Armados de las guitarras y sus voces; Elkin, Juan Pablo y Vicente arrancaron una nueva edición de los Premios Shock 2016. Vicente García es de Republica dominicana, Elkin Robinson de la isla de Providencia y Juan Pablo Vega de Bogotá y aunque vienen de lugares distintos, la música los unió (mucho antes de este show). El año pasado Juan Pablo viajó a Providencia y se encontró con Elkin, el mejor guía sonorode los ecos provenientes de ese lugar paradisiaco; el vínculo de Elkin y Vicente ya existía antes de conocerse pues por la sangre les corre el ADN caribeño. Mientras que Vicente y Juan Pablo son cómplices hace varios años. Vicente García fue el encargado de arrancar con Carmesí, el primer sencillo de A la mar, su última placa discográfica y unos de los discos más poderosos de este año. Juan Pablo Vega lo siguió con Cuando te tengo cerca, una canción que cierra el ciclo de Nada Personal y le da la bienvenida a su nueva nueva etapa musical que arranca en los próximos dís con el estrenon de un EP y Elkin Robinson cerró este momento con Change, una canción de la última producción que estará lanzando en el 2017. Armados de sus guitarras y sus voces, fueron los encargados de iniciar esta edición de los Premios Shock 2016 con todo el poder de la canción.
2016 ha sido uno de los años más trágicos para el mundo de la música. Nombres que no se borrarán de nuestras memorias, ni de nuestras listas de reproducción, perdieron la vida. Seguro que una de las partidas más trágicas fue la del hombre de las múltiples identidades: "El Duque blanco", Ziggy Stardust, Aladdin Sane, David Robert Jones. Sí, DAVID BOWIE. El genio nos dejó el 11 de enero a los 69 años de edad, luego de luchar contra el cáncer. Ahora, una de las caras nuevas y talentosas del pop local, Esteman, se tomó el escenario de los Premios Shock 2016 para rendirle un merecido tributo. Vean acá el tributo que le hizo la banda de Esteman a la leyenda.
Desde el pacifico para el mundo, Goyo, Tostao y Slow, remataron la fiesta más grande de la música con un mix de lo mejor de su último disco: El mismo Hace un año ChocQuibTown volvió a demostrar que la calentura del pacífico es cosa seria y de de tipo exportación. Con el lanzamiento de su placa, El Mismo, Goyo, Tostao y Slow reventaron la radio de nuevo y esta vez lo volvieron a hacer en la tarima de los Premios Shock 2016. Una presentación en la que soltaron lo mejor del repertorio de su último álbum. Hicieron un midley tremendo con el que se despidió una nueva celebración de la música que se nos viene encima. Desde el día en que te fuiste, Cuando te veo, Nuquí y Salsa y Choke fueron los temas que interpretaron, pero vean acá el show completo.
Es muy difícil no haber oído el “materialistaaaa, interesadaaaa” con el que Silvestre Dangond se anotó otro golazo en los listados de radio comercial, en las pistas de baile, en los reproductores personales, en absolutamente todas las fiestas. Por eso, era inevitable que Dangond no estuviera presente en la ceremonia más importante de la música nacional, marcando el regreso de un artista que hace varios años no estaba en la tarima de los #premiosshock. “Me siento en casa. Vuelvo con un nuevo formato y me gusta que le abran espacio a esta nueva propuesta que es un relevo generacional de sonidos. Una nueva conexión con otra generación. Materialista es un palazo, una canción que va a perdurar por muchos años como Me gusta, me gusta, Blanco y negro, La indiferencia o Dile. ¡Está bien hecha compadre! Lleva amor y pasión y eso es lo que queda.” Pero uno de los grandes hits del año no fue la única canción con la que Silvestre prendió y comenzó la fiesta de los #PremiosShock Silvestre Dangond aprovechó para complacer al público con algo de su nuevo sencillo, Ya no me duele más. Una canción sobre la que el rey del silvestrismo dijo “es una revolución desde que salió. Apenas suena su introducción despierta alegría, saca sonrisas, y la letra no solo es de amor sino de esperanza. Habla de que la gente se libere de represiones y tristezas.” Bienvenido una vez más Silvestre. ¡Shock siempre será tu casa! Foto: Andrés Alvarado.
Alejandro González presentó su carrera como solista el pasado domingo en los Premios Shock 2016 y lo hizo con su versión ranchera del éxito Le hace falta un beso. Acompañado de mariachis y vestido para la ocasión fue el encargado mostrar como en los Premios tienen cabida los diferentes géneros musicales que constituyen la identidad colombiana. El exBonka fue protagonista en el show que se realizó en Bogotá en el Chamorro Entertaiment City Hall con un tema del que tiene tres versiones: una con Siam, Mike Bahía y Pipe Bueno. Foto: David Schwarz.
Llegan nuestras tradicionales fotos en el set de ganadores de los Premios Shock 2016. Aquellas que muestran a nuestros artistas favoritos con la mejor producción del espectáculo. J Balvin, Manuel Medrano, Bomba Estéreo, Carlos Vives, La Pestilencia y muchos más en este paseo del triunfo. Fotos: Jorge Oviedo Mejor Nuevo artista: Sebastián Yatra Mejor Álbum independiente: Rumbo a tierra, de Systema Solar Icono Shock: J Balvin Homenaje Shock: La Pestilencia Mejor Artista o Agrupación Pop: Manuel Medrano // Mejor Álbum: Manuel Medrano, de Manuel Medrano Baila de Esteman Mejor videoclip (Bogoshorts) Mejor Agrupación Rock: Diamante Eléctrico Mon Laferte Nueva Artista o Agrupación Nueva Ola Latinoamérica Los PetitFellas Mejor Shock Presenta Artista o agrupación: Bomba Estéreo Mejor canción radio alternativa: Nuestra canción, de Monsieur Periné feat. Vicente García Nuestros presentadores: Carolina Guerra, Mario Ruiz, Juan Pablo Jaramillo Calle y Poche Mejor canción radio comercial: La bicicleta, de Carlos Vives feat. Shakira Las Freakester Sisters Morat Mejor Propuesta Alternativa: Burning Caravan, por Las historias de los hombres Esperanza Gómez Juan Pablo Vega, Vicente García y Elkin Robinson ChocQuibTown Y el presentador en la alfombra: Jiggy Drama Esperanza Gómez y Diego Sanz Alfredo de La Fé Boza Valles - T
En los Premios Shock pasó de todo este domingo y no solo en el backstage con Esperanza Gómez. También decidimos retar a Manuel Medrano a que intentara conquistar a la actriz María Gabriela de Faría. Pero el artista colombiano no la tuvo fácil, porque la protagonista de la serie Yo Soy Franky, de una le dijo que era una mujer comprometida. De todas maneras el músico no se dio por vencido y le dedicó sus dos mejores canciones.
El premio más importante de la noche se lo lleva una agrupación que, sin traicionarse, llevó su música a la cima del mundo. Por: Fabián Páez López @Davidchaka En 2002 Colombia vivía una de sus épocas más álgidas. Se rompieron los diálogos de paz entre el gobierno y las FARC, estrenamos una presidencia belicosa y en los campos se repartía más plomo que nunca. Con ese panorama de fondo, justo en ese mismo año, aparecía en la escena musical el compilado Colombeat, el primer aviso de la ola musical que se nos venía encima. Era una combinación de beats electrónicos con folclor colombiano. Hoy nos suena a algo conocido, pero en ese tiempo era un ritmo que debutaba en la escena. El primer track del Colombeat, Ritmika, lo firmaba AM 770, un proyecto del bogotano Simón Mejia. Fueron los primeros pinitos de una movida entera, de la búsqueda de autenticidad sonora por parte de quienes se habían dejado contagiar por el indiscutible ascenso de la música electrónica. Acá, como en el mundo, también se hacían canciones detrás de computadores o a punta de aparatos. Faltaba ese toque a la colombiana. Un toque que despertó un interés enorme en nuestras raíces: la cumbia, el porro, la champeta; el caribe, la selva, la playa, la Sierra Nevada de Santa Marta, el mar; los tambores, los picós, el carnaval, las verbenas y las noches de fiesta en Chapinero. Lo que pasó luego es bien conocido. Cuatro años después, inspirado en el formato soundsystem, Simón Mejía creó el proyecto Bomba Estéreo Vol. 1 (2006), un álbum hecho a muchas voces. En el segundo track de esa placa, Huepajé, apareció la voz de la samaria Liliana Saumet. Un “sonido caliente, listo pa’ la gente”: era cumbia alterada genéticamente con loops y samplers; era el inicio de lo que sería hoy Bomba Estéreo. Cuenta Felipe Álvarez, antiguo productor de Bomba desde la casa Polen Records, que después de Huepajé Li se emocionó y escribió de tajo cuatro canciones más. No exageramos si decimos que pocos oídos pueden decir que han estado exentos del resultado. Tres años después del Vol. 1, el álbum Estalla (2009) vio la luz y selló la alianza entre Simón y Li. Incluía 12 canciones que destilaban folclor caribe, hip hop, champeta, reggae y sabrosura. Fuego, el segundo título del disco, fue un tote que detonó instantáneamente en todas las pistas de baile. Para la industria local, fue una canción con otros significados más poderosos: era un grito de independencia, un llamado a la experimentación y un empujón a lo alternativo. El Estalla nació fuera de cualquier circulo comercial pero llegó hasta límites inesperados. Pasaron cinco años, un premio a Artista Shock, muchas giras y otro álbum (Elegancia Tropical, 2012) hasta que esa canción llegara a los oídos de un ícono del cine gringo en Hollywood, Will Smith. Sí, al mismísimo que conocimos como El príncipe del rap, como el salvador del mundo en múltiples ocasiones, o como el creador de los clásicos Gettin' Jiggy Wit It o Miami. Fue un hecho anecdótico, natural, Bomba ya era grande para nosotros. Pero esa canción hizo que Will Smith resucitara en el mundo de la música. Él le mostró al mundo, incluso a Colombia, que lo que estaban haciendo Li y Simón ya había estallado. Pronto estarían en el centro de todas las miradas de la industria de la música. La etiqueta del World Music era apetecida en los festivales y Will Smith escuchó de nuevo a Bomba Estéreo, justo cuando acababa de lanzar el disco que significó su salto hacía lo global: Amanecer. Con más madurez, le sumaron al folclor que corría por sus venas toques de global bass, incluso hasta de EDM. Li Saumet le bajó al rap y tomó un tono más melódico, más introspectivo y casi chamánico en algunos temas como Amanecer o Somos Dos. Se juntaron por primera vez con un productor que hablaba otra lengua, un tipo que había trabajado con unos tales Snoop Dogg y Jason Derulo. El disco venía presentado por el sencillo Fiesta, al cual se sumaría Will Smith para una versión en remix y para compartir escenario con ellos en los Latin Grammy. El Amanecer (2015) vino bajo el sello de Sony US Latin, lo que no significó que abandonaran el estilo que los había hecho famosos en el “under”, sino que cada movimiento sería más robusto, más ambicioso, más enfocado en tomarse el mundo. Muchos los criticaron argumentando que pasaban de un circuito alternativo/independiente a uno comercial. Lo que es y no es cierto, pues fue una banda que antes de firmar con una disquera grande, a punta de presentaciones potentes y ritmos imperdibles, ya sonaban como cualquier artista “mainstream”. A punta de autogestión lograron firmar un contrato con la autoridad y la autonomía de ser una banda consolidada. Fue un tránsito incendiario desde la tierra del sancocho hacia el epicentro de la música. Un tránsito que no estuvo exento de ser paradójico. El éxito de la banda se cristalizó, antes de ser un fenómeno local, en centenares de shows en vivo en cuanto festival había en el mundo. Van contando unas 400 presentaciones en más de 60 ciudades de 30 países como México, Dinamarca, Estados Unidos, Alemania, Suiza, España, China, Mozambique y Suazilandia. De regreso, el romanticismo de sus cantos rituales se expandió con una potencia tan fuerte que ahora su crecimiento ha dejado varias lecciones a la escena local. Llenaron cada evento al que asistieron. Lo que fue un proyecto celebrado hasta el límite en el exterior, pero a la vez con tantas resistencias en Colombia, está grabando su nombre bien hondo en la historia de la nueva música local y del mundo. Hoy repiten premio Simón, Li y su coequipero en las máquinas y la guitarra, Julián Salazar; también nombres que hay que recordar como Andrés Zea, Diego Cadavid, Enrique "Kike" Egurrola, Felipe Álvarez y la gente de M3Music. Hoy repite premio la escena alternativa y la innovación local. Hoy repite PREMIO SHOCK AL ARTISTA DEL AÑO BOMBA ESTÉREO.
Si te piden reggaetón, sin dudarlo, dales a J Balvin. Por primera vez en la historia de los #PremiosShock entregamos un galardón a un artista que ha trascendido los límites de su género, que ha llevado las fronteras de la música colombiana a otro lugar y que se ha convertido en un icono global. Con ustedes, nuestro Icono Shock, J Balvin. Por: Johana Arroyave // @JohanaArroyave No se puede hablar de reggaetón sin hablar de J Balvin. No es patrioterismo barato. No es que queramos agrandar las cosas porque sí. Es que J Balvin logró que de nuevo en el mundo se hablara español. Logró que el sello “made in Medallo” se metiera en los listados musicales más importantes de la industria. En este último lapso, J Balvin desbordó la etiqueta reggaetón e invadió terrenos del pop. Del mainstream global. No fue hace mucho, tan solo seis años, que lo conocimos gracias a Ella me cautivó, Hola qué tal o No me vuelvo a enamorar: canciones de sonidos pegajosos que en pocos meses se convirtieron en himnos de culto del naciente, efervescente y prolífico reggaetón paisa. Luego lo vimos pasar en moto promocionando una marca creando más que un eslogan, una filosofía de vida, con el “es el negocio, socio”. Ni siquiera nos dio tiempo para respirar cuando ya lo vimos saltar el charco y pasar a Estados Unidos, dar giras por Europa, agotar boletería y parchar con Justin Bieber, Diplo, Pharrell Williams o Nicky Jam. El Grammy Latino por mejor canción urbana, llegó para confirmar que su carrera aún no había llegado a su clímax. Que aún había más camino por andas. En la ceremonia de los Grammy del pasado 2015 se presentó al lado de Diplo y cantó junto a Major Lazer. Ginza fue la muestra de que el sonido de Balvin ya no era el mismo, que el género urbano se estaba trasformando y mezclando con lo mejor del pop, lo más vendido y lo más escuchado en el mundo. Y J Balvin estaba ahí, como pionero de lo que sería el cambio del género, inspirando a los clásicos como Zion & Lenox, Yandel y hasta el mismo Nicky Jam. El 2016 ha sido vertiginoso en la carrera de Balvin. Empezó el año junto a Justin Bieber participando en el remix de la adictiva Sorry, pero no le bastó con eso. En enero del mismo año se montó a la tarima del artista e hizo que sus miles de fans escucharan música a la colombiana. Y el roce internacional le quedó gustando pues sorprendió al mundo, a la prensa especializada, a los que solo lo tenían como “un reggaetonero”, cuando se supo que su nuevo disco contaba con colaboraciones de Pharrell Williams al ritmo de Safari, de Juanes, de Yandel y de Fuergo. Muchos creían que su fama era pasajera, que el boom iba a pasar rápido, que nadie le iba a parar bolas porque no había nacido en Puerto Rico, pero le dio una bofetada en la cara a quienes no creyeron en su poder. Si algo nos ha enseñado J Balvin y nos lo ha dejado claro todos los días, es que se puede soñar en grande; que va a seguir haciendo historia y reinventado el género urbano todos los días; y que se pueden romper las fronteras musicales. Por eso, sin dudarlo, J Balvin es nuestro Icono Shock.
Nuestros homenaje para la banda sonora de una generación militante y que, aún hoy, tiene incierto el futuro del país. Los #PremiosShock son el punto de encuentro más grande e importante de la escena musical nacional; el lugar donde se encuentran lo comercial con lo alternativo, lo folclórico con lo de avanzada. También es el lugar para reconocer el peso que grandes bandas han tenido sobre la música que hoy oímos. Este año nuestro Homenaje Shock es para una banda que cumple 30 años haciendo resistencia pacífica desde el metal y el punk. Nuestros respetos para La Pestilencia. Por: Nadia Orozco // @cornfake Dilson ya lo había decidido. Había pasado muchas noches escuchando La Nave Rocosa, un programa de radio que se transmitía a través de la emisora bogotana Fantástica comandado por Héctor Buitrago. Era el momento de ir y mostrarle al dj, al futuro aterciopelado, los tesoros sonoros que Dilson había traído desde Medellín, su ciudad natal, la misma que ya le llevaba bastante distancia en términos de punk a la capital. Por supuesto Dilson, un niño de 16 años apasionado por el punk y lleno de historias, no pasó desapercibido para Héctor. Eso no se veía todos los días. Ese encuentro entre dos melómanos, entre dos militantes del punk, entre dos inconformes con las porquerías de la sociedad, fue el comienzo de La Pestilencia. El barrio Restrepo en Bogotá fue el epicentro de ensayos. La entrada al primer concierto en la Avenida Boyacá, frente a la antigua sede de Bavaria, costaba 1.500 pesos. Y aunque era una banda bogotana fue en Medellín donde se grabaron los álbumes más importantes. Esa formación inicial, con Héctor Buitrago en la guitarra y Jorge Enrique León, se disolvió a finales de los ochenta. Dilson no permitió que La Pestilencia se acabara y asumió las riendas de la agrupación junto a nuevos cómplices: Juan Gómez en el bajo, Carlos “Gambe” Escobar en la guitarra y Marcelo Gómez en la batería. Los dos primeros también se tuvieron que ir. Marcelo, aún hace parte de esta institución del rock. Poco a poco los álbumes de La Pestilencia se convirtieron en gritos de protesta, en una manera de negarse a la Colombia de los carros bomba, de los sicarios, del narcotráfico y el desplazamiento. También era un ataque contra una clase política corrupta y guerrerista. El futuro no era claro para una generación joven y angustiada, pero las letras de “la Peste” ayudaron a exorcizar esos demonios políticos y sociales que mancharon buena parte de la historia tricolor. Durante tres décadas llevaron el rock nacional a otros niveles. Tocaron en la segunda edición de Rock al Parque, en 1996, y a pesar de que tenían miedo porque nadie los conocía, fueron elegidos para repetir concierto al día siguiente debido al furor que causaron. Desde entonces se han convertido en una agrupación insigne del festival. Coronaron en MTV, el canal más visto por los jóvenes en sus buenas épocas, el video de Soñar despierto. Con Productos desaparecidos (2005) llegaron a los Grammy Anglo, un lugar que para ese entonces parecía inalcanzable para una agrupación de rock colombiano. En el 2006 viajaron a Estados Unidos, a pesar de haber cantado con ira contra el gobierno americano pero con la convicción de que allá estaba el trampolín que los llevara a ser oídos por nuevos públicos, y se convirtió en el país que hoy llaman hogar. Así comenzó una nueva era de La Pestilencia en la que Dilson, Marcelo Gómez, Carlos Alberto Marín (quien ya había entrado al grupo años antes), y la recién ingresada Isabel Valencia son los miembros de este nuevo capítulo. ¿Cómo sobrevive una agrupación musical, colombiana, de punk, de denuncia, que se convierte en la piedra en el zapato del establecimiento, durante 30 años? La Pestilencia creó con sus canciones una memoria sonora que cuenta la historia de un país y que nos recuerda que luego de siete presidentes, una constituyente, una desmovilización paramilitar, tres procesos de paz, el auge y caída de dos carteles y del capo del narcotráfico más grande del mundo, no ha cambiado mucho. La Pestilencia es la voz de la conciencia colectiva de una generación que sufre por su país e incluso hoy, más que nunca, sigue sin aclarar los días venideros. Haga el ejercicio, escuche Productos Desaparecidos, Amarillista y Las Nuevas Aventuras y cuéntenos si no siente escalofríos. Mientras tanto nosotros celebramos los 30 años de una de las agrupaciones de rock más importantes de nuestro país y con orgullo les damos el Homenaje Shock.
No hay duda de que Baby Reindeer o Bebé Reno es una de las mejores miniseries de Netflix en los últimos años. Richard Gadd, un comediante escocés, creó, escribió y protagonizó la serie basándose en dos experiencias de abuso y acoso que vivió en sus veinte. Es una historia emocionalmente desgarradora e importante porque retrata fielmente lo que muchas personas pueden sentir cuando atraviesan este tipo de situaciones. No he leído ni una sola crítica negativa de la serie (más que un comentario en TikTok que dice que está "sobrevalorada") y por el contrario, sé que tiene un 7,9 y un 98% en IMDb y en Rotten Tomatoes, respectivamente. ¿Por qué Baby Reindeer es un caso particular? Baby Reindeer es un caso particular porque, a pesar de que se estrenó a principios de abril, sigue siendo noticia y tendencia. Esto debido a que las personas en internet se dedicaron a buscar las identidades reales de las personajes que salen en la serie, como Martha, Darrien e incluso Teri. Asimismo, un medio de comunicación llegó a entrevistar a la real acosadora de Richard Gadd en televisión. Posiblemente, las ganas de descubrir quiénes son realmente estos personajes tienen mucho que ver con el morbo que causó la serie. Sin embargo, las cosas se estaban poniendo intensas y Richard Gadd tuvo que intervenir pidiendo que dejaran de suponer quiénes eran esas personas. Acá les cuento lo que ha causado este "fenómeno". ¿Quién es Darrien en la vida real? Poco tiempo después de que se estrenó la serie, TikTok se llenó con videos en los que explicaban por qué Sean Foley, escritor, director y comediante británico, era el verdadero Darren. Argumentaban que tanto el actor, Tom Goodman-Hill, y el comediante Sean Foley se parecían mucho y los hechos en la serie cuadraban en sus suposiciones. Debido a las acusaciones, Sean Foley no tardó en manifestarse en su cuenta personal de X (antes Twitter). "La policía ha sido informada y están investigando todos los post difamatorios, abusivos y amenazantes hacia mí", escribió. Por su lado, Richard Gadd publicó una historia en su Instagram defendiendo a Foley. A pesar de esto, muchas personas siguen pensando que Sean Foley es el verdadero Darren. “Estoy convencido de que fue Sean Foley, hay muchos rumores desagradables sobre él en escena”. ¿Quién es Martha en la vida real?Posiblemente antes de que la misma Fiona Harvey se manifestara sobre la serie, TikTok y X ya estaban anunciando que ella era Martha en la vida real. Incluso, el Daily Mail escribió y publicó la identidad de este personaje. Además de publicar sus fotos, encontraron su cuenta personal de Facebook en donde empezó a comentar la serie. En efecto, la mujer sí tiene muchas similitudes con el personaje de la serie: no solo por su aspecto, sino la forma en la que escribe. Así como en la serie, Fiona Harvey es una abogada de 58 años. Harvey aseguró que sí conocía a Richard Gadd y sí habían compartido un poco de tiempo juntos pero que "su historia es una burda intromisión en mi intimidad. No le he visto en 12 años". Además, aseguró que lo iba a denunciar por difamación. “Llamaré a la Policía si alguna vez te acercas a mí. Te voy a demandar a vos, a ese diario y a la tonta que escribió el artículo con vos. Espero que eso te quede claro, incluso para un imbécil como vos. Exigiré que el diario te despida. No me gustas ni nunca me gustaste”.Después de sus declaraciones, Fiona Harvey fue entrevistada por Piers Morgan, el editor, periodista y presentador de televisión británico. Durante el programa, Harvey aseguró que lo que Gadd contaba en la serie de Netflix era una mentira. ¿Quién era Teri en la vida real?Según las búsquedas de las personas en Internet y sus suposiciones, Teri, quien interpreta a la novia trans de Donny, es en realidad Anna de Simone. Esto debido a su parecido físico y porque ambas comparten la misma profesión, psicología. Quienes aseguran que esta es la verdadera identidad de Teri incluso compararon contextos y ubicaciones de la vida del personaje con Anna de Simone para demostrar que sí es cierto. ***Si les gustó la serie, les recomendamos ver: Baby Reindeer: análisis psicológico del 4cos0 en la serie con María Elisa Dávila #35mm | Shock
Después de que Yorgos Lanthimos lograra un fenómeno con Poor Things, una película aclamada por los críticos y muy premiada en los Oscar 2024, llega su nueva producción Kinds of Kidness. El largometraje tuvo la premier mundial en el Festival de Cannes. Emma Stone y Willem Dafoe, protagonistas de Poor Things, también hacen parte del elenco de esta nueva película del director griego. Asimismo, actores como Joe Alwyn (La favorita), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Hunter Schafer (Euphoria) y Jesse Plemons (Amor y Muerte), entre otros, componen esta historia contemporánea. Yorgos Lanthimos trabajó con el guionista Tony McNamara en Poor Things y La favorita, pero para Kind of Kidness dirigió el guión de Efthimis Filippou, conocido por escribir Lobster y El sacrificio de un ciervo sagrado. Teaser oficial de 'Kinds of Kidness'¿De qué trata 'Kinds of Kidness'?Aunque no se ha publicado el trailer oficial de la película, Yorgos Lanthimos afirmó que: “Es una película contemporánea, ambientada en Estados Unidos: tres historias diferentes, con cuatro o cinco actores que interpretan un papel en cada historia, por lo que todos interpretan tres papeles diferentes. En realidad, fue casi como hacer tres películas”.Después de su estreno en el Festival de Cannes, se ha calificado como una historia de "canibalismo, cultos sexuales y libertinaje". Además, la desnudez es una parte clave de la trama. Las primeras críticas de 'Kinds of Kidness'A pesar de que en el Festival de Cannes la película tuvo una ovación de cuatro minutos, varios medios ya han publicado críticas en las que se demuestran su decepción frente al largometraje. El periodista especializado en cine, Javier Zurro, escribió una reseña en elDiario.es donde afirma que Kinds of Kindness es un elogio a la crueldad. "No lo es [una comedia graciosa] porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad". Por otro lado, Nicholas Barber escribe en la BBC: "Por más oscura que siempre haya sido la comedia de Lanthimos, hay momentos en que la crueldad se vuelve casi insoportable". Además, afirma: "Ciertamente, aquellos de nosotros que argumentamos que el sexo y la desnudez en Poor Things eran importantes para la historia de liberación y confianza en sí misma de Bella puede resultarnos más difícil defender Kinds of Kindness". Sin embargo, y dejando de lado estas críticas negativas, las primeras votaciones en Rotten Tomatoes le han dado a la película una puntuación del 95%. Tendremos que esperar a que la película se estrene, el 21 de julio del 2024, para tomar una decisión sobre lo que pensamos sobre Kinds of Kindness, la nueva película del director griego. ***Si les gustó Poor Things, les recomendamos leer: Poor Things: el fastidio que nos genera la libertad - Análisis y significado de la película
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.