Falta poco para uno de los eventos más esperados del año y ahora, por fin, conocimos los horarios del Festival Estéreo Picnic 2024. La cita será del 21 al 24 de marzo en el Parque Simón Bolívar de Bogotá, que abrirá sus puertas hasta las 3:00 a.m. Este año, los headliners son Kings of Leon y Limp Bizkit el jueves 21; SZA y Sam Smith el viernes 22; Feid y Placebo el sábado 23; y Blink-182 y Arcade Fire el domingo 24. Otros de los artistas más esperados son Hozier, 30 Seconds To Mars, Greta Van Fleet, Phoenix, Black Coffee, M.I.A, Grupo Frontera, The Offspring y The Blaze. Festival Estéreo Picnic 2024: horarios completos por díaPor fin se revelaron los horarios de cada uno de los días del festival para programarnos y esperar a que no se crucen los artistas que más queremos ver. Programación Festival Estéreo Picnic 2024 día 1: jueves 21 de marzoProgramación Festival Estéreo Picnic 2024 día 2: viernes 22 de marzoProgramación Festival Estéreo Picnic 2024 día 3: sábado 23 de marzoProgramación Festival Estéreo Picnic 2024 día 4: domingo 24 de marzo¿Cuánto vale la boleta para Estéreo Picnic 2024?Los precios de las entradas para el combo de 4 días están en 1.879.000 para los 4 días en general, y en VIP $3.699.000. Para el día individual, el precio está en $ 799.000, con servicio incluido. Las entradas están disponibles en el portal eticket.com. ¿Qué es la zona de confort del Estéreo Picnic 2024? La Zona Confort es un nuevo espacio dentro del Festival, ubicado entre los escenarios 1 y 2, diseñada para ofrecer una experiencia de comodidad. Se ofrecen servicios exclusivos y todos los artistas, sin que se afecten las experiencias de los asistentes de las otras localidades.¿Qué tantos artistas nacionales hay en el Festival Estéreo Picnic?Esta nueva edición tiene en 75 actos en total, de los cuales 30 son talento local y 45 son artistas de otros países. Para 2024 el 40% del cartel será colombiano.A pesar de no estar en los primeros nombres del cartel, una de las leyendas de la salsa estará presentándose para ponernos a bailar a todas y todos: Fruko y sus tesos.La cuota de rap colombiano, en ausencia del internacional, va por cuenta de Oblivion's Mighty Trash (Apuesta Shock 2023), La Etnnia, El Kalvo, Penyair, Ruzto, Homie! y Selene.Las artistas femeninas nacionales también se tomaron este cartel. Tendremos a Laura Pérez (Apuesta Shock 2023), Laurél, Mariscos y la flautista clásica Anamaría Oramas desde Bogotá; Verito Asprilla (Apuesta Shock 2023) desde Tumaco y More desde Cali. Sin embargo, pasa otro año donde anhelamos ver a más mujeres en los carteles de los festivales.En agrupaciones tenemos Búha 2030, Mala Bengala, Volcán, Afro Legends (Artista ROMPE 2023), Divino Niño y Maca & Gero.Más sobre los artistas nacionales del Festival Estéreo Picnic 2024 aquí.
El público de la música pop siempre ha exigido héroes e íconos. Quizá más que en cualquier otro género. Sin embargo, Solána Imani Rowe, conocida como SZA, es de un tipo diferente de estrella e ícono pop.Su música se trata de algo mucho más intenso que las simples y fácilmente digeribles canciones de ruptura al estilo Miley Cyrus o Taylor Swift.Su sonido rescata el fatalismo, el exceso, la rabia y el odio del hip-hop de los 80 y 90, así como recupera la idea del amor hacia sí mismo del movimiento “Black is Beautiful” de los 60 en una versión que expresa la importancia de la apreciación tanto de la cultura como de la propia identidad.La historia de SZASolána Imani Rowe creció en un hogar musulmán ortodoxo de clase media-alta en los suburbios de New Jersey.Su infancia no solo fue diversa por este tipo de conformaciones sociales y culturales —podía seguir a líderes religiosos como Elijah Muhammad, pensar al estilo de Malcolm X, soñar con Martin Luther King Jr. e impacientarse por ver mayor estabilidad en la economía—, sino que además fue compleja.A Solána le resultaba difícil encajar y seguir los flujos sociales que el sistema diseña para que las personas (y las mujeres en particular) circulen con una sonrisa mientras la precariedad se expande en todo el planeta.En la época de colegio, por ejemplo, fue acosada después del 11 de septiembre por llevar su hiyab.Eso le mostró, por primera vez, que las diferencias culturales y raciales son consideradas una amenaza y un delito en la Norteamérica democrática.Situaciones como esta le permitieron crear sus propias ideas sobre cómo (sobre)vivir en un país como Estados Unidos.¿Por qué se hace llamar SZA? Un primer acto de afirmación de su identidad como mujer negra y musulmana fue la construcción de su nombre artístico, SZA, el cual tomó del Alfabeto Supremo de la Nación del Islam: “Sovereign Zig-Zag Allah” o “Savior Zig-Zag Allah”.Lo que siguió a este proceso de identificación con el mundo musulmán fue la autoedición y el lanzamiento de los EP SEE·SZA·RUN (2012); S (2013); y Z (2014), material que llamó la atención de la prensa especializada y de un grupo de nuevos seguidores, y que le permitió unirse a la compañía discográfica independiente Top Dawg Entertainment (TDE), sello que contaba dentro de sus filas con artistas como Kendrick Lamar y Jay Rock.CtrlSu álbum debut, Ctrl, lanzado en junio del 2017, la situó a la vanguardia del R&B contemporáneo.El disco combina la expresividad del soul clásico con una atmósfera cargada de sintetizadores sombríos, una voz ronca pero dulce, ráfagas radiantes de percusión y energizantes dosis de guitarra que se acompañan con poderosas líneas de bajo.Ctrl refleja dos cosas.Primero, la idea de que el control es una ilusión, pero como sugiere el eco de la voz de la madre de SZA al principio de Supermodel (“Ese es mi mayor miedo / Si perdiera el control / O no tuviera el control / Las cosas simplemente, ya sabes / Yo sería fatal”) y al final de la canción Something (“Y si es una ilusión no quiero despertar / voy a aferrarme a ello / Porque la alternativa es un abismo, es sólo un agujero, una oscuridad, una nada / ¿Quién quiere eso?”), existe cierto poder y tranquilidad al aferrarse a la ilusión, incluso, cuando la reconocemos como tal.Lo que sale a relucir en este álbum es la contradicción que existe entre ser la “dueña” de la narrativa de la propia vida (“eres libre”, “todo lo que quieras lo puedes lograr”) y la recuperación del control de la vida cuando se está dispuesta a renunciar a esas tristes y banales ideas de que somos dueños de nuestro propio destino (solo hay ciertas cosas que controlamos).El mensaje es claro: debemos jugar con lo que existe para poder interpretar el papel que nos permite competir en el show de talentos.Pero, por supuesto, esto no implica que se piense que las cosas están bien tal como están, sino que la oportunidad de transformar las cosas solo existe dentro de lo que brinda el sistema.El segundo punto que expone SZA en el disco es el viaje que realiza hacia la búsqueda del amor propio y la aceptación. En la canción Supermodel, por ejemplo, muestra por medio de una carta la ira que siente hacia su novio luego de enterarse que ha sido engañada, para, posteriormente, confesarle su propia traición y, finalmente, exponer su estado de vulnerabilidad y dependencia en la relación.SOSEste vínculo entre el (des)amor, el sexo, la autoprotección, las fantasías de venganza, la lucha contra la inseguridad, la aceptación y el empoderamiento de la belleza negra tienen un aspecto curiosamente existencial que se hace más visible en su segundo álbum, SOS.El disco sostiene un sonido emocionalmente intenso y escabroso, una combinación rítmica que va desde el trap-soul, el lo-fi hasta pasar por el Neo-soul, el grunge y el punk.En la conmovedora y descarnada canción que tiene por nombre el mismo título del álbum, SOS, SZA se propone abandonar una relación conflictiva y dejar atrás los enredos de un supuesto amor seguro; pero primero debe dejar claro lo que piensa y reclamar por todo lo que dio en una transacción amorosa de la cual recibió muy poco.El álbum, en general, esboza los flujos de las emociones, los contrastes que existen en esos momentos de fuerza, determinación, ánimo y que, prontamente, se transforman en tristeza, soledad e inseguridad.Kill Bill, por ejemplo, la tarjeta de presentación del disco, es una balada en la que la artista fantasea con el asesinato de su exnovio para que ninguna otra mujer pueda tenerlo y, aunque, reconoce que es un sueño siniestro no puede dejar de imaginarlo.No obstante, la fantasía de venganza de Kill Bill no proporciona una recompensa emocional real; su narrativa es un grito de puro de dolor y fatalismo que representa la otra cara de la imagen de la mujer que “no siente el engaño”, la que se “recompone rápidamente”, la que se “alegra” con su grupo de amigas simplemente yendo de compras y comiendo enormes cantidades de helado o la que compensa la situación con otro tipo de placeres apósitos.En canciones como Smoking on My Ex Pack, Far, Conceited” y Forgiveless, al igual que en todo el álbum, SZA se enfrenta tanto a sí misma como a sus parejas, evidenciando el cansancio y el desgaste que le producen las relaciones.En ocasiones los sonidos reflejan momentos de paz que se encuentran incrustados en un mundo caótico y vislumbran la inercia en el aparente cambio en la vida de las personas.Sin embargo, no todas las canciones del disco tratan de seguir adelante y dejar atrás sus relaciones pasadas; SZA sigue teniendo la tendencia a tomar decisiones “equivocadas” que pueden no acabar bien para ella (Too Late y F2F) y se cuestiona su valía en algunos casos (Special).La honestidad que evoca el proyecto musical de SZA y la fe depositada en exponer su vulnerabilidad y sus inseguridades como terapia permiten iluminar los rincones más siniestros del yo.Es ahí, en su interior, el lugar oscuro de la ira, donde su auténtico espíritu oculto crece y se alza de forma sólida y hermosa para hacerle frente a sus pesadillas, debilidades e impotenciasPero no para salir a la conquista del “hombre elegido” o para culminar en una especie de trascendencia de todo su destino romántico, sino, justamente, para exponer que no es una mujer unidimensional; una mujer “bendecida” por la seguridad del modelo de empoderamiento que niega la rabia y el sufrimiento femenino y lo sustituye por el júbilo, el entusiasmo y el optimismo emancipador.La música de Solána Imani Rowede no aspira a conquistar al mercado feminista joven (y negro) con emocionantes intentos de construcción de confianza al mejor estilo de los libros de autoayuda. Su propuesta pretende aprender a convivir con esa intimidad siniestra y el escrutinio de sí misma para fortalecer su existencia, los miedos que rigen su vida y, primordialmente, hacerle frente a los silencios que dominan los cuerpos de las mujeres negras.***SZA comparte tarima de Festival Estéreo Picnic con artistas como Phoenix o Hozier. A propósito, les recomendamos leer: Phoenix: ¿qué nos dice la banda sobre el amor, la libertad y la nostalgia?Hozier y las cosas hermosas que nos dejan ver el cielo
Rina Sawayama, Jaden Smith, Dove Cameron cancelan su show en Estéreo Picnic 2024. Los artistas estaban anunciados para el jueves 21, domingo 24 y viernes 22 de marzo respectivamente. Estos artistas se unen a la lista de cancelaciones de Estéreo Picnic 2024 en la que está Paramore, banda que canceló hace algunas semanas y fue reemplazada por Kings of Leon. El Festival Estéreo Picnic será del 21 al 24 de marzo en el Parque Simón Bolívar de Bogotá. ¿Quiénes son los artistas que cancelaron?Rina Sawayama nació en Niigata, Japón y emigró a Londres con sus padres a la edad de cinco años. En 2017, lanzó su EP debut, Rina. Después de firmar con Dirty Hit en 2020, lanzó su álbum de estudio debut, Sawayama. Su segundo álbum de estudio, Hold the Girl, se lanzó en 022. En 2023, Dove Cameron lanzó su álbum debut Alchemical: Vol 1, que fue precedido por el sencillo Boyfriend. Smith comenzó su carrera musical junto a Justin Bieber, cuando apareció en el sencillo de 2010 Never Say Never de The Karate Kid. Smith ha lanzado los álbumes de estudio Erys (2019) y CTV3: Cool Tape Vol. 3 (2020). En 2022, recibió una nominación al premio Grammy por Álbum del año como artista destacado en el álbum Justice de Bieber.Estéreo Picnic 2024 ¿Quiénes reemplazarán a Rina Sawayama, Jaden Smith, Dove Cameron?The Vaccines, Leisure y Saiko reemplazarán a Rina Sawayama, Jaden Smith y Dove Cameron. The Vaccines estará el próximo 24 de marzo, Leizure el próximo 21 de marzo y Saiko el sábado 23. The Vaccines es una banda británica de indie rock formada en Londres el año 2010. Leisure es un proyecto de música electrónica neozelandés de Auckland, formado en Muriwai en 2015. Miguel Cantos Gómez, más conocido como Saiko, es un cantante español de reguetón, pop y trap. Comenzó a rapear a los catorce años, formando en 2019 un dúo junto con su hermano, conocido como Wido y Saiko. En 2020 comenzó su carrera en solitario
“Eternas y míticas” son etiquetas que se le pueden achacar a bandas como The Beatles, The Doors, The Rolling Stones, Led Zeppelin, entre otras que vivieron su apogeo antes de los 80. Además de su música, el tiempo los ha consagrado. Pero en este milenio el indie pop de Phoenix no solo se ha adjudicado el derecho a cargar con estos dos adjetivos, sino que lleva con honor los calificativos de la fabulosa ave de la cual toma su nombre.La banda surgió a finales de los años 90 en Versalles, Francia, como un brillante faro de placer pop repleto de guitarras alegres y vibrantes, una voz dulce y melancólica, una batería energizante y un bajo simple y pegadizo que irrumpió para hacerle frente a la aparente mentalidad seria del rock alternativo de la época.Phoenix se presentará en el Festival Estéreo Picnic 2024. Aquí encuentran el cartel por días. De hecho, el grupo siempre ha tenido mucho menos parentesco con sus contemporáneos del grunge, el punk o el garage que con grupos pop de vanguardia de los 70 como Electric Light Orchestra y 10cc.¿Quiénes son los integrantes de Phoenix?Durante más de 25 años los cuatro integrantes de la banda —Thomas Mars (voz), Deck d'Arcy (bajo), Laurent Brancowitz (guitarra) y Christian Mazzalai (teclados)— han ofrecido un sonido que nos seduce y nos atrapa pero al mismo tiempo nos alerta y nos pone en guardia.La frescura y la energía juvenil de sus primeros temas, como Too Young y If I Ever Feel Better de su álbum debut, United, apuntaban a mostrar el periodo donde se pasa de pensar, de imaginar y de soñar la vida a vivir la vida con todas sus contradicciones.“Oh los tiempos difíciles llegaron // Y no me dejan esta noche // Desearía saber qué es lo que hacía // Solo deja que este espíritu sobreviva… Esta noche ha terminado // Y me siento muy joven”, canta Mars con su voz acaramelada para recordarnos que la etapa de inocencia ha terminado.¿Qué nos dicen las canciones de Phoenix sobre el amor y la libertad?Pero si Too Young habla de los cambios radicales de la vida, el paso de un umbral a otro o la muerte de una etapa, If I Ever Feel Better expresa algo mucho más perturbador sobre el mundo: la sensación de que los sueños de juventud se desvanecen junto a la idea que la libertad no es más que una simple ilusión para el alma de los ingenuos.United es un álbum efervescente, chispeante e intoxicante con dosis mínimas de ironía y sexo pervertido, en el que se recupera la frescura del indie rock de New York de principios de los noventa para, posteriormente, ser transportado a Francia.Los picos del disco se encuentran tanto en la fórmula de urgencia que describe la banda en varias de sus letras y melodías forjadas en un húmedo y oscuro garaje de París, como en la advertencia que nos hace sobre el secuestro de nuestra existencia y la fragmentación de nuestras relaciones sociales por parte del poder económico y político del actual sistema.¿Estamos condenados a vivir en un mundo donde la libertad es meramente una fantasía o podemos escapar a los límites del control?La respuesta que ofrece la banda a esta pregunta se encuentra en su segundo disco, Alphabetical, lanzado en marzo del 2004.Luego de llamar la atención con su primer álbum y alcanzar un relativo éxito al otro lado del Atlántico, Phoenix retoma en Alphabetical un sonido más suave, más sutil y más audaz, hasta el punto de recrear ritmos del pop de los 80 para decirnos que las cosas van a cambiar, pero no precisamente para mejorar ni para el bien de todos.El negativismo crítico de la banda se hace evidente en canciones como Everything is Everything y Run, Run, Run, las cuales evidencian que vivimos en un mundo donde todo lo que creamos queda hipotecado a otros y a los intereses de otros. “Las cosas van a cambiar // Y no para mejorar // No sé lo que significa para mí // Pero no tiene remedio, no tiene remedio… // Todo, es todo // Cuanto más hablo de ello, menos lo controlo // Todo, significa todo // No puedes entender ni una palabra, ni la mitad de lo que digo // Las cosas que poseo // A veces también me poseen // Lo que me van a hacer // Creo que no hay remedio, no hay remedio”.El mensaje es claro en Everything is Everything: no somos dueños de nosotros mismos de la misma forma que no poseemos lo que producimos; lo que producimos nos posee a nosotros, somos sus esclavos.Lisztomania, la nostalgia y la vida en pareja desencantadaReconociendo su inconfundible existencia como grupo, como programadores de nuevas formas de contar (y cantar) la experiencia del mundo actual, Phoenix, además de cautivar al mundo entero en el 2009 con el álbum Wolfgang Amadeus Phoenix, también se declara en un estado de nostalgia psicológica y soledad depresiva causada por la intensidad, la precariedad de la cultura del trabajo y la sobreestimulación digital que deja absolutamente exhaustas a las personas.En la popular Lisztomania, por ejemplo, la banda expone la agonizante voz de una persona que le ruega a su pareja apartarse de los intereses que desgastan y asfixian la vida para ir más despacio a pesar del desánimo que eso pueda causar en la relación.La insistencia de uno de los dos involucrados es por detener el frenesí de ese estilo de vida que consiste en hacer de todo —y a todo momento— para luego mostrar cada experiencia en una especie de show que solo es puesto en escena para despertar la envidia de los otros y para saciar su intriga. Lo que está implícito en el disco es que en ese estado insomne y sofocante todo se vuelve algo deserotizado; desesperadamente cansados, tristes, deprimidos, cortos de tiempo, energía y atención, la pareja cada vez más demandan soluciones rápidas y efectivas para seguir con el show.Ya convertidos en “superestrellas” en diferentes partes del mundo, la banda de amigos ha dado forma a su leyenda a través de lanzamientos hostiles pero enmascarados con tonos de desenfado. En su último álbum, Alpha Zulu, Phoenix demuestra que no han perdido nada de su soberbia ofreciendo canciones que tienen tanto de atemporales y divertidas como de críticas e irreverentes.No se trata de un típico álbum de indie pop elegante, triste y sin calorías, por el contrario, hay pasajes y sonidos oscuros que llevan a la introspección.Esto, por supuesto, se logró gracias al ambiente experimental y artístico que brindó el lugar de grabación: El Museo de Artes Decorativas de Louvre.El hecho de grabar en un lugar tan lleno de historias le proporcionó a la banda la oportunidad de retomar diferentes recursos culturales, así como la inspiración necesaria para combinar la efervescencia del synth pop, el EDM y toda la energía del indie rock, pero, sobre todo, los llevó a entender que todo el arte expuesto en el museo marca perfectamente bien nuestra distancia con la utopía por un mundo de otras formas.La banda describe el álbum como una mezcla de sonidos que recrean el “espíritu extraño de Frankenstein, pero con una vivacidad irresistible y embriagadora.La canción que da título al disco, Alpha Zulu, tiene un brillo enceguecedor y conmovedor que nos recuerda que el paso del tiempo es diferente al pasado, donde el segundo —y sus promesas— aún no ha ocurrido mientras que el primero, el paso del tiempo, evidencia las fracturas tanto en las relaciones íntimas como en las ruinas del mundo.El mundo en ruinas se evoca con nitidez en la canción Winter Solstice, una de las piezas centrales y más dolorosas del disco, donde una discusión deja una estela de fragmentos difíciles de volver a unir.“Ahora es difícil conectarse // Es muy difícil permanecer // Manteniendo las luces encendidas // Obligado al pasado // Gracias a Dios conoces tus caminos // Si esta vez es verdad // ¿Por qué molestarse en sorprenderte? // Estoy tratando de ganarme la vida // ¿Es eso algo que no te importa? // Bien // ¿Alguna vez pensaste que podría haber sido en nuestra vida?”.El mundo en transformación es lo que ha intentado capturar Phoenix en cada uno de sus discos.Su preocupación central se enmarca en cómo el tiempo cambia nuestras vidas, pero además cómo el tiempo nos acecha precisamente porque hay factores irrecuperables e irrepetibles.Cada álbum se enlaza hasta formar una red de emociones que consigue frenar —o al menos disipar— el efecto destructor del tiempo y recuperar la “felicidad” del pasado a través de la memoria.Al final, y mediante una visión muy proustiana, Phoenix nos confirma que los verdaderos paraísos siempre son los paraísos perdidos.***Si quieren leer más análisis de grupos de rock, acá escarbamos en el discurso de The Cure.
El drag ha sido para muchos refugio, expresión artística, y entretenimiento. ¿Qué signifca para los asistentes de Estéreo Picnic 2023? Esa fue la pregunta de Lola Mento, la drag del momento en el festival.
Los outfits se han convertido en un elemento clave en los festivales de música, y por supuesto, Estéreo Picnic 2023 no es la excepción. ¿Cuánto gastaron en su outfit? Eso le preguntó Lola Mento a lo asistentes.
La moda es clave en el Estéreo Picnic y en cada edición del festival vemos pintas sorprendentes. Lola Mento, la diva del momento, les preguntó a los asistentes qué tendencias de moda les gustaría cancelar. ¿Cuál agregarían?
Nacido en 1990 en la pequeña localidad irlandesa de Bray, Andrew John Hozier-Byrne -más conocido como Hozier- empezó a sonar en compañía de la renombrada Trinity Orchestra de Irlanda y el grupo coral de Anúna.Sumergido en la tradición musical de su país e imbuido por las contradicciones sociales de Irlanda, Hozier debutó como solista de manera decidida en el 2014 con la canción Take Me to Church: un lúgubre sermón antigospel que evidenciaba las humillaciones y la hipocresía de la iglesia católica por medio de una voz coral corrupta e impregnada de gracia y dramatismo gótico.La canción se convirtió en un nuevo evangelio que expresaba tanto un lamento como un aullido contra la opresión institucional que viven las personas LGBTQ+.Esto le valió no solo obtener cinco álbumes platino en Estados Unidos o encabezar las listas de éxitos de docenas de países, sino que además le permitió ser reconocido como una de las voces que le canta directamente a los poderes institucionales.La rabia y romanticismoDesde entonces, la música de Hozier ha estado inspirada por la dicotomía entre la rabia y el romanticismo; la rabia que provoca el cinismo de una clase dominante que vive absolutamente cómoda mientras otros sufren; y por otro, el romanticismo que invita a expandir la mirada y a pensar en las posibilidades de concebir la vida de otras maneras.El álbum debut —homónimo— de Hozier está compuesto por una conciencia retro de sonidos del rock & roll, guitarras bluesy y melodías evocadoras del folk que resultan conmovedoras en ciertos pasajesPero lo más llamativo es su narración: sincera en cada una de las canciones que se combinan con la nostalgia del sonido del pasado y la negatividad del presente.En Angel Of Small Death & The Codeine Scene, por ejemplo, el cantautor irlandés se niega a comprar la felicidad colectiva que se vende en los centros comerciales y las sesiones de coaching que insensatamente promueven “que lo que uno piensa de la realidad es más importante que la realidad misma”.Hozier se niega a esto y, como dice en la canción a modo de lamento:Se negó a convertirse en un artista obediente que tiene que ajustar su termómetro emocional para responder a las expectativas de la industria.Su rabia y la imposibilidad de acomodarse al estado de precariedad e inseguridad que ofrece el mundo actual solo se pronunciaría más en Wasteland Baby del 2019.El álbum está compuesto por el sonido del soul oscuro, el folk discreto, las melodías espectrales del blues-rock y lo sombrío de las baladas que rozan entre la furia y la destrucción.El lenguaje de las canciones es explosivo, estremecedor, contradictorio, dramático y convulsivo. Nos muestra que es necesario que el mundo —tal cual como lo conocemos hoy— debe colapsar si queremos una nueva y mejor sociedad.En una de las canciones más fascinantes del álbum, Nina Cried Power, Hozier retorna a las figuras de James Brown, Joni Mitchell, Woody Guthrie y Nina Simone para crear un himno de protesta y recuperar el espíritu de la acción colectiva de la música.Junto a Mavis Staples —quien encarna ese espíritu de la acción— cantan con furia justiciera y agradecimiento:¡Pero no teman!No es un álbum pesimista, a pesar de que el tema se desvíe ocasionalmente hacia el fin de los tiempos, se trata de un álbum que sacude el campanario de las instituciones para llamar la atención sobre el brillo de las cosas que se proyecta en la retina de las personas sin dejarlas ver.No es sorpresa, entonces, que el artista irlandés intentara ir más allá de esa luz que brilla y enceguece buscando afectar el cambio.En su último álbum, Unreal Unerearth (2023), Hozier se apoya en algunas fuentes literarias clásicas como La Divina Comedia de Dante y The Third Policeman de Flann O’Brien para hacer un viaje extraordinario que muestra la devastación del mundo causada por el colonialismo y la locura que generó el encierro durante la pandemia.No es un “álbum pandémico”, es un disco que atraviesa los nueve círculos del infierno de la epopeya de Dante para demostrarnos que a pesar de la existencia de corporaciones, gobiernos y políticos que intentan llevar a la sociedad a la puerta del infierno siempre está la posibilidad de encontrar esas grietas que dejan ver algunas de las cosas más hermosas que lleva el cielo.***Hozier es uno de las cabezas del cartel del Festival Estéreo Picnic 2024. Acá les dejamos TODO lo que tienen que saber sobre el festival.
El Festival Estéreo Picnic, uno de los eventos musicales más esperados en Colombia, anunció un cambio significativo para el año 2024. Se trasladará, desde el campo de golf Briceño 18, al corazón de la ciudad: el Parque Metropolitano Simón Bolívar. Este cambio marca un hito en la historia del festival y promete una experiencia renovada para sus asistentes.Tras varias ediciones celebradas en el pintoresco campo de golf de Briceño 18, el Festival Estéreo Picnic busca explorar atraer a un público aún más diverso. Este parque ha sido sede de eventos emblemáticos como Rock al Parque y, desde 2022, el festival Cordillera, que culmina a la 1 am.La decisión de cambiar la locación ha sido recibida con entusiasmo por parte de los asistentes, ya que elimina las largas travesías hasta Briceño, que solían llevar entre 2 y 5 horas en el peor de los casos. El anuncio promete hacer el festival más accesible, reducir la fatiga del viaje y aprovechar la importancia del Parque Simón Bolívar, siguiendo la línea de accesibilidad que avanzaron con éxito en el festival Cordillera.La noticia ha generado expectativas positivas, pero también algunas preocupaciones. Los asistentes esperan que la Alcaldía de Bogotá garantice soluciones de transporte para una experiencia óptima en la llegada y la salida. ***Como es costumbre cada año, nos vamos de cabeza al Festival Estéreo Picnic y hacemos un especial de contenidos. Acá lo pueden visitar.
En una revelación que podría cambiar por completo la dinámica del Festival Estéreo Picnic, el alcalde electo de Bogotá, Carlos Fernando Galán, publicó un video la noche del jueves 23 de noviembre, sugiriendo que la icónica celebración musical podría mudarse al Parque Simón Bolívar en el 2024. A pesar de la falta de confirmación oficial, la noticia ha encendido la expectativa entre los fanáticos del festival.Si bien la noticia aún no se ha confirmado, la posibilidad de que el Festival Estéreo Picnic abandone su ubicación tradicional en el campo de golf de Briceño y se traslade al corazón de Bogotá ha desatado una ola de especulaciones y emoción entre los seguidores del evento musical más esperado en Colombia.La expectativa está en aumento, y , la atención se centra en Páramo, empresa organizadora del festival, y en cómo responderá ante esta propuesta de cambio de locación. La posibilidad de que el Festival Estéreo Picnic encuentre su nuevo hogar en el Parque Simón Bolívar ha resonado fuertemente entre los fanáticos, y muchos ven esto como un paso audaz y acertado.Sin embargo, no todos están de acuerdo con la idea. Un comentario en Twitter mencionó que parte de la experiencia del festival radicaba en la travesía hasta Briceño. Aunque este punto de vista representa una minoría, refleja la diversidad de opiniones sobre un posible cambio de esta magnitud.De momento, el festival no ha anunciado su ubicación para 2024, así que muchos esperan que una locación dentro de la ciudad se haga realidad.
Furiosa, la película protagonizada por la actriz Anya Taylor-Joy, tuvo su preestreno durante el Festival de Cine de Cannes y causó una gran ovación. Esta entrega hace parte Mad Max, la franquicia del cineasta australiano George Miller, que vuelve a la pantalla grande después de nueve años de su última película, Mad Max: Fury Road. Este mundo distópico se creó en 1983 y desde entonces ha sido muy característico con sus dunas de arena, los camiones monstruo, los carros avanzados, los mutantes merodeadores y los nombres peculiares de este universo. En Colombia, la película (de 168 millones de dólares de presupuesto) llegará a cines el 23 de mayo. Se podría decir que Furiosa tiene un gran peso encima por las expectativas que caen sobre la película. Esto debido a que Mad Max: Fury Road fue un completo éxito: obtuvo 10 nominaciones en los Oscar 2016 y se llevó 6 de estos, de 350.000 dólares, recaudó en taquilla a nivel mundial más de 379.000 millones de dólares y obtuvo una calificación del 97% en Rotten Tomatoes. Sin embargo, después de la ovación de pie durante siete minutos el día de su estreno, parece ser que la película protagonizada por Anya Taylor-Joy y Chris Hemsworth, entre otros, recibirá muchas críticas positivas. Ahora nos queda por preguntarnos: ¿superará a su antecesora? Trailer oficial de 'Furiosa'¿De qué trata 'Furiosa'? La película se sitúa en un mundo postapocalíptico en donde todo ha perdido su valor y los que dictaminan las leyes son, de los que quedan, los más fuertes. La protagonista, Furiosa (Anya Taylor-Joy), es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres. Por esto, termina con un grupo de motociclistas liderados por el Señor de la Guerra Dementus (Chris Hemsworth). Todos recorren Wasteland hasta dar con la Ciudadela dirigida por el Inmmortan Joe (Lachy Hulme). Mientras los dos titanes se destruyen y luchan por el poder, Furiosa deberá pelear con muchos más obstáculos para volver a casa. **Les recomendamos leer: Las mejores películas post-apocalípticas de la historia
La Eterna, festival que se realizará el próximo 3 de agosto en el marco de la Feria de las Flores 2024, anunció su cartel oficial con ocho artistas de estarán en el Estadio Atanasio Girardot de Medellín.Los encargados de La Eterna fiesta en la ciudad serán: el ícono mundial de la salsa Marc Anthony; La Luna de América, Ana Gabriel; uno de los pioneros y máximos exponentes del reggaetón en el mundo, Nicky Jam; la revelación del Regional Mexicano, Xavi; el cantautor colombiano, Fonseca; el cantante de música vallenata, Elder Dayán Diaz; los merengueros de Proyecto Uno; y la artista urbana Nath.Marc Anthony también estará en Bogotá el próximo 1 de agosto en el Coliseo Live. Proyecto Uno estuvo en Colombia en marzo pasado como parte del cartel de Estéreo Picnic. Sin duda, los artistas más importantes de la música latina que seguirán consolidando a Medellín como la capital eterna de la música con ritmos que van desde la salsa, rancheras, reggaetón, merengue, urbano y vallenato, los cuales pondrán a bailar a más de 42.000 asistentes.La Eterna, Festival de las Flores, se realizará por primera vez en el 2024 y es organizado por CMN Breakfast Club (Creadores del Festival La Solar) y La Industria INC (Una de las más importantes agencias de managenent y booking en Colombia).En su primera edición contarán con zonas alternas del estadio con experiencias diferenciales, dos escenarios, e infinitas actividades para todos los asistentes.Las entradas estarán a la venta con precio especial desde el miércoles 22 de mayo a las 10:00 a.m. en la página web oficial de la tiquetera: www.taquillalive.com. Para más información puede estar atento a las redes sociales @laeterna.mde, @cmnevents, @breakfastclub y @laindustriainc.
Para quienes no sabían quién es Sabrina Carpenter, el anonimato duró poco debido a dos eventos gigantes en los que participó a finales del 2023 y a principios 2024. Por un lado, la artista estadounidense de 25 años fue la telonera de varios de los conciertos de The Eras Tour, la gira mundial de Taylor Swift. Por el otro, Sabrina Carpenter se presentó en el Coachella 2024, un macrofestival al que asisten alrededor de 125.000 personas por día. Por el mismo tiempo del festival, Sabrina estrenaba su canción Espresso que se volvió tendencia en redes sociales tan rápido que muchos aseguraron que podría ser la canción del 2024. ¿Quién es Sabrina Carpenter? Sabrina Carpenter nació el 11 de mayo de 1999 en Quakertown, Pensilvania, Estados Unidos. Se crió junto a sus tres hermanas mayores Sarah, Shannon y Cayla. Carpenter fue educada en casa. Su papá, David, le construyó un estudio de grabación para que practicara y cultivara su pasión por la música. Sus apariciones al público empezaron en el 2011 cuando, por un lado, quedó de tercer lugar en un concurso de canto dirigido por Miley Cyrus, The Next Miley Cyrus Project, y debutó en televisión como actriz en Law & Order: Special Victims Unit. Dos años después, en el 2013, consiguió un papel recurrente en la serie The Goodwin Games. Su primer protagónico fue en Girls Meets World en el 2014 y su primera película Adventures in Babysitting en el 2016, ambas producciones de Disney Channel. Su carrera musical empezó en el 2014. Ese año, Sabrina Carpenter lanzó su primer sencillo Can't Blame a Girl for Trying y un EP homónimo. La música de Sabrina Carpenter Un año después de lanzar su primer sencillo y su primer EP bajo el mismo nombre, en el 2015, Sabrina Carpenter publicó su álbum debut Eyes Wide Open. El disco tiene 12 canciones entre las que están The Middle of Staring Over, Two Young Hearts, Darling I’m a Mess y Best Thing I Got. En el 2016, Carpenter sacó su segundo disco de estudio EVOLution, seguido por Singular Act I (2018) y Singular Act II (2019). Su quinto álbum es emails i can't send y el sexto emails i can't send fwd:, lanzados en el 2022 y en el 2023 respectivamente. Su primer sencillo del 2024 fue Espresso. El video oficial de la canción consiguió más de 26 millones de vistas en un mes. En Spotify la artista norteamericana tiene 56.6 millones de escuchas. En el top cinco de las canciones más reproducidas están: Espresso, Feather, Nonsense, because i like a boy y Looking at Me. ***Les recomendamos: La película de la gira de Taylor Swift, 'The Eras Tour', llega a Disney
Siete años después de que Pretty Little Liars se acabara (con 160 capítulos), Tammin Sursok (quien interpretaba a Jenna Marshall) y Lindsey Shaw (Paige McCullers) crearon el podcast Pretty Little Liars: True Crime. Este es un programa en el que los fanáticos de la serie podrán revivir los momentos más tensionantes e interesantes de la serie con historias sobre el detrás de cámaras nunca antes revelados por parte de las actrices. Además, al final de cada episodio, el especialista forense e investigador de muertes, Joseph Scott, analiza con las host los giros y los crímenes de Pretty Little Liars. Aunque hasta el momento solo se han estrenado tres episodios, las actrices ya demostraron que este será un podcast que contará con invitados, ya que en el segundo episodio estuvo la actriz y una de las protagonistas de la serie, Sasha Pieterse (Alison Dilaurentis). "Desde descifrar los mensajes crípticos de "A", hasta cuestionar cuántos hermanos secretos puede tener una ciudad, no dejamos piedra sin remover en nuestra búsqueda de respuestas. ¡Así que toma tu sudadera con capucha negra, tu bebida favorita y prepárate para reír, jadear y estremecerte junto con nosotros mientras desentrañamos los misterios de Pretty Little Liars como nunca antes!", se lee en la descripción del podcast. ¿De qué trataba 'Pretty Little Liars'? Basada en las novelas de Sara Shepard, la productora Marlene King desarrolló la serie Pretty Little Liars. Un drama adolescente de misterio que duró siete temporadas y un total de 160 episodios. Alison DiLaurentis, Aria Montgomery, Emily Fields, Hanna Marin y Spencer Hastings eran muy amigas hasta la desaparición de su líder, Alison. Después de un tiempo, las cuatro jóvenes empiezan a recibir mensajes anónimos de "A", alguien que por alguna razón sabe todos sus secretos y sus mentiras. En el elenco estaban Troian Bellisario, Shay Mitchell, Ashley Benson, Lucy Hale, Sasha Pieterse, Ian Harding, Janel Parrish y Keegan Allen, entre otros. Desde el 2010 al 2015, la serie recibió varias nominaciones y premios por parte de Teen Choice Awards, People's Choice Awards, GLAAD Media Awards, Gracie Allen Awards y Young Hollywood Awards, entre otros.
Kool and The Gang es una de las agrupaciones más representativas del funk. La banda estará junto a Village People en Boogie Nights, este 15 d emay oen el Movistar Arena. Tras 50 décadas de carrera, Kool and The Gang sigue siendo recordado gracias a hits como Celebration, Ladies Night, Cherish, Jungle Boogie, entre muchas otras. Recientemente se anunció que la icónica banda se unirá al Salón de la Fama del Rock, en noviembre próximo.Kool & the Gang llevó el funk hasta lo más alto con una mezcla de composiciones pop, voces fantásticas y una sección de viento espectacular. Formados en Jersey City, Nueva Jersey, en 1964, los hermanos Robert “Kool” y Ronald Bell comenzaron en clubes, dominando un repertorio de estándares de jazz y versiones de Motown. En 1969, firmaron con la recién formada De-Lite Records y lanzaron el instrumental dinámico "Kool & the Gang". Su gran oportunidad llegó en 1973 con el álbum Wild and Peaceful, que se inclinó profundamente hacia ritmos funky, arreglos de trompeta y voces coreadas en las canciones “Funky Stuff”, “Jungle Boogie” y “Hollywood Swinging”, tres clásicos instantáneos de la pista de baile. En la década de 1980, Kool & the Gang incorporó al vocalista principal James "J.T." Taylor y lanzó dos grandes éxitos: Ladies Night y Too Hot. Con esto, lograron algo poco común en la industria de la música: mantener a los fanáticos que amaban sus raíces funky, mientras llegaban a una audiencia completamente nueva sintonizada con su creciente sensibilidad pop. En 1980, volaron el techo con el éxito internacional "Celebration" y produjeron diecinueve sencillos en las listas de éxitos durante la década.El impacto de Kool & the Gang no puede subestimarse: desde los ritmos retro de Mark Ronson y Bruno Mars hasta la inclusión de las canciones del grupo en casi todas las listas de reproducción de fiestas. Su música las bases para algunos de los mayores éxitos del hip-hop de artistas como Eric B. & Rakim, Tupac, Lil’ Kim y JAY-Z.¿Cómo nació Celebration?"Celebration realmente nació por Ladies Night", nos contó Robert Bell cofundador de la banda (. La premisa de Ladies Night es "esta noche es tu noche vamos a celebrar". Acabábamos de ganar 2 American Music Awards, y a mi hermano se le ocurrió otra idea, dijo "Vamos a celebrar. Esa es otra canción. Así que juntó un track y varias ideas. Cuando llegamos a Nueva Jersey me dice "escucha esto" y yo "WOW". Eso suena bien porque tiene algo de country, algo de rock, algo de una canción básica. ¿Sabes? Hay otras Celebrations, la de Madonna, por ejemplo. Pero hemos sido bendecidos por tener la Celebration de 1980 que incluso sonó en la estación espacial". En 2011, la NASA incluyó Celebration en una playlist especial para despertar a los astronautas.