Aquí estamos, como de costumbre, con nuevos temitas, pero queremos recordarles que tenemos un especial completo con reseñas de discos colombianos (albumes de estudio y EP) para que conozcan y se empapen de la diversidad musical del país. También pueden echarle un ojo a los mejores temas y álbumes nacionales del 2019 en este especial. Champetízate - Kevin Florez, The Busy Twist ¿Quién está detrás? El cantante Kevin Flórez viene esta vez con invitados de África e Inglaterra, con el sello Palenque Records y Farra Rap Records. Champetizate es el nuevo tema de la estrella de la champeta, esta vez en combinación con el productor inglés THE BUSY TWIST, que viaja por todas las latitudes buscando colaboradores para crear la música de inspiración africana más caliente e innovadora de los últimos años. Recomendado | Shakira vs. J Balvin: la batalla de sus bailarines oficiales ¿A qué suena? Este tema es champeta para el mundo, fusionada con el ritmo Afrobeatz de Nigeria, que actualmente está siendo explorado por diferentes músicos a nivel global. ¿Sobre el video qué? El clip fue rodado en Cartagena y es una obra visual perfecta para mostrarle al universo cómo se baila este género en la costa caribe de Colombia. Tiene la participación de Liz Danny, la bailarina que hizo la coreografía de champeta en el show de Shakira en el SuperBowl. ¿Cuándo escucharla? Ojalá se pueda escuchar a todo volumen cerca al mar, pero también es perfecta si quiere aprender a bailar champeta con todos los poderes. Los verdaderos reyes de la champeta hablan de su revolución - Shock #LaMúsicaNosUne
El barrio La María en Cartagena es el lugar en el que ocurre el corto Zombie N Champe, en el que muertos vivientes invaden las calles de La Heroica. Sus protagonistas, Lilibeth, Álvaro y Jonky, además de enfrentar la falta de oportunidades, ahora deberán encontrar la manera de sobrevivir a los zombis. "Este proyecto usa como hilo conductor la figura del zombi como metáfora de estigmatización y rechazo social, Un personaje que debe ser excluido porque el contacto con él supone un riesgo, de la misma manera como se ha querido catalogar desde algunas clases sociales a las comunidades que conforman los barrios que circundan la ciénaga de la virgen, el cual ha sido llamando el cinturón de pobreza. Son comunidades excluidas porque representan para algunas clases sociales una amenaza, constituyen un miedo injustificado a un modo de vida contrario, un temor a un grupo humano con características de vida distintas, generando además el temor que al tener contacto con sus costumbres, exista una especie de infección social o exista el peligro de ser dañado", dicen los creadores de este corto. Como actor invitado está uno de los pioneros de la champeta, el músico Elio Boom, quien interpretó al champetero Aroldo Mondol y mostró algunas de sus canciones más conocidas, como La turbina. "La turbina nace de una película que yo me estaba viendo por TV en la que 2 manes estaban robando y se iban a escapar en una avioneta. Cuando llegaron a la avioneta querían escapar y uno le decía al otro que lo hundiera, porque la hélice no daba vueltas. Uno de ellos tuvo que guindarse de la hélice y prendió. Eso lo combiné con una palabra africana “Ubalauca”, significa algo dulce, algo suave, y me gustó. Luego le metí una frase de un amigo, que era “húndelo todo”, de una vez me mandé por la vaina erótica. Es una canción que en realidad es “plebe” pero tiene un sentido significativo. Es una melodía bonita, una vaina bacana, le ha dado la vuelta al mundo”, cuenta Elio. Elio Boom: pionero de la champeta y rey del vacile
Indus son Oscar Alford y Andrés Mercado (Aka Doc Keyta), este par de músicos lleva varios años en la industria, y han participado en muchos proyectos. Oscar ha trabajado para artistas como, Richard Blair (Sidestepper), Pedrina y Rio, John Montoya (ZZ Records), Cielito Drive y Ghetto Kumbe entre otros. Andrés es un artista investigador especializado en música, actualmente es el percusionista de Ghetto Khumbe y además es un reconocido DJ de música africana y productor de la fiesta Afrodelicia. Atropico, es el primer sencillo de su EP homónimo, un proyecto que lograron grabar con el estímulo que recibieron como ganadores del Portafolio Distrital de Estímulos de la secretaria de cultura de Barranquilla, en el área de nuevas sonoridades. Ellos definen este sencillo en términos generales como afro- futurismo, una mezcla entre techno, afrobeat y champeta, voces robóticas combinadas con ritmos afro invitan a pensar en la diáspora afrocaribeña del futuro. Llevan la costa corriendo por la sangre, pero están radicados en Bogotá. Este proyecto de siete canciones, irá develando poco a poco el resto de los sencillos, donde también tienen colaboraciones con el gaitero León Pardo y la cantante María Mónica Gutiérrez de Montañera. El video estuvo a cargo del colectivo interdisciplinar ISLA, quienes mediante la técnica de collage y utilizando imágenes de archivo de obras audiovisuales emblemáticas de la costa caribe como "la opera del mondongo" de Luis Ernesto Arocha, crean una atmósfera en donde los símbolos y tradiciones culturales son reinterpretados y nos sumergen en este viaje festivo y onírico.
“Usa tu tapabocas, lávate bien las manos, esto no es cuento chino, óigalo usted mi hermano”. Ese es el pegajoso fragmento de la champeta del coronavirus, que llegó a YouTube el pasado 9 de marzo y en un día alcanzó más de 4300 vistas. Su creador es el productor y compositor José Quessep, quien ya es conocido por sus champetas con mucho humor. La fuga de Merlano fue otro de sus éxitos: Aunque la champeta del coronavirus tiene un toque de humor, José aclara que más allá del chiste quería crear conciencia sobre la importancia de la prevención. “No es una parodia, la idea principal es que tenemos que tener hábitos saludables. No debemos confundir la dosis de picardía que lleva la canción”, nos cuenta. “Cuídate del coronavirus, cuídate que también te puede dar” es una de las frases más repetidas del sencillo. “El mensaje es: si todos aplicamos un autocuidado en algo tan aparentemente inofensivo como un simple resfriado, nos ponemos el tapabocas, y nos lavamos las manos de manera regular, ¿A cuántas personas les evitamos que se contagien?”. Foto: Cortesía José Quessep. José cuenta que los niños son quienes mejor han recibido la canción y ha recibido varios videos con ellos cantándola y bailándola. “En principio, la idea era mandar un mensaje musical de prevención sobre una epidemia de dimensiones universales. Pero, el impacto ha sido mayor en la medida en que permite sensibilizar a todos sobre la necesidad de tomar precauciones y que mejor hacerlo con el ritmo de moda: la champeta”. El humor ha sido clave para la champeta y prueba de ello son todas las canciones en este género inspiradas en personajes de anime, que sin duda contribuyeron a su popularidad de este estilo en Cartagena, Colombia, y claro, el mundo. “La champeta se ha posicionado y ello se percibe en la versatilidad y profesionalismo de las nuevas generaciones. Además, en Cartagena y en la Costa Caribe es una música que nos identifica y que nos vincula a nuestras raíces. Se ha mantenido por la constancia y perseverancia de las barriadas de Cartagena con lo la música africana y su fusión con lo nuestro”, opina José. Las recomendaciones de la champeta del coronavirus coinciden con la de la OMS: lavarse rigurosamente las manos y usar tapabocas en caso de presentar síntomas de gripa. ¿Será que con champeta aprenderemos?
A Lyz Dany Campo Díaz el baile le cambió la vida, lleva 15 de sus 18 años bailando. El baile lo lleva en su ADN, su abuelo y su mamá eran bailarines de champeta. “Desde muy pequeña mi abuelo me enseñó a bailar champeta al igual que mi mamá. Es un ritmo que demuestra alegría, y la trasmite a las personas en cualquier lugar”. Un día ella decidió subir videos bailando champeta a Instagram, la aceptación fue total y sus publicaciones se hicieron virales rápidamente. Todo este ruido llegó a Shakira a través de su coreógrafa. Fue contactada vía WhatsApp, pero nadie le dijo que era para trabajar con la barranquillera. Dany Luz, la madre de la bailarina, fue la primera en enterarse que era para Shakira, algo que las tomó por sorpresa. Foto: Jacier Quintana // @jquintanar8 El mundo la vio por primera vez junto a Shakira el 22 de noviembre del 2019, cuando la cantante publicó un video ensayando con Lyz Dany. “No podía creer que iba a ser profesora de Shakira, de champeta, mapalé, y salsa”. Estos tres ritmos latinos serían los protagonistas del show de la edición 54 del Super Bowl. El primer día de ensayo Lyz decidió mostrarle la canción Icha - El Sebastian- uno de los himnos de la champeta. “A Shakira le encantó la coreografía, la música. Es perfeccionista, disciplinada y muy profesional”. Lyz Dany estaba muy contenta por conocer a Shakira y sobre todo por aprender de esta experiencia. Un mes antes del Super Bowl ensayaron nueve horas diarias, para presentar el impresionante show de siete minutos que fue éxito rotundo e hizo historia en el evento. Es consciente de la oportunidad que le dio Shakira para el comienzo de su carrera profesional en la danza, y quiere llegar a ser una de las grandes coreógrafas y bailarinas del país y compartir escenario con los artistas más reconocidos. Sueña con llevar la champeta a todas las regiones del país y fuera de Colombia, dándola a conocer y enseñando a bailarla. “Todos los días ensayo y practico cuatro horas diarias, en los ratos libres veo muchos videos, aprendo de eso y me lleno de muchas ideas. De ahí sale toda la inspiración para la coreografía”. Admira al grupo Royal Family a Parris, que es una coreógrafa muy reconocida en el mundo. La edición 54 del Super Bowl será recordada no solo por el insólito número de reproducciones en YouTube, sino por tener la participación colombiana más grande hasta el momento. Shakira, J Balvin y Swing Latino pusieron la bandera tricolor en alto. Shakira vs. J Balvin: la batalla de sus bailarines oficiales
Reunimos a las mentes detrás del sabor en los shows más ambiciosos de los colombianos Shakira y J Balvin: los bailarines encargados de las coreografías de la edición 54 del Super Bowl (con Shakira y J Lo) y del Arco Iris Tour (de J Balvin). De un lado: Liz Dany Campo Díaz, de 18 años. Desde hace 15 años se dedica al baile. La champeta la lleva en el ADN. Su abuelo y su mamá eran bailarines de champeta. El mundo entero la conoció cuando el equipo de Shakira vio uno de sus videos de baile, que se hicieron virales en Instagram. Les gustó tanto que la barranquillera la invitó a Barcelona para trabajar en sus coreografías. Liz Dany terminó siendo una de las bailarinas protagonistas de la edición 54 del Super Bowl, que será recordada, entre otras cosas, por tener la mayor cuota colombiana: Shakira, J Balvin, Swing Latino, pusieron la bandera tricolor en alto. Del otro: ABC Dancers, la compañía de bailarines de Cartagena, Colombia, liderada por Yoel Matute Palomino “Definido”, hoy coreógrafo oficial de los shows que J Balvin lleva por el mundo entero. Comenzaron trabajando con Farina y en uno de los shows patrocinados por emisoras locales que hacían junto a ella, conocieron a J Balvin, con quien ya llevan trabajando 10 años.
En momentos en los que la champeta alcanza éxito internacional, uno de sus pioneros, Elio Boom, es el retrato del arduo trabajo de un género por borrar estereotipos y posicionarse como uno de los favoritos del país. Por Paula Ricciulli // @ricciup * Cuando era niño, Elio Boom le lustró los zapatos a uno de sus ídolos: el cantante vallenato Diomedes Díaz. “Yo era pequeñito, eso fue en las playas de Turbo, Antioquia, Diomedes estaba ‘pegao’”, cuenta Elio. "Eran unos zapatos marrones. La lustrada valía unos 100 pesos, y Diomedes me dio como 500. Le dije 'gracias, usted canta bien'. Yo estaba feliz”. Años después, Diomedes y Elio volverían a encontrarse, pero esta vez no para limpiar zapatos, sino para cantar juntos en el escenario, a comienzos de los 2000. Ya para entonces Elio estaba consolidado como uno de los pioneros y grandes exponentes de la champeta, un género musical que hoy es un símbolo cultural de Cartagena y el Caribe colombiano. Tiene por lo menos unas 4 décadas y reúne elementos de la música africana, caribeña y colombiana. Uno de sus elementos más polémicos es la forma de bailar, muy evocativa a movimientos sexuales. En palabras de Elio “hay parejas que salen de bailar y es a culear”. Durante mucho tiempo, la champeta fue estigmatizada por las clases medias y altas de Cartagena pues despreciaban a quienes la escuchaban. Como sucedió (y pasa aún con muchos géneros musicales), la acusaban de burda o soez. La palabra “champetúo” ha sido usada despectivamente para referirse a los habitantes más pobres de La Heroica. “La champeta es algo tan rico, tan dulce, tan elegante, que la melodía se te mete por los poros. Hasta al que no le gusta lo pone a mover los pies. Es pura sabrosura”, dice Elio. Pero por más pegajosa que fuera la champeta, no todo el mundo estaba listo para ella. “No querían la champeta en las discotecas, ni a los negros”, según cuenta Elio a quien, antes de ganar reconocimiento, le negaron la entrada a una de las discotecas más importantes de Cartagena. Según Elio, aún existen muchas personas con prejuicios negativos alrededor de la champeta. “Hay quienes quieren que la gente afro siga pobre, no tenga educación superior. Si los negros logramos sobresalir es por nuestro talento: si el negro no es boxeador es futbolista y si no es futbolista es cantante. Nuestra gente ha sufrido mucho y la champeta ha sido una herramienta de resistencia fuerte”. Hoy “todo el mundo es champetúo en Cartagena y en Colombia”, según cuenta el productor Yamiro Marín, que ha trabajado con varios artistas de champeta, incluido Elio. La realidad le la razón: champeteros como Mr. Black han posicionado canciones muy exitosas como El serrucho, Apretaíto al picó o Bandida. Por su parte, Kevin Florez ha logrado colaborar con artistas internacionales, como Nicky Jam o Ñejo. En 2019 Las Sailor Moon, una nueva versión de una champeta de los 90, superó los 20 millones de visitas en YouTube. La champeta también sorprendió en el show de medio tiempo del Super Bowl, gracias a Shakira. Pero sin Elio, Las Sailor Moon no hubiera existido. Él fue el primero al que se le ocurrió hacer canciones de champeta inspiradas en series de animé japonesas. Los caballeros del zodiaco es uno de sus mayores éxitos. “A mí se me ocurrió hacer una canción así porque yo llegué a la casa y estaban mis sobrinos viendo Los caballeros de zodiaco. Entonces yo iba a poner el noticiero, que empezaba a las 6:30 p.m. aquí en Cartagena, y los niños se pusieron rabiosos porque yo les quité el programa. En ese tiempo la serie les gustaba a niños y también a adultos. Por eso fue que pegó, con “dame tu fuerza, Pegaso”, la gente se enloquecía". Champeta y series animadas: así nació una unión insospechada Elio no nació en La Heroica, sino en Turbo, pero como dice Manuel Reyes, de la Corporación Champeta Criolla, “él no nació aquí, pero Cartagena ya lo convirtió a la champeta”. Además del vallenato (su papá era cantante vallenato aunque, según Elio, “nunca pegó”) creció escuchando sonidos africanos y jamaicanos, y a Michael Jackson. También le gustaba la música panameña: su nombre está inspirado en el cantante Nando Boom. “Cuando empecé me decían que tenía la voz igualita a él y yo decía, en broma, que era mi primo”. Así fue como pasó de ser Francisco Elio Corrales Cuestas a Elio Boom. Habla duro, y camina con la confianza de alguien que sabe que su presencia llama la atención. Cuando va por la calle, mucha gente se detiene a mirarlo: algunos porque lo reconocen y a otros porque les llama la atención su alegría y espontaneidad. Le encanta soltar canciones a capella en medio de la conversación. Es la personificación del vacile: sonriente, auténtico y dicharachero. Como cantante de reggae se dio a conocer en la radio de su municipio a finales de los 80, época en la que se recrudecieron los enfrentamientos entre guerrilla y paramilitares. “En ese tiempo no podías tener el pelo en rastas: o te lo cortabas o te mataban”. Pero su pelo era fundamental para su imagen. De Turbo emigró a Cartagena, donde vendió dulces, cargó bultos y cantó en los buses. Su estilo era más ragga, pero a Yamiro le pareció que tenía flow para la champeta, así que le sugirió que incursionara en este género. A su primera canción le puso, muy apropiadamente, El arranque y así comenzó en en 1994. Meses después creó uno de sus mayores hits: La turbina, que se mantiene como una de las canciones más importantes de la champeta. “La turbina nace de una película que yo me estaba viendo por TV en la que 2 manes estaban robando y se iban a escapar en una avioneta. Cuando llegaron a la avioneta querían escapar y uno le decía al otro que lo hundiera, porque la hélice no daba vueltas. Uno de ellos tuvo que guindarse de la hélice y prendió. Eso lo combiné con una palabra africana “Ubalauca”, significa algo dulce, algo suave, y me gustó. Luego le metí una frase de un amigo, que era “húndelo todo”, de una vez me mandé por la vaina erótica. Es una canción que en realidad es “plebe” pero tiene un sentido significativo. Es una melodía bonita, una vaina bacana, le ha dado la vuelta al mundo”. Elio ha grabado hasta ahora 8 álbumes y algunos sencillos, y sigue trabajando en nueva música. Es de los que no se vara, y combina su música con diferentes negocios. Alguna vez tuvo una discoteca en Bogotá, un restaurante en Cartagena, y hoy vende discos africanos que consiguió en un reciente viaje a Europa. Actuó en El inútil, una popular telenovela de comienzos de los 2000 y su música sonó también en algunos capítulos. Recientemente participó en un cortometraje en el que, en una invasión zombi, los muertos vivientes se alejan de sus víctimas gracias a las canciones de Elio. Cuando los sobrevivientes le dicen “Elio, nos salvaste”, él responde: “No fui yo, fue la champeta”. Si bien la mayoría de artistas de champeta está de acuerdo en que quiere que el género salga adelante, cuando se habla de quién es el “el rey de la champeta”, la opinión no es propiamente unánime. Elio se considera el rey del género, así como Charles King, otro de los pioneros de este estilo, quien junto a Viviano Torres y Louis Towers creó un proyecto llamado Los reyes de la champeta, con el que han girado por varias ciudades del país. Los verdaderos reyes de la champeta hablan de su revolución King reconoce que siempre va a haber rivalidad en la música. “Todo el que sale dice que es el número uno, y eventualmente llega un momento de madurez en el que reconoce que todos tenemos el mismo valor”. Sin embargo, se ríe mientras dice bromeando “mi reinato viene desde la cuna. Ahora todos dicen que son el rey, pero mientras Charles King esté, no hay ningún otro rey. Para ser rey hay que demostrarlo, hay que manejar lo que tiene que ver con la humildad y trascender enseñando. Esto no pasa con otros artistas, que creen que son reyes, solo por su desempeño en competencias musicales, pero no son reyes en conocimiento o que la gente los acepte por eso”. Mientras los artistas se pelean por el título, la champeta sigue creciendo. Con corona o sin corona, Elio siempre será pionero en un género que no la tuvo fácil, pero que a punta de talento demostró su fuerza y hoy el mundo reconoce su valor. *Texto realizado en el marco de la Beca de periodismo cultural de la Fundación Gabo.
¿Una champeta sobre Sailor Moon? La idea sorprendió a muchos que vieron el video de Yuranis León, esposa del también cantante de champeta Mister Black. La canción, con un videoclip que en pocos días ha superado los 2 millones de visitas, habla sobre las protagonistas de la serie de animación japonesa Sailor Moon. De la Casa con Elio Boom: "La champeta urbana suena a puro reggaetón" Lo que tal vez muchos no saben es que la canción de Yuranis es en realidad un cover de una canción de champeta criolla de mediados de los 90, de un grupo llamado Las Sailor Moon. Esta no es la única champeta inspirada en programas de televisión de animación japonesa. También hay champetas dedicadas a Los Caballeros de zodiaco y Dragon Ball Z. ¿De dónde surgió esta unión? “A mí se me ocurrió hacer una canción así porque yo llegué a la casa y estaban mis sobrinos viendo Los caballeros de zodiaco. Entonces yo iba a poner el noticiero, que empezaba a las 6:30 p.m. aquí en Cartagena, y los niños se pusieron rabiosos porque yo les quité el programa”, nos cuenta Elio Boom, autor de la champeta de Los caballeros del zodiaco, y uno de los artistas más importantes de la champeta. Según él, la suya fue la primera canción de champeta sobre series animadas y de ella surgieron todas las demás, entre las que también se encuentran canciones sobre Las tortugas ninja y El pato Donald. Pero no solo son series de animadas. También hay champetas de El chavo del 8, Power Rangers, y Los X Men. “Cuando me inventé Los caballeros del zodiaco los demás artistas se metieron a cantar, porque se les hacía fácil crear una canción”, agrega Boom, radicado en Cartagena pero oriundo de Turbo, Antioquia. “Todas esas canciones nacen por mí. En ese tiempo ese programa les gustaba a niños y también a adultos. Por eso fue que pegó, con “dame tu fuerza, Pegaso”, la gente se enloquecía". Elio Boom nos cuenta que varias personas le han pedido que haga una nueva versión de Los caballeros del zodíaco. Le suena la idea, pero ahora no cuenta con el estudio de grabación para llevarla a cabo como él quiere. Eso sí, añade que acaba de regresar de una gira por Europa, donde Los caballeros del zodíaco y otras de sus canciones fueron un éxito rotundo. Sobre la versión de Yuranis, Boom añade que "la copia nunca va a ser mejor que la original". Sin embargo, aclara que todo eso es bueno, pues sirve para que más personas puedan conocer más sobre la música colombiana, especialmente de un género que fue rechazado durante mucho tiempo.
Una vez más hemos tenido un año glorioso para la música colombiana. O bueno, no tanto. O sí, pero no de parte de todos los componentes que están implicados en micromundillo sonoro nacional -músicos, público, empresarios, disqueras, periodistas, emisoras y hasta el gobierno-.Mientras los artistas siguen haciendo su parte y lanzando discos y canciones, vivimos un oportunista orgullo por el “gran momento que vive la música colombiana” que, si bien ha empujado y consagrado a grandes nombres, no está haciendo brillar con contundencia a nombres emergentes y también hace que la venta de boletería de conciertos de artistas nacionales sea una ruleta rusa. En la reciente entrega de los Grammy Latino Karol G recibió el premio a Mejor Nuevo Artista luego de doce (¡12!) años de carrera. ¿Pasará lo mismo con el próximo gran boom local? ¿Qué vías tiene un músico emergente para mostrar su música y, sobre todo, vivir de ella con dignidad? Colombia, particularmente Bogotá, se ha convertido en una parada frecuente de las giras de grandes artistas internacionales en conciertos individuales o encabezando carteles de festivales. Eso hizo que este año viéramos actos de la talla de Radiohead, Roger Waters, Depeche Mode o Gorillaz, entre otros. Y eso está bueno pero, ¿qué tanto le sirve a las bandas locales compartir tarima con estos conciertos de primer nivel? ¿Esa oferta sí está formando y sensibilizando nuevos públicos? Volvamos a la parte agradable: la música. Luego de oír y revisar lo que pasó en Colombia durante el año, armamos este listado con 35 discos de lujo que abarcan todos, absolutamente todos, los ritmos y nos dejan una primera feliz conclusión: acá se está haciendo muy buena música, de factura internacional y que, para quien no se haya enterado, hace rato superó la fusión electrofolclórica. Desde soul hasta techno, pasando por pop, reggaetón, metal, jazz, post-rock e inevitablemente trap, son los géneros que músicos de todo el país han tomado de la corriente internacional para adaptarlos a nuestro contexto y así cantar de los problemas de este incierto presente. (Nota: la producción ha sido tanta que tenemos preparado un listado, a modo de bonus, con nuestros EP favoritos) Reseñaron y votaron en este listado: Mariangela Rubbini (@bilirubbini), Fabián Páez @davidchaka, Juan Pablo Castiblanco @KidCasti, Johana Arroyave @johanaarroyave, Sebastián Peña @sebasnews, Muchacho Berraco , Chucky García @chuckygarcia, Alfred Lord @AlfredLord, William Martínez @MartinezWill77, Alejandro Araújo, Paula Ricciulli @ricciup Votaron también: Nadia Orozco @LadyEmpanadia, Zaida Rojas @ZaiRojas_, Nick 'Xtatic' Martínez @NickXtatic, Lizzeth Neira @lizzneira, Jenny Cifuentes @Jenny_Cifu … 35. Maluma – F.A.M.E En esta nueva era de música efímera y de consumo cultural rápido y desechable, los discos están en vía de extinción para darle paso a sencillos que agiten mediáticamente y se posicionen comercialmente. Uno de los primeros grandes afectados de este fenómeno son géneros masivos como el reggaetón y por eso resulta inquietante que un artista como Maluma combine los lanzamientos estratégicos con un álbum que tenga alguna cohesión conceptual y proponga un viaje sonoro. F.A.M.E. es la tercera ocasión en la que el cantante paisa lanza un disco y, sin cumplir aún los 25 años, prueba su ambición y capacidad de escapar de los estrechos convencionalismos de su género. Una conmovedora apertura en la que oímos más a Juan Luis Londoño, el hombre, que a Maluma, el personaje, arranca un disco que contiene varios de los palos más fuertes en la carrera del artista e infaltables en las fiestas latinoamericanas: Felices los 4, GPS, Corazón o El préstamo. F.A.M.E. también marca la posibilidad de reconocer a un artista inscrito en las grandes ligas que se dio el lujo de tener colaboraciones con capos actuales de la música latinoamericana como Marc Anthony, Nego do Borel o Prince Royce, e internacional como Jason Derulo o Timbaland. Y creanlo o no, por este disco Maluma se ganó un Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum vocal pop contemporáneo. // Juan Pablo Castiblanco 34. Diamante Eléctrico – Buitres ¿Cómo reinventar una fórmula que ya era exitosa? Después de ganar tres Grammy Latino, Diamante Eléctrico empezó a buscar qué hacer para que su cuarto álbum de estudio sorprendiera a sus seguidores y los llevara a otro nivel. Juan Galeano, Andee Zeta y Daniel Álvarez entendieron que no podían repetir recetas y decidieron tomarse un tiempo largo para la grabación de Buitres. En el proceso se encontraron con la música negra de los 60 y 70, con el blues de los años 20, y decidieron que quería conquistar al público femenino. Así nació un disco mucho más digerible que los anteriores, que no pierde la complejidad, y en el que se arriesgaron a desprenderse de baterías, a darle más protagonismo a los teclados y a incluir al mariachi femenino Flor de Toloache en una de sus canciones. ¿Será este su camino a una primera nominación al Grammy Anglo? // Sebastián Peña 33. Goli - Otros ojos La paisa Sara Rodas, a quien conocimos por el proyecto Mr. Bleat, es especialista en dibujar paisajes cálidos con su voz. Y Goli es hoy por hoy uno de los proyectos más finos hechos en la montaña. Los ocho cortes que componen Otros ojos (su tercera producción después de su álbum debut Primeras nociones y el EP El fondo), a pesar de su textura suave, son canciones tristes que bien podrían musicalizar el final de un film dramático de Almodovar, pero atravesado con un filtro futurista. // Fabián Páez López 32. Bestiario - Malviaje Después de casi cinco años de carrera estos rolos siguen marcando historia. Ingresaron con fuerza a la escena punk con su primer disco Este infierno, presentándose como los irreverentes, mezclando folk y punk, usando instrumentos inusuales para su entorno: acordeón, mandolina, contrabajo, banjo y el washboard. Malviaje, su regreso, son 40 minutos de folk agresivo, visceral y anarquista. Aunque los sonidos no cambian, ni experimentaron una mezcla nueva, este álbum reúne todo el trabajo que han hecho durante estos años. Los sonidos de cada instrumento se sienten más maduros y se nota que cada uno logró enamorarse y apropiarse de él. Las letras huyen del lugar común del punk para buscar críticas directas, con nombres propios. A excepción de sus entregas anteriores la sátira ya no es solo política, sino que se habla de relaciones personales, de la vida y de cómo actuamos en este mundo de interacción inmediata y efímera. // Johana Arroyave 31. Montañera - Encarnación Conocimos la voz de María Mónica Gutiérrez en grupos como Ságan, Suricato y más recientemente en Niño Pueblo. Ahora nos presenta su primer disco solista, Encarnación, bajo el pseudónimo “Montañera”. La cantante, formada académicamente en canto jazz, parece alejarse cada vez más de esa formación y en este disco explora dentro del pop con sonoridades folclóricas, aunque aprovecha esa formación jazzera en pequeñas secciones. Uno de los elementos recurrentes es cierta ternura, un aire a canciones de cuna populares en las melodías y algunos arreglos instrumentales, guitarras muy íntimas y suaves, xilófonos y percusiones menores. Los fraseos de su voz son refrescantes dentro de un mundo pop que se repite una y otra vez. María Mónica maneja su voz a la perfección, pasa de un susurro tierno y suave a una voz fuerte y plena o a un rap con toda naturalidad. La producción de audio es impecable. “Apriétame la manito cuando sientas miedo que yo ahí estaré”, dice en Monte claridad y es muestra de esa ternura que atraviesa los diez tracks del disco. Usando a menudo diminutivos, habla de amor, de la tierra y la naturaleza. Un disco que suena sincero, que saca una sonrisa y genera cierta paz. // Alejandro Araujo 30. Morat - Balas Perdidas En junio de 2016 el cuarteto masculino Morat estrenó con éxito su primer álbum de estudio, Sobre el amor y sus efectos secundarios, que les valió varios Discos de Oro y su primera nominación a los Latin Grammy. Ahora, con una madurez evidente, estrenan su segunda placa discográfica, Balas perdidas, cuyo concepto y nombres surgieron de la idea de que las canciones son como esos tiros lanzados al aire que llegan a alcanzar a alguien inocente (o culpable) por razones del destino. El 95% de este álbum lleno de pop pegajoso y con épicos coros, fue producido por la dupla ganadora Andrés Torres y Mauricio Rengifo (sí, los de Despacito), y contó con la ayuda de Juan Pablo Isaza, voz líder de Morat. // Sebastián Peña 29. L´Omy – Nos quitamos los patines Ómar Moreno, mejor conocido como L´Omy, ha inspirado muchas de sus canciones en la fiesta, la cultura picotera y la fusión de varios de los ritmos bailables con los que creció en Pescaíto en el Caribe colombiano. “Colet sound” es como ha querido denominarse el estilo de música que hace este artista samario que lleva publicados tres discos y cientos de canciones desde que inició su carrera musical hace ya casi 15 años. Nos quitamos los patines es el nombre que lleva su más reciente placa discográfica, que estrenó en mayo de este 2018 (la primera fue Pa´que la metas en el Ipod!, y la segunda Móntate en el patín). El disco incluye 15 canciones que reafirman la jerga divertida y desparpajada de este costeño que bien podría ser uno más del combo Trapical Minds. “Coleto”, “peye”, “mucho Flow”, “súper cool” y “súper hot”, son solamente algunas de las palabras que sobresalen en un disco que, si se oye de comienzo a fin, tiende a volverse un poco repetitivo. Sin embargo, se trata de un álbum entretenido en el que L´Omy llega, incluso, a dedicar abiertamente Nubes negras de Los De Adentro en la letra de una de sus canciones. Yera, creador de uno de los grandes hits de L’Omy, A mí me gustas tú, publicado en 2014, y actualmente parte del colectivo Trapical Minds, aparece mencionado en el álbum. Que el creador de hits radiales como Amigos especiales de Blindaje 10 haya metido la mano este disco, es algo más que evidente. Nos quitamos los patines invita a ser escuchado a altas temperaturas en fiesta piscinera o playera. // Mariangela Rubbini 28. Pedrina - Prisma Prisma es un álbum que representa muy bien los sonidos del pop latino contemporáneo, guitarras españolas y una muestra de las grandes influencias que la cantante bogotana obtuvo en su anterior proyecto, Pedrina y Río. De hecho en este álbum su anterior escudero de batalla musical, Javier Cerón, participa como productor y cantante en Adiós y Billete falso. Otros que acompañan a Pedrina en este debut como solista son el argentino Juan Ingaramo en Inevitable, y Martina La Peligrosa en el sencillo que presentó el disco, Hoy. Prisma contiene nueve canciones con letras de amor y desamor, hechas para identificarse con ellas, logrando un disco digerible fácilmente y que seguramente posicionarán a la cantante en el mapa del nuevo pop latinoamericano. // Alfred Lord 27. N Hardem + Las Hermanas - Rhodesia N Hardem y Las Hermanas son nombres claves en la movida que está revolcando y redefiniendo la producción de hip hop en Colombia. Juntos hacen parte del naciente y cada vez más fuerte colectivo de hip hop alternativo Indio, del que también hacen parte nombres como Ruzto, Ecks, Dj Blanko, Mismo Perro y el artista gráfico Skore. Su encuentro luego de varios discos individuales fue un proceso intuitivo y experimental de prueba y error. Las Hermanas, fábrica reconocida de pistas y beats angustiantes y venenosos, fruto de collages y juegos de sampleo de su creador Diego Cuellar, se puso al servicio de la ácida poesía urbana de N Hardem. Melodías fueron y vinieron y así se definieron cuáles serían las ocho que más servían para este juego colectivo y que fue masterizado por Benjamin Calais, dueño del bar/espacio cultural/bastión de la independencia sonora Matik Matik. Para Las Hermanas fue un momento de simplificación sonora; para Hardem todo lo contrario; para ambos, un exorcismo espiritual. Rhodesia, el resultado, es un disco misterioso y encriptado con múltiples capas de significado que debe oírse una y otra vez. // Juan Pablo Castiblanco 26. 1280 Almas - Marteko Euriak El octavo álbum de estudio del tradicional grupo bogotano fue grabado en el País Vasco. Y este detalle es significativo porque hay que destacar la calidad sonora de Marteko Euriak (así, escrito en euskera). porque se oyen nítidos sus relieves y texturas. Esta vez “Las almas” ensamblaron una propuesta de 44 minutos que echa mano del punk rock, el reggae, la música latina y el rock psicodélico. Su sonido puede gustar o no, pero es innegable su vivacidad y la madurez que han logrado tras 26 años de carrera. // William Martínez 25. ChocQuibTown - Sin miedo Sin Miedo es una placa discográfica arriesgada y difícil de digerir para quienes esperaban que ChocQuibTown siguiera sonando a Somos Pacífico y De dónde vengo yo. Aunque sí, suenan a eso, pero evolucionado. Slow, quien se puso la 10 como productor de todo el disco, se encargó de llevar a Goyo y Tostao al límite. Funk, hip hop, dancehall jamaiquino, afrobeat, reggaeton, R&B, la inspiración del General y de los sonidos de Panamá que también se hace evidente, la participación de Nicky Jam, Wisin, Carlos Vives y Alexis Play, e incluso, un CQT que se samplea a sí mismo en una de las canciones, es solamente una partecita de todo lo que encontrarán. Incluso hay espacio para un vallenato en el que la marimba de chonta reemplaza al acordeón. Es inesperado, sí. Es decidir salirse de la zona de confort y proponer algo distinto, cuando todos esperaban la canción de su preferencia, pero con otro título. // Mariangela Rubbini 24. Bituin - Lluvia en el maizal El trabajo que Bituin ha hecho en sus tres discos con el cancionero latinoamericano popular, inmortalizado en las voces de artistas como Mercedes Sosa, Violeta Parra o Caetano Veloso, es lo que haría un asesor de imagen vanguardista con la pinta de una señora bien señora. Es decir, revolcar sus raíces, sacudir su apariencia, ponerle ácido neon y devolverlo a la calle para que viva entre la gente. En esta ocasión, el cuarteto integrado por las prodigiosas hermanas Las Añez (voces) y los hermanos De Mendoza (contrabajo y batería), buscó compositores vigentes colombianos y algunos amigos cercanos. De esta manera es que canciones escritas por Edson Velandia y Abelardo Carbonó (en el grupo de los “famosos”); por jóvenes como Lorenzo Márquez, Lucas Gil, Kike Mendoza, Santiago Jiménez o de Carlos Esteban Gómez; o por las propias Juanita y Valentina Añez, protagonizan este singular experimento de jazz latinoamericano, jazz colombiano, vanguardia continental, folclor futurista surreal o como quiera llamar este atrevido y prodigioso ensamble. // Juan Pablo Castiblanco 23. Yuri Buenaventura – Manigua Este maestro salsero radicado en Francia presenta un trabajo que parte de una profunda investigación de meses sobre la manigua: un tambor que pertenece al Pacífico y Caribe colombiano. El conocimiento recogido se transformó en un proyecto ambicioso que junta la salsa, la tradición afroamericana y el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de Bogotá quienes le propusieron a Yuri Buenaventura hacer un disco conjunto. Las composiciones originales, más tres covers de Francis Cabrel interpretados en francés e italiano, se convirtieron en este Manigua, donde Buenaventura ejerció de director artístico, cantante y compositor, y donde el tambor es protagonista indiscutible. El sentimiento de Yuri y la profundidad sonora de la Orquesta Sinfónica hacen que este álbum sea una pieza de colección que hay que tener en casa. // Sebastián Peña 22. Después del viernes – Noctursencia Noctursencia fue una palabra inventada por la banda Después del Viernes con 2 significados: esencia nocturna, pero también ausencia: una especie de “melancolía feliz”, según la describen sus integrantes. Este es también el nombre de su primera producción, una propuesta con una muestra ecléctica entre hip hop, jazz, soul, R&B y hasta salsa. Después del viernes nos trae un álbum consistente y un retrato fiel de la vida en la ciudad en beats sofisticados y letras muy anecdóticas, con esos momentos que conforman nuestra espera al sábado. // Paula Ricciulli 21. Ságan - II Cuando Ságan -el dueto compuesto por María Mónica Gutiérrez y Felipe Ortega- presentó su disco debut Cada célula (2015), se convirtieron inmediatamente en uno de los autores de música más vanguardista y fresca de la música colombiana. Ahora, con su segundo larga duración II, reafirman este puesto de privilegio en un disco que, como ellos mismos explican, “narra temas como la atracción, el cambio, la belleza de la muerte, los sueños, viajes y deseos más internos, la fuerza de la naturaleza”. Influenciados y conectados con una movida global de chillwave, electropop y dream pop, entre otros, la banda le dio su propio sello a estas texturas con melodías robustas potenciadas por la delicada voz de María Mónica Gutiérrez. II es un disco que se canta, que se baila, que tiene un ángulo ligeramente más pop respecto a su antecesor, pero que no deja de ser estremecedor, conmovedor y poderoso. // Juan Pablo Castiblanco 20. La Gra$a - La Gra$a El colectivio Moebiuz reúne algunas de las lenguas más voraces del rap paisa. A pesar que cada uno tiene nombre y carrera de peso, que trabajan juntos en los proyectos del otro, era inevitable que terminaran juntándose para armar una peligrosa bomba imposible de ignorar. Granuja, Zof Ziro, Doble Porción se montaron sobre las pistas de otro talento que viene pisando fuerte y que también puso su voz: Crudo Means Raw. Esta Fania All Stars rapera tomó como referente la escena neoyorquina noventera para armar su descarga de líricas irreverentes, inteligentes y desafiantes construidas alrededor del beat, que botan balas como “somos la calle pero no la presumimos, tu carrera de mil años en un tema resumimos” o “prende la llama / para los panas / para las damas / ¡fuck you fama!”. // Juan Pablo Castiblanco // (Por Juan Pablo Castiblanco) 19. Arrabalero - Sudoku A primera escucha, Arrabalero es una banda de difícil digestión. Es una especie de jazz con distorsiones; medio indie, medio rock progresivo. Después de darle play varias veces a las dos caras que componen su segundo disco, Sudoku A y Sudoku B, se encuentra uno con una visceralidad exploratoria muy atrayente que atraviesa todo el proyecto. El lado A de Sudoku lo componen cinco cortes más pausados y meditativos en los que aparece cada tanto como un espectro flotante la voz Luisa Quiroga; los cinco cortes del lado B, en cambio, proponen un paisaje instrumental más brioso, como para ponerse una chaqueta de taches. // Fabián Páez López 18. Cachicamo - Esbozos del llano Un porcentaje importante de las bandas colombianas del 98 para acá se describen como una fusión de la música local con equis ritmo(s) foráneo(s). Las más recientes, naturalmente, vienen siendo una fusión de la fusión de la fusión. Pero este combo de bogotanos (y un chileno), que recién se armó en 2017 como parte del proyecto de grado de pianista de jazz de Andrea Hoyos, logró una tarea compleja para ese background de la producción criolla: hacer una fusión novedosa con esos mismos elementos. El primer disco del septeto Cachicamo, bautizado así porque es como les llaman a los armadillos en los llanos colombo-venezolanos, es un disco de jazz brillante. También es un estudio pulido de la música llanera; a pesar de no utilizar los instrumentos clásicos del joropo se apropian de sus sonoridades con una convicción jazzera tan clásica como moderna y vertiginosa. Esbozos del llano es el título de esta placa debut que por la inercia propia de su calidad tuvo que trascender y salir del salón de clases para volverse un producto comercial. Tiene seis canciones de entre seis y once minutos con una estructura similar: empiezan con una calidez abrasiva y poco a poco se van pasando a lo impredecible. A excepción del quinto corte, Niña muerte, donde pone la voz Ana Milena Lozada, es un proyecto instrumental. Pónganle cuidado a esta banda. Por favor. // Fabián Páez López 17. La Pestilencia - País de titulares El séptimo álbum de estudio de La Pestilencia ofrece el hardcore punk de siempre, pero con una calidad de grabación más pulida. País de titulares fue producido en Heards Studios, con sede en Los Ángeles, y contó con la mezcla de Nicolas Essig, quien ha trabajado con Daft Punk, Lana del Rey, Calvin Harris, entre otros artistas. Después de 32 años de carrera, La Pestilencia sigue cantándole a que estamos perdidos por los políticos corruptos, que mucha gente no es capaz de pensar por sí misma, que las negritudes siguen abandonadas a su suerte. Una voz de denuncia necesaria en el panorama sonoro colombiano. // William Martínez 16. Nicolás y los Fumadores - Como pez en el hielo Antes conocidos como Santiago García y los Pantalones Elegantes, son un cuarteto muy bogotano que nos presenta su primer trabajo discográfico. Este proyecto sobresale por su autenticidad y el desarrollo de un concepto artístico coherente. ¡Severa joyita de la capital! Con un sentimiento de nostalgia, sus letras coloquiales y su sonido casero reivindican al rolo. Denotan influencias que van del rock experimental como Sonic Youth hasta la psicodelia indie de Connan Mockasin. Canciones como Bailando triste o Triste otra vez se podrían convertir en el himno de una generación. En el disco se escucha buena química entre los músicos que acompaña una potente voz que nos remite al grunge de los 90. Inviértanle a este disco que merece por lo menos 20 lucas. Track recomendado: Bruce y Margaret // Muchacho Berraco 15. Montaña - Coordenadas Este cuarteto bogotano tuvo un disco debut sorpresivo. Nos muestra una sonoridad bien definida, ejecutada por un formato instrumental con baterías y guitarras poderosas que se pasean entre el math-rock, el post-rock y un gramo de progresivo. Es un disco que vale la pena escuchar de principio a fin ya que maneja una narrativa sólida, que invita a probar un poco de la libertad con la que el rock debería hacerse. Este disco vale la pena escucharlo entre un disco de Foals y otro de Battles. Track recomendado: Aconcagua + Cocuy. // Muchacho Berraco 14. Aterciopelados - Claroscura El octavo álbum de estudio de la banda bogotana es un verdadero proyectil disparado a la industria de la música. En una época donde la etiqueta de lo “urbano” pareció abarcar todo el espectro, Aterciopelados apostó a su sonido de siempre. Durante más de tres décadas han pisado los escenarios del mundo entregando himnos que han traspasado generaciones, demostrando que se pueden explorar sonidos sin perder la identidad de la propuesta musical. Claroscura presenta a Andrea y Héctor renovados y cargados de sonidos electrónicos y ranchera; sonidos andinos e indígenas que representan muy bien el mood Atercio. Canciones como Dúo, Soñemos un bosque, Despierta mujer, Tumbao y Ay ombe (Vamo’a relajar el pony) mantienen todo ese espíritu libre y contestatario que les conocimos desde siempre. La producción de cinco canciones estuvo a cargo de Cachorro López, que ha trabajado con casi todas las bandas latinoamericanas de culto; y las otras siete por Héctor Buitrago, que mantiene el color y la mística de la banda, representante no solo del rock latinoamericano, sino convertida también en símbolo patrio. Los Aterciopelados están más conectados que nunca en esta nueva era de luz y sombra. // Alfred Lord 13. Granuja - Messier 64 Granuja nos sorprende con un disco instrumental que nos lleva a un viaje en el cosmos. La sección rítmica es bastante básica y llega a ser un poco monótona, pero esto es entendible ya que por encima del beat se desarrolla un mundo de texturas que se codea con la compleja ambientación del vaporwave. Deliciosos tintes jazzeros con la particular sonoridad del Fender Rhodes y el contrabajo que parece que fuera un jam grabado en New Orleans. Con samples sacados de grabaciones de radios y transmisores se logra una narrativa y se crea una imagen cinematográfica compuesta por 18 tracks. Es un disco para relajarse y disfrutar después de un largo día y sacar a su mente de la rutina. Puede compartir espacio en una colección que tenga a Moon Safari de Air y A Color Map of the Sun de Pretty Lights. Track recomendado: Ondas. // Muchacho Berraco 12. Rolling Ruanas - Sangre caliente Sangre Caliente es la placa que mejor representa el momento de viviendo Juan Diego, Fer, Guillermo y Jorge. O mejor: Los Rolling Ruanas. Han pasado cuatro años desde que hacían covers en carranga de himnos reconocidos del rock y hoy, aunque la carranga sigue siendo protagonista, cada vez le suman más recursos: música andina, rap, cumbia, sonidos electrónicos y, desde luego, el rock enruanado de siempre. Bajo la producción de Mario Galeano, Sangre Caliente contiene trece canciones, donde sobresalen las colaboraciones de Inti – Illimani (La edad primera), una cuota de folclore chileno que enriquece el sonido de los andes colombianos; Rap Bang Club (Rajaleña), que atiza las coplas tradicionales con las líricas del rap; y Fémina (Químeras), que se une con el coro femenino de las argentinas y su estilo gitano. // Alfred Lord 11. Piso 21 - Ubuntu Ubuntu es el primer álbum que Dim, Llane, Pablito y Profe lanzan firmados con un disquera grande como Warner Music. Después de recorrer el camino de la independencia desde los inicios de su carrera, hace ya 11 años, y de lanzar un primer trabajo homónimo en el 2012, los Piso debutan en el top de los listados de las plataformas de streaming y en las grandes ligas de la industria, con una placa discográfica que promete traerles más de un reconocimiento a nivel internacional en los próximos dos años. Este disco habla de la importancia de la individualidad de cada uno de los integrantes, pero al mismo tiempo de cómo ellos componen un todo. Además de Paulo Londra, contó con la participación de productores como Julio Reyes Copello, Juan Pablo Vega, Andrés Torres y Mauricio Rengifo, Sky, Mosty y hasta el mismísimo Ben Billions (que ostenta haber trabajado con artistas como Beyoncé y The Weeknd). Para confirmar el éxito indiscutible que será este álbum, se incluyen colaboraciones con artistas como Manuel Turizo, Zion y Lennox, y hasta Fonseca. // Mariangela Rubbini 10. Velandia - Montañero El álbum Montañero de Edson Velandia es, en principio, un álbum infantil con ilustraciones de su pequeño hijo. Y la frase “en principio” tiene que ver con que al igual que le pasó a su Sócrates, el disco de 2007 que realizó junto a los niños del jardín La Ronda de Bucaramanga; posiblemente termine ingresando a la lista de favoritos de quienes han tenido a bien coleccionar o conocer toda su discografía. Montañero, de entrada, tiene un título que se muestra orgulloso de su procedencia. No hay que olvidar que en muchas partes del país aún llaman así a las personas del campo, pero para rebajarlas, para hacerles ver que son ignorantes, pobres ó, en su defecto, que vienen de la montaña y que venir de la montaña en esta sociedad es carecer de cualquier entendimiento y cultura. El Montañero de Edson Velandia no es otra cosa que música del campo, melodías laboriosas pero simples que transcurren tranquilas, pero con la misma gracia y cadencia que tiene, por ejemplo, un bus escalera cuando agarra un camino sin pavimentar y lleno de curvas de alguna zona rural. // Chucky García 9. Aguas Ardientes - Guarever Hay cosas que definen muy bien lo que pasa entre los límites de este surreal terruño en el que nacimos. Como que nuestra bebida insigne sea el aguardiente o que por más que uno trabaje al final del día “no haya luka para ni mierda”. Y esa colombianidad, tan criolla y folclórica; tan cruel hasta lo chistoso, es la que aparece narrada en el disco debut de Aguas Ardientes: Guarever. Una sátira folk muy a la bogotana: bipolar, cínica y oscura. Son doce tracks cargados de ocurrencias que por ratos suena a folk norteamericano y por otros a blues o cumbia. En el universo de Guarever caben un duende violador de Transmilenio, reflexiones sobre la muerte y el machismo, ñeros atracadores y lo que muy seguramente puede convertirse en el himno del lamento clásico del tercer mundo: No hay luka. // Fabián Páez López 8. Monsieur Periné - Encanto Tropical La banda de Catalina García, Santiago Prieto y Nicolás Junca tan solo necesitó dos discos y un poco más de cinco años de carrera, para ganarse una posición de privilegio dentro de la nueva música colombiana y empezar a brillar en el mapa latinoamericano. Su tercer disco de estudio no estuvo por debajo de las expectativas y, repitiendo la fórmula de Caja de música (2015), volvió a contar con la producción del puertorriqueño Eduardo Cabra (el Visitante de Calle 13, el lado humano en Trending Tropics) demostrando las ambiciones trasnacionales de la banda. Mientras la voz de Catalina García sigue siendo el hilo conductor (aunque Santiago Prieto se le sumó en Me vas a hacer falta), las melodías hacen una exploración por distintos paisajes: un híbrido entre lo orgánico y lo electrónico, lo latinoamericano sin ser un disco de folclor, lo romántico sin ser cursi, lo pop sin ser superficial. Con Encanto Tropical, Monsieur Periné se consagró como una banda que se da el lujo de ser su único referente. // Juan Pablo Castiblanco 7. ha$lopablito - Es el puto sueño ¿Necesitaba grasa la empanada del trap? Absolutamente. Y ha$lopablito le puso tanta que dejó la servilleta transparente. También ají, mucha salsa y un vino del D1, porque suena callejero pero fino. En los 14 cortes que conforman su primer disco, Pablo y su fórmula de los Changua boyz, Aaron Moreno, colombianizaron el trap del absurdo que patentaron los españoles y bajaron de los carros llenos de viejas en bola al trap de los reggaetoneros latinos. Es el puto sueño se convirtió en uno de los discos más relevantes del año, no por que Pablo Pablito sea un prodigio de la afinación o porque sus pistas tengan una producción de punta, sino por la capacidad que tiene de rapear y desnudar las complejas banalidades de la vida de la clase media bogotana; cruda, pintoresca, arribista, bombardeada por la narcoestética, sometida al uso del Transmilenio, bendecida y afortunada por lo barato que hay en el D1, pero endeudada con el Icetex. En el disco, que echa mano de varios samples de funk, disco y hasta de un reggaetón, colaboran Rap Bang Club, Cero 39 y TSH Sudaca. // Fabián Páez López 6. Aerophon - Horizonte Una poética particularidad del horizonte, como concepto, es que es aparente. Es decir, que no existe sino ante los ojos del observador. Quien lo mira, lo percibe como una línea divisoria entre el cielo y la tierra. Esa horizontalidad plana lo que hace es esconder la forma real del planeta: es un fragmento de algo más grande. Y Horizonte, el sexto disco de esta agrupación bogotana, es precisamente eso: un ejercicio contemplativo y personal de las dos cabezas al mando de Aerophon, Frank Takuma y Ruzto; una mirada lejana hacia el pasado, a sus diez años de carrera; pero también un trabajo inquieto de reflexión sobre el futuro y las posibilidades del hip hop colombiano. En el track que le da título al álbum, una tremenda colaboración rapeada sobre un exquisito beat medio EDM medio chillstep producido por Argüello, está inscrita el alma de la placa: “los años no te hacen, al contrario, falta mucho”, rima Takuma en una de las líneas. El disco lo compone un intro y 10 canciones cero pretenciosas, con letras reflexivas y en las que se destaca una ética colaborativa y sin prejuicios que se traduce en la inclusión de nombres que abarcan un espectro rítmico muy amplio: Juan Pablo Vega, Argüello, Alcolirykoz y Rap Bang Club. Además, claro, de la participación de Camilo Moratto, que hace parte de la nómina de Aerophon. Horizonte es, sin duda, uno de los discos de hip hop más relevantes de los últimos tiempos. // Fabián Páez López 5. Lianna - Como el agua Después de estar metida muchos años en el universo del hip hop criollo, Lianna es un fenómeno R&B con la potencia del rap y una proyección pop que, tarde que temprano, va a reventar. Como el agua es su segundo álbum, la continuación de su título lanzado en 2012 Paciencia. Y, hay que decirlo, este lanzamiento tiene una propuesta estética más sólida. Empezando por la tapa del disco, los colores de los videos, hasta el beat astral producido por Crudo Means Raw en Muy Tarde o el Coctel espacial en el que colabora con Gambeta se nota una unidad conceptual renovadora. Lianna explora su capacidad vocal con versatilidad sobre instrumentales brutalmente sexys. // Fabián Páez López 4. Kali Uchis - Isolation A Kali Uchis la tenemos en el radar desde hace tiempo por varios de sus sencillos, por sus colaboraciones con Gorillaz o Tyler the Creator y por un EP de nueve canciones que lanzó en 2015, titulado Por vida. También porque, aunque se crió y se construyó como artista en Estados Unidos, y su música pareciese un producto anglo, su registro de nacimiento es pereirano. Y tras varios años de ser el tema de conversación por ser respaldada por nombres como Snoop Dogg, Isolation es, por fin, su primer álbum de estudio: un lanzamiento tempranero de 2018 que la trajo a Estéreo Picnic para ratificarse como figura determinante de la música alternativa en su tierra natal. La placa de 15 canciones es una muestra de un amplio rango de referencias temporales, territoriales, visuales y sonoras que convergen y se cruzan en su historia como latina migrante. Su apariencia de diva ochentera y un estilo que transcurre entre el soul y el R&B moderno, colaboradores como Tyler the Creator y otra joven joya del R&B como Jorja Smith, sumados a la dosis de “latinidad” que le imprimió al disco al juntarse con el reggaetonero paisa Reykon hablan de una Kali Uchis que representa la gentrificación de la estética de las periferias. // Fabián Páez López 3. J Balvin - Vibras ¿Qué es lo que hace J Balvin hoy en día? ¿Se podría decir que sigue haciendo reggaetón? Si uno toma adictivos cortes como Mi gente, Peligrosa (con Wisin & Yandel), Ahora o Machika, la respuesta es un fácil “sí”. ¿Pero qué decir de sensuales y sutiles híbridos como Brillo (con Rosalía), Ambiente o Cuando tú quieras? ¿Dónde meter a J Balvin, el colombiano que hoy por hoy puede llegar a ser nuestro embajador cultural más rutilante? En un género donde pareciera que todo ya estaba dicho, donde los clichés estaban reutilizándose más de la cuenta, Balvin llegó para sacudir el mapa con elegancia y sutileza. No abandonó el inconfundible beat del “perreo”, no dejó de hablar de seducción y baile, pero revolcó las raíces mismas del género y volvió a hacer un disco que, como dice uno de los documentales dedicados a su carrera, redefine el mainstream. // Juan Pablo Castiblanco 2. Mitú - Los Ángeles Dos discos en menos de diez meses revelan el intenso y frenético ritmo creativo del dueto integrado por Julián Salazar y Franklin Tejedor “Lamparita”. Mitú se convirtió en una máquina incesante e inclemente de hacer música electrónica y eso mismo le ha permitido jugar con ese sonido como si fuera plastilina, retorciéndolo, licuándolo y estirándolo. Lo curioso es que, en vez de llevar su exploración al ruido extremo, Mitú, con esta etapa llamada Los Ángeles, ha llegado a un momento de música más reposada, pero que no ha perdido su ímpetu y la capacidad de incendiar pistas de baile. Su nuevo capítulo de “tecno de la selva” es un diálogo cada vez más intenso entre lo análogo y lo digital, con más usos de instrumentos acústicos y embadurnado de más sonidos tropicales. Por eso este año se convirtieron en una de las bandas colombianas que más giró en el mundo y que incluso fue invitada por New Order para tocar junto a ellos en Londres. // Juan Pablo Castiblanco 1. Mabiland – 1995 Letras quirúrgicas que hilan muy fino las emociones, una voz potente e instrumentales construidos con rigurosidad se juntaron para darle vida a un disco gratificante y revelador. Nuestro favorito de 2018 y ganador del Shock Fest Medellín. 1995 es un ejercicio de exploración personal en el que Mabiland rompe sus paradigmas sobre sí misma, pero también es una excavación profunda por las metonimias y metáforas que comprometen el ego, la inseguridad y el deseo. Mabiland nació y creció en Quibdó pero se trasteó a Medellín a formarse como artista audiovisual. Allí, casi que por accidente, para un trabajo universitario, desenfundó todas las letras que tenía guardadas desde niña, perdió el miedo a la tarima y construyó su carrera como artista. Fichó a un equipo de paisas que más que su banda son hoy su familia adoptiva y hace dos años lanzó su primer EP, Ciclos. La aceptación fue tal que tuvo que parar de estudiar y dedicarse a su música. La llegada de su álbum debut llama la atención porque presenta muchas texturas. Con el pasar de las canciones va soltándose por lugares inesperados, por ritmos que evitan escribir cualquier cliché sobre su obra. Lo que en un principio suena a una versión colombianizada de Amy Winehouse, con un soul potente y erótico, termina por ser también reggae, hip hop, jazz, R&B y hasta bachata. Lo que hizo Mabiland es la muestra de un repertorio omnívoro que trasciende los sonidos y que abarca referencias que van desde la literatura de Saramago, pasan por Mr. Robot y se cruzan con Sigmund Freud. 1995 es un disco que no pueden pasar por alto. // Fabián Páez López
Will Smith publicó un video más de su viaje a Cartagena al que tituló “I Just Wanna Dance: Colombia Edition”. En el video se ve cómo el actor se esfuerza por seguirle el paso a las bailarinas de La Heroica para poder bailar como ellas. Otra de las grandes sorpresas del video es ver al ‘Rey de la Champeta’ Mr Black compartiendo con el actor de Hollywood. Gemini Man, la película que Will grabó en Cartagena está estipulada para estrenar el 4 de octubre de 2019. Definitivamente el ‘Principe del Rap’ parece un colombiano más. Recomendado: Will Smith y su amor por la cultura latina
'The Official Latino Film Festival', uno de los eventos más destacados en el calendario cultural de Estados Unidos, está listo para regresar del 10 al 12 de octubre en el Palm Springs Art Museum en Palm Springs, California. La convocatoria para presentar trabajos en formatos de cortometrajes y largometrajes de drama, terror, ciencia ficción, documental, comedia, experimental, animación y videos musicales, ya está abierta y todos los países pueden participar en www.nvisionfestival.comLa programación de este año tendrá una experiencia amplia con proyecciones de películas, actuaciones musicales, expresiones de arte, muestras de tecnología y conferencias sobre el futuro de la industria del entretenimiento.Los premios para las mejores películas de larga duración ascenderán a U$10,000, mientras que los mejores cortometrajes recibirán U$5000. Los interesados en participar pueden encontrar más información y detalles sobre cómo enviar sus trabajos en el sitio web oficial del festival.Sobre 'The Official Latino Film Festival'Fundado en 2015 por el aclamado cineasta y fotógrafo latino Danny Hastings, nuestro festival ha sido la plataforma pionera dedicada a destacar la rica diversidad y creatividad de los cineastas y artistas latinos y latinas en los Estados Unidos. Entrando en su 10ª edición anual, el Festival Oficial de Cine y Arte Latino tiene como objetivo abordar la falta de representación en Hollywood mostrando, nutriendo y apoyando el talento latino y latino en los Estados Unidos. Recuerden que la convocatoria para presentar proyectos estará abierta hasta el próximo 19 de mayo.
Juan Pablo Vega, uno de los artistas colombianos más influyentes en Colombia, celebra una década de su álbum 'Nada Personal' que sigue siendo uno de los proyectos discográficos que han marcado un referente en la época reciente.Este disco de aniversario incluirá las canciones originales del Nada Personal de hace 10 años y se suman 4 últimas sesiones con colaboraciones especiales: 'Hace Una Hora' junto a Santiago Cruz, 'Ahora que Vas a Dejarme' con Duplat, 'Cuando Te Tengo Cerca' en compañía de Vicente García y, finalmente, la sesión en vivo a quien tendrá como invitada a la vocalista de Monsieur Periné, Catalina García interpretando la reversión del sencillo homónimo 'Nada Personal'.En esta oportunidad, Juan Pablo Vega presentará ediciones especiales en vinilo, en donde estarán presentes las 12 canciones originales de su álbum por primera vez en este formato.Así mismo, el artista ha elegido a Bogotá para celebrar su show de aniversario el próximo 13 y 14 de junio en el Teatro Colsubsidio.La trayectoria de Juan Pablo VegaJuan Pablo Vega nació en Bogotá en 1985. Desde temprana edad mostró un gran interés por la música, y su talento lo llevó a trabajar como guitarrista, arreglista y compositor para artistas reconocidos como Ricky Martin, Alejandro Sanz, Laura Pausini y Chayanne.En 2013, Vega lanzó su álbum debut como solista, titulado 'Nada Personal', el cual lo consolidó como una de las nuevas promesas del pop latino. El álbum fue aclamado por la crítica y el público, y le valió una nominación a Mejor Nuevo Artista en los Premios Grammy Latinos en 2014.Un año después, en 2015, Vega ganó un Grammy Latino como productor del álbum debut de Manuel Medrano, 'Manuel Medrano'. Este reconocimiento lo posicionó como uno de los productores musicales más cotizados de la industria latina.A lo largo de su carrera, Vega ha lanzado varios álbumes y EPs como solista, incluyendo 'Vicio' (2016), 'Las Olas' (2017), 'Conexión' (2019) y su álbum homónimo 'Juan Pablo Vega' (2021). Su música se caracteriza por su fusión de pop, jazz, funk y otros sonidos.Y así se ha convertido en uno de los artistas más importantes del panorama musical colombiano e internacional.
La nueva serie de Netflix tiene hablando a todo el mundo. Se trata de ‘Bebé reno’, escrita, producida y dirigida por Richard Gadd, una comedia que pronto deja de serlo para contar una historia que muchos han catalogado como perturbadora.La historia sigue a un comediante que no está en su momento, ni profesional, ni personalmente, y se encuentra con una mujer a la que ayudó años atrás, sin embargo, rápidamente se da cuenta que ella ha desarrollado un vínculo enfermizo con él y comienza a acosarlo.Con Richard Gadd como Donny, Jessica Gunning como Martha, Nava Mau como Teri, Danny Kirrane como Gino y se les unen al elenco los actores europeos, Hugh Coles y Chloe Driver.Además de que la crítica la ha elogiado y la ha catalogado como una de las mejores series de la historia de la plataforma, los usuarios de redes sociales se han sorprendido luego de que se revelara que más que una ficción se trata de una historia autobiográfica.La historia real de acoso detrás de ‘Bebé reno’En el año 2015, la vida de la comediante Gadd se cruzó con la de una una mujer, a quien en la serie se le da el nombre de Martha.Todo comenzó con una taza de té ofrecida en un pub de Londres. A partir de ese encuentro, Martha se convirtió en una sombra constante en la vida de Gadd, acosándola durante tres años: lo acechaba en su trabajo, asistía a cada uno de sus shows de comedia y la perseguía en cada paso.La obsesión de Martha se intensificó con el tiempo. Consiguió el correo electrónico de Gadd y le envió más de 41.000 mensajes. Cuando finalmente obtuvo su número de teléfono, le envió más de 350 horas de mensajes de voz.Además del acoso virtual, Martha llevó su obsesión al mundo real. Le enviaba regalos no deseados, apodándolo como "bebé reno" en referencia a un peluche de su infancia y presentó denuncias falsas contra la familia de Gadd ante la policía.Cuando Gadd buscó ayuda de las autoridades inicialmente no encontró el apoyo que esperaba. La policía parecía no tomar en serio sus denuncias, minimizando la gravedad de la situación y dejándolo aún más vulnerable ante el acoso de ella.La situación se intensifica cuando aparece para abusar de él mientras está dando un show y ataca a Teri, su novia del momento. Finalmente, una noche abusa de él mientras se devuelve a su casa.En una entrevista con The Guardian, Gadd afirma que cometió varios errores como invitarla a un café y permitir cierta cercanía porque le intrigaba la admiración que ella tenía hacia él.Tanto la serie como la historia real termina con un hombre que fue víctima de agresión sexual y violación, situaciones le generan secuelas en todos los ámbitos de su vida, y una mujer que, aunque en la historia termina presa, en la vida real no se conoce su desenlace.
Luego de su más reciente lanzamiento musical ' Noches de Verano' junto a la cantante y rapera puertorriqueña, Villano Antillano, el cantante y compositor colombiano, Esteman anuncia oficialmente su gira 'SECRETOS TOUR 2024'Países como Perú, Guatemala, Costa Rica, Colombia entre otros, serán los lugares que el cantante visitará, llevando sus más recientes lanzamientos. El continente americano no será el único por el que pasará, Europa, especialmente España, tendrá la oportunidad de hacer parte de esta gira.Otras fechas en países como Chile, Argentina, Venezuela y México estarán próximas a ser anunciadas dentro del Tour.Cabe destacar que esta gira se realizará en torno al lanzamiento de su próximo álbum que llevará por nombre 'SECRETOS', el cual se estrenará el 9 de mayo. Será un disco conformado por doce canciones que, en palabras del artista, se convirtieron en profundas declaraciones de aquellos secretos que toman vida la música.“No sólo son mis secretos, son también los secretos de los demás. De todo eso que nos causa culpa, que nos da miedo confesar, eso que moralmente está mal visto", afirma Esteman.'SECRETOS TOUR' es hasta la fecha, la gira más extensa y ambiciosa que el artista habrá realizado a lo largo de su carrera artística. En las fechas de los festivales, compartirá escenario con artistas como: Sam Smith, Calvin Harris, Christian Aguilera, Marshmello y Maneskin en el caso del Festival Tecate Emblema de la Ciudad De México Países incluidos y fechas de la gira de Esteman 2024ABR 13 Lima, PE - Gran Teatro NacionalMAY 17 CDMX, MX - Tecate EmblemaMAY 23 Esteman en MinecraftJUN 8 Monterrey, MX - Cute Pride FestivalJUN 29 Bogotá, COL - Bogotá Pride FestJUL 27 Veracruz, MX - Summer FestAGO 9 Tampico, MX - HottsonSEP 7 Puebla, MX - Auditorio ExplanadaSEP 19 San José, CR - Mercado La CaliforniaSEP 21 San Salvador, SLV - Teatro PresidenteSEP 28 Saltillo, MX - Cactus FestivalOCT · Cd. Juarez, MXOCT 10 Toluca, MX - Teatro MorelosOCT 12 Cuernavaca, MX - Teatro OcampoOCT 25 Mexicali, MXOCT 26 Tijuana, MX - Antiguo Cine BujazanNOV 2 Madrid, ESP - Sala VillanosNOV 3 Barcelona, ESP - Sala NauNOV · Hermosillo, MXNOV 23 Cd. de Guatemala, GTM - Concha Acústica, Parque De La ExposiciónNOV 29 Pachuca, MX - Teatro CedrusNOV 30 San Luis Potosí, MX - Cineteca Alameda
Estas son las canciones latinas favoritas de la semana del 26 de abril para el equipo de Shock. Recuerden seguir nuestra playlist Recarga LatinX en Spotify.Adivino- Mike Towers, Bad BunnyUn trap suavecito con beats de electrónica ideal para escuchar un fin de semana de perreo en el que se espera pasar la tusa. Todo lo esperado del junte entre los puertorriqueños que ya habían colaborado en canciones como 'Estamos Arriba' del 2020.palacio <3- Elsa y ElmarComo siempre la santandereana dándonos himnos de amor, esta vez como el abrebocas del disco homónimo que sacará este año. La canción salió acompañada de un video compuesto por esculturas hechas a mano por Pablo Resoalbe.Ley Universal- Danny OceanEl cantante venezolano estrenó un sencillo de dembow y ritmos caribeños, en el que le canta al enamoramiento que es tan grande que es innegable. Es el último sencillo de su próximo disco 'Reflexa'Quiero que Mami- Earthones, Verito AsprillaEl DJ Serge Bandura se unió con la artista del Pacífico Colombiano para lanzar una canción en la que los sintetizadores y sonidos tradicionales combinan a la perfección con una letra que refleja el deseo de muchos artistas del país: darle a nuestra madre todo.Acá pueden leer el perfil que le hicimos a Verito Asprilla para nuestras Apuestas Shock 2023.Inevitables- VentinoLa girl band colombiana, que hace unas semanas anunció su separación luego de nueve años de carrera, lanzó su disco de despedida: 'Inevitavbles'. Esta canción hace parte de él y del hasta pronto para sus fans.No Hay Duda- KombaEl rapero bogotano se unió con el beat maker, revelación en la escena Pocket Tincho en una canción que demuestra por qué es uno de los favoritos de la escena de hiphop colombiana.Pa' fumar- Kiño, Rap Bang ClubKiño, conocido por participar en 'La Reina del Flow' y en el reality 'Bake off', se subió con el dúo rolo Rap Bang Club con un tema que, en efecto, dan ganas de fumar.300 noches- Belinda, Natanael CanoEl junte de mexicanos que no sabíamos que necistabamos. Una canción que fusiona lo rosa del pop con lo fuerte del regionalizados mexicano y que cuenta la historia de un amor que, aunque ya no está, vive en los recuerdos.Kitty- Kenia Os y La JoaquiDos de las artistas que la están rompiendo en plataformas se juntaron para lanzar una canción que busca, en palabras de ellas, que las mujeres disfruten de ellas mismas al bailar.MALVIAJE- Aria VegaLa barranquillera compuso un perreo para dedicarle, o cantarle, a esa traga que parece superar cualquier sentimiento que hayamos sentido antes.DIVERCITY- ha$lo pablito, Pocket TinchoEl artista bogotano se montó en un trap, sacado de la cabeza de Pocket Tincho, con referencias a un amor adolescente con imágenes que cualquier rolo podría reconocer.La Sabia Escuela- Akapellah, Canserbero, Lil SupaUna canción que a los fanáticos del rapero venezolano les moverá las entrañas. Una canción liberada de manera póstuma con tracks grabados por Canserbero antes de ser asesinado en 2015.Lean acá sobre el Caso Canserbero: sus distintas versiones y las elecciones presidenciales en Venezuela 2024A Paso Lento- TelebitLa banda bogotana estrenó su nuevo álbum 'El Día Que Dejamos De Pensar' y 'A Paso Lento' es un abrebocas a la intimidad de este nuevo trabajo discográfico en el que se tocan temas como la pesadez existencial, la madurez, la angustia y el duelo.Cinco Horas Menos- Conociendo Rusia, Natalia LafourcadeComo parte de su nueva disco 'Jet Love' Mateo Sojatovich se une con la artista mexicana para un himno indie popsero que habla del miedo a enamorarse y al, inevitable, corazón roto que viene después.