internet y los comentarios de desaprobación a sus declaraciones lo llevaron a ser tendencia, especialmente porque ha colaborado con cantantes femeninas que son íconos para la comunidad LGBTIQ+.Los comentarios homofóbicos provocaron reacciones violentas en la industria, y varios artistas se pronunciaron. Anitta, Demi Lovato, Elton John y Dua Lipa, quien colaboró con el rapero en un remix de su canción Levitating. Madonna publicó en su Instagram: “Un mensaje para DaBaby: si va a hacer comentarios llenos de odio a la comunidad LGBTQ + sobre el VIH / SIDA, es mejor que conozca sus datos:Después de décadas de investigación científica ganada con esfuerzo, ahora hay medicamentos que salvan vidas disponibles para los niños que nacen con el VIH, para las personas que contraen el VIH a través de transfusiones de sangre, agujas sucias o intercambio de fluidos corporales. ¡Estos nuevos ARV pueden mantener viva a una persona con SIDA por el resto de su vida! El SIDA no se transmite estando al lado de alguien en una multitud.Quiero encender mi celular y rezar por tu ignorancia, ya nadie muere de SIDA en 2 o 3 semanas. Gracias a Dios. Y tus comentarios sexistas sobre las mujeres cuyos vaginas necesitan oler a agua solo fomentan una mayor discriminación contra las mujeres que luchan a diario contra la opresión de vivir bajo las limitaciones de la mirada masculina.Las personas como tú son la razón por la que todavía vivimos en un mundo dividido por el miedo. Todos los seres humanos deben ser tratados con dignidad y respeto independientemente de su raza, género, preferencia sexual o creencias religiosas. AMÉN”.
La Media Torta es uno de los escenarios más diversos de la capital colombiana, por su tarima han pasado expresiones artísticas y culturales que han marcado generaciones que reúnen el imaginario cultural bogotano.Este año para su aniversario 83, el Teatro Al Aire libre La Media Torta celebrará su cumpleaños con una gran programación donde los sonidos tradicionales colombianos con nuevas mezclas sonoras y rítmicas serán los protagonistas. Los invitados a esta gran celebración son Guetto Kumbé y Phonoclorica. La entrada será libre hasta completar aforo.En sus inicios la programación de La Media Torta buscaba ser pedagógica, educar al pueblo con conferencias, sinfonías y diferentes variaciones de la música clásica. Fue en las décadas de 1950 y 1960, cuando los habitantes de la zona pidieron canciones del pueblo y, gracias al auge del cine mexicano, las rancheras llegaron al escenario en voces de artistas como Miguel Aceves Mejía, Antonio Aguilar, Pedro Vargas y María Félix. Hasta los setentas, La Media Torta fue el escenario predilecto y de esparcimiento para las clases obreras.A finales de 1970, este escenario presentó a reconocidos artistas internacionales. Durante la administración de Hernando Durán Dussán, se firmó el Decreto 0974, que obligaba a la presentación gratuita de artistas internacionales en el escenario. De este paso obligado por la Media Torta fueron protagonistas Armando Manzanero, Sandro, Celia Cruz, Mercedes Sosa, Leonardo González, Nelson Ned, Raphael y Leonardo Favio.Después de esto, La Media Torta entró en un largo período de crisis, inseguridad, cierres (en 1974) y deterioro de su planta física. En 1978 se conformó el Instituto Distrital de Cultura y Turismo que replanteó la programación y remodeló en 1981 las instalaciones, con lo que aumentó la capacidad de 3.000 a 7.000 espectadores.En 1995, entre el 25 y 26 de mayo, tendría lugar la primera edición de Rock al Parque en la Media Torta, festival que albergó es su primera edición 43 bandas nacionales, entre las que se destacaban agrupaciones que aún continúan vigentes como Aterciopelados y 1.280 Almas. La Media Torta también acogió los inicios de festivales como Jazz al Parque, Rap al Parque, Festival de Música Colombiana y el Festival niños y niñas al parque.La lista de artistas y celebraciones que se han llevado a cabo en este escenario es bastante amplia, por eso nos unimos a esta importante celebración. ¡Feliz cumpleaños 83 Media Torta!
Una de las instituciones de ballet folclórico más importante del país cumple 60 años. El Ballet de Colombia está listo para celebrar con los capitalinos este aniversario dedicado a su creadora Sonia Osorio.Un recorrido musical por las regiones del país, con un vestuario espectacular y los bailarines insignes de la compañía, llevarán al público a un viaje musical durante dos noches de celebración, el viernes 6 y el sábado 7 de agosto en el escenario del Teatro Jorge Eliécer Gaitán. El aforo presencial será limitado para las dos funciones, y el día 7, simultáneamente habrá transmisión vía Live Stream para todo el mundo a través de la plataforma, Tu Boleta Play.Son 60 años de recorrer los escenarios más importantes del mundo, con el legado de una de las gestoras culturales más importantes de nuestro país, la legendaria, Sonia Osorio, alma y nervio de la compañía por más de 50 años.Medio centenar de artistas en escena, entre bailarines y músicos en vivo le darán vida a un espectáculo con repertorios de gran exigencia escénica, con el fin de mostrar la riqueza cultural, la fuerza y la pasión de los colombianos.Haber logrado la mezcla perfecta entre la pureza del folclor y la sofisticación de las danzas modernas, le ha permitido al Ballet participar en los más importantes festivales de danza, y presentarse siempre triunfante en los más reconocidos escenarios a nivel mundial, obteniendo ovaciones, primeros premios y galardones.El Ballet Nacional un Legado de Sonia Osorio, ha bailado en los mejores teatros de París, Tokio, Berlín, Washington, New York, Chicago, Miami, Budapest, Moscú, Varsovia, Belgrado, Roma, México, Buenos Aires, São Paulo, Santiago de Chile, Lima, Quito, Santo Domingo, Puerto Rico, Panamá, Bruselas, Tel Aviv, Jordania, Egipto, Montecarlo, Hollywood, Madrid, Beijing, entre otros.El Ballet Nacional de Colombia, un legado de Sonia Osorio, hoy está bajo la dirección de Silvana Obregón Osorio hija de Sonia Osorio y de su nieto Martín Viera Obregón quienes continuarán con el concepto artístico, la escuela y el estilo que lo has hecho únicos en el mundo.
A pesar de que la pandemia paralizó al sector musical, sirvió como catapulta para muchos artistas que decidieron arriesgarse y enfrentar creativamente aquel panorama desolador de inicios del 2020. En Perú, dos experimentadas artistas sonoras le dieron vida a Silveria, un prometedor proyecto musical que ahora nos presenta Volver, su sencillo debut.Integrado por Noelia Cabrera (voz y líder de Kusama y Blue Velvet) en las voces y bajos y Natalia Vajda (guitarrista Mercury Toys y directora de Warmi Rock Camp) en las guitarras, la propuesta de Silveria mezcla elementos del new wave, postpunk, electrónica y rock alternativo con matices pop que invitan al baile.Volver plantea representar, a través de sus líricas, la partida del ser humano en el plano terrenal y su eterna presencia viviente en el recuerdo. Es una canción con cierta carga melancólica que nos invita a la reflexión, sobre todo en tiempos inciertos como los que vivimos. Así mismo, la canción cuenta con un fashion film en el que reforzaron el concepto artístico con flores intervenidas manualmente y maquillaje avant-garde, estos representan el lado femenino y elegante de Silveria a nivel visual.“Volver es el primer single de 3 sencillos que planeamos sacar en el 2021. Cada single contará con una sofisticada temática y propuesta audiovisual de editorial avant-garde distinta, planeando asimismo cada single con el acompañamiento de un video”, comenta la banda respecto al single.En cuanto a su sonoridad, la canción lleva un beat en onda new wave, con cajas de ritmos que por momentos nos invitan al techno. Las guitarras arman riffs y melodías envueltas en capas de delays, chorus y distorsiones junto a los sintetizadores. Todos estos sonidos arman las bases para las voces en distintas tonalidades que construyen armonías tejiendo las texturas sonoras y líricas que acompañan el manifiesto del viaje terrenal hacia el plano astral.
El afrofuturismo es, sin duda, una de las revoluciones sociales y estéticas más prominentes de los últimos tiempos. Una movida que plantea disolver los límites estilísticos para reivindicar lo afro. Para la muestra estas tres animaciones japonesas basadas en la estética afrofuturista. Por David Luján Shedda | @davidlujanshedaEn 2003 James Spooner dirigió la película documental AFROPUNK - "The Rock and Roll Nigger Experience", que exploraba las visiones y problemáticas de músicos y fanáticos de la escena punk norteamericana sobre la etnicidad, la clase y los asuntos raciales. Todos profesaban la identidad anárquica de la escena punk, en la que los afrodescendientes son minoría. Destaparon los roces entre los núcleos minoritarios dentro de las comunidades alternativas. Dos años después, Spooner y Matthew Morgan fundaron la plataforma Afropunk, reconocida mundialmente por su festival musical itinerante que amplió los márgenes de la escena del punk rock afro de Los Ángeles y Nueva York hacia diferentes ciudades del mundo, e incluyó otras músicas como el neo-soul y el hip hop, e incorporó en sus banderas la lucha contra la homofobia, la gordofobia y el racismo.Casos como el de Afropunk plantean lugares expresivos de libertad y reivindicación de las clases populares a través de una producción estética afro sin márgenes estilísticos concretos. Una apuesta que puede enmarcarse dentro del concepto de afrofuturismo, que se ha aplicado también al mundo audiovisual y que abarca un conjunto heterogéneo de reivindicaciones, identidades rebeldes y expresiones artísticas desprendidas de una tradición anclada al territorio. Para aprender más recomendamos leer | Afrofuturismo: la revolución cultural que se viene detrás de Pantera NegraComo campo estético, el afrofuturismo es un campo alternativo. Incluye diversas visiones artísticas no solo musicales o cinematográficas, sino también identidades sexuales, activismo social y posturas políticas paralelas al movimiento Black Lives Matter. Entre esos cruces artísticos, producto del afrofuturismo, aparecen estas tres animaciones japonesas que han sido protagonizadas y musicalizadas por personajes afro. Afro SamuraiAfro Samurai (2007-2009), originalmente un manga creado por Takashi Okazaki, es un proyecto que cuenta con dos entregas: una serie de una temporada con cinco capítulos y una película titulada Resurrección, que fue llevada al anime por estudio Gonzo.La serie está ambientada en un Japón futurista y postapocalíptico. Samuel Jackson hace la voz en el papel principal en una historia que conjuga las artes marciales con la historia del guerrero samurái Afro, quien busca vengarse del hombre que asesinó a sangre fría a su padre Rokutaru, uno de los mejores guerreros y quien poseía en su cabeza el cinto del guerrero número uno.La música, en sus dos entregas, es conducida por el veterano Rza, miembro de Wu Tang Clan. Tiene, de hecho, dos álbumes extensos acompañados de diferentes artistas invitados como Talib Kweli, GZA, Method Man, Kool G. Rap, Q-Tip, Big Daddy Kane y demás afiliados al Clan.Ambos discos recrean un estilo de cierto tipo de hip hop oriental bajo la mística del Wu y el kung-fu lírico que históricamente han profesado en sus canciones.Esta serie presenta el inicio de una vertiente en el anime que centra su argumento en recrear la vida de un personaje extranjero en una sociedad bélica. Aunque Rza afianza el estilo musical presentado previamente en Kill Bill, el giro hacia un personaje protagónico llamado enfáticamente Afro, crea un puente intercultural que provoca una ruptura con la tradición oriental del anime convencional.Por otra parte, es el hip hop el encargado de transmitir la fuerza necesaria para complementar el despliegue sanguinario de la serie.¿Dónde ver Afro Samurai? Actualmente no se encuentra disponible en ningún servicio de streaming, aunque han publicado algunos de los capítulos en YouTube. YasukeLa exitosa serie Yasuke (2021) es una apuesta japonés-estadounidense de Netflix. Fue creada por el multifacético LeSean Thomas, y cuenta con LaKeith Stanfield, quien da vida a la voz principal del proyecto.El anime se basa en la increíble historia real de un barquero que llegó a Kioto (Japón) en el siglo XVI y pasó a ser el primer guerrero samurái extranjero del cual se tenga noticia. Al lado del señor feudal Oda Nobunaga, Yasuke llegó a los campos de batalla dominando el japonés con fluidez, y llamando la atención por donde pasara. Así lo relata el escritor franco-marfileño Serge Bilé en su libro biográfico sobre Yasuke. La historia central de la serie relata la misión que emprende Yasuke por proteger a una niña con súper poderes. Animada por el estudio japonés MAPPA, la estética de la serie recrea personajes místicos envueltos en luchas a muerte en escenarios oníricos donde se despliegan intensas batallas y diálogos exuberantes. La ciencia ficción y esta historia fantástica se conjugan de manera inquietante en lo que parece ser una versión del Japón medieval en un universo paralelo.La banda sonora está a cargo del angelino Flying Lotus, un conocido vanguardista de la escena del hip hop, la electrónica y el jazz fusión, quien ahora es, sin duda, un referente sólido del mundo del anime.Mediante una estética cyberpunk decididamente afro, Flying retoma con delicadeza la producción artística sonora japonesa de finales de los ochenta y comienzos de los noventa.El tema principal de la serie, Black Gold, es presentado por el brillante Thundercat en la parte vocal y Lotus en la música, trayendo cierta nostalgia a partir de brasses o vientos electrónicos propios de sintetizadores modulados de manera retro, instrumentos musicales de percusión de madera y baterías minimalistas que evocan los clásicos del anime japonés.Flying impregna la banda sonora, además, con los hoy usuales ritmos de baterías 808 del trap. Incluye una colaboración, como es habitual en su discografía, con Denzel Curry en la canción African Samurai, una pieza minimalista desarrollada sobre una base drumless o sin batería, característica del hip hop moderno en su última versión, apoyada en coros onomatopéyicos que recuerdan el estilo clásico de los cantos responsoriales africanos.Blade Runner Black Out 2022Blade Runner Black Out 2022 (2017) es un corto de anime cyberpunk tech-noir dirigido por el respetado Shinichiro Watanabe inmortalizado por su trabajo en el anime de culto Cowboy Bebop. La entrega es una precuela de la película Blade Runner 2049 (2017) dirigida por Denis Villeneuve y forma parte de la clásica historia Blade Runner (1982) dirigida por Ridley Scott.Este corto es animado por Sola Digital Arts y llena el vacío que dejó el desarrollo de la historia futurista inicial, de ahí que su título retome la fecha del año 2022. Explica el apagón que tuvo lugar en la costa oeste de Estados Unidos en aquel año, cuando los humanos y los replicantes del modelo Nexus 8 continúan en un conflicto que incluye varios asesinatos por parte de la secta Supremacía Humana.En la trama los dos personajes centrales se confabulan para tumbar la energía de Los Ángeles, como parte de una acción del Movimiento Libertad Replicante, para bloquear el futuro accionar humano y borrar su memoria.La banda sonora del proyecto fue realizada, también, por un Flying Lotus con una visión musical del sci-fi impecable. El estilo musical mutante de Flying se torna introspectivo, logrando una asociación íntima con el despliegue filosófico de la obra. Pretende, quizá, presentar a los humanos como una especie asesina de todo aquello que no puede controlar a su antojo.A partir de sintetizadores y síntesis computacionales, el músico crea atmósferas futuristas. Aunque hay rasgos musicales similares en el catálogo sonoro de Flying, la banda sonora logra encapsular la ecuanimidad emocional de los replicantes, un rasgo característico de la historia.Los tres trabajos logran captar la experiencia de creadores afrodescendientes en el mundo del anime, centrando el foco en romper el canon musical y literario de la industria; en una expresividad rebelde y contestaría que concibe la cultura punk más allá de ser un estilo musical juvenil.
