Antes de subirse al escenario del espectáculo de medio tiempo del Super Bowl 2022 se dio a conocer el nuevo proyecto del californiano Kendrick Lamar que no tiene nada que ver con su importante figura como músico. Contenido recomendado | Las 5 leyendas del hip hop que protagonizarán el medio tiempo del Super Bowl 2022El ganador del Premio Pullitzer de música por el álbum DAMN trabajará con los ganadores del Premio Emmy Matt Stone y Trey Parker, conocidos globalmente por ser creadores de la serie de dibujos animados South Park. El proyecto es una película de comedia de live action producida por PGLang Company, empresa de Kendrick Lamar y su compañero Dave Free. Esta cinta se proyectará en algunas salas de cine por distribución de Paramount Pictures y luego estará de forma exclusiva en la plataforma de suscripción paga Paramount+.Para leer | South Park: cuando la incorrección política no tiene límitesSon pocos los detalles que se conocen del proyecto que, hasta el momento, no tiene un nombre definido, pero que tendrá su rodaje en las próximas semanas: justo después de que Lamar se presente en el Super Bowl con Eminem, Dr. Dre, Mary J Blige y Snopp Dogg.Lamar ha sido ganador de grandes reconocimientos por su aporte a la indusria de la música: tiene varios premios Grammy, BET, Billboard y American Music Awards. Además, tiene una nominación a los premios Oscar de la Academia por crear la canción All Stars para la banda sonora de la película Black Panther de Marvel.En video | Encanto: ¿una película sobre la violencia y la familia en Colombia? - Shock¡El lado S de la música, el cine y la televisión!
Las protestas en varias ciudades de Estados Unidos exigiendo justicia tras la muerte de George Floyd han resonado en todo el mundo y, por supuesto la música no ha sido ajena. La legendaria Fuck Tha Police, de N.W.A, registró un crecimiento en sus "streams" del 272%, entre el 27 de mayo y el 1 de junio, según cifras de Alpha Data. Fuck Tha Police es una canción que, después de más de 30 años, sigue siendo un referente de racismo y violencia policial. Es considerada una de las 500 mejores canciones de la historia, según Rolling Stone. Otra de las canciones que volvió a treparse a los primeros lugares fue This Is America, de Childish Gambino, una mirada crítica a la sociedad estadounidense y a lo que implica ser negro en ese país. Gambino contrasta la representación perfecta de Estados Unidos en la cultura pop, con realidades como el abuso policial o el control de armas, que afectan a miles de personas. Fight The Power de Public Enemy también ha sido una de las más escuchadas. El sencillo tuvo un crecimiento del 655% en sus "streams" en la última semana. Es una de las canciones fundamentales del hip hop y perteneció a la banda sonora de la icónica Do The Right Thing, de Spike Lee, gracias a lo cual se convirtió en un himno y una declaración política. Los "streams" de Alright, de Kendrick Lamar, subieron en un 787%. De su exitoso To Pimp a Butterfly, esta canción recibió cuatro nominaciones en los Grammy, en las categorías de Canción del año, Mejor Video, Mejor canción de rap y Mejor actuación de rap (ganó en las últimas 2). Surgió en el mismo en 2015, cuando el movimiento Black Lives Matter obtuvo gran popularidad. La canción de James Brown Say It Loud (I’m Black and I’m Proud) también registró un crecimiento en sus streams. Fue considerada un himno no oficial para el movimiento Black Power en los 70.
El 30 de julio de 2018 finalizó en Seúl, Corea del Sur, la gira mundial DAMN de Kendrick Lamar. A pesar de que el tour finalizó, se anunció que el rapero extendería su gira a estos festivales en Sudamérica: Lollapalooza Brasil, Chile, Argentina y el Festival Estéreo Picnic en Colombia. Nueva razón para entender la grandeza de Kendrick Lamar: ganó Premio Pulitzer Con 31 años, Kendrick se ha convertido en uno de los exponentes más relevantes de hip hop en el mundo y constantemente es llamado por críticos y colegas como el nuevo rey del género. En sus liricas Lamar aborda temas como el racismo, la injusticia social y la esclavización. Su trabajo como artista ha sido respaldado por entidades como los Billboard, Grammy, Pullitzter, TIME, Rolling Stone, entre otros. La llegada de Lamar a Bogotá es una de las más esperadas de la edición X del Estéreo Picnic. El creador de Humble, Alright, All The Stars y Bitch, Don’t Kill My Vibe se subirá al escenario principal del FEP el viernes 5 de abril a las 12:15 de la media noche. Estas son las canciones que interpretará Kendrick en el festival - DNA - Element - King Kunta - Big Shot - Goosebumps - Collard Greens - Swimming Pools (Drank) - Backseat Freestyle - LOYALTY - LUST - Money Trees - XXX - m.A.A.d city - PRIDE - LOVE - Bitch, Don’t Kill My Vibe - Alright - Humble ENCORE - All the Stars #LaMúsicaNosUne
La temporada de premios (Globos de Oro, SAG Awards, Critic's Choice, los Óscar, entre otros) fue hecha para homenajear lo mejor de cine Hollywoodense. Sin embargo, dentro de algunos de estos galardones hay categorías con una importancia mayúscula que destacan el talento de los músicos. Las categorías Mejor Banda Sonora y Mejor Canción Original nos ha mostrado que varios ganadores de premios de la industria musical como los Grammys también han sido nominados y ganado en el mundo del cine. Para este 2019 Lady Gaga por Shallow y Kendrick Lamar por All Stars podrían unirse a un listado lleno de estrellas entre las que se destacan Adele, Sam Smith, John Legend, Jorge Drexler, Annie Lennox, Eminem, Bob Dylan, Giordio Moroder, Bruce Springsten, Lionell Richie, Stevie Wonder y Elton John, entre otros. Aquí le mostramos un poco de esos ganadores que tienen un lugar de honor en la industria musical y que han sido reconocidos por la Academia de Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos con uno de esos codiciados Premios Óscar. MEJOR CANCIÓN ORIGINAL 1976: Evergreen – Barbra Streisand de la película A Star is Born 1983: Flashdance... What a Feeling – Giorgio Moroder de la película Flashdance 1984: I Just Called To Say I Love You – Stevie Wonder para la película The Woman In Red 1985: Say You, Say Me – Lionel Richie para la cinta White Nights 1986: Take My Breath Away – Giorgio Moroder para la película Top Gun 1993: Steets Of Philadelphia – Bruce Springsteen para la película Philadelphia 1994: Can You Feel The Love Toinght – Elton John para película El Rey León 2000: Things Have Changed – Bob Dylan para la película Wonder Boys 2002: Lose Yourself – Eminem para la película 8 Mile 2003: Into the West – Annie Lennox para la película El Señor de los anillos: El retorno del Rey 2004: Al Otro Lado Del Rio – Jorge Drexler para la película Diarios de Motocicleta 2012: Skyfall – Adele para la película Skyfall 2013: Glory - John Legend & Common para la película Selma 2014: Writing’s On The Wall – Sam Smith para la película Spectre BANDA SONORA 1970: Let It Be de The Beatles 1978: Midnight Express de Giorgio Moroder 1984: Purple Rain de Prince 1986: Round Midnight de Herbie Hancock 2005: Brokeback Mountain de Gustavo Santaolalla 2006: Babel de Gustavo Santaolalla 2010: The Social Network de Trent Reznor y Atticus Ross Los únicos latinos que han ganado premio Óscar en las categorías musicales son el argentino Gustavo Santaolalla y el uruguayo Jorge Drexler. Recomendado: Premios Óscar 2019: Esta es la lista definitiva de nominados
El álbum DAMN. de Kendrick Lamar le mereció el Premio Pulitzer de música y lo grande de la hazaña es que es la primera vez que un artista no clásico o de jazz se gana uno de los mayores reconocimientos. Kendrick Lamar llegó desde Compton para inyectarle una vitamina importante al hip hop en el mundo. Cuando lanzó To Pimp a Butterfly el mundo entero se rindió a sus pies y se proclamó como un nombre gigantesco en el género. Por eso DAMN, aunque es su quinto disco, tenía una presión sobre el hombro: ser el sucesor perfecto de esa obra maestra. ¿Lo logró? Sí y mil veces sí - claro, si los miramos como dos trabajos que tienen líneas distintas-. En esta última joya podemos escuchar cómo Kendrick se pasea de una admirable por los terrenos del rap a lo vieja escuela, pero sin dejar de lado esos elementos refrescantes y entusiastas. Hay furia, pero también se le escucha relajado, hay espacio para el amor y las relaciones (como podemos escuchar en Loyalty, su canción Feat. Rihanna) y para la política (como en XXX su canción feat U2). DAMN es rico en todo el sentido de la palabra. La recomendada: Element, escrita y producida que por el mismísimo James Blake. Una razón más para entender porqué es uno de los raperos más importantes de nuestra generación.
Fue lanzado a inicios de febrero y hace dos semanas se trepó al número uno de la lista de Billboard por haber alcanzado 154.000 unidades vendidas. Pero más allá de los números, que solo ubican al público del hip hop y del afrofuturismo como un brazo de fortaleza económica considerable, Kendrick está haciendo historia en la industria y en la cultura pop. La suma de una audiencia dispuesta y un producto cultural sólido hizo ebullición y explotó con este álbum. Por un lado, está el empoderamiento afro: millones de jóvenes negros, ciudadanos americanos y del mundo, están fortaleciendo una movida cultural sin precedentes que se ha manifestado en festivales como el afropunk, movimientos como el Black Lives Matter y centenares de proyectos musicales de calidad en R&B, blues y, por supuesto, hip hop, el pop de hoy. Kendrick Lamar es una de las banderas de la visibilización de ese fenómeno. A eso hay que sumarle, por supuesto, la película de Marvel, Pantera Negra: un superhéroe negro, pulcro y justiciero. La narrativa favorita de los gringos puesta al servicio de todos, abierta para que cualquiera se sienta identificado. (Vea también: Afropunk, el paraíso del black power) Puesto en ese contexto efervescente, el disco logra reunir una variante de influencias que cruza lo afro y urbano con lo digital, con la electrónica. De hecho, la lista de invitados al álbum reúne a varios de los artífices de ese despliegue de talento negro y cargado de estilo. Basta con ver el video del track All the Stars con SZA o con escuchar como el blues y el canto de los lamentos se fusiona con el hip hop en Seasons, un track hecho con Mozzy, Sjava y Reasons. Si Kendrick Lamar Y The Weeknd son el presente, nombres como SZA, Anderson Paak, Khalid, Vince Staples o Jorja Smith son el futuro. Si quieren darle play al Black Panther The Album Music From And Inspired By y sus 14 tracks, acá se los compartimos vía YouTube. (Vea acá nuestro especial de contenidos sobre la película de Marvel Pantera Negra)
Hace pocos días presentamos lo nuevo de Kendrick Lamar, All the Stars, la canción en compañía de la gran SZA para la banda sonora de Black Panther. El lanzamiento estuvo acompañado de un video igual de poderoso, una pieza magistral llena de elementos poderosos con significados por todos lados. Kendrick Lamar con un ejército de panteras, SZA flotando en la vía láctea y el mismo Lamar navegando en un río de humanos. Sin embargo, el video ha vuelto a tomar fuerza pero esta vez por las acusaciones de plagio que hace la artista británica-libanesa Lina Iris Viktor quien dice que en el video hay imágenes bastante similares a las de su obra “Constellations”. La artista declaró que, aunque en el pasado los productores de Marvel se pusieron en contacto ella, nunca llegaron a ningún acuerdo y ahora misteriosamente el video sale al aire con referentes iguales. Comparen ustedes.
Ya estamos acostumbrados a que Kendrick Lamar nos vuele la cabeza con las piezas visuales que acompañan sus joyas sonoras y esta vez no fue la excepción. Ya hay video de All the Stars, la canción en compañía de la gran SZA para la banda sonora de Black Panther. El clip fue dirigido por Dave Meyers y es un estallido de elementos poderosos con significados por todos lados. Kendrick Lamar con un ejército de panteras, SZA flotando en la vía láctea y el mismo Lamar navegando en un río de humanos. Todo el soundtrack fue curado por el mismísimo Kendrick, otra razón más para ir este 15 de febrero a ver Black Panther.
Escarbamos, discutimos, deliberamos y nos propusimos a escuchar discos nuevos todos los días hasta que las orejas y los audífonos no dieran más. Todo para hacer un listado que hablara de lo que pasó este año con la música en el mundo; uno con lo que más nos gustó a los que trabajamos en esta redacción (con la subjetividad que eso implica), pero abiertos a las posibilidades sonoras de rincones poco explorados del mapa, de proyectos que se salieran de los tops comerciales; obviando el aburrido argumento de las reproducciones en YouTube. Compilamos 50 joyas. 2017 fue afrofuturismo, antitrumpismo, feminismo, realidad virtual y vanguardismo. Tuvo mucho hip hop, mucho R&B y muchos viejos conocidos que volvieron. (Pásense también por los listados de Los mejores discos locales y Las 50 canciones criollas más elegantes de 2017 Y vuelvan a nuestro especial por los listados latinoamericanos). Con ustedes, una fina y elegante selección musical de los discos que se estrenaron este año (con algunas ausencias decretadas por escritorio por no haber sido lanzadas en el tiempo que eran, como el álbum de Childish Gambino -que salió a finales de diciembre de 2016- o un Eminem fuera de concurso -que estrenó el álbum después de las votaciones-). Participaron, escucharon, deliberaron, se enloquecieron y escribieron en esta lista: Mariangela Rubbini (MR), José “Pepe” Plata (PP), Jenny Cifuentes (JC), Juan Pablo Castiblanco (JPC), Nadia Orozco (NO), Johana Arroyave (JOA), Fabián “Chaka” López (FL), Alfred Lord (AL), Victoria Cornejo (VC). Votaron también: Zaida Rojas, Jennifer Gómez. #50 Silver Eye Goldfrapp Glamoroso electropop. En su séptimo álbum el dúo aúlla a la luna, pone a sonar una canción inspirada en un documental sobre niños transgénero, otra en la que un hombre se convierte en tigre, y temas con letras que vuelan por cielo y océano en espirales electrónicos. Esta vez, con la colaboración del productor Bobby Krlic, aka The Haxan Cloak, y John Congleton, - quien ha puesto su mano en trabajos de St. Vincent o Wild Beasts-, sin cambios abruptos, Goldfrapp saca al frente los sintetizadores para ofrecer piezas hipnóticas y dramáticas de hermoso brillo. (JC) #49 Automaton Jamiroquai 21 años después del lanzamiento del que fue, sin duda, su mejor álbum, Travelling Without Moving, y tras siete años de silencio, Jamiroquai volvió al ruedo con Automaton. Un disco al que le podrán criticar que no propone nada nuevo, que suena parecido a lo que produjeron en la era dorada. ¿Acaso hay que pedirle más al tipo que hizo popular el acid jazz y que concretó el disco de funk más vendido de la historia? Después de lanzar Automaton, un primer sencillo en el que parecía que Jamiroquai volvería con un sonido más electrónico, tal vez más cercano al modern disco o al french house, Jay Kay nos recordó que era el dueño de un sello y de un estilo, canciones como Cloud 9, Superfresh, Something About You y Carla hacen que su regreso valga la pena. (FL) #48 Soul of a Woman Sharon Jones & the Dap-Kings Durante años, miles de caras se vieron rendidas ante la garganta privilegiada de Sharon Jones. El último álbum de la heroína del soul contemporáneo, que murió de cáncer en noviembre del año pasado y estuvo dando shows hasta sus últimos días, es una obra exuberante. Once canciones efervescentes que llevan impresas sus emociones, su pasmosa versatilidad vocal y se regodean con tremenda banda entre vientos y cuerdas, quedaron plasmadas en un vinilo. En el lado A exhibe interpretaciones más crudas que trepan fortalezas del blues y del góspel, y el lado B, una intención más orquestal y elegante. Sharon Jones: soul, genio y figura. (JC) #47 Prophets of Rage Prophets of Rage Tom Morello, Tim Commerford, Brad Wilk (Rage Against The Machine, Audioslave), Chuck D, DJ Lord (Public Enemy) y B-Real (Cypress Hill) debutaron con un álbum aplastante, con alta carga política y social. En cortes como Unfuck the World, anti Trump con video dirigido por Michael Moore; Living on the 110, sobre la desigualdad económica, inspirado en miles de personas sin hogar que viven bajo una autopista en Los Ángeles, (de las banderas de su gira Make America Rage Again que donó gran parte de sus ingresos a “los sin techo”); o Who Owns Who, que aborda la injusticia social, recalcan su objetivo: usar la música como arma. (JC) #46 Jungle Rules French Montana Este fue el regreso a la vida -literalmente- de French Montana. Después de cientos de problemas personales, uno de sus mejores amigos asesinados y el lanzamiento no autorizado de su disco, bajo el nombre de MC4, el francés volvió con todos los poderes para presentar un álbum que mezcla los sonidos más deliciosos de la vida: trap, dancehall y hip hop. Una entrega llena de luz para los fans y para el mismo cantante, quien gracias a Jungle Rules volvió a Marruecos, su ciudad de origen, e incluyó en Unforgettable las raíces más destacadas de este lugar. Encontró un grupo de jóvenes bailarines por Youtube e hizo de esta canción un éxito completo, tanto que lo trajo a Latinoamérica y se atrevió a hacer un remix con J Balvin. El álbum cerro el año encabezando el top 100 de los mejores discos de 2017 en el listado de los Bilboard. (JA) #45 La Confusion Amadou & Mariam Se conocieron cuando Amadou era profesor del Instituto para Ciegos de Malí y Mariam era estudiante y ya llevan más de 37 años de carrera. La Confusion es su duodécimo álbum y fue grabado en París. Como es usual en el dúo este disco habla de la situación actual de Malí, que desde el 2012 ha estado en manos de extremistas Islámicos que imponen sus reglas y vetan a los músicos de sus propias ciudades. En el track con el mismo nombre del álbum hablan de lo confuso que es vivir en un lugar en guerra, “El ratón jugando con el gato, el gato jugando con el perro, el perro con el león, no sabemos dónde poner la cabeza”. (VC) #44 The Temple of I & I Thievery Corporation De entrada, el nuevo disco de este par de DJ, Rob Garza y Eric Hilton, empuña la bandera del rastafarianismo. I & I es la forma en la que los jamaicanos creyentes en la divinidad del emperador etíope Tafari Makonnen se ahorran los pronombres personales para llamar a la unidad, para dejar sentado en el lenguaje que “tu” y “yo” son lo mismo. The Temple of I & I es un título con un aviso certero de que lo que se viene está cargado de reggae, dancehall y Hip Hop. Y cumple. Por supuesto, con ritmos convertidos al aura electrónica cósmica en downtempo que le hemos conocido a Thievery en sus ocho discos anteriores. Entre las voces invitadas a formar parte del disco aparecen el rapero Mr. Lif, Racuqel Jones y un clásico como Notch (Born Jamericans), quien colabora en cuatro canciones que suenan a la evolución del reggae roots. (FL) #43 Big Fish Theory Vince Staples Una canción que representa muy bien el sonido de Vince en su segundo álbum de estudio es Love Can Be, donde los beats electrónicos y los secuenciadores se mezclan perfectamente con la propuesta musical del artista californiano. Hip hop refrescado totalmente por los sonidos actuales que no se dejan encasillar en ningún género. Vince es de los nuevos Mc que se hace cada vez más grande con cada track de álbum; Crabs in a Bucket, Big Fish, 745, BagBak o SAMO, solo por nombrar algunas de sus canciones que tienen identidad propia. (AL) #42 MASSEDUCTION St. Vincent Tras ganar el Grammy por Mejor álbum alternativo con su penúltimo disco St. Vincent, Annie Clark era comparada con genios creativos como Prince y David Bowie por su estilo único y porque más allá de la música es una propuesta artística con todos los juguetes. MASSEDUCTION es su quinto álbum, fue producido por Jack Antonoff y es donde muestra su lado más oscuro: habla del suicidio (Smoking Section) del desamor (New York) y del miedo a envejecer (Los Ageless). Cuando todos pensaron que se iba a volcar a lo comercial por su gran aceptación y por trabajar con el productor de Lorde, Carly Rae Jepsen y Taylor Swift, St. Vincent reafirma su autenticidad con un álbum que guarda las particularidades de siempre, como su guitarra eléctrica distorsionada. (VC) #41 After Laughter Paramore Tal parece que Paramore se tomó muy en serio el nombre de su disco. Si lo traducimos al español After Laughter se convertiría en “Después de la risa” y sí, después de andar de rebeldes jocosos, imponiendo canciones, peinados, colores y un estilo de vida relacionado a los emo, Paramore decidió encarrilar su carrera y hacer música para adultos. Taylor York y Zac Farro – quien volvió a la banda después de 7 años de ausencia- se pusieron la 10 para sacar lo mejor de sí en este álbum, canciones que combinan letras nostálgicas con sonidos más indie pop, tintes de electrónica y un toque nos devuelve a los veranos de los 80. Podríamos cerrar los ojos e imaginarnos con vestidos de flores y colores bajo un sol radiante mientras escuchamos Paramore, qué extraño, ¿no? Algunos fans amaron el disco para otros la banda se desdibujó, pero lo que queda claro es que rompieron los esquemas y ahora son el mejor disco de rock del 2017 según Bilboard. (JA) #40 The KAMAU-CASSETTE: ŭRTH GōLD KAMAU Hay que empezar a prestarle atención al proyecto de este joven mc, que, más que eso, es una especie de nerd especialista en contar historias provocadoras. The KAMAU-CASSETTE: ŭRTH GōLD es apenas el segundo EP (aunque con 11 canciones) de una carrera que despegó hace un año en Brooklyn, Nueva York, y que conocimos gracias a su participación en el festival Afropunk. Los dos primeros sencillos promocionales de la placa, GRā (GReY) y MĭNT, son la prueba de su versatilidad. En el primero, echa mano del personaje de la mitología griega Sísifo, que está condenado a trabajar eternamente, para cuestionar el progreso racial. Y en el segundo se pone en una situación romántica para hablar de las relaciones que persisten a pesar de que el resto esté mal. El romanticismo, los comentarios sociales y la ironía de su lirica están muy bien puestos en melodías para moverse o para levitar. Es una producción que no sabría uno que género ponerle, pero que tiene cierto aire a meter en un saco a Outkast con Kendrick Lamar con un poco de trip hop y EDM. (FL) #39 Concrete and Gold Foo Fighters Una placa contundente que exacerba la aureola rockera de la banda, que se siente como un trip con escalas en instantes lisérgicos y visos pop que marcaron el rock décadas atrás, sumado a evocaciones Beatles, Zeppelin, Pink Floyd o Motörhead, es la novena entrega de los norteamericanos. Producida por Greg Kurstin (Adele, Sia), con aparición entre otros, de Justin Timberlake, el saxofonista Dave Koz y Paul McCartney (quien toca la batería en Sunday Rain); con riffs de guitarras que taladran el cerebro y Dave Grohl dejando las tripas en gritos, este disco contiene batazos que sedujeron la radio este año como Run, The Sky is a Neigborhood. (JC) #38 Omnion Hercules and Love Affair ¡Alabado dios de la música por este gran álbum! Esta es una de las obras más fuertes que ha tenido Hercules and Love Affair en toda su historia y la que ha dejado más mensajes en la cabeza de quienes lo escuchan. El disco es completamente conceptual, mucho más introspectivo que los tres anteriores y tiene completamente claro que va a un público LGBTI, a quienes han sufrido discriminación por su condición sexual y aquellos a quienes aún los atormentan fantasmas del pasado sobre todo en el caso de Andy Butler – dj y creador de Hércules- y su adicción al alcohol. En este disco logramos escuchar de nuevo a un grupo consolidado, con un sonido que sigue siendo impecable, las influencias disco y house con las que los conocimos en la pista de baile se siguen manteniendo y con Omnion nos recordaron por qué siguen siendo los mayores exponentes de la historia de la música de club. (JOA) #37 The Road: Part 1 Unkle A manera de narración sobre la humanidad, se presenta este nuevo disco de UNKLE. Y es clara la intención de mostrar un disco en el que la desesperanza tiene una cura propia: el amor Tenemos un disco de orquestación y arreglos únicos y sublimes en el que no hay manera más enganchadora de sobrevivir, más que sentir la calma de la escucha atenta. Un disco que perturba e inquieta y que no deja de mostrar cómo el genio detrás de UNKLE, James Lavelle ha escrito una de las historias musicales más importantes de los últimos años en el Reino Unido. No solo es impecable en su sonido; lo es también en sus invitados: Mark Lanegan, Elliot Power y más. (PP) #36 Ken Destroyer En la placa sucesora de Poison Season (2015), el cantante y compositor canadiense Dan Bejar aka Destroyer, continua hechizando con su verborrea, humor negro y cortes envolventes con tinte oscuro. Esta vez acude más a la electrónica y a los sintes que en sus anteriores entregas. Piezas con evocaciones ochenteras, con las garras puestas en el post punk, de voltaje guitarrero, de magníficos arreglos como Tinseltown Swimming in Blood o entre cantadas y recitadas como Sky´s Grey, siguen instalando a Bejar como centro neurálgico del show. (JC) #35 Boo Boo Toro y Moi Chaz Bundick es el hombre detrás de Toro y Moi, un diseñador gráfico que usa la música como hobby y que ha hecho con este, cinco álbumes que lo han puesto a girar por el mundo. Una de sus mayores características es que cada álbum es muy diferente al anterior. Su penúltimo disco de estudio fue What For, en él evocaba la alegría y las ganas de vivir y bailar; en cambio Boo Boo es completamente existencialista, suave, melancólico. Son 12 canciones para oír solos y no sentirse tan solos. Toma como inspiración a Frank Ocean, Travis Scott y Daft Punk y eso se siente clarísimo en Girl Like You, primer single de este álbum. (VC) #34 République Amazone Les Amazones d’Afrique République Amazone tiene tanto fondo como forma y virtuosismo. Bien puede ser funk pesado, activismo, soul, afrofuturismo, R&B, feminismo o el nacimiento del nuevo pop africano. El supergrupo, las Amazones d’Afrique, está integrado por 10 notables artistas mujeres del África occidental. Unas consagradas fuera de su tierra, otras leyendas locales: la ganadora del Grammy Angélique Kidjo, Mariam Doumbia (conocida por ser integrante de Amadou & Mariam), Nneka, Kandia Kouyaté, Mamani Keita, Mariam Koné, Massan Coulibaly, Mouneissa Tandina, Pamela Badjogo y Rokia Koné. Todas son interpretes portentosas que además de hacer música se dedican a proyectos para la equidad de género y la resolución de los problemas en su continente. De la mano del productor Liam Farrell y de la casa Real World Records, hicieron este álbum debut en el que cantan en mandinka, francés e inglés y combinan ritmos que bien podrían ser pop en occidente con instrumentos locales como la kora. Vale la pena meterse de cabeza en este disco y perderse en el vasto universo de los proyectos que están reinventando las músicas africanas. (FL) #33 Something to tell you Haim Tras el ruido que generó su primer disc,o Days are Gone (2013), el trío de hermanas californianas, de la mano de Rostand Batmanglij (ex Vampire Weekend) y su usual colaborador, Ariel Rechtshaid, se avientan con una placa muy pop, enriquecida con soft rock y algunos elementos del R&B. Letras de amor y desamor, despecho y anhelos; canciones dotadas de riqueza melódica que acuden a recursos como voces distorsionadas o ruidos para adivinar con audífonos: faxes y relinchos de caballos, muestran diferentes colores. Desde Want you back, chicle para radio, a Night so Long, que cierra el disco voces celestiales, se palpa a Haim menos retro que en su debut y aunque aún hacen remembrar a Stevie Nicks (Fleetwood Mac), lucen brillo actual. (JC) #32 Melodrama Lorde Desde la portada del álbum cargada de azul, se entra al viaje sentimental de Lorde, ese que ella ha querido comunicar con las canciones del segundo disco, producido por Lorde y Jack Antonoff q-ue tiene una larga lista de colaboración en canciones junto a Taylos Swiff, Sía, Zayn, St. Vicent, Carly Rae Jepsen entre muchos otros-. Del álbum se destacan canciones como: Sober, Liability, Sober II (Melodrama), Green Light, Homemade dynamite, que reafirman el sonido de la neozelandesa, una poderosa voz que se nutre de sintetizadores, bajos y guitarras y que definen muy bien el pop dramático de Lorde. (AL) #31 8 Incubus If Not Now When? fue lo último que escuchamos de Incubus, y eso fue hace seis años. Por eso, sus fieles seguidores (nos incluimos), estábamos esperando con ansias que lanzaran nuevo material; es un disco fulminante y aunque superar los comienzos de su carrera no fue tarea fácil, este álbum si logra representar la etapa en la que se encuentran Brandon Boid y su banda. Pop, rock, nu metal, funk y el sello Incubus de la primera a la última canción, todo en un mismo álbum. (FL) #30 Pure Comedy Father John Misty Josh Tillman, conocido como Father John Misty, quien hasta 2012 fuera baterista de Fleet Foxes, desata la lengua y arma canciones con letras caústicas, divertidas y cargadas de ironía para su tercer disco. Su verbo caníbal y burlón arrasa con la política, el fanatismo religioso, el entretenimiento, las redes, la adicción a internet o la fama. Preguntas en medios le inspiraron la línea del tema Total Entertainment Forever: “Bedding Taylor Swift, every night inside the Oculus Rift”, que entre bromas ha justificado “por la rima”. Las reflexiones de Tillman resuenan en un álbum audaz, que con bellos arreglos orquestales del compositor Gavin Bryars (Brian Eno, Tom Waits), recalca que el mundo actual es pura comedia. (JC) #29 Paradise Anohni Siete canciones hacen parte de un EP combativo, (continuidad de su álbum Hopelessnes publicado el año pasado), con imágenes de artistas y activistas en la portada, en el que la cantante inglesa transgénero, líder de la banda Antony and the Johnsons, y entre otras, miembro del colectivo Future Feminism, lanza entre sonidos industriales y orgánicos, reflexiones sobre la política, el planeta, el cambio climático, y continúa su llamado a las mujeres a “la intervención en todo el mundo”. La ira y resistencia se evidencian en predicciones apocalípticas del tema que da título, o en Jesus will kill you que recalca sobre el poder de líderes para destruir. (JC) #28 French Kiwi Juice FKJ Desde la escena alternativa e independiente de la electrónica europea emergió recientemente el multi-instrumentista Vincent Fenton, conocido en la escena underground como FKJ. el músico francés vino a publicar su álbum debut en marzo de este año, después de Time for a Change y Take Off, dos primeros EPs que vieron la luz en 2013 y 2014 respectivamente. Este artista nacido en Tours, Francia, firmó su primer álbum con Roche, Musique, el sello independiente de uno de sus grandes amigos de la adolescencia, el productor Cezaire. Este 2017, canciones como Skyline, Die With a Smile, Better Give U Up y We Are The Boundaries fueron parte de la playlist de más de un festival de la escena indie en Estados Unidos. (MR) #27 American Teen Khalid Con solo 19 años, es un digno representante de la nueva camada del R&B y del pop con suaves tonadas de soul; su álbum debut American Teen, le valió el permio a Mejor Nuevo Artista en los Mtv Video Music Awards 2017, sumándose al grupo de artistas que han ganado este reconocimiento con solo 19 años (One Direction, DNCE, Gaga). Sin duda es un álbum donde sobresale su voz y sus canciones: Young Dumb & Broke, Location, Saved, American Teen. Khalid representa muy bien con este álbum el verdadero adolescente americano y se convierte en uno de los grandes prodigios de esta época. (AL) #26 CTRL SZA La finura de su voz y el brío de sus letras fueron el platillo perfecto para los exploradores de nuevas voces en el universo del neo soul. No por nada tiene una colaboración en Anti, el último disco de Rihanna, donde ambas despliegan sus voces en Consideration. Razones de sobra para pegarle una buena repasada a CTRL con guantes de seda, porque son 14 tracks que incluyen colaboraciones de Kendrick Lamar y Travis Scott, pero el disco es tan brillante que incluso esos featurings pasan desapercibidos. Es un manifiesto de arriba a abajo a la verdadera feminidad, esa que sufre y tiene miedo de envejecer, que se siente frágil en el amor, pero que tampoco teme a pararse en su lugar. Es un libro lleno de pensamientos reales; musicalmente no aburre ni por un solo segundo porque es un viaje sin guías que traspasa los confines del R&B para entregar un álbum brutal. (NO) #25 Sleep Well Beast The National Bienvenida sea la sutileza, la elegancia y la melancolía que The National tiene. Es una fuente inagotable de esperanza y de tristeza a través de canciones que no se repiten. La madurez humana y musical de una banda que está próxima a cumplir 20 años, se ve reflejada en un disco como este, que no deja de inquietar.y en el que la fuerza y la quietud están presentes a través de doce canciones impecables. Nuevamente el legendario sello 4AD se mantiene vigente y es el preciso momento para darle las gracias por mantener la llama de The National viva. (PP) #24 Relaxer Alt-J Relaxer es el tercer álbum de Alt-J, la continuación del trabajo del 2015 This Is All Yours. Son ocho pistas cargadas de poesía indie que reafirman la especialidad del trio inglés: narrar historias y hacer música también para leer. Con un concepto gráfico pensado en la distorsión, el disco parece haber sido elaborado mucho más detalladamente en cuanto a producción; de hecho, como dato curioso, la última pista cuenta con arreglos grabados en los legendarios estudios Abbey Road e Iggy Pop colabora con una narración. (FL) #23 Memories Do Not Open The Chainsmokers Memories Do Not Open, el álbum debut del dúo estadounidense, se vino a lanzar en abril de este año, nada más y nada menos que apadrinado por uno de los gigantes de la industria: Sony Music.Paris, el primer sencillo del disco, se dio a conocer comenzando año y se metió sin que nos diéramos cuenta y en menos de nada, en el Billboard Hot 100. El video de esta canción hoy ya se acerca a los 120 millones de visitas. Después vinoSomething Just Like This, la colaboración con Coldplay de la que tanto habló Chris Martin y que millones de fans esperaban ansiosos cuando inició el 2017. El lyric video de esta canción se llevó por delante a Paris y ya se acerca a los 900 millones de reproducciones. Este año, ambas canciones estuvieron al mismo tiempo en el top 10 del Hot 100 de Billboard. Como si todo esto fuera poco, el dúo de djs neoyorkinos comenzaron el año con tres nominaciones a los Grammy y coronaron un premio de la Academia como Mejor grabación dance con la canción Don´t Let Me Down. Andrew Taggart y Alex Pall se han convertido, sin duda alguna, en consentidos de la escena EDM mundial. (MR) #22 Lust For Life Lana del Rey El quinto álbum de estudio de la artista norteamericana Lana del Rey fue publicado iniciando el segundo semestre de este año. El SXSW, que se realiza cada año en Austin, Texas fue, de hecho, uno de los primeros festivales en los que la neoyorkina reveló canciones de este más reciente disco. Love fue el primer sencillo en promocionarse del álbum y logró colarse rápidamente en el top de los listados. Sin embargo, aunque Lust for Lie es considerado uno de los álbumes destacados de este 2017, para muchos de sus más fieles seguidores este es un disco que no sobresale, aunque sí haya unas cuantas canciones que sin duda fueron las que le dieron buen kilometraje al disco durante este año. Se trata además, de la primera placa discográfica de Lana de Rey en la que la cantante y actriz incluye dúos con otros artistas: The Weeknd, Sean Lennon, Stevie Nicks y A$AP Rocky. Del Rey mantiene aquí el estilo vintage y nostálgico que la puso por primera vez en el mapa hace ya casi una década. Después de un intento fallido en 2016, cuando Elizabeth Grant fue anunciada dentro del cartel del primer Lollapalooza-Colombia que nunca sucedió, por fin (ahora sí) la artista estará presentándose en nuestro país en marzo de 2018, en el marco del Festival Estéreo Picnic. (MR) #21 Spirit Depeche Mode Para este nuevo trabajo, la banda colaboró por primera vez con el productor James Ford, miembro del dúo electrónico londinense Simian Mobile Disco (quien también está tras la maquinaria de Foals, Florence & The Machine y Arctic Monkeys), y, sin duda, concretó la placa más politizada de todo su repertorio.Son 12 canciones que ponen de manifiesto la vigencia de los padres del rock electrónico después del lanzamiento de un tremendo y exitoso Delta Machine en 2013. Pero a diferencia de aquel lanzamiento, esta vez la agrupación deja un poco de lado la sensualidad, la soledad y el amor retorcido que siempre han trabajado en sus letras; el giro del Spirit son las liricas altamente politizadas. (FL) #20 Chronology Chronixx Chronixx es probablemente uno de los artistas reggae más grandes del globo, él hace parte de esa nueva generación que se agarraron con temple al legado del reggae roots y por eso este disco resulta una joya sumamente importante para el género. El jamaiquino hondea fuerte la bandera verde, amarilla y roja con un reggae sumamente consiente, pero que no teme pasearse con orgullo por los universos del dancehall, del R&B y del hip hop, eso sí, sin perder nunca el norte de sus ideologías. Su voz es implacable y canciones como Majesty o Smile Jamaica son capaces de iluminar un cuarto oscuro en pocos segundos. (NO) #19 Flower Boy Tyler The Creator El trabajo de Tyler The Creator en el hip hop es más importante que poner de moda un estilo mucho medio oscuro, medio hipster. El rapero, productor, skate, director de arte y diseñador de modas fue el comandante de Odd Future el colectivo de raperos que nos dejó como premios a Syd y a Frank Ocean, y entre sus logros fue haberlos empujado a salir del closet en un género donde la homofobia era algo normal. En este álbum Tyler no deja de ser oscuro, pero nos envuelve en otros universos llenos de melodías, de coros con voces angelicales y de confesiones sobre la identidad sexual. Una de las frases que hace eco es la de “He estado besando a los niños blancos desde 2004." y no sabemos si se trata de una autobiografía, lo cierto es que este resulta ser uno de los trabajos más cojonudos del rapero que además estará en el Estéreo Picnic el próximo año. (NO) #18 Villains Queens of the Stone Age Un despegue atmosférico que se vuelve cada vez más intenso y frases autobiográficas de Josh Homme, abren el séptimo álbum de la banda, en el que le dan click a reiniciar, y bajo la producción de Mark Ronson (Uptown Funk, Amy Winehouse, Adele) toman nuevos caminos, exhibiendo temas de palpitaciones glam y muchos matices. Frenéticas percusiones, guitarras filosas, sugestivas cuerdas lacónicas, momentos de artillería pesada, velocidad, freno en seco, y sonido que evoca a Bowie o hasta a ZZ Top, en piezas de más de 5 minutos en las que el diablo nos tapa los ojos y somos animales domesticados, como una canción de Homme. (JC) #17 Stone Hill Damian Marley Pasaron más de diez años para que el heredero más prolijo del apellido Marley volviera a sacar un álbum en solitario. Stony Hill no es tan grande como el clásico Welcome to Jamrock, pero es aire fresco para el mundo del reggae. Cuesta decirlo, pero fue gracias a la figura de Donald Trump que 2017 fue el año en que el contenido político y social de las canciones retomó fuerza y el Jr. Gong sacó en este álbum un armamento pesado para manifestarse sobre la migración, la marihuana y los vientos de guerra. Canciones como Nail pon Cross y Medication (con Stephen Marley) son la fiel muestra de que, a pesar de la escasez de nuevos nombres, el reggae no ha perdido vigencia. (FP) #16 Funk Wav Bounces Calvin Harris ¿Llegó el fin del EDM como lo conocíamos? Suena bastante fuerte pero sí, Calvin Harris se quitó el género de encima e hizo un álbum que nadie hubiera imaginado. Funk Wav Baounces es un disco con una nostalgia ochentera sin drops, sin subidas ni bajadas, lineal y muy tranquilo (nada comparado a su pasado). Una electrónica que podría fácilmente convertirse en un pop mainstream en la que además combinó decenas de colaboraciones para cada uno de sus tracks. Pharrel Williams, Nicki Minaj, Khalid, Frank Ocean, Travis Scott, son solo algunos de los nombres que llevan sello en esta nueva entrega. A pesar de llevarse el primer lugar en las listas de Estados Unidos y Europa la crítica ha sido despiadada con Harris debido al cambio de sonido en su música, ahora lo tachan de oportunista y de acercarse a artistas de talla mundial para surgir de nuevo en su carrera. Lo cierto es que con estrategia o sin ella, Slide y Feels – las dos canciones más representativas de este álbum-hacen mover la cadera a cualquiera que las escuch. Lo logró, resurgió y es un éxito. (JOA) #15 4:44 Jay Z Se pueden decir muchas cosas de lo que hizo Jay Z con su decimotercer álbum, 4.44. Todas se resumen en que llegó al punto en que puede hacer lo que se le dé la gana. Hace tiempo que el mc de Brooklyn dejó de ser un clásico en el rap para convertirse en amo y señor de Nueva York. Hoy es un empresario de éxito y un referente, no solo de la música, sino del empuje de los jóvenes negros en Estados Unidos. Además de ídolo, Jay Z es una figura pop y desde que se supo que el año pasado le fue infiel a Beyoncé, su vida privada se tradujo en canciones, por lo que este es su álbum más personal: en el track que le da nombre al álbum, 4:44 (la hora en la que lo escribió), pide perdón a su esposa; también le dedica un tema a hablar de la vida con su mamá y en la mejor canción, The Story of O.J., con un beat a lo vieja escuela, vuelve a empuñar las banderas del orgullo negro. Toda su cancha como empresario se tradujo en una campaña publicitaria que invadió las capitales del mundo: se podía ver el 4:44 sobre un fondo amarillo de la portada en las vallas más visibles de Nueva York o Londres hasta en los avisos publicitarios que van encima de los taxis del centro de Bogotá. Su álbum solo se encuentra en la plataforma de streaming de su propiedad, Tidal, y el CD no trae las letras de las canciones, sino un vínculo para buscarlas en Internet. Hay que pagar para escucharlo. (FL) #14 Missing Link (EP) Nick Murphy (Chet Faker) Al barbado Nicholas James Murphy lo conocimos con el alias de Chet Faker porque la rompió con canciones triphoperas como Gold, Drop the Game con Flume y un tremendo cover de No Diggity, el clásico R&B de Blackstreet. En 2015 pasó por el Festival Estéreo Picnic y hace un casi un año anunció, sin muchas explicaciones, una especie de renacimiento en su carrera. Ahora, el australiano sepultó su alter ego y publicó su primer EP como Nick Murphy, Missing Link. Son cinco temas que parece serán un puente entre dos etapas musicales; un poco más acelerados, con el ruido y las distorsiones que no había incluido en sus trabajos previos. Entre ellos se coló también una elegantísima colaboración con el dj haitiano canadiense Kaytranada. (FL) #13 More Life Drake No pasó un año desde que Drake había inundado al mundo con los enormes hits Hotline Bling o One Dance, parte del maravilloso disco Views, cuando el rapero canadiense soltó un nuevo disco espeso y complejo. Drake nos entregó de nuevo un par de canciones adictivas, comerciales y “radiables” como Passionfruit o Fake Love, o joyitas como Get It Together (junto a una de las revelaciones del año, la inglesa Jorja Smith) o la reinvención de If You Had My Love de JLo en Teenage Fever. More Life es un complejo compilado de 22 canciones que el propio Drake no presentó como un álbum de estudio sino como un playlist o mixtape (casete con canciones revueltas) pues contó con más de 30 productores diferentes. El resultado es un repaso por distintos estilos de rap, algunos más cercanos al pop, otros más encerrados en el hip hop, y otros momentos de puro R&B. // JPC #12 Ídolo C. Tangana El nombre real de C. Tangana es Antón Álvarez Alfaro, es madrileño y sin miedo a equivocarnos afirmamos que su nombre es uno de los mayores triunfos de la escena urbana en España en este 2017. Esa victoria radica en que no le tuvo pavor al mainstream, incluso viniendo de la escena underground, la que hoy obviamente lo desacredita. Se propuso a convertirse en el fenómeno urbano más grande y de la mano de un contrato millonario con Sony, lo está logrando. Ídolo es un disco que cambia las reglas del juego, hace que el rap, el trap, el reggaetón e incluso el R&B se fundan en una masa pop fácil y deliciosa de digerir y es lo que es, un disco hedonista hasta la última gota, casi que un monólogo de su fama y poder y eso también se vale, creerlas y meterse en el papel. Vale hacer una anotación y es que sin Alizzz, su productor de cabecera no estaríamos ante este señor disco. (NO) #11 I See You The XX Que Jamie XX haya pasado un buen tiempo dedicado a su proyecto en solitario resultó ser un hecho culminante para que The XX retornara con un sonido más robusto, hecho con manos más inquietas y laboriosas. Se dice que Romy Madley Croft participó en un campamento de escritura junto al escritor y productor Robin Hannibal para aprender la ciencia de los himnos pop y que junto a Oliver Sim (quien dejó el alcohol para grabar este álbum) fueron los primeros en echarle mano a los demos de los diez temas que habían venido trabajando desde marzo del 2014 y que terminaron por componer el I See You. Con Jamie de nuevo concentrado en la maquinaria, después de su éxito con In Colour, The XX hizo combustión y el resultado fueron canciones con un sonido menos dramático como On Hold o Dangerous, que sin duda representan un salto del minimalismo y a la melancolía que le habíamos escuchado a este trio en sus dos álbumes anteriores. I See You, sin duda, fue el primer gran lanzamiento del 2017. (FL) #10 Process Sampha Sampha, dueño de una voz expresiva, melancólica, lúgubre, penetrante y delicada, no se quedó anclado a la banda con la que se dio a conocer, SBTRKT, y también cantó, escribió y produjo para artistas como Drake, Solange, FKA Twigs o Kanye West. En el camino sacó un par de EP y este año, por fin, lanzó su primer álbum, Process. El resultado, un lujo absoluto, diez canciones que entrelazan a la perfección complejas texturas digitales con el poder crudo e ilimitado de la voz de Sampha. No es difícil pensar en artistas como James Blake o, incluso, Björk, por la balanceada relación entre los elementos y la continua posibilidad de experimentación. Aunque es de escucha fácil y placentera, Process es un disco experimental, atrevido, que junta R&B, soul, chillwave y trip hop; que no pareciera de un artista que lanza su primera placa sino el de uno maduro que lleva años buscando su sello; y que finalmente revela el profundo duelo del artista ante la muerte de su madre por un cáncer. Ah, y Sampha apenas tiene 28 años. (JPC) #9 Everything Now Arcade Fire Arcade Fire se armó con una baraja de poderosos productores para construir su quinto álbum, Everything Now, la placa que finalmente los traerá a Colombia. Su disco, tal vez junto al de Gorillaz, ha sido uno de los de mayor expectación en este año. Lo normal para una banda a la que seguimos desde su debut por la puerta grande con Funeral en 2004, que ganó el premio Grammy a Álbum del año con The Suburbs (2010) y que en 2013 presentó un apoteósico y bailable Reflektor. transita por muchos ritmos y tiene canciones que, con seguridad, vamos a querer guardar en nuestras listas de reproducción. Everything Now transita por muchos ritmos. Después del tote de canción pop que es Everything Now, hay una tanda de tracks explosivos y bailables donde los sintetizadores son protagonistas, y que por momentos suenan a reggae, a dubstep y a new wave. Son Creature Comfort, Peter Pan y Chemistry. Hay funk muy pegajoso y ligero en tracks como Sings of Life, Good God Damny y Electric Blue. Y para rematar Put Your Money on Me y We Don´t Deserve Love, cierran el disco con una cuota de introspección más tristona que el resto del álbum.(FL) #8 To Syria, With Love Omar Souleyman Hace un par de años, gracias a la invitación de Björk a que remezclara una de sus canciones, el mundo de la música alternativa conoció a un sirio kurdo que hasta entonces solo era reconocido en el mundo de las fiestas matrimoniales de su país. Heredero del dabke sirio y el choubi iraquí (las formas del pop árabe en estos países), Souleyman es una extraña traducción del frenesí del techno, del pop bollywoodense, del house, de cualquier sonido de festival electrónico, con música que serviría para encantar serpientes. En To Syria, With Love, Souleyman suena un 15% más occidental, más digital y más fiestero (si es que eso es posible con este poderoso huracán sonoro) que en anteriores discos, demostrando que sigue siendo un eslabón clave entre Medio Oriente y el resto del mundo. (JPC) #7 This Old Dog Mac de Marco Es refrescante volver a escuchar una joya del canadiense Mac deMarco, el mismo que le dio el aire más fresco y experimental a ese género tan complicado que se etiqueta como indie. Y más allá de sus característicos chistes y humor impecable, Demarco vuelve al ruedo con un disco que nos calibra las emociones, con la sencillez acostumbrada nos tira por un abismo de melancolía con finos pensamientos sobre la vejez y el amor, es un viaje guiado sin picos abruptos, pero con su sello sonoro indeleble, solo que un poco más refinado. No es tan loco que lo llamen genio y escuchar este disco es una prueba, motivo de sobra para no perdérselo el otro año en el Festival Estéreo Picnic. (NO) #6 Utopia Björk ¿Qué es una utopía? En estos momentos tan revueltos y donde el mundo parece estar cercano a colapsar, ¿dónde queda la esperanza? Luego de un oscurísimo y deprimente Vulnicura (2015), disco en el que Björk botó más despecho que Adele y Taylor Swift juntas, la islandesa vio la luz. Para Utopia el sorprendente y revolucionario productor venezolano Arca volvió a ser la mente maestra tras las 14 canciones del disco, empujando a la cantante a insistir en la experimental dirección sonora que había rozado en discos como Vespertine o la banda sonora de Drawing Restraint 9. El resultado es un álbum precioso, complejo, que continúa la pregunta de Biophilia (2011) sobre la armonía que puede existir entre el humano, la naturaleza y la tecnología: una obsesión que ahora también incluye una cuarta dimensión que es el rol de la feminidad en todo esto. Utopia es un manifiesto de amor, de búsqueda por la armonía, de construcción de una sana coexistencia entre todas nuestras partes. Björk y Arca combinaron un sonido instrumental íntimo y delicado, grabaciones que hicieron de pájaros y naturaleza en el Caribe y Venezuela, con embestidas de distorsiones digitales, en catorce canciones que siguen erigiendo a esta artista como una de las más visionarias y vanguardistas de la música actual. (JPC) #5 American Dream LCD Soundsystem Hay muchos chismes alrededor de la disolución y el regreso a los escenarios de LCD Soundsystem. Haya sido, o no, una campaña de mercadotecnia, America Dream fue un regreso para celebrar, aunque se aleja, por mucho, de la novedad y la calidad de sus primeros tres álbumes. Este más bien fue como un desahogo: James Murphy tenía muchas cosas que decir sobre la industria de la música, sobre sus sueños y acá las puso. Sintetizadores poco protagonistas, pocos altibajos y especial cuidado en el contenido de las letras componen este regreso. (FL) #4 Ti Amo Phoenix Es su primera placa desde que en el año 2013 publicaron Bankrupt!. Siete temas más componen el LP, incluyendo varios temas bailables que, como sus primeros dos singles, Ti Amo y J-Boy, evocan las raíces latinas de la lengua, compartidas por el italiano y el español. Un disco que corrobora el tacto que tienen los franceses para producir tracks bailables de calidad. #3 DAMN Kendrick Lamar Kendrick Lamar llegó desde Compton para inyectarle una vitamina importante al hip hop en el mundo. Cuando lanzó To Pimp a Butterfly el mundo entero se rindió a sus pies y se proclamó como un nombre gigantesco en el género. Por eso DAMN, aunque es su quinto disco, tenía una presión sobre el hombro: ser el sucesor perfecto de esa obra maestra. ¿Lo logró? Sí y mil veces sí - claro, si los miramos como dos trabajos que tienen líneas distintas-. En esta última joya podemos escuchar cómo Kendrick se pasea de una admirable por los terrenos del rap a lo vieja escuela, pero sin dejar de lado esos elementos refrescantes y entusiastas. Hay furia pero también se le escucha relajado, hay espacio para el amor y las relaciones (como podemos escuchar en Loyalty, su canción Feat. Rihanna) y para la política (como en XXX su canción feat U2). DAMN es rico en todo el sentido de la palabra. La recomendada: Element, escrita y producida que por el mismísimo James Blake. (NO) #2 Drunk Thundercat Luego de que obtuviera un Grammy por su participación en el disco de Kendrick Lamar, To Pimp A Butterfly, miradas de la industria se volcaron hacia este crack del bajo de escuela jazzera que contaba ya,con brillantes credenciales como productor y músico de Flying Lotus, Suicidal Tendencies o Snoop Dogg, y con un par de álbumes. En Drunk ofrece una bebida fermentada de 23 cortes con altos grados de funk, soul y R&B; evocaciones al sonido de los 60 y 70, más shots de rock ochentero, invitando a algunos temas de su fiesta a Wiz Khalifa, Pharrell Williams, Kenny Loggins y a Kendrick. Drunk: para quedar ebrios, felices y sin resaca. (JC) #1 Humanz Gorillaz Como álbum, Humanz es caos. Pasaron seis largos años desde The Fall y, según Damon Albarn, el regreso de sus personajes animados 2D, Noodle, Murdoc y Russel era, precisamente, una respuesta al actual caos político. La placa, en su versión Deluxe, incluye 26 cortes, que entre sencillos e interludios suman más de 20 colaboradores. El resultado: temas disímiles y con el sello de Gorillaz casi que indistinguible entre cada uno de ellos. Desde su primer sencillo, Hallelujah Money con Benjamin Clementine, lanzado para recibir a Donald Trump en la Casa Blanca, se avecinaba un disco musicalmente impredecible. Un poquito de política, otro de Hip Hop, otro de R&B, otro de electrónica. Desde luego, entre lo que se cocinó durante seis años resultaron muchas piezas destacables: las apariciones de Zebra Katz en The Apprentice y Sex Murder Party; la de la diosa del soul Mavis Staples en Let Me Out; la de Peven Everett en Strobelitte; o los nombres de la colombiana Kali Uchis y el jamaiquino Popcaan valieron la espera. De paso, detrás del caos, que seguramente motivó el nombre Humanz, hay una apuesta vanguardista que no perdió Gorillaz con los años: si en un principio fueron pioneros como banda animada, con el primer video de Saturnz Barz, marcaron otro hito en la historia de los videos en realidad virtual. Ahí está el futuro, como en los álbumes que se convertirán en una colección de sencillos. (FP)
Kug Fu Kendrick, el artista de hip hop más importante del momento, está de nuevo entre los créditos de una canción. Se trata de un track que apareció recientemente y combinó a un combo poderosísimo, que lo completan N.E.R.D y Frank Ocean. Don’t Don’t Do It! es el nombre del track en el que aparecen estos tres gigantes del hip hop. El track aparecerá en el próximo álbum de N.E.R.D, No One Ever Really Dies. La historia de la canción es tremendamente política y viene cargada con mucho del orgullo negro que ellos representan. Fue inspirada, según comentó Pharrell Williams a Lowe, en el tiroteo policial de 2016 de Keith Scott. Acá se las dejamos vía Apple Music.
No hay duda de que Baby Reindeer o Bebé Reno es una de las mejores miniseries de Netflix en los últimos años. Richard Gadd, un comediante escocés, creó, escribió y protagonizó la serie basándose en dos experiencias de abuso y acoso que vivió en sus veinte. Es una historia emocionalmente desgarradora e importante porque retrata fielmente lo que muchas personas pueden sentir cuando atraviesan este tipo de situaciones. No he leído ni una sola crítica negativa de la serie (más que un comentario en TikTok que dice que está "sobrevalorada") y por el contrario, sé que tiene un 7,9 y un 98% en IMDb y en Rotten Tomatoes, respectivamente. ¿Por qué Baby Reindeer es un caso particular? Baby Reindeer es un caso particular porque, a pesar de que se estrenó a principios de abril, sigue siendo noticia y tendencia. Esto debido a que las personas en internet se dedicaron a buscar las identidades reales de las personajes que salen en la serie, como Martha, Darrien e incluso Teri. Asimismo, un medio de comunicación llegó a entrevistar a la real acosadora de Richard Gadd en televisión. Posiblemente, las ganas de descubrir quiénes son realmente estos personajes tienen mucho que ver con el morbo que causó la serie. Sin embargo, las cosas se estaban poniendo intensas y Richard Gadd tuvo que intervenir pidiendo que dejaran de suponer quiénes eran esas personas. Acá les cuento lo que ha causado este "fenómeno". ¿Quién es Darrien en la vida real? Poco tiempo después de que se estrenó la serie, TikTok se llenó con videos en los que explicaban por qué Sean Foley, escritor, director y comediante británico, era el verdadero Darren. Argumentaban que tanto el actor, Tom Goodman-Hill, y el comediante Sean Foley se parecían mucho y los hechos en la serie cuadraban en sus suposiciones. Debido a las acusaciones, Sean Foley no tardó en manifestarse en su cuenta personal de X (antes Twitter). "La policía ha sido informada y están investigando todos los post difamatorios, abusivos y amenazantes hacia mí", escribió. Por su lado, Richard Gadd publicó una historia en su Instagram defendiendo a Foley. A pesar de esto, muchas personas siguen pensando que Sean Foley es el verdadero Darren. “Estoy convencido de que fue Sean Foley, hay muchos rumores desagradables sobre él en escena”. ¿Quién es Martha en la vida real?Posiblemente antes de que la misma Fiona Harvey se manifestara sobre la serie, TikTok y X ya estaban anunciando que ella era Martha en la vida real. Incluso, el Daily Mail escribió y publicó la identidad de este personaje. Además de publicar sus fotos, encontraron su cuenta personal de Facebook en donde empezó a comentar la serie. En efecto, la mujer sí tiene muchas similitudes con el personaje de la serie: no solo por su aspecto, sino la forma en la que escribe. Así como en la serie, Fiona Harvey es una abogada de 58 años. Harvey aseguró que sí conocía a Richard Gadd y sí habían compartido un poco de tiempo juntos pero que "su historia es una burda intromisión en mi intimidad. No le he visto en 12 años". Además, aseguró que lo iba a denunciar por difamación. “Llamaré a la Policía si alguna vez te acercas a mí. Te voy a demandar a vos, a ese diario y a la tonta que escribió el artículo con vos. Espero que eso te quede claro, incluso para un imbécil como vos. Exigiré que el diario te despida. No me gustas ni nunca me gustaste”.Después de sus declaraciones, Fiona Harvey fue entrevistada por Piers Morgan, el editor, periodista y presentador de televisión británico. Durante el programa, Harvey aseguró que lo que Gadd contaba en la serie de Netflix era una mentira. ¿Quién era Teri en la vida real?Según las búsquedas de las personas en Internet y sus suposiciones, Teri, quien interpreta a la novia trans de Donny, es en realidad Anna de Simone. Esto debido a su parecido físico y porque ambas comparten la misma profesión, psicología. Quienes aseguran que esta es la verdadera identidad de Teri incluso compararon contextos y ubicaciones de la vida del personaje con Anna de Simone para demostrar que sí es cierto. ***Si les gustó la serie, les recomendamos ver: Baby Reindeer: análisis psicológico del 4cos0 en la serie con María Elisa Dávila #35mm | Shock
Después de que Yorgos Lanthimos lograra un fenómeno con Poor Things, una película aclamada por los críticos y muy premiada en los Oscar 2024, llega su nueva producción Kinds of Kidness. El largometraje tuvo la premier mundial en el Festival de Cannes. Emma Stone y Willem Dafoe, protagonistas de Poor Things, también hacen parte del elenco de esta nueva película del director griego. Asimismo, actores como Joe Alwyn (La favorita), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Hunter Schafer (Euphoria) y Jesse Plemons (Amor y Muerte), entre otros, componen esta historia contemporánea. Yorgos Lanthimos trabajó con el guionista Tony McNamara en Poor Things y La favorita, pero para Kind of Kidness dirigió el guión de Efthimis Filippou, conocido por escribir Lobster y El sacrificio de un ciervo sagrado. Teaser oficial de 'Kinds of Kidness'¿De qué trata 'Kinds of Kidness'?Aunque no se ha publicado el trailer oficial de la película, Yorgos Lanthimos afirmó que: “Es una película contemporánea, ambientada en Estados Unidos: tres historias diferentes, con cuatro o cinco actores que interpretan un papel en cada historia, por lo que todos interpretan tres papeles diferentes. En realidad, fue casi como hacer tres películas”.Después de su estreno en el Festival de Cannes, se ha calificado como una historia de "canibalismo, cultos sexuales y libertinaje". Además, la desnudez es una parte clave de la trama. Las primeras críticas de 'Kinds of Kidness'A pesar de que en el Festival de Cannes la película tuvo una ovación de cuatro minutos, varios medios ya han publicado críticas en las que se demuestran su decepción frente al largometraje. El periodista especializado en cine, Javier Zurro, escribió una reseña en elDiario.es donde afirma que Kinds of Kindness es un elogio a la crueldad. "No lo es [una comedia graciosa] porque Lanthimos está constantemente preocupado por provocar y epatar. Por ser incómodo y retorcido. Tanto que se pasa de vueltas todo el rato. Disfruta torturando a sus personajes hasta los límites más insospechados. Nunca les da una salida ni una oportunidad". Por otro lado, Nicholas Barber escribe en la BBC: "Por más oscura que siempre haya sido la comedia de Lanthimos, hay momentos en que la crueldad se vuelve casi insoportable". Además, afirma: "Ciertamente, aquellos de nosotros que argumentamos que el sexo y la desnudez en Poor Things eran importantes para la historia de liberación y confianza en sí misma de Bella puede resultarnos más difícil defender Kinds of Kindness". Sin embargo, y dejando de lado estas críticas negativas, las primeras votaciones en Rotten Tomatoes le han dado a la película una puntuación del 95%. Tendremos que esperar a que la película se estrene, el 21 de julio del 2024, para tomar una decisión sobre lo que pensamos sobre Kinds of Kindness, la nueva película del director griego. ***Si les gustó Poor Things, les recomendamos leer: Poor Things: el fastidio que nos genera la libertad - Análisis y significado de la película
Nick y Aaron Carter: ídolos caídos es una docuserie en dos partes de Investigation Discovery que explora las vidas de los hermanos Nick y Aaron Carter, el primero conocido por su participación en lso Backstreet Boys. La serie se estrenará en Max con su primera parte el 27 de mayo y la segunda el 28 de mayo. Además, estará disponible en Discovery a partir del 7 de junio a las 22:00 hs (Colombia) en un formato de cuatro episodios de una hora, con el estreno de un capítulo cada semana.¿De qué trata Nick y Aaron Carter: ídolos caídos?Desde su meteórica fama a finales de los años 90 y principios de los 2000 hasta los conflictos que los llevaron a los titulares en años recientes, la docuserie revela la tensa dinámica familiar de los Carter y un lado no tan conocido de su ascenso a la fama. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos examina las acusaciones de abuso sexual contra Nick Carter, realizadas por tres mujeres, mientras aborda las luchas de Aaron Carter con la salud mental, el abuso de sustancias y la ruptura entre los hermanos tras el apoyo de Aaron a las denunciantes de Nick.En 2017, Nick Carter fue acusado de abuso sexual por Melissa Schuman, ex miembro del grupo musical femenino DREAM, mientras él y los Backstreet Boys estaban en la cúspide de su fama. En los años siguientes, otras mujeres, Ashley Repp y Shay Ruth, presentaron acusaciones similares. Durante este tiempo, Aaron Carter apoyó a quienes denunicaron a Nick, mientras lidiaba con sus propios problemas de adicción y salud mental, lo que llevó a una disputa pública entre los hermanos antes de la trágica muerte de Aaron en 2022. La serie profundiza en las acusaciones contra Nick y cómo se entrelazaron con la volátil relación entre los hermanos.La serie cuenta con entrevistas exclusivas a Melissa Schuman, Ashley Repp y Shay Ruth, quienes ofrecen perspectivas emotivas e impactantes sobre sus acusaciones contra Nick. Nick y Aaron Carter: ídolos caídos busca ofrecer una comprensión más profunda de las denuncias, y narrar la intensa reacción que las denunciantes han enfrentado desde que decidieron hablar públicamente, y el impacto duradero en sus vidas. La docuserie también incluye testimonios de un miembro de la familia Carter y amigos cercanos, como la ex novia de Nick, Kaya Jones, y la ex prometida de Aaron, Melanie Martin, brindando una mirada íntima a cómo la intensa fama y los conflictos provocaron una ruptura entre los hermanos.
Desde hace años en algunos conciertos en Colombia se vienen implementando los palcos, es decir, espacios delimitados frente al escenario destinados a grupos más grandes, normalmente de 10 personas . Es una modalidad usada principalmente en conciertos de reggaetón o música popular. Recientemente, Nicky Jam se pronunció al respecto. Nicky Jam dio una entrevista al canal de video 'Mario VI TV' y habló sobre la organización de conciertos en el país. Según el puertorriqueño, la forma en que se organiza al público en los escenarios en Colombia. a menudo dificulta la conexión con los artistas. Por eso dijo que "los conciertos de Colombia son los más difíciles", en un fragmento de la entrevista que se viralizó en X (Twitter). "El promotor pone palcos donde están los ricos, mientras que la masa que realmente canta las canciones está en las zonas generales. No sientes al público, porque los que están al frente no gritan ni hacen nada", comentó el cantante.Los palcos suelen tener costos más elevados que la taquilla general: recientemente para el concierto de Karol G, los costos del palco superaban los 24 millones de pesos. Además, Nicky Jam señaló que en algunos conciertos combinan artistas urbanos con intérpretes de vallenato y música popular, lo cual provoca que los fans del reguetón terminen en las zonas generales, mientras que aquellos que prefieren otros géneros ocupan los palcos. El cantante no está de acuerdo con esta forma de organización, ya que considera que el espectáculo debería ser para todos."Yo soy de energía. Si estoy en el escenario y no siento a la gente gritando, me desanimo inmediatamente", complementó el artista. Nicky Jam destacó al estadio Atanasio Girardot en Medellín como un buen escenario: "Me gusta cómo prepararon el Atanasio. Es sin palcos, por eso se siente como un verdadero concierto con el pueblo. Me encanta cantar y estar cerca de la gente, sentir que puedo chocar los cinco con alguien. Pero eso es lo que hacen los promotores de allá, y mis respetos para ellos por seguir contratándome", concluyó.Nicki Jam forma parte del cartel de La Eterna, evento que se celebrará el próximo 3 de agosto, precisamente en el Estadio Atanasio Girardot.
Pimpinela, el dúo argentino compuesto por los hermanos Lucía y Joaquín Galán, fue un éxito a finales de los 80 y principios de los 90, gracias a asus cancioens dramáticas con diálogos cantados. Canciones como A esa, Olvídame y pega la vuelta, Ahora decide y Ese estúpido que llama. En uno de los videos de Pimpinela hay un cameo que aún hoy, más de 30 años después de su estreno, sigue llamado la atención: eld el actor Christopher Reeve, conocido por interpretar a Superman. El video musical de Heroína Solitaria"debutó en 1993 como parte del álbum Pimpinela 92. El vídeo retrataba una fantasía romántica que involucraba a una joven secretaria que trabajaba para un poderoso hombre de negocios. A lo largo del vídeo, la trama se desarrolla con deseos reprimidos entre la "heroína solitaria" y su misterioso jefe, que inteligentemente nunca aparece del cuello para arriba, manteniendo un aire de misterio como el objeto secreto de su afecto.La interacción entre Lucía y Joaquín en la canción refleja una lucha constante entre mantener la profesionalidad y ceder ante los sentimientos. El título se refiere a su gran esfuerzo para mantenerse profesional en una situación que claramente la afecta emocionalmente. Mientras el dúo argentino interpreta su sentida canción ante un público cautivado, la trama se complica cuando el jefe olvida sus billetes de avión para un viaje crucial. En una carrera desesperada por entregarlos, la secretaria lo alcanza y le revela que no es otro que el propio Superman, interpretado por el querido actor Christopher Reeve. Reeve reconoce gentilmente su esfuerzo y queda cautivado por la joven.El video fue filmado justo antes del trágico accidente de Christopher Reeve en 1995, que resultó en una lesión en la médula espinal que lo dejó paralizado. A pesar de sus desafíos posteriores, Reeve, quien inmortalizó al superhéroe Superman, continuó inspirando a muchos hasta su fallecimiento, el 10 de octubre de 2004.